MIRANDO LAS ESTRELLAS 14. David Bowie

Miramos hoy al universo y nos deslumbra una constelación formada por 7 estrellas con forma de rayo. Su nombre, David Bowie. Así homenajearon un grupo de astrónomos al músico por considerarlo  "un artista de fuera de este mundo". En bastantes ocasiones se inspiró en el universo. A un artista que no fue uno solo sino múltiples personajes le correspondían varias estrellas.

David Bowie fue uno de los músicos y artistas más influyentes e innovadores del siglo XX. Nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Comenzó a tocar la guitarra y a escribir canciones desde una edad temprana.

En 1969 lanzó su primer gran éxito, el sencillo "Space Oddity". A partir de ahí, Bowie continuó evolucionando su sonido y estilo a lo largo de su carrera, adoptando una amplia variedad de influencias musicales y experimentando con diferentes géneros y estilos.

A lo largo de su carrera, publicó una serie de álbumes aclamados por la crítica y muy influyentes, como "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", "Heroes" y "Scary Monsters (and Super Creeps)". Su sello personal fue siempre reinventarse a sí mismo, adoptando diferentes personajes y alter egos en sus actuaciones y vídeos musicales.

 Tuvo una exitosa carrera como actor, apareciendo en películas como "The Man Who Fell to Earth", "Labyrinth" y "The Prestige".

Murió el 10 de enero de 2016 a los 69 años. Su legado musical e impacto en la cultura popular continúan siendo enormes, y su música sigue siendo muy influyente en la actualidad.

Fue un artista innovador y visionario, que combinó elementos de rock, pop, electrónica, jazz, soul y otros géneros para crear su propio sonido distintivo. Su álbum "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (1972) fue un gran éxito y se considera uno de los discos más influyentes de la historia del rock.

Pocos artistas cultivaron la imagen y la personalidad escénica como él. Su estilo andrógino y sus extravagantes trajes y peinados inspiraron a toda una generación de artistas y tuvieron un impacto significativo en la moda y la cultura popular.

La revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 13 JANIS JOPLIN

Bucear en los entresijos de la historia de la música rock ha sido momento a momento un pasatiempo tan mágico como fascinante. Cuando vemos una película estamos contemplando en menos de dos horas el trabajo de muchos meses de un equipo de personas. 

Cuando oímos una canción, de tres, cuatro o cinco minutos, nos estamos asomando muchas veces al alma de su autor o de su intérprete. Cuando asistimos a un gran concierto de rock, somos testigos de lo más externo y superfluo. Recibimos descargas decibélicas, adrenalina en dosis total, participamos del shock y de la comunión como acólitos fieles y somos parte del gran espectáculo. Pero hemos de saber que el espectáculo no siempre está de cara al escenario, sino a espaldas de éste. La vida de las estrellas del rock no es fácil.

Y algunos se quedan en el camino muy jóvenes,dándole un mitifico sentido a su música.

Ese es el caso de Janis Joplin

La afirmación y el compromiso de las artistas femeninas se generalizaron en los años sesenta. El avance de las divas de la música negra inspira a una nueva generación de rockeras. En la vanguardia, Janis Joplin hace suyo el lema “sex, drugs and rock’n’roll”. Se impone como emperatriz del soul psicodélico y heredera de las blueswomen de los años veinte.

Janis Lyn Joplin nació en enero de 1943, en la ciudad obrera de Port Arthur, Texas, en un entorno bastante conservador. En desacuerdo con las costumbres del Sur, no se reconoce ni en la segregación ni en el modelo femenino que se le propone. Desde la infancia, se acostumbró a vestirse como un niño, negándose a usar faldas y vestidos, un hábito que mantendrá toda su vida. Mal en su piel, burlada por su físico, se refugia en la música, cultivando un fuerte gusto por las voces y actitudes de Billie Holiday, Odetta, Big Mama Thorton y Bessie Smith, cuya presencia y libertad admira.

