50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Wild Tales es una verdadera mejora del primer álbum de Graham Nash. Este es más sincero e íntimo; y es más cohesivo sin esas fuertes coros. "Wild Tales" es la única vía rápida y es un excelente comienzo.

Todas las demás canciones son más tranquilas. Algunas canciones recuerdan un poco a Neil Young como "And So it Goes" que recuerda a "Southern Man". 4 canciones están usando la armónica en un entorno más o menos country: "On the Line", "Hey You", "Prison Song" y "Oh Camil"; Las 2 últimas tienen letras interesantes.

Pero la canción que más me conmueve es "I Miss You"; una canción de amor tan hermosa y triste con simplemente el canto de Graham y su piano. "Another Sleep Songs" que cierra este álbum es la otra hermosa joya. 

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El lanzamiento del álbum debut de The Waterboys vio a los críticos trazar paralelismos inmediatos con U2. Puede que estén allí, pero este es otro caso de simplificación excesiva. Incluso el sello de la banda irlandesa de folk rock no soporta mucho escrutinio: ¡el vocalista Mike Scott es escocés por el amor de Dios! Sin embargo, la distinción más importante entre los dos es la fuente y la inspiración para su música. Mientras que U2 utiliza la estructura más estándar de la banda de rock para transmitir su mensaje, The Waterboys se basan en influencias celtas, emplean una mezcla de instrumentación eléctrica y más tradicional e inusual y mezclan temas modernos con jigs y carretes anticuados. Una mezcla embriagadora cuando funciona bien. 

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Lou se mece con los gigantes del metal: caos y sexo extraño sigue. Ha habido muchos ritmos extraños e inesperados a lo largo de la carrera de Reed: Metal Machine Music y The Raven.

Pero Lulu fue un extraordinario gesto de desafío que encontró a Reed revisando las actividades después de la oscuridad que había documentado tan asiduamente al principio de su carrera. "Te ruego

 que me degrades", canta en "Mistress Dread".

Una experiencia abrumadora y visceral, Lulu culminó con la épica de 20 minutos "Junior Dad", durante la cual Reed cantó: "Mi padre muerto/Tiene el motor y está conduciendo hacia/Una isla de almas perdidas". 

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Maravilloso revival de surf y garage de la costa oeste, plena manifestación del sonido californiano de la época clásica. Pese a que es una banda infravalorada por los críticos, siendo justos, su disco debut es bastante rescatable. Melodías melancólicas sencillas con tintes psych-surferas y un sonido post-producción de características lo-fi garagero.

En el caso de la psicodelia, su origen en los 60s teniendo en Woodstock su mayor impacto, le ha significado el resurgimiento en varias “olas” durante las décadas venideras. Quizás la última grande fue la aparición del “Oracular Spectacular” (2007) y de Tame Impala en 2008, que sirvió de cancha para la aparición de sobredotados como King Gizzard y un fuerte desarrollo de una corriente psicodelia más pop.

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Mezcla una voz hermosa y grave y una gran composición con guitarras súper blues y rock y lo que obtienes: ¡un álbum absolutamente fantástico!

De hecho, no, ¡uno pero dos! Siempre es un poco preocupante que el segundo no tenga la misma calidad y durante unos minutos durante Big Mess y la siguiente canción mi corazón se cayó un poco, ¡pero ella solo estaba bromeando! La calidad pronto volvió a su punto máximo con Everything But The Truth, un gran rockero y (inusualmente) pesado.

Lo triste y conmovedor sigue siendo muy destacado, pero los diversos artistas invitados con la guitarra realmente dan vida a todo el producto.

¡¡No te lo pierdas!! 

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Uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960, Paul Anka se mudó a la esfera adulta varios años más tarde y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, empresario de la música y artista de grabación, permaneciendo hasta bien entrado el nuevo milenio. Tuvo su primera canción de éxito con "Diana" de 1957, que llegó al número dos en los EE. UU. Hot 100 y todo el camino hasta la cima de la lista de sencillos en el Reino Unido. Después de una serie de éxitos posteriores, finalmente encabezó la lista de sencillos de EE. UU. con "Lonely Boy" de 1959 antes de perderse en el primer puesto con "Put Your Head on My Shoulder" el mismo año. Pulsa aquí

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Si los músicos se inspiran en la ubicación, entonces Portland, Oregón, debe ser el hogar de algunos barrios muy oscuros y espeluznantes. En lugar de un centro metropolitano, parece más probable que Tu Fawning haya gravitado juntos desde una remota comunidad de los bosques.

Etiquetar Tu Fawning una banda de folk gótico no estaría muy lejos de la marca, pero, a pesar de que se apoyan en gran medida en la atmósfera y juegan con la oscuridad y la luz, A Monument es más orgánico, más fluido. La forma inteligente en que la banda permite que la música se construya y crezca lentamente desde el más básico de los comienzos es similar a nutrir cuidadosamente una planta desde la plántula hasta la plena floración. Como medio para atraer al oyente en el dispositivo funciona bien, pero A Monument perdería rápidamente su ímpetu si fuera todo lo que Tu Fawning tenía para ofrecer. 

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Un cultivador lento, tal vez como todos sus álbumes. ¡Tanta alma en este hombre! Creo que prefiero "Haw" y "Poor Moon" a este, pero a pesar de todo hay muchas canciones geniales en este álbum.

Mi única preocupación es que la versión del álbum de "Lateness of Dancers" no me parece tan intensa como, por ejemplo, las versiones en vivo de la canción. A veces prefiero MC Taylor con solo una guitarra y nada más, pero en otros casos la instrumentación añadida es maravillosa.

En cualquier caso, me siento muy afortunado de haber oído hablar de este artista hace unos dos años. Hay algo espiritual, o tal vez mágico, en la forma en que canta sobre una vida humilde de dificultades y alegría. 

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Un álbum encantador y agradable de un John Prine mayor (que acababa de recuperarse después de ser diagnosticado con cáncer en el cuello el año anterior) con estrellas invitadas como Emmylou Harris, Iris DeMent, Dolores Keane, la esposa de Prine, Fiona, etc.

Todas las canciones aquí son versiones country icónicas, excepto la canción principal, que es una de las mejores. Es agradable ver sus propias

interpretaciones de himnos conocidos como "So Sad (To Watch Gone Love Go Bad)" de The Everly Brothers, que tiene un poco más de encanto bajo Prine. En mi opinión, "Wedding Bells" feat. Lucinda Williams es la canción más bonita del álbum.

En realidad, todos son agradables, todos son al menos buenos, aunque algunos son mejores que otros.

Es triste que empezara a prestar más atención a Prine después de su muerte.

Sin duda una de las mayores pérdidas causadas por la Covid-19. 

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Michael Rother es uno de mis músicos de referencia. 

¡Mientras tanto, los NEU! Son definitivamente uno de mis grupos favoritos de tout-court. Harmonia son prácticamente fundamentales y él es un guitarrista que ha sido increíblemente innovador y un músico y compositor y pionero del sonido que aún hoy consigue demostrar su vanguardia.

Hace muchos años que no lanzaba un disco en solitario y este álbum llegó de alguna manera inesperada.

Lo publica en Groenlad Records, que recientemente ya ha reedeado otros de sus trabajos, sello de Herbert Gronemeyer, que también colaboró con él en los discos lanzados a principios de este milenio. 

Michael Rother se acompaña aquí a la muy talentosa vocalista Sophie Williams conocida como Sophie Joiner. 

El disco es a todos los efectos un álbum de música electrónica ambient y cuya voz de Sophie se presta para dar a estas pistas un carácter etéreo que impregna toda la atmósfera a partir de la canción homónima al nombre del disco que abre el disco y con un sonido experimental y progresivo minimalista de estilo Harmonia. 

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En realidad no es un álbum de soul muy esencial, pero contiene un par de gemas.

Escuché por primera vez "Where Is the Love" a finales de la década de 1990, y me gustó tanto la canción que pensé que iba a comprar el LP de vinilo pronto.

Bueno, tardó más de 20 años.

De todos modos, la canción todavía suena muy bien.

Otro momento mágico es la versión de "Has perdido ese sentimiento amoroso".

La grabación de The Righteous Brothers es un clásico, por supuesto, pero esta se siente aún más majestuosa en cierto modo.

Gran parte del contenido de este álbum son versiones de portada, algunas de ellas mejores y otras peores, pero afortunadamente, tenemos este tipo de grandes resultados.

Algunos números como "For All We Know" terminan siendo omitidos. Me gusta la versión de "You've Got a Friend", aunque no coincide con la original de Carole King. "Baby I Love You", "Be Real Black for Me" (¡letra interesante!)

Y "Cuando el amor ha crecido" suenan bastante bien. 

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Mecca for Moderns, o de alguna manera toda The Manhattank Transfer, representa una fase interesante dentro del desarrollo de la música popular. Aquí está el popular "'That's Entertainment!' ".

El hilo del jazz vocal obviamente se está fusionando tanto con la discoteca como con AOR, y por eso también está ayudando a la fusión de la discoteca con AOR, desde el exterior. Antes de principios de la década de 1980, el Manhattan Transfer ya había tenido éxitos con el falso francés "Chanson d'amour" (1976) y el clásico del Informe Meteorológico "Birdland" (1979). En el 81 entraron en el Top 10 de EE. UU. con una versión de "Boy From New York City", cuya versión original fue interpretada por The Ad Libs en la década de 1960, y que había aparecido en algunas listas europeas como una versión de The Darts en 1978. The Manhattan Transfer interpreta la canción como artistas profesionales: sin errores, sin alma. 

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La primera vez que oí hablar de Radio Tarifa fue en un box set de música flamenca llamado Duende: desde Traditional Masters hasta Gypsy Rock.

El set hizo hincapié en el "nuevo flamenco", que no es realmente flamenco en absoluto. Tranquilamente enclavada dentro de los estilos de pop, jazz y rumba teñidos de flamenco que se escuchan tan ampliamente en Ketama y Pata Negra, estaba Radio Tarifa. Como un alienígena disfrazado de humano, Radio Tarifa no encaja con los demás. Mientras que Tarifa es una ciudad ubicada en el punto más meridional de España, justo al otro lado del estrecho de Gibraltar de África, Radio Tarifa tiene su sede en Madrid.

Los tres músicos principales, Faín Sánchez Dueñas (percusión), Benjamín Escoriza (voz) y Vincent Molina (cotas árabes) imaginaron lo que tocaría una estación de radio en Tarifa, y se les ocurrió una mezcla que incluye no solo las cantatas flamencas, sino también la percusión medieval morisca, las flautas islámicas, el folk turco antiguo y las influencias árabes, marroquíes y argelinas contemporáneas.

La banda se ha expandido a ocho miembros para abarcar una enorme gama de instrumentos con nombres que no pude empezar a definir (cumbus, derbuka, djembe, casbas, buzuki, afuce, tar, bansuri, ney, guimbris, crumhorn, balaphon, sanza, oud, ghatham, fidula, tares, adufe, pandero, roncon, sentir, kaval). El resultado son hermosas canciones con tantos estados de ánimo atmosféricos como instrumentos. 

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If You Want To Defeat Your Enemy Sing His Song es simplemente un álbum estelar y sólido. Sin duda, una de las mejores colecciones de canciones en la carrera de grabación de Robert Ian McNabb, con lo que creo que son sus mejores letras hasta la fecha.

Casi llamaría a este álbum una colección de canciones "inspiradas en el folk", pero es difícil hacerlo con una capa tan abundante de teclados. The Icicle Works no pierde el tiempo estableciendo un estado de ánimo y un tono, y los sencillos más destacado aquí encajan muy bien con las pistas del álbum. Una experiencia de escucha agradable, este álbum es tan bueno como el título es largo. Saludos a todos los hombres y mujeres que navegaron con The Icicle Works; que su música no se olvide.

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La respuesta de Estados Unidos a los Yardbirds, Aerosmith, tuvo su legendario catálogo de álbumes de CBS/Columbia de los años 70 remasterizado en 1993. Usando la avanzada tecnología de masterización digital de 20 bits, con las cintas originales que se sacaron de los archivos , el esfuerzo de segundo año infravalorado, Get Your Wings, suena increíble. Además, el disco se volvió a publicar con un embalaje de lujo, a medida que se añadieron fotos y notas adicionales.

Mientras que el álbum debut homónimo de Aerosmith de 1973 fue más una grabación terrenal, Get Your Wings tiene más peso y golpea más fuerte. Publicado originalmente en el 74, Get Your Wings marcó la pauta para los próximos dos lanzamientos del grupo, los frenéticos Toys in the Attic y los estridentes Rocks.

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Una sorpresa absoluta. Grabado en España (!) Y en 1979 (!!!), aquí hay un tesoro algo oscuro de Progressive/HardRock de los 70, internacionalmente desconocido pero un disco legendario en nuestro país. Grabación de Lo-fi (¡escucha esos platillos estrellarse!) Y la producción por debajo del par no hizo mucho a favor del álbum, pero la alta calidad de la composición y la reproducción hace que se olvide fácilmente. Cantar es en español y la voz es quizás el punto más débil del álbum, por supuesto, no por el idioma, sino por un cantante no muy talentoso. "Castigo" es definitivamente la mejor pista, 10 minutos de épico HardRock progresivo con solos de guitarra constantes y partes mellotron, similar a muchos álbumes sagrados alemanes de HardProg de finales de los 70. Todas las demás pistas también son geniales, "Este Madrid", "La nana", "El oportunista", "El Tren"... incluso el lado B más cercano "Se acabo", completamente tocado con guitarra española (y tal vez la pista con la peor mezcla, ¿cómo diablos una guitarra acústica puede sonar tan distorsionada y fangosa??!?). Su único álbum para ser considerado por los fans de HardRock, ya que los álbumes posteriores van de NewWave/PopRock a Rock'nRoll. Y, oh, mira a ese músico mirando la portada... ¡en 1979! El cantante y guitarrista Rosendo Mercado hizo una carrera en solitario con éxito después de la muerte de Leño. 

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Red Crayola fue una de las mejores bandas psicodélicas de la década de 1960 y probablemente de todos los tiempos. Tocaban música extremadamente salvaje y cacofónica que estaba décadas por delante de su tiempo. Precedió al rock expresionista de Alemania (Faust) y a la nueva ola estadounidense (Pere Ubu). Sus "extraños" estaban más cerca del free-jazz de John Coltrane y de las pinturas abstractas de Jackson Pollock que del rock'n'roll. Su líder, Mayo Thompson, fue un compositor que se encuentra entre los mejores músicos de su tiempo (clásico, jazz, rock). Su estilo compositivo revolucionario tenía pocas coordenadas estables. Sus piezas flotan no porque sean etéreas, sino porque la melodía y el ritmo se dejan "sueltos". Son organismos que dependen de esqueletos de apoyo que se desmoronan a medida que se mueven. Thompson colocó su arte firmemente en la tradición iconoclasta que Frank Zappa acababa de fundar, y simplemente aumentó la cantidad y la velocidad del ruido. The Parable of Arable Land (1967) es uno de los hitos de la música rock, un carrusel de inventos/saboteos armónicos salvajes.

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Yesterday & Today, que llevan el nombre de un LP de los Beatles, ya habían lanzado dos discos de estudio, que desafortunadamente no tuvieron éxito y no consieron otro contrato discográfico.

La banda era bien conocida, porque abrieron para bandas famosas como Kiss, Journey, Boston e incluso Queen en su gira "A Night at the Opera".

En 1981, la banda finalmente consiguió un nuevo contrato discográfico y decidió cambiar el nombre de la banda a Y & T. El mismo año en que se lanzó su tercer disco de estudio, el primero con el nuevo nombre. El álbum fue un gran paso adelante y fue muy aclamado por la crítica, pero no fue el gran avance que la banda esperaba.

Hasta el día de hoy, "Eartshaker" se menciona a menudo como el apogeo de la banda y es un álbum muy conocido en la escena del hard rock de Los Ángeles. Por ejemplo, Tesla solía llamarse a sí mismo después de este LP en los primeros años de su carrera y también otros músicos como Lars Urlich de Metallica o los chicos de Mötley Crüe mencionan "Y & T" como una gran influencia.

En mi opinión, "Eartshaker" es un gran álbum de hard rock con muchas canciones atemporales que todavía son interpretadas en vivo por la banda californiana.

Mis canciones favoritas son el himno de apertura "Hungry for Rock", el homenaje final de Free Bird "I Believe in You", el pegadizo "Squeeze", "Hurricane" y mi canción favorita es probablemente "Rescue Me" y también las pistas restantes son muy buenas.

La interpretación de la guitarra de los guitarristas Dave Meniketti y Joey Alves es muy buena, especialmente en la canción final "I Believe in You" y algo que quiero señalar. 

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Incluso las canciones que tenía archioídas sobadas del album como There must be an Angel o Sisters are doing for themselves cobran nueva vida dentro del contexto del lp. Es uno de los discos con mejor producción que haya oído jamás, pero además de una superproducción tiene alma, no es una producción vacía que se come a las canciones como le pasaba a tantos disco sobreproducidos de mediados de los 80, por el contrario realza las canciones aún más si cabe. 

Mientras casi todos los grupos tecnopop a mediados de los 80 dieron giros poco afortunados a su carrera Eurythmichs se descolgaron con su mejor disco junto al Sweet Dreams. Annie Lennox hace una de las mayores exhibiciones vocales que recuerde en disco alguno, se mueve como pez en el agua en todos los registros inimaginables, y a su vez el grupo pasa con una facilidad pasmosa del rock casi garagero (aunque impecablemente producido) de Would I lie to You que envidiarían muchos presuntos grupos rockeros actuales, al gospel, al emocionante soul barroco de I Love you like a ball and a chain, al pop sofisticado de Alright, todo tan pulido como elegante, intenso y emocionante, en fin la perfección hecha pop y sin duda uno de los mejores ejemplos de comercialidad bien entendida. 

Comprendo que a priori el nombre de Eurythmics pueda producir cierto rechazo y hace mucho que perdí la pista a Annie Lennox y Dave Stewart, y ya nada espero de ellos pero de veras que la reescucha de disco ha sido una más que grata sorpresa. 

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A finales de la década de los 70 la aparición de artistas como Elvis Costello supusieron una bocanada de aire fresco en el, entonces ya, un poco saturado mundo del rock. Los que por aquellos tiempos ya llevábamos algún tiempo metidos en éste divertimento, andábamos un tanto "desinflados" con las propuestas que nos ofrecía la industria musical. 

La "new wave" y el "punk" dieron un nuevo aliento a esa situación. La primera más en la onda "pop-rock", el segundo más cercano al rock crudo y cruzado con la rebelión social. En esa tesitura la aparición del segundo disco de Elvis Costello, y la primera con The Attractions, "This Years Model", establece las que desde entonces serán las nuevas reglas del juego.

Rock urbano, con melodías pop y estructuras instrumentales que incorporan, además de las consabidas guitarras, bajos y baterías, los teclados, no en plan "moog" o "mellotron", sino como instrumentos que enmarcan un sonido inmediato, rápido, instantáneo, porque así son las historias y textos que los grupos y solistas intentan transmitir a la audiencia. 

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