CLÁSICOS DEL ROCK 117

Lanzado por Paul McCartney Badfinger fue una maldita banda que se convirtió en una tragedia cuando Pethe Ham y Tom Evans se suicidaron sucesivamente.

Su álbum debut es solo un buen comienzo. Algunas canciones son pegadizas y otras son más o menos rellenos, pero ninguna de ellas es mala.

"Come and Get it" es una composición de Paul McCartney; alcanzó el número 4 en el Reino Unido.

"Crimson Ship" también es bueno con un buen riff de guitarra eléctrica que comenta cada frase cantada. "Fisherman" es una bonita pieza acústica.

La voz de Wilson es rica y cálida como el suelo del Delta, y es menos ostecible aquí que en los álbumes anteriores, tratando de impresionar menos, pero la impresión general es de música pop muy pulida. Por lo general, está respaldada por un par de guitarras, un bajo y algo de percusión. Todo es de muy buen gusto, pero me cuesta encontrarlo interesante: ella no hace lo que hacen los mejores cantantes de jazz, no reinventa, reimagina o replantea las canciones. Y como música pop, son muy educados, pero los buenos modales no son necesariamente lo que queremos de la música pop. Mis canciones favoritas son Darkness On the Delta, donde está acompañada solo por el piano de Boogaloo Ames, y You Gotta Move, donde es ella, una guitarra y un par de coros.

El álbum también tiene sus momentos más tranquilos: la Amatuer Hour más lenta y sincera muestra un lado más lamentable y emocional del canto de Jackson que es bastante impactante. La producción de David Kershenbaum abraza firmemente al bajista de Jackson, Graham Maby, - en algunas pistas se siente como si Maby estuviera tocando "bajo de plomo", y está igual de bien porque Maby es un excelente musico con su interpretación melódica que se las arregla para destacar.

Bridges protagonizó la película Crazy Heart en 2009, donde interpretó a un cantante de música country caído. En la banda sonora de la película, Bridges cantó cinco de las dieciséis canciones. En 2011, firmó con el sello de música de jazz Blue Note Records, donde anunciaron que Bridges grabaría y lanzaría su álbum debut a finales de ese año.

El 23 de mayo de 2011, se lanzó la lista oficial de canciones y otra información sobre el álbum. 3] Ryan Bingham, Rosanne Cash, Sam Phillips y Benji Hughes aparecen como vocalistas invitados en el álbum.

La canción de apertura, "What a Little Bit of Love Can Do", fue lanzada como el primer sencillo el 15 de agosto de 2011.

Una recopilación de películas de Ry Cooder, que destaca su interés por las formas musicales americanas tanto como crea atmósfera y enriquece las películas que ha anotado. En algún momento de principios de los 80, Cooder decidió abstenerse de los álbumes en solitario y centrarse en el trabajo cinematográfico, se demostró que era una buena decisión. Ciertamente uno de un artista sensible con una buena conciencia de sí mismo.

Gran musicalidad en todo momento con contribuciones de Jim keltner, Jim dickonson, Van dyke parks, entre otros.

Es imposible para mí revisar objetivamente este disco, ya que lo he tocado tanto que cada nota no solo se memoriza, sino que es parte de mi propio ser en un sentido musical. "Stranger in a Strange Land" es la mejor canción de este, el mejor disco de Leon Russell. Ve al último minuto de esa canción y empieza por ahí. Si el estilo Gospel de León te ayuda y las llamadas se aferran, entonces eres un posible adicto a Leon Russell y al Shelter People. Si no te mueve, entonces veo pocas razones por las que te encantaría el disco. Si da el paso, estás a punto de escuchar algunos de los mejores pianos tocando (y tambores con bateristas estelares como Jim Keltner, Jim Gordon, Roger Hawkins y Chuck Blackwell turnándose detrás .

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 116

Canta mucho como Bowie, pero un par de canciones ("Be Still", por ejemplo) son más Elton John de un pobre hombre y lo logra con facilidad. La mejor canción "World Without End" es francamente psicodélica con algunos tambores de primera clase al final de la canción. Otra joya, "Rock of Ages", tiene un trabajo de guitarra estelar que generalmente no se encuentra en el género glamuroso. Los tambores brillan de nuevo en el más cercano, "Blow Away".