También le gusta Etta James y Aretha Franklin, de los que toma prestada su energía. Su cultura musical es afroamericana y femenina. Orientada a las artes gráficas y la literatura, ella misma no llega al canto hasta finales de la adolescencia. 

En la escuela secundaria, se funde en el universo inconformista de los beatniks y hace sus primeras experiencias hacia los márgenes. Le gusta la embriaguez y las drogas, prueba la homosexualidad, al igual que las heroínas blues cuyas discos escucha. 

Janis Joplin fue conocida por su poderosa voz y la gran intensidad de su interpretación.

Tras publicar tres álbumes, murió de una sobredosis de heroína a la edad de veintisiete años. Un cuarto álbum, Pearl, fue publicado en enero de 1971, tres meses después de su muerte. Aun a pesar de que se encontraba todavía en fase de elaboración, este álbum fue un éxito de ventas, alcanzando el número uno en las listas de Billboard.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 12. FREDDIE MERCURY (QUEEN)

Mirando las estrellas de la música de nuestro tiempo, hay una que emite destellos especiales.

Cuesta creer que un artista al que han calificado como extravagante, provocador, hedonista, camaleónico... fuese un ser generoso, reservado, un tímido celoso de su intimidad.

 En el escenario se transformaba en un derroche de energía donde sobresalía su voz poderosa. Su personalidad transgresora no dejaba a nadie indiferente. La muerte prematura por el SIDA añade un elemento que amplificó su leyenda. Han pasado 31 años y  parece haber calado también en las nuevas generaciones en parte gracias al estreno en  2018 de 'Bohemian rhapsody', la película sobre Queen que supuso un éxito mundial. 

Freddie Mercury nació el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, de familia parsi. Se establecieron en 1964 en Feltham, un suburbio londinense, atrás quedó una vida acomodada pasando a formar parte de la clase trabajadora, lo que no supuso ningún problema para el joven Freddie. Estudió moda y diseño gráfico, aunque tuvo que trabajar como mozo de almacén y en otras ocupaciones para sostener la familia.

En 1970  Brian May (guitarrista), Roger Taylor (batería) y Freddy Mercury (líder y vocalista) forman Queen, un grupo que alcanza su cima en la segunda mitad de los setenta , mezclando con atrevimiento pop, hard-rock, música disco, funk y ópera.

A principios de los setenta sacan sus dos primeros discos muy influenciados por el rock progresivo y el hard-rock de bandas como Led Zeppelin. Con el tercero, Sheer heart attack (1974) empieza a tener mayor relevancia.A night at the opera (1975) alcanza el número uno en Reino Unido y Australia y gran repercusión en todo el mundo. Incluía el single "Bohemian rhapsody". Grabación  imprescindible en la historia de la música pop, llevando a Queen a la primera división del rock mundial. Filmaron un corto interpretando el tema que está considerado como el primer videoclip de la historia.

Siguieron discos importantes como A day at the races (1976), News of the world (1977) o Jazz (1978), con éxitos como "Somebody to love", "We are the champions", "We will rock you", "Bicycle race" o "Don't stop me now".

Alcanzaron el número uno en Norteamérica con "Crazy little thing called love", un rockabilly homenaje a Elvis Presley que arrasó a ambos lados del Atlántico a finales de 1979. "Another one bite the dust" también logró el primer puesto en las listas.

The works (1984), incluía el tema "I want to break free", en cuyo videoclip, que censuró la MTV, aparecían vestidos de mujer.

Sus giras tuvieron momentos culminantes: sus dos conciertos en la primera edición de Rock in Rio, ante más de 350.000 personas; y sobre todo, su presencia en el Live Aid que se celebró de forma paralela en los estadios de Wembley (Londres, Reino Unido) y John F. Kennedy (Filadelfia, Estados Unidos) el 13 de julio de 1985. Queen fue una de las grandes atracciones de este festival benéfico en el que participaron las mayores estrellas del momento: Bob Dylan, Pretenders, Madonna, Eric Clapton, Neil Young, Led Zeppelin -que se reunieron exclusivamente para la ocasión-, U2, Sting, Santana o Elton John.

Sus directos terminan con una breve gira europea de una veintena de conciertos, tres en ciudades españolas: Madrid, Barcelona y Marbella. Ante más de 120.000 personas, el grupo ofreció en Knebworth Park, al norte de Londres, el último concierto de la gira y también el último con su formación clásica."Solo quiero hacer música hasta que muera", declaró. Antes cumplió su sueño de colaborar con la soprano española Montserrat Caballé, de la que era una admirador confeso, y con quien grabó el disco Barcelona (1987). Un año después, el 8 de octubre de 1988, Caballé y Mercury ofrecieron una breve show frente a la fuente de Montjuic, con motivo de la llegada a Barcelona de la antorcha olímpica. Fue la última actuación pública del artista. 

En 2016, en el 70 aniversario del nacimiento del cantante, la Unión Astronómica Internacional decidió llamar 'Freddiemercury 17473' a un asteroide descubierto en 1991 en el cinturón que orbita entre Marte y Júpiter.

 Una estrella con nombre propio.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 11. LEONARD COHEN

Se han cumplido ya seis años de la desaparición del artista canadiense

Poeta, novelista  y cantante. Su brillante carrera musical, no debe hacernos olvidar que el músico publicó muchos libros antes de subirse a los escenarios.

Nació en Montreal, Canadá, el 21 de septiembre de 1934 y murió en Los Ángeles, Estados Unidos, el 7 de noviembre de 2016.

Admiró desde joven los versos de autores como W. B. Yeats, Walt Whitman o Federico García Lorca.

 En 1966 empezó a actuar en los escenarios de los clubes neoyorquinos. John Hammond (cazatalentos del sello CBS, que atrajo a figuras como Aretha Franklin, Bob Dylan o Bruce Springsteen) fue el responsable final del paso de Cohen a la música, tras verlo actuar en el Festival de Folk de Newport de 1966.

Songs of Leonard Cohen, su primera grabacion, fue un éxito. La sencillez de la voz y la guitarra realzaban la belleza de las letras. 

El segundo álbum, Songs from a room  se mantuvo en la misma línea y  lo convirtió en líder de toda una generación.

Ya en los setenta, su producción discográfica comenzó a hacerse más elaborada en arreglos y contenidos. Destaca New skin for the old ceremony ( 1974).

Tras Greatest Hits (1977), aparece Death of a Lady, producido por Phil Spector, con quien tuvo fuertes discrepancias en los arreglos, lo  que perjudicó el resultado final. 

Volvería a sus raíces en Recent songs 1979).

El álbum I'm your man, de 1988, con tintes políticos y sociales, consigue grandes ventas a ambos lados del Atlántico.

Sus posteriores trabajos, siguieron demostrando un alto nivel. En The future (1992), mezcla de estilos: baladas, coros góspel, country-pop,  resumía el desmoronamiento de una época, de los ideales de finales de los años sesenta.

En 1995 se retiró a un monasterio zen en San Diego, donde permanecería durante seis años. 

Volvió en 2001 a la escena musical para presentar el vigésimo tercer álbum de su carrera, que se editó con el escueto título de Ten new songs.

Dear heather, Old ideas, Popular problems y You want it darker fueron los últimos títulos de su discografía.

Como cantante recibió el Crystal Globe en 1988 por haber vendido cinco millones de discos fuera de Estados Unidos. En 1991 entró en la Hall of Fame de músicos en Toronto. En 1993 le fue concedido el Juno al mejor cantante masculino del año.

En literatura, la lista de reconocimientos es extensa. Entre ellos dos títulos Honoris causa por las universidades de Dalhousie y McGill, y en 2011  el Premio Príncipe de Asturias de las Letras.

Sus canciones han sido muy versionadas  por artistas de diferentes estilos y países.

Una estrella que nos dejó una obra redonda, canciones grabadas ya en la memoria popular. 

Su hermosa voz grave seduce con la solemnidad

de un profeta y emociona con el lirismo de sus letras.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 10. JIMI HENDRIX

Hubiera cumplido ochenta años el próximo mes de noviembre. Pero se despidió fugazmente de este mundo el 18 de  septiembre de 1970 en circunstancias todavía no muy bien aclaradas. Aún circulan varias hipótesis, la versión oficial certificó que murió ahogado por su propio vómito tras una ingesta de drogas alcohol y pastillas para dormir. Solo tenía 27 años. 

A pesar de su corta carrera profesional, duró cuatro años, es considerado uno de los músicos más influyentes de la historia del rock y el mejor guitarrista. 

Los grandes artistas de este instrumento  lo tienen como su principal referente. Desarrolló la técnica y los efectos de la guitarra eléctrica hasta darle entidad propia, mediante la saturación de sonido en los amplificadores y el uso del pedal wah-wah para generar efectos sonoros. Se ha dicho que hasta Hendrix la electricidad era solo la fuente de alimentación del instrumento, con él pasó a formar parte de la música 

Jimi Hendrix empezó a tocar a los 12 años de forma autodidacta. Se inició en el blues a principios de los 60, y trabajó para artistas del soul y el rhythm and blues como B.B. King, Sam Cooke, Jackie Wilson y Ike & Tina Turner. 

En 1964 formó en Nueva York su primer grupo y compuso algunas canciones.

Tras unas actuaciones en el Reino Unido en 1966 y 1967 obtuvo una gran repercusión. Temas como Purple Haze, The Wind Cries Mary y Hey, Joe coparon las listas inglesas de éxitos.

De vuelta a los Estados Unidos se convirtió en un mito  por sus fantásticos conciertos en los festivales de Monterrey (1967) y Woodstock (1970).

Hay unos veinte discos editados, aunque sólo publicó tres en vida: Are you Experienced? (1967), Bold as Love (1967) y Electric Ladyland (1968).

Una música de una intensidad pocas veces igualada. 

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 9. LED ZEPPELIN

La banda  formada por el vocalista Robert Plant, el guitarrista Jimmy Page, el bajista/teclista John Paul Jones y el batería John Bonham se creó en Londres en 1968.

Hay bastante unanimidad en considerar a los cuatro miembros de Led Zeppelin entre los mejores de su especialidad. Y ahí se encuentra también John Bonham como uno de los mejores bateristas. Un instrumento que suele quedar en segundo plano, ante la mayor presencia del vocalista y las guitarras.

Pero es justo decir que la gloria del grupo también se debe a este músico genial, estrella que nos dejó hace 42 años.

Nació un 31 de mayo de 1948, en pocos años revolucionó la concepción del instrumento y su influencia fue central para las generaciones musicales posteriores. Murió trágicamente, tras haber consumido enormes cantidades de alcohol, el 25 de septiembre de 1980, a los 32 años. Y este fue el punto y final para la legendaria banda 

Con influencias del blues y el folk, dieron un vuelco al rock y sus diferentes estilos derivados, como hard rock, hard rock blues, heavy rock, heavy metal. No habría que olvidar su influencia en el punk.

 Atlantic Records firmó un contrato dándoles libertad artística. Grabaron ocho álbumes de estudio en una década. Su debut en 1969, aunque tuvo una crítica muy negativa de la revista Rolling Stones, fue un éxito de público entrando en el top 10 de varios países. Su cuarto álbum sin título, conocido comúnmente como Led Zeppelin IV (1971), fue uno de los discos más vendidos de la historia, con 37 millones de copias. Su álbum “Stairway to Heaven” es una de las obras más populares e influyentes de la historia del rock.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 8. ARETHA FRANKLIN

Este pasado mes de agosto se cumplieron cuatro años de la muerte de Aretha Franklin.

Pocas estrellas de la música concitan una admiración tan unánime.

La prensa reflejaba así la reacción que suscitó su desaparición:

"Miles de seguidores, políticos, artistas y activistas se citan en un funeral de más de ocho horas en Detroit. Música góspel y discursos homenajean a la reina del soul".

Nació en Memphis, el 25 de marzo de 1942.

Cantante, dotada de una voz prodigiosa, compositora, pianista. Fue una de las  figuras más relevantes de la edad de oro de la música afroamericana: gospel, rhythm'n'blues, soul.

Comenzó a cantar en la iglesia y a tocar el piano de forma autodidacta. El góspel fue siempre su querencia principal, aún incluso cuando enfocó su carrera hacia el jazz, el blues, el soul, el R&B.

 Su carrera recibió numerosos reconocimientos: mejor cantante de todos los tiempos para Rolling Stone, la segunda mujer con más Premios Grammy de la historia, y la segunda en entrar en el UK Music Hall of Fame, así como la primera mujer negra en aparecer en la portada de la revista Time. En 1987 se convertía en la primera mujer que entraba en el Salón de la Fama del Rock.

Estuvo comprometida en la lucha por los derechos civiles de la población negra, el reconocimiento de la liberación femenina y con el movimiento pacifista contra la guerra de Vietnam.

Referente, con su carrera y su actitud, para nuevas generaciones en todo el mundo.

.«Ser la Reina no se trata solo de cantar y ser un diva no se trata solo de cantar. Tiene mucho que ver con tu servicio hacia la gente y contribución social hacia tu comunidad, así como tu contribución cívica». AF

«Todos requerimos y queremos respeto. Hombre o mujer, negro o blanco. Es nuestro derecho humano básico». AF

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 7: ELVIS PRESLEY

Hay figuras de la música tan grandes que sobrepasan la simple admiración. Elvis Presley forma parte de este grupo. Una estrella que deslumbró en los años 50 y 60 del pasado siglo con su extraordinaria capacidad vocal y su imponente figura de sex símbol. Fue un ídolo juvenil que  provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.

Se acaban de cumplir 45 años después de su muerte y sigue siendo una leyenda.

Nació en Memphis, Tennessee, en el seno de una familia pobre. Desde pequeñito escuchó una música que habían inventado los negros, el gospel y el R&B, y también el country. Con estos mimbres, sobre todo imitando e interpretando la vitalidad y el impulso de la música que estaban haciendo los negros,  conformó una carrera meteórica que provocó la popularización de unos sonidos que cambiaron el mundo: el rock’n’roll.

En la América racista y conservadora de mediados del siglo XX no cabía imaginar que una música hecha por negros fuese  abanderada del cambio de estilo. Lo cierto es que intérpretes y creadores de raza negra ya hacian rock and roll cuando Elvis aun cantaba baladas country. Si los medios les hubieran dado una difusión masiva, el curso de la historia de la música habría sido distinto.

Finalmente se le atribuyó el mayor cetro en el rock &roll. Sí fue desde luego el mayor difusor y vendedor de discos del mundo.

Yo Stevie Wonder afirmó: “Sólo existe un auténtico Rey del rock and roll: su nombre es Chuck Berry”

Y hasta John Lennon, que respetó siempre a Presley, declaró: “Si quisieras encontrar otra palabra para definir el rock and roll, tendrías que decir: Chuck Berry”

Al final de su vida, vivió recluido y deprimido, aplastado por la gloria, no le dejaron respirar para buscar su inspiración. Su muerte prematura a los 42 años lo convirtió en leyenda eterna.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 6. PIONEROS DEL ROCK & ROLL

En este grupo nos gusta decir que vamos siempre en busca de descubrimientos, de la canción perfecta, aquella que nos emociona y queremos compartir con los demás. Pero también que consideramos necesario recordar constantemente el pasado. Como se suele decir, las historias de la música no se agotan nunca, y además hay que refrescarlas para que no se olviden y las conozcan las nuevas generaciones.

En esta sección de estrellas, nos detenemos hoy a mirar en el origen del rock & roll, en aquellas figuras clave que inventaron esos ritmos endiablados a mediados del pasado siglo y que se extendieron vertiginosamente por todo el planeta.

Habrá quien piense que fueron Elvis Presley o los Rolling Stones. Ellos fueron los que lo popularizaron. Primero Elvis, a mediados de los cincuenta, y luego Jagger y Richard a principios de los sesenta. Pero hay que mirar más atrás para encontrar a los verdaderos artífices de este prodigio.

Se suele considerar al disc-jockey Alan Freed  como el padre. En una emisora de radio  popularizó unos ritmos nuevos, lo que él llamaba “rock and roll”. Lo definió así:“Un rio de música que se nutre de distintas fuentes: el rhythm and blues, el jazz, el ragtime, las canciones de cowboys, el country, y el folk”.

Los que realmente inventaron esta música transgresora fueron Chuck Berry, Little Richard y Jerry Lee Lewis. 

Figuras legendarias, cuya música plena de ritmo y energía, arrasó en aquellos años 50. 

Su arte, pero también su rebeldía, sus vidas llenas de escándalos, sus actitudes muchas veces desafiantes ante la sociedad marcaron las auténticas señas de identidad del rock and roll.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 5. ÁFRICA

Nos gusta mirar de vez en cuando hacia África, también allí hay estrellas que nos iluminan. Tal vez no entraron en salones de fama, en premios grammy,  no tuvieron grandes audiencias, pero a muchos nos siguen tocando el corazón, nos hacen pensar o bailar. Nos contagian con sus ritmos, con su vitalidad y 

optimismo, con sus tambores de pasión.

Al ser un continente tan extenso y variado su música presenta una enorme diversidad y exuberancia, con un gran número de estilos musicales salidos de la tradición,  con influencias externas de Europa y América (góspel, blues, calipso, salsa...)

 La gran variedad de instrumentos musicales que utilizan: djembe, kora, xilófono, timbila...le da un sello especial.

En una tierra que sufre tantas carencias, pobreza, falta de libertades, discriminación de las mujeres, la música africana reivindica la unidad del continente para prosperar y los derechos civiles.

En esta selección se hace un homenaje a esos artistas, mujeres y hombres que ya no están entre nosotros, que fueron pioneros y dejaron un legado importante, una música viva y comprometida que sirve de guía para nuevas generaciones.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 4 . CAMARÓN DE LA ISLA

Él 2 de julio de 1992 se apagaba la voz de Camarón de la Isla. Han pasado treinta años y su figura se agiganta con el tiempo. Algunos lo cuestionaron en vida pero hoy se le puede considerar como uno de los artistas más importantes de la historia del flamenco. Sin duda el que más impacto popular causó,  dejando un halo de leyenda que no se apaga.

Grabó 200 canciones y publicó 21 discos.

El niño de pelo rubio, al que su tío apodó Camarón, a los cinco años ya cantaba en una compañía. A los doce años ganó el primer premio del Concurso Flamenco del Festival de Montilla y con dieciséis ganó el primer premio en el Festival del Cante Jondo de Mairena del Alcor. Ya en Madrid  cantó en el tablao de Torres Bermejas. 

Pepe de Lucía lo descubrió un día en el Rastro. El padre de Pepe que trabajaba para la Phillips acudió al tablao de Torres Bermejas quedando prendado del talento de aquel joven.  Así nació la colaboración entre Paco de Lucía y Camarón de la Isla. Dos estrellas se juntaron y dieron al flamenco un esplendor pocas veces igualado. La magia y el impetuoso rasgueo de la guitarra hacían crecer la voz del cantaor consiguiendo ese pellizco que inunda de emoción.  Nueve grabaciones que sirven para asentar a Camarón y marcar un hito en la historia del flamenco.

Pero esto no fue sino la antesala de nuevos retos en la ascensión del artista. 

Como todos los espíritus inquietos en el arte, su destino es la creación de nuevos caminos, renovar  En su interior bullían sonidos del más puro flamenco, como La niña de los peines, pero también otras músicas, Bob Marley, The Beatles o Pink Floyd. 

Y apareció "La leyenda del tiempo", un disco que revolucionó el género. Su impacto fue grande entre los aficionados, pero rompió barreras llegando también a un público que no estaba acostumbrado a escuchar este estilo.   Como suele ocurrir a veces con todo lo nuevo, en ciertos sectores inmovilistas no fue bien aceptado.

No podían comprender las guitarras eléctricas, las baterías, alguno llegó al extremo de romperlo o  devolverlo a la tienda.

Tratando de convencer  a estos aficionados declaró: "Los que han escuchado el disco y no les gusta tienen que escucharlo más porque está muy conseguido. El flamenco que yo hago es pop flamenco, no pop gitano". 

Lo cierto es que su onda expansiva  no paró, incorporó a otros públicos,  a otros artistas tanto de aquí como internacionales. 

Grabó con la Royal Philharmonic Orchestra,  actuó  en el Cirque d'Hiver de París, en la discoteca Palladium de Nueva York y en la ciudad de Montreux, en Suiza, donde, en una noche mágica, hizo llorar al mismísimo Quinzy Jones.

El concierto que hizo llorar a Quincy Jones:

https://open.spotify.com/album/3Mm5gmCjCcfqBm9UQad031?si=0QBLfVTLS66jQ85COxDoFA&utm_source=whatsapp

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 3 ( VANGELIS )

Hace un mes le llegó el día de su último viaje. Partió con su nave rumbo a algún lugar entre las estrellas donde no se sentirá un extraño, les dedicó gran parte de sus creaciones, todos esos momentos de música celestial que no se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.

Evángelos Odysséas Papathanassíou, más conocido como Vangelis (29 de marzo de 1943  Volos, Grecia -- París, 17 de mayo de 2022)

Teclista, compositor y productor de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo. 

Fue autor de decenas y decenas de grabaciones de música electrónica de la que se le considera un iniciador, aunque sus obras más conocidas son las bandas sonoras, Carros de fuego (ganadora del Oscar), Blade Runner, La conquista del paraíso, El año que vivimos peligrosamente, Alejandro Magno...

La banda sonora de 'Carros de fuego' fue la primera realizada exclusivamente con sintetizadores en conseguir un oscar. Su éxito  llegó hasta tal extremo que la música perdura en nuestra memoria con más intensidad que la propia historia del film.

Pero su talento se desarrolló también en otras facetas.

Creó composiciones para obras de teatro y ballet.

Fue un asiduo colaborador de la NASA  poniendo música a numerosos documentales. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide.

Completó su faceta artística con la pintura realizando varias exposiciones internacionales.

Se dio a conocer a mediados de los sesenta, creando con Demis Roussos el grupo Aphrodite’s Child, una banda de pop psicodélico y rock progresivo. El joven aportaba una de sus posesiones más preciadas: su primer sintetizador con el que se formó de manera autodidacta y que marcaría toda su carrera. Su primo Demis Roussos tuvo en aquella época mayor popularidad, al ser vocalista aparecía en primer plano, pero  Vangelis, en la sombra, fue en gran parte el responsable del éxito del grupo 

El grupo pop Aphrodite's Child se le quedó pequeño y comenzó su carrera en solitario. 

A pesar de que no le gustaba exponerse a los focos y desarrollar una obra mayoritariamente instrumental, obtuvo una gran popularidad en todo el mundo.

Un artista pionero, creador de los sonidos del futuro. Nos dejó, pero por muy alejado que se encuentre , él y su música cada vez estarán más cerca de nosotros.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 2 NINA SIMONE

Mirando las estrellas que se apagaron en un mes de abril, hay una que sobrecoge. No sé si me impresiona más la imponente fuerza de su voz o su poderosa figura humana. Será  que son la misma cosa. 

Una de las grandes artistas de la música de siempre y una mujer con antorcha. Su arte, aunque sublime, no estaba precisamente fuera de este mundo. Su enérgica voz carnal, poderosa y convencida nos arrasa como un torrente lleno de verdad.

Se acaban de cumplir 19 años sin la 'Alta Sacerdotisa del Soul'.

No se limitó al Soul y el Jazz, abrazó diferentes géneros: clásica, blues, pop, gospel, chanson....

De familia humilde y numerosa, su madre, limpiadora, y su padre, barbero, tenían que sacar adelante a sus ocho hijos con mucho esfuerzo.

Pero la pobreza no está reñida con el amor por la música, y esa pasión la contagiaron en casa de tal manera que a los tres años ya estaba Nina sentada al piano. 

Ante semejante precocidad, y a pesar de las apreturas económicas, toda la familia se afanó por ayudar a desarrollar el talento de la pequeña, pagándole lecciones de música clásica.

Con doce años daba conciertos en la biblioteca de su pueblo. Los padres escuchaban emocionados en primera fila. Pero enseguida tuvieron que cederles el asiento a los blancos e irse hasta la última. Aquí se puso de manifiesto la rebeldía de la joven artista negándose a tocar hasta que sus padres volvieran a su sitio.

La segregación racial hizo que tuviera dificultades para cursar sus estudios de música clásica, lo que la condujo al blues y al jazz.

La música siempre fue su manera de luchar contra la desigualdad. Sus canciones relatan con frecuencia episodios de estas injusticias lo que hizo que fuesen a veces censuradas.

Abandona Estados Unidos harta de soportar la segregación racial y de pagar impuestos a un gobierno que los gasta para la Guerra de Vietnam.

Vivió en diferentes países, pero ya no volvió a pisar su tierra. Murió en París el 21 de abril de 2003

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 1. PRINCE

Rendimos homenaje a grandes figuras de la música que se han ido, pero no olvidamos

Mirando esta noche las estrellas podemos  ver una figura rutilante del firmamento musical que nos dejó hace 6 años y sigue brillando con intensidad.

Prince Rogers Nelson (Mineápolis, Minesota; 7 de junio de 1958 - Chanhassen, Minesota; 21 de abril de 2016).

Renovador de la música negra en la década de 1980 combinando el funk con la psicodelia y el pop. 

Músico autodidacto, multiinstrumentista, cautivó a su público con una imagen transgresora y provocativa. 

Cuando tenía siete años se divorciaron sus padres. Al irse de casa, su padre, que era pianista de jazz, dejó allí el piano. Mágico regalo que cayó en manos del precoz jovencito. Más tarde aprendió a tocar la guitarra eléctrica. Pero no sé quedaría ahí, llegó a tocar hasta veinte instrumentos diferentes. Con diecisiete años firmó un contrato millonario con una multinacional.

Debutó con su primer álbum con sólo dieciocho años, y en julio de 1978 entró por primera vez en las listas norteamericanas de música soul con un tema titulado Soft and wet, en el que Prince introdujo un estilo innovador al fusionar funk y rock, amalgamando múltiples y heterogéneas influencias (Kurt Weill, Chuck Berry, Elvis Presley o Jimi Hendrix, entre otros). En noviembre lanzó al mercado For you, del que vendió 300.000 copias. Con su siguiente disco, titulado Prince, alcanzó todavía mayores éxitos.

A partir de ese momento trató de controlar todo el proceso de producción de sus trabajos. Para ello contó con un estudio de grabación propio, y se ocupó personalmente de su vestuario, de las coreografías y de elegir a los músicos que le acompañaban. En 1982 fue número uno en los Estados Unidos con el álbum doble titulado 1999. Su ascensión fue meteórica desde entonces, hasta convertirse en el más directo rival de Michael Jackson y en uno de los músicos de rock superventas de la década de los ochenta y de los noventa.

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