DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Algunos encontrarán esta traición Aretha, pero en realidad Etta James es un alma mucho más fuerte que Aretha Franklin.

Con este último, a menudo está claro que tenía un fondo de gospel, por lo que su voz muy poderosa a veces tendía a sobresalir demasiado de la música.

En Etta James, su voz está mucho más equilibrada con la música. Especialmente en este álbum para la etiqueta Chess, donde podían contar con una banda de estudio muy apretada.

Cuando se balancea, realmente se hace todo lo posible para ofrecer una canción de soul bailable.

Y durante las baladas, es de nuevo la colaboración entre Etta James y los músicos que convierte la canción en un barril lleno de agitación.

Esto es lo que hace que este álbum sea uno de los álbumes de soul más castigados de los años 60.

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Puede ser más evidente en Mean Town Blues, que tocó junto con el maestro en la década de 1970, pero también está presente en casi todas las demás pistas aquí: la influencia de Johnny Winter. Y esto se entiende de una manera positiva, ya que la versión de Derringer del blues es casi tan dura y explosiva como la de Winter cuando ambos tocaron juntos en esos álbumes legendarios. 

Lo más reminisciente de su trabajo con Johnny y Edgar Winter, en “Back To The Blues”, el guitarrista Rick Derringer recorre toda la gama, desde el blues lento hasta las mezclas de vapor (“Blue Suede Blues” es un asesino absoluto que te hará conducir por la autopista a los 90 si lo tocas en tu coche) con una intensidad y destreza que te recordará dónde comenzó todo y hasta dónde ha llegado. El guitarrista Kevin Russell también se une a la refriega, ya que el dúo cortó la cabeza durante tres minutos en “Blues All Night Long” y durante casi el mismo tiempo en “Time To Go”. Otro punto destacado de “Back To The Blues” es el funkified “Crybaby”, así como la canción del título belicosa.

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Durante mucho tiempo, me ha intrigado esta extraña portada que muestra un paquete de cigarrillos de una banda llamada Camel. Tenía curiosidad por saber qué tipo de música podría ser. Pero cuando lo escuché, al principio me gustó. El Camel instrumental puede recordarte Focus con un toque de Jethro Tull y Genesis con la flauta de Latimer.

La dinámica "Freefall" es una excelente apertura, mientras que "Supertwister" tiene una hermosa flauta tocando con cambio de ritmo. "Earthrise" es otra joya maravillosa con largas partes instrumentales y un excelente sintetizador. La última canción, "Lady Fantasy", es un clásico de Camel.

Tenga en cuenta que la reedición remasterizada de 2002 contiene más de 30' de pistas de bonificación en vivo que casi duplican el tiempo de ejecución inicial... Entonces no hay forma de quejarse de ello.

UNA OBRA MAESTRA ABSOLUTA 

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En lo alto de un guiño al Grammy como Productor del Año por su trabajo en el álbum homónimo de Spinners de 1973, el cerebro del soul de Filadelfia, Thom Bell, infundió su próxima colección, Mighty Love (1974), con la mezcla similar de improvisaciones lentas exuberantemente compuestas y elegantes entradas de R&B midtempo. Aunque el grupo había existido desde mediados de los años 50, para cuando el quinteto comenzó su período en Atlantic.

Si bien cronológicamente el primer corte en llegar a las listas, ya que se había lanzado varias semanas antes del disco de larga duración, la canción principal "Mighty Love" fue irónicamente la última en el plato.

La melodía luminosa y enérgica se complementa con pistas optimistas de Smith y Wynne.

Este último se convirtió en una salida conmovedora comparable a la de Al Green.

Cuando se presentó como una pista de enfoque, se dividió en dos partes con "Mighty Love, Pt. 1" subiendo a la cima de la encuesta de R&B y hasta el número 20 como sencillo Pop.

Por el contrario, la tierna balada de más de siete minutos "Love Don't Love Nobody" es una historia de afecto no desgarradora pero demasiado común. También es un vehículo perfecto para el tono preciso y el rango vocal elástico de Wynne, siguiendo los exitosos pasos de "I'm Coming Home" y "Love Don't Love Nobody" aterrizando en el tramo superior (número cuatro) del R&B, así como el Top 20 (número 15) de la cuenta regresiva Pop.

Entre las selecciones más prominentes hay algunos lados menos conocidos pero igualmente valiosos, como el exquisito y refinado "He'll Never Love You Like I Do" y el funky y relajado "Ain't No Price on Happiness", que regoza el sonido inconfundible del alma de Filadelfia.

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El vibrafonista Roy Ayers construyó una reputación a partir de su interpretación en los albums de Herbie Mann, desde Impressions of the Middle East (1967) hasta Memphis Two Step (1971).

Mann produjo dos álbumes en solitario para Ayers durante ese tiempo, cuyas mejores pistas ahora se condensan en Daddy Bug and Friends, el mejor disco de Ayers.

El rojo, el negro y el verde se acercan, haciendo coincidir la velocidad de Ayers con una línea delantera de tracción del saxo soprano de Sonny Fortune, la trompeta de Charles Tolliver y el trombón de Garnett Brown. Posteriormente, Ayers encontró un éxito comercial con la discoteca al minimizar el solo y la posición de composición a favor de patrones rítmicos urgentes y dominados por el bajo, pero el precio que ha pagado por la fama es el dinero. 

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En 1975, Stanley Clarke fue parte de Return to Forever, mientras que la lista de músicos incluye a Jeff Beck y John McLaughlin. Por lo tanto, puedes adivinar que Journey to Love no está muy lejos de los álbumes de RTF de la fecha (Where Have I Known You Before fue lanzado en '74, No Mystery '75 y Romantic Warrior '76), agregando algunos Jeff Beck del mismo período (Blow by Blow fue lanzado en '75 y Wired '76) y posiblemente algunos McLaughlin pasando de Mahavishnu Orchestra a una dirección más acústica.

En realidad, gran parte de este álbum es bastante bueno. Si la segunda parte de "Song to John" apareciera en el lado A en lugar de la primera parte, hablaría de uno de los mejores álbumes de fusión de jazz de este lado de Heavy Weather. Desafortunadamente, al igual que la primera parte antes mencionada, "Conceto for Jazz / Rock Orchestra" no es muy interesante. Por supuesto que tampoco está mal, la parte III de conducción está especialmente bien, pero el álbum pierde parte de su enfoque en su viaje hacia el amor. A mitad de camino.

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Como todos los grandes, Wanda Jackson nunca pasa de moda .

Pero esta es una explosión de 1961 en un sello de reedición llamado Rumble. Olvídate de aburrirte porque el álbum es corto y dulce en menos de 30 minutos.

Dicen que "la nostalgia no es lo que solía ser", ¡pero la fiesta de Wanda es algo que está sucediendo! Ella tiene un gran estilo vocal propio, mientras que hay rastros de Elvis, Little Richard y algunas cantantes de country honky tonkin.

Todo está twanging, incluyendo la voz y la guitarra con mucha reverberación.

Al principio, el músico de raíces Bob Wills es citado diciendo: "¿Rock and Roll? ¡Por qué, tío, ese es el mismo tipo de música que hemos estado tocando desde 1928!... Lo importante es el ritmo".

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Dos álbumes terriblemente normales se juntaron como un CD increíblemente normal.

Si realmente estás interesado en descubrir por qué los Flying Burritos originales fueron una influencia tan importante detrás de cada estrella de rock country posterior, desde Steve Earle hasta los Jayhawks, realmente necesitas The Gilded Palace Of Sin, el debut de 1969 que contó con ambos

Fundadores, cantantes y guitarristas Gram Parsons y Chris Hillman.

Estos dos álbumes se grabaron mucho después de que ambos caballeros se hubieran ido y el grupo, famoso por su alineación "fluctuante", se hubiera retirado. De hecho, fue solo después de la muerte de Parsons en 1973 por una sobredosis de drogas que los poderes encargaron a los otros cofundadores "Sneaky" Pete Leinow y Chris Ethridge que reaccionaran al grupo. El resultado fueron estas dos buenas y no grandes colecciones en efectivo. Una bolsa de trapo de originales en el estilo y versiones de portada, si hubieran llamado a la banda cualquier otra cosa que no sea The Flying Burritos Bros, a nadie le habría importado entonces, mucho menos hoy. 

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Su actuación vocal aquí es absolutamente increíble.

Collins era una cantante tremenda, hermosa y pura.

Aquí se aleja del folk orquestado de sus últimos 2 álbumes y va por algo que se inclina más hacia el country rock con una banda de acompañamiento que incluye a Stephen Stills, Jim Gordon, Van Dyke Parks y James Burton.

La elección de canciones se mantiene fiel a su visión, combinando sus propias canciones "my father", viejas baladas folclóricas "pretty polly" y versiones de Dylan y con sus 2 piedras de toque. Su lectura de Sandy Dennys en la pista principal casi rivaliza con la original, pero por otro lado exagera "bird on a wire".

Lo mejor de todo es la tición fantasmal de la balada de asesinato tradicional "pretty Polly"

Aún así, un álbum muy sólido de los años 60 de Collins. 

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¿Es Carly Simon o es Rod Steward? Al igual que Rod, a quien se le ha dado la reinterpretación tanto de sus estándares como los de los demás; Carly, una de las artistas que defendió por primera vez la noción de soft-rock, mucho antes de que Fleetwood Mac hiciera de ellos un pilar en la mesa de tres acordes del rock, nos ha presentado algunos de los clásicos suaves más mantecosos, que no solo han sido refinados, sino que se han derretido todos los bordes, lo que me hace preguntarme qué pensé que había escuchado en un número como "Your So Vain".

Honestamente, tuve que volver y escuchar la versión original solo para sentir una sonrisa, y disfrutar un poco de la arrogancia y la actitud de esa pista clásica. 

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Tras su debut,su otro gran disco.La asociacion Hunter-Ronson en pleno apogeo,con un puñado de temas inspiradisimos,parte importante de su repertorio desde entonces.Himnos como "Cleveland rocks" o "Just another night" no se paren todos los dias,y cosas tan sentidas como "Standin' in my light" tampoco.Ademas estan esos medios tiempos de sonido denso y especial,como "Bastard" o "Ships" para hacerlo variado y adictivo .

Colaboracion de John Cale,que en mi caso siempre es un dato positivo,y un Mick Ronson demostrando porque le echamos tanto de menos. 

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Rara vez una banda de Rock and Roll ha sido tan decididamente poco cool como Grandaddy. Son un poco gorditos, llevan gorras a cuadros y de béisbol y pantalones vaqueros que no se ajustan mal. Me acuerdo de una música anti-Roxy Music. Toma todos los elementos que hicieron que el retrofuturismo de Roxy Music fuera para siempre e increíblemente genial y haz lo contrario y obtendrás algo bastante parecido a Grandaddy.

Grandaddy tiene un talento natural para dominar los tonos y los armónicos. Los instrumentos y las voces parecen estar en un ancho de banda armónico ya hecho. Todo suena tan natural que es imposible resolverlo, ya sea por arte o por diseño. A mediados de los 90, los snyths y los teclados en general eran una especie de anatema para las bandas de indie y rock estadounidenses.

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Car Seat HeadRest proporcionó un resumen del rock alternativo de los 90 con adolescentes de la denegación. Por desgracia, desde el power-pop sin lujos de "Fill in the Blank", hasta la telenovela indie-rock al estilo de Weezer "Vincent", y desde la ruidosa narrativa estilo Pixies de "Destroyed by Hippie Powers", hasta el relajante insulto de Pavement de "Drugs With Friends", una cosa se vuelve obvia: que hemos escuchado todo esto antes.

Lo más destacado viene con la creciente intensidad lírica del "Héroe Cósmico" de 9 minutos. Los cambios dinámicos precisos muestran que tienen una buena comprensión de la composición, mientras que las largas duraciones muestran que tienen ambición.

Ahora todo lo que les queda es desarrollar una identidad original.

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Un miembro fundador de la banda griega de rock progresivo Aphrodite's Child,

Sus grandes y apocalípticas visiones musicales fueron la fuerza guía del tercer álbum del grupo, 666, un recuento musical del libro bíblico de la Revelación, inspirado en Sgt Pepper's y The Who's Tommy. Todo esto fue demasiado para los otros miembros del grupo, y la banda se disolvió poco después.

A estas alturas, sin embargo, Vangelis ya estaba en otro camino. Su siguiente proyecto fue la banda sonora del documental sobre vida silvestre de Frédéric Rossif de 1970 L'Apocalypse Des Animaux, y su sonido, un conjunto de piezas conmovedoras y sinfónicas para el órgano Hammond, Fender Rhodes y la trompeta, da una idea de lo que estaba por venir. A principios de los Sos, el compositor griego sería uno de los más buscados de todo Hollywood, gracias a sus partituras para Blade Runner y Chariots Of Fire, el último de los cuales ganó un Oscar en 1981. Ahora, Delectus, un boxset de 13CD bellamente presentado, recopila los primeros trabajos de Vangelis para Vertigo y Polydor, recién remasterizado bajo la supervisión del propio compositor.

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1994 fue un año bastante grande para la música techno en el Reino Unido. Una multitud de grandes artistas de techno de los 90 lanzaron álbumes este año, principalmente en respuesta a la Ley de Justicia Penal que prohibió las raves en el país.

Orbital fue uno de esos artistas, pero si no lo supieras de antemano, no serías capaz de saberlo con solo escuchar este disco.

Al igual que muchos discos de techno, la antítesis de este álbum se basa en estas canciones largas con instrumentales realmente complejos y sinuosos.

A veces toma un tiempo llegar a las partes buenas, lo que hace que el álbum se sienta un poco hinchado y agotado.

Pero cuando esas partes buenas finalmente llegan, son bastante buenas. 

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El autobús de la modernidad salió y dejó a Kurt Wagner y su banda tirados. Si estás dispuesto a hacer el camino a pie, sin prisas, éste es tu disco.

Un disco que podía sonar ahora como hace muchos años.

En el mejor o en el peor sentido, según se entienda.

No aspira tampoco a ser intemporal o imitar a nadie.

Es un disco sosegado, con arreglos delicados y voz sentida, sin el falsete de antaño, más cercano a los últimos discos de Lambchop.

Porque ahora Lambchop ya no esperan inventar nada, ni sacar el traje fastuoso para ser invitados a las mejores fiestas como en los tiempos de "Nixon" (2000), o ser cabeza de cartel de ningún festival.

Para los más fieles, siempre estarán allí, como esos actores de reparto que siempre cumplen, haciendo una carrera digna con el paso de los años, fuera de las modas y los candeleros.

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World Falling Down reúne a Cetera con el productor David Foster, que lo convirtió en una estrella con las exitosas baladas de poder del XVI y XVII de Chicago.

Sin embargo, mientras esa banda se mantuvo atrapada en una espiral de muerte de baladas de poder en el XXI de 1991, Cetera y Foster avanzan sabiamente hacia un enfoque más contemporáneo y restringido.

Sí, el álbum contiene un gloop romántico azucarado, como el dúo con la vieja amiga Chaka Kahn Feels Like Heaven, que es un cliché de principio a fin, pero hay algunas sorpresas aquí. Incluso un tonto puede ver puede tener un sonido agradable y suave 

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Set Me Free es, de hecho, el himno más grande aquí y un eterno clásico del hard rock. Las otras canciones se acercan a ello. El Heartbreak Today, parecido a una balada vocal (tiene un groove de Deep Purple), el Uptempo y el coro No You Don't, el rebelde Rebel Rouser, el rock 'n' rolling Peppermint Twist o el largo Sweet F.A. son excelentes canciones de hard rock de mediados de los 70 llenas de voces increíbles y rock de guitarra. Restless es la única canción algo más débil aquí, seguida del otro punto culminante, In to the Night tiene los segundos riffs más crujientes. AC-DC cierra el disco de forma merecida.

No es una música muy intelectual, pero el rock hard rock está a la orden del día aquí y se siente bien escuchar este álbum clásico.

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Nacido en las profundidades del underground, mezclando entonces en un gran lío, garage rock - etiqueta a la que los hemos unido durante demasiado tiempo -, rock experimental o incluso jazz-fusion, White Denim ha alcanzado con su obra maestra de un punto de no retorno.

Un disco unico, capaz de fusionar en un solo punto el progresivo rock del Yes Album con raíces southern / boogie.

Corsicana Lemonade mostró claramente deseos de normalización: si está claro que el nivel de interpretación detrás descartaba a White Denim en absoluto, y que los texanos todavía se permitían algunos planes muy extraños, el coming-out blues/southern/soul ya estaba allí. 

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"Incluso puedo hacer 'Heart Of Gold' de Neil Young, pero lo hago mío..."

Dijo Charles Bradley

Changes se lanzó en Daptone, y su canción principal e inspiración provienen de una fuente sorprendente. En manos de Bradley, la canción de Black Sabbath, la melodía característica de Ozzy, se convierte en una obra maestra del alma profunda. "Me recuerda el día en que mi madre me dejó. Escuché mucho el álbum de Black Sabbath en ese momento... y cuando escucho esa última parte, todavía puedo escuchar su último adiós: "Todos mis días se han convertido en lágrimas.Ojala poder volver atrás y cambiar estos años". Esa emoción, esas palabras..." 

Es la tarjeta de presentación de un álbum de soul que sacude los huesos, desde el optimista "Ain't It A Sin" hasta el funky melodrama de "God Bless America/Good To Be Back Home". 

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