Este es uno de esos discos en que forma y fondo se confunden. Uno de esos artilugios incomprensibles que han sobrevivido mialgrosamente al paso del tiempo. Ah y por cierto, para mí es verdaderamente bueno ¿o no?. 

Por cierto Elthon John estaría muy orgulloso de haber hecho este álbum.

Grabado en Los Ángeles, "Them In Reality" de 1971 encontró que el grupo continuó su colaboración con el productor Ray Ruff. Cualquiera que esperara una continuación de los movimientos psicodélicos que marcaron los lanzamientos anteriores de la banda para Happy Tiger tuvo una gran conmoción. Musicalmente, el set comenzó con una explosión; en este caso, una versión extendida y con potencia de guitarra de la propia "Gloria" de Them. Si bien el remake puede no haber amenazado el original de Van Morrison, contaba con una guitarra principal asesina cortesía de Parker.

Cooder compensa sus limitaciones vocales empleando un excelente conjunto de cantantes de respaldo y amplía su esfera instrumental incluyendo al acordeonista Flaco Jiménez y a la guitarrista de acero hawaiano Gabby Pahinui. Añade un equipo de cuernos eslinky y una sección de ritmo sinuoso y, junto con el propio talento de Cooder, tienes una multitud de ingredientes que, como un rico pastel de frutas, son casi demasiados para hacer frente.

Uno para paladares más sofisticados que los míos.

Los Staple Singers continúan siendo un grupo góspel pero por momentos se les percibe encaminándose hacia el soul. Esto se nota, cuando es el caso, en la manera de cantar y en el modo que suenan los instrumentos.

A buen seguro que el trueque de productor, la sustitución del sofisticado campero Billy Sherrill* por el roquero salvaje Larry Williams, les sería de ayuda en el cambio de enfoque. El entramado sonoro retoma el poderío energético que exhibieran los pasajes más animosos de Pray On. Bajo y batería conservan aquella chisposa pujanza, al tiempo que en varias canciones se incorpora una segunda guitarra que refuerza el temblor blusístico de la principal.

El sonido de Yo la tengo es adictivo. Aunque es completamente comprensible cómo su versión soñadora, nostálgica y lánguida del indie rock podría pasar por completo por alguien que espera algo antemmico o emocionante, y luego Nothing Turned Itself Inside Out es un estudio de caso sobre cómo puede ser la música meditativa y hogareña. armado con teclados, batería,guitarra y cuerdas, el trío estableció olas y olas de felicidad ondulante. El arma secreta de yo la tengo es que pueden emanar calidez como ningún otro... y este álbum es el mejor ejemplo de ello. Solo mira la portada del álbum y sentirás exactamente las vibraciones nostálgicas, suburbanas y perezosas que Yo la tengo encapsulan perfectamente...

Entender la música como un arte al margen de lo que se respira en la sociedad, al margen de los problemas de la calle que algún día pasarán a la historia, es no entender la música. Incluso cuando pretenden ser una evasión de la realidad, las canciones siempre beben del mundo en el que nacen. El artista vive, siente y piensa, y separar su obra musical de sus vivencias personales es como arrancarle a un árbol sus raíces: pierde su esencia.

A finales de los años cincuenta, la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana llevaba décadas de recorrido en la música folclórica negra, pero sin embargo solo entonces empezaba a ser un asunto de plena actualidad en la política estadounidense. Y, mientras el jazz se había vuelto demasiado complejo y el rock and roll carecía de significado, la música folk desbordaba conciencia e integridad. Ejemplo de ello es el de Odetta Holmes. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 115

Screamadelica" que, a 31 años de su edición, se conserva lozano, potente e intacto en su capacidad narcotizante. Ante tan pasmosa evidencia, se antojan ya superfluos los debates sobre el peso del productor Andy Weatherall en la autoría del disco, o sobre las contradicciones de un Bobby Gillespie que decreta la muerte de la concepción melódica del rock y, entre pelotazo y pelotazo dance, se refugia en baladas tan inequívocamente stonianas como "Damaged". Afortunadamente para todos, la lucidez del efímero percusionista de The Jesus & Mary Chain está en sus composiciones mucho antes que en sus frases lapidarias, que determinada prensa y no pocos aficionados reciben como el maná de la revelación. 

La década de 1980 no fue una buena década para muchos cantantes y bandas que se habían hecho sus nombres en los años 60 o 70. No creo que las técnicas de producción que prevalecían en ese momento ayudaran, pero algunos, Neil Young, se esforzaron demasiado por seguir siendo relevantes, algunos tuvieron problemas y otros desaparecieron. Y algunos tomaron la decisión, o se les impuso esa decisión, de tratar de vender discos y ganar algo de dinero. Y eso se aplica a John Martyn.

Un álbum interesante que parece prometer más de lo que ofrece. Personalmente, no creo que se mida con City to City: Night Owl y The Way You Do It on side one son repetitivos y no tan perspicaces líricamente, mientras que gran parte del lado dos no está inspirado. Sin embargo, el primer lanzamiento es genial, mientras que Why Won't You Talk to Me and Get It Right Next Time se clasifica con el mejor trabajo de Rafferty.

Esto no es en absoluto lo que esperaba de Judas Priest basado en los otros dos álbumes que escuché: el épico Sad Wings of Destiny con temática de fantasía y el high-fly thrash metal de Painkiller. Pero eso no es un problema en absoluto. Este me gusta mucho. Realmente tiene un sonido arenoso, duro y callejero similar al primer (y, en mi opinión, el mejor) álbum de Iron Maiden. Esto no es tan bueno como el indiscutible clásico Painkiller - hay un par de números aquí como "United" (que es un poco cursi) y "Grinder" (que suena sospechosamente como uno de los dos grandes éxitos de este álbum), pero eso no es un problema demasiado grande.

Una joya del pop. Es curioso que sea más conocida Kate Bush por su aportación al tema de Peter Gabriel "Don`t Give Up", que por excelentes trabajos como este. La cara A es brutal, todos los temas son exquisitos. En cuanto a la cara B del vinilo llamada "The Ninth Wave", la británica apuesta por composiciones más progresivas, dejando una impronta al escucharlo de auténtica excelencia. De lo mejorcito de los ochenta.

El conflicto está servido. "Let England Shake" es un título que se las trae. La Gran Guerra con sus montañas de muertos y el dolor sangrante vertebran un disco que enseña su título en portada y letras grandes. "Que tiemble Inglaterra" parece un recordatorio de un pasado doloroso y también es una advertencia de lo que nos vamos a encontrar dentro. Y es que PJ Harvey no se anda con chiquitas y nos sorprende con su actitud más crítica. Dispuesta a no dejar títere con cabeza carga contra su querida Inglaterra. Contra su colonialismo y su sed de sangre. Y a la vez está cargando contra la avaricia, la desidia, la falta de humanidad y la injusticia mundial. Y eso es lo que en realidad ha hecho siempre aunque antes era a través de sus heridas profundas. Pero aquí la cantautora se muestra más humana y más sincera. La madurez le sienta bien, no hay duda. La veo más certera en sus ataques y por eso el disco duele tanto. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 114

Tal como Fleetwood Mac, Free y otros grupos que comenzaron haciendo blues rock a fines de los 60’s y pronto cambiaron hacia otras territorios, el debut de Jethro Tull es un aceptable aunque nada espectacular álbum con notorias influencias jazz y en el que la guitarra del futuro Bloodwyn Pig Mick Abrahams es lógicamente el instrumento conductor, aunque la flauta de Ian Anderson marca presencia y aporta ese toque distintivo que lo diferencia de otras bandas en la misma corriente.

Los covers instrumentales de “Serenade To A Cuckoo” y “Cat’s Squirel” están hechos para el lucimiento de ambos músicos, aunque ninguno sea lo mejor del álbum.

En Spin Doctors no veo por qué estos chicos son tan criticados. Tienen buenas canciones de rock con pequeñas dosis de funk y un gran groove, especialmente el estilo del bajista es genial. Todo funciona bien, y la guitarra y la voz encajan bien con la música que tocan. Básicamente no hay nada de qué quejarse,Eso no es cosa de Spin Doctors.

Probablemente el hecho de que no caigan exactamente bajo este o este otro estilo no ayuda a los oyentes de mente menos abierta a "adoptarlos".

No tuve la oportunidad de escuchar otros discos de ellos. Supongo que debería intentarlo.

The Supremes son probablemente mi grupo de chicas favorito de este período de música, y uno de mis grupos favoritos de Motown. "You Can't Hurry Love" es una canción deliciosa (obviamente no en este álbum, pero merece mención de todos modos). La primera mitad del álbum es increíble, resaltada por la canción principal y "When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes", que es un título que podría ser mucho más corto. La segunda mitad se queda sin energía, pero este es definitivamente un álbum sólido.

Difícil dudar por qué este disco es uno de los momentos más fuertes de la discografía de Waits. Por un lado, lo cocinado en Blue Valentine y horneado en Swordfishtrombones, aquí se muestra servido y definitorio. El sonido de Waits escala sus propios lugares, recogiendo la influencia bluesy y jazzy sin soltarse de una sana experimentación. Sus caminos amargos, oscuros, delirantes y melancólicos se ven bien explotados y recorridos. Su voz alcanzó esa madurez excepcional que sólo el añejamiento de los nudos en la garganta coleccionados ante la frustración y la soledad de la vida, pudieron matizar y nos mece en olas caóticas, sentenciando sus historias entre urbanas y oníricas encima del escucha. Waits en Rain Dogs es un trago de whiskey y párrafos de Heminghway gritados al cielo nocturno: un gozo único.

Los sonidos que hinchan esta obra pisan terrenos no explorados por los de Sheffield. Aunque todo sigue siendo eminentemente pop, también se atreven con la truculencia y todo está bañado de una solemnidad y un terciopelo que apela a la vez a lo sedoso y a lo maligno. Sigue habiendo dosis ingentes de Bowie y Roxy Music, cómo no. Y no, no me parece este un disco de masas. Su oscuridad requiere de tiempo y ganas por parte del oyente. Eso suele ser bueno.

No sé si este "This Is Hardcore" podrá llegar a calificarse como disco generacional. Lo que sí es seguro es que se ha convertido en una auténtica obsesión para muchos

Uno de esos álbumes de soul de los 70 que toma sus influencias del Jazz, la big band,Blues y el funk tanto como de superestrellas  como Roberta Flack y Gladys Knight.

Muy bien tocado, grandes arreglos con algunas cuerdas encantadoras y magníficamente cantadas. Suave pero contundente, excelente.

Casi una Janis Joplin más profesional, más funky, incluso más pacífica, si queremos, y sólo en apariencia (que como siempre engaña) menos desesperada 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 113

De hecho, a principios de 1985 los Minds ya tenían un nombre en el panorama europeo, pero los intentos de penetrar también en las listas estadounidenses habían sido decepcionantes. El caso quiso que una canción que debía terminar en la banda sonora de una película de culto para adolescentes, The Breakfast Club (que, me permito añadir, está muy bien hecha y merece una visualización), se ofrecía a la banda, que amablemente rechazó la invitación. ¿La razón? Demasiado pop.

La intercesión de Chrissie Hynde (cantante de los Pretenders) hizo que su marido (Kerr) diera consejos más suaves, y los Simple Minds grabaron una nueva versión que desató las listas de medio mundo. Esa pieza fue Don’t You (Forget About Me) y cambiará para siempre la historia de un grupo que, saboreó un desembarco en el extranjero con estilo.

Albert King con su blues eléctrico y soulero vino a casi debutar discográficamente con su nombre con este Born Under a Bad Sign, (casi, porque ya tenía un disco bajo el brazo de 1963 que tuvo una mala distribución ) un disco que le llevó prácticamente un año en grabar, editar y poner en el mercado, después de una miriada de intentos en forma de single desde 1954 que nunca pegaron. King encontró notoriedad hasta este momento en que su estilo se pudo fusionar con los intereses mainstream del rock and roll de la época,sobre todo ese que rescató al blues de sus oscuros pantanos, cosa que más notoriamente hicieron los Rolling Stones pero que otras bandas ya realizaban en el momento, sobre todo las basadas en el llamado rythm and blues. 

En A Song for You, es fácil decir que nos encontramos con The Temptations en el último minuto de su era clásica. Norman Whitfield, responsable de las experimentaciones psicodélicas y progresivas del alma de la banda, estaba fuera. Jeffrey Bowen produjo este álbum en cooperación con el Sr. El propio Berry Gordy, asegurándose de que A Song for You fuera un lanzamiento de Motown en lo bueno y en lo malo. Esto significa que los números largos, audaces pero a veces exhaustivos se habían ido (aunque las dos versiones de "Happy People" de apertura y cierre de Side A como una suite se pueden contar seis minutos y medio juntos, pero esto es principalmente un juego de pensamiento) y la música del álbum es un soul y funk bastante "ordinarios" del día, incluida una notable influencia disco. Aún así, A Song for You es un álbum reconocible de Temptations, un esfuerzo de alta calidad.

Tengo que confesar. Solía ser muy crítico cuando se trataba de Eminem. Solo había escuchado a sus singles y, aunque disfruté de varios de ellos, para mí era un imbécil pretencioso y más o menos un payaso. Pero entonces, en realidad me molesté en escuchar un álbum entero de él y edd de taba equivocado. El LP de Marshal Matters es un gran álbum con un equilibrio saludable entre canciones divertidas y más serias, añadiendo algunas agresivas para completar el paquete. Las letras son ingeniosas, los ritmos son funky y las melodías pegadizas. Pero a pesar de ser un álbum con un gran flujo, tiende a ser un poco excesivo en el lado explícito de las duras letras. Y ese factor realmente perjudica la apreciación general. 

Firmado por "Temple of the Dog", proyecto efímero y concreto formado por miembros de Soundgarden y Pearl Jam. Tanto que se limitó a este álbum. Tiene sentido, ya que el disco surgió como homenaje para llorar la muerte de Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone, una figura muy querida por la escena local de Seattle.

Se trata de un compendio de composiciones de Chris Cornell, en su mayoría, que trataban de canalizar el dolor por la pérdida. Un disco emocional por tanto, de nudo en la garganta, que se regodea de manera impúdica en el dolor. Muy apropiado para el grunge que se destilaba en esos primeros 90 y algo que con la perspectiva del tiempo ha perdido vigencia, también. No es algo que me pudiera engatusar a priori. El aire de jam session que tienen la mayoría de los temas tampoco. Está claro que no es un disco elaborado y de acabado fino, sino más bien un exabrupto, pero lo cierto es que a ellos les sirvió para exorcizar sus penas y lanzar sus carreras.

Era hora de despedirse de The Move. Jeff y Roy ya habían comenzado a trabajar en ELO en ese momento , y se pueden escuchar sutiles pistas sobre el futuro de estos dos en un futuro próximo. Realmente puedes escuchar las influencias de los Beatles de Jeff Lynn en este álbum. Creo que Jeff tenía Revolver en lo profundo de su mente al hacer este álbum, junto con otros. Este álbum debería haber recibido mucha más aceptación y elogios por lo que hizo en 71. Jeff Lynn y Roy Wood habían alcanzado su punto máximo con The Move y habían superado los límites en el estudio con este lanzamiento con doblajes y lo que los instrumentos podían hacer en ese momento. Este álbum es imprescindible para los fans de ELO y Move. Una gran transición de lo que estaba a punto de llegar a ser.

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 112

Passion fue la segunda banda sonora de Peter Gabriel, grabada para La última tentación de Cristo de Martin Scorcese, y fue la primera en incluir un trabajo totalmente original (la banda sonora anterior de Birdy sampleó ampliamente los álbumes en solitario anteriores de Gabriel). Como proyecto, es increíblemente más ambicioso que cualquier otra cosa que Gabriel haya hecho antes. La Última Tentación de Cristo es obviamente bíblica según su nombre y Gabriel decidió que la partitura debería coincidir con su contexto: usándola como plataforma de lanzamiento para sus esfuerzos por elevar el perfil de la música del mundo, utilizó músicos locales e instrumentos apropiados para el área/era tanto como fuera posible e incorporó melodías y ritmos de canciones e himnos populares locales en la música.

El primer álbum de Band of Susans, el único con las tres Susans todavía a bordo, es el eslabón perdido entre Hüsker Dü y shoegazing. Desafortunadamente, la autoproducción no es muy buena, cayendo en esa trampa de finales de los ochenta de mezclar los tambores de Ron Spitzer demasiado fuerte con un sonido de caja totalmente antinatural. Susan Stenger no canta ninguna de las canciones de Hope Against Hope, así que esta es la banda de Robert Poss, aunque no parece que se llame Susan. Siendo las alineaciones iniciales de la banda muy inestables en la sección de guitarra, Susan Tallman y Susan Lyall dejaron la banda después de que Hope Against Hope fuera reemplazada por Page Hamilton y Karen Haglof, quienes también se quedaron por un solo álbum.

Este "Duque" es un Bowie obsesionado por el soul y los sonidos negroides. Un Bowie dispuesto a entregar a toda costa su versión del R&B y el sonido Philadelphia. Una labor titánica a priori, sobre todo viniendo de un londinense de pura cepa. 

"Young Americans" es su aproximación más directa a estos sonidos y es un logro certero gracias a la personalidad inagotable del artista. Tampoco esperen gospel canónico aquí. Estaba claro que el camaleón tenía que añadir su toque y lo que le sale lo calificó él mejor que nadie. Soul plástico, sí. Y de una frialdad cegadora. ¿Qué esperaban?

Mi primer intento de escuchar a Pere Ubu y tengo que decir que es un gusto adquirido.

El cantante suena como David Byrne en la pista de apertura. Modern Dance tiene de todo, desde guitarra distorsionada hasta gente charlando y una línea de bajo bastante funky. La risa continúa en la misma línea. Street Waves tiene un bonito solo de guitarra con un sintetizador ayudando. En "life stinks", la banda se vuelve totalmente salvaje.

El viaje sentimental se vuelve aún más extraño con el uso de patitos de goma, creo que como uno de los efectos de sonido.

Quatermass fue otra de esas talentosas bandas inglesas de finales de la década de 1960 que simplemente se perdieron en la ola de talento que comenzó a grabar. El cantante y bajista John Gustafson había sido miembro de The Big Three y también de The Merseybeats. No tengo ni idea de cuáles eran los antecedentes del tecladista Pete Robinson, aunque el baterista Mick Underwood había tocado previamente en una alineación temprana de The Herd, así como de The Outlaws. Los tres aparentemente comenzaron su colaboración musical como miembros tardía de la banda Episode Six. Cuando esa entidad se derrumbó, continuaron su asociación, firmando con Harvest Records, donde hicieron su debut con el producido Anders Henriksson de 1969 "Quatermass".

El segundo trabajo de la banda inglesa supone la definitiva y última tentativa de aunar dos criterios; el de Bryan Ferry, más cercano a un rock potente y glamuroso, y el de Eno, fiel seguidor de formas más experimentales. Y el resultado final es ampliamente satisfactorio.

Sobre la formación original ha desaparecido el bajo de Graham Simpson. Le sustituye, como artista invitado sin ser propiamente miembro de la banda, John Porter quien, por cierto, está magnífico durante toda la grabación. El resto de la banda suena con una convicción estilística que, ya apuntada con creces en su primer trabajo, hace de "For Your Pleasure" un auténtico festín de tonalidades, amplias armonías, sublimes contrapuntos logrados al amparo de un perfecto equilibrio de instrumentos e ideas.

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 110

Cuando se habla de British Folk Rock, siempre surgen 4 o 5 nombres básicos, Fairport Convention, The Pentangle, Richard & Linda Thompson, Fotheringay, Etc.

Pentangle fue un grupo capital dentro de este movimiento que tuvo una enorme importancia e influencia en la música posterior y que dejo para la historia unos cuantos discos grandiosos.

Entre estos discos figura “Basket of Light”, quizás uno de los mas brillantes de la discografía de Pentangle, en cualquier caso uno de mis favoritos.

Formación de autentico lujo, hablamos de músicos de primera categoría, La voz de Jacqui McShee suena increíblemente limpia, competidora directa de Sandy Denny y de Linda Thompson, sentando cátedra de lo que es cantar Folk. 

Prince dedicó años de su vida al desarrollo de proyectos de pasión, y su patrimonio quiere que experimentes esa pasión. Experimentos de jazz, suites de rock progresivo, ejercicios de funk y himnos a la fe, el amor y un monstruo llamado Dolores... Todos están aquí. Es por eso que escuchamos la gimnasia teatral de "Strays of the World", el clásico r&b de "Shh" y el crujiente homenaje de Hendrix a "Dreamer", todo en el mismo tramo de 15 minutos.

Un poco desordenado, no está claro si quiere ser un intento electrónico, alt-rock o simplemente hard rock clásico como la banda había estado haciendo durante años. Aun así, estos chicos fueron lo suficientemente buenos como para juntar todo eso y, cuando funcionó, hacer música muy fina: Drug Tongue, Star, Naturally High... Algunas cosas buenas aquí, con los extraños tintes de vanguardia y todo eso, pero el colapso de Astbury en la casi locura y su posterior separación agria (y afortunadamente temporal) de Duffy detendrían a la banda en seco durante años después de esto. Subestimado, seguro, pero ni cerca del mejor esfuerzo de esta increíble banda.

A raíz de su histórico debut, el trío de Los Ángeles dibuja puntuaciones de gangsta-funk tan robustas como agradables, pero también cargadas de una aguda ironía. En general, el "Domingo Negro" amplifica el corte cruzado de su hip-hop, acercando aún más a Cypress Hill al universo del rock, pero tal vez perdiendo parte del garbo que caracterizó su primer trabajo.

Excepto por algunos cortes de la era anterior de Roy Loney, cuando los Flamin' Groovies tuvieron una agresión más cruda y de garaje (no dejes pasar por alto el álbum Teenage Head), Groovies Greatest Grooves se ocupa de los últimos años más familiares que los encuentran completamente buscando un sonido influenciado por la invasión británica. Como tal, es una excelente introducción, con un sonido consistente en todas partes que capta pistas clave de esos pocos álbumes. Podrían ser todos los Flamin' Groovies que la mayoría de la gente necesita, o podría servir como catalizador para profundizar en su discografía.

Stick Around for Joy es otro gran álbum de The Sugarcubes. No se compara exactamente con los dos álbumes anteriores, pero todavía hay muchas cosas buenas aquí. La mayor decepción es el corto tiempo de ejecución... ¿s solo 37 minutos de música? Hay Singles que son más largos que este album.

Pero sigue siendo una valiosa adición a la colección. Aunque recomendaría ir a cualquiera de los dos primeros primero. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 109

Cambio de bajista y de productor, la colaboración de Rick Wakeman y ese constante afán por cambiar se conjugaron para darle por fin a Bowie su primer álbum exitoso. Sonando más como un trabajo solista que grupal, el hard rock de “Man Who Sold The World” es erradicado y en su lugar Bowie gira hacia sutiles y contagiosas melodías pop donde predomina el acompañamiento de piano de Wakeman, dejando la guitarra de Mick Ronson en un segundo plano. 

Primer indiscutible del grupo,primera portada de Neon Park (elemento imprescindible tambien),primer gran himno de Lowell ("Willin´,versión definitiva de la canción que estrenó en el disco de debut de LF), y descubrimiento de un guitarrista y compositor inolvidable.Por no hablar de su técnica con la slide ("A apolitical blues" y tantas otras) que impulsaban a las canciones a una dimensión diferente.Temas que picoteaban de todo el acervo musical sureño para dar lugar a una mezcla irresitible,como da muestra este "Sailin´shoes" un disco ideal para iniciarse en los secretos de este gran grupo,al que es de justicia reivindicar siempre.

Musicalmente no tengo ninguna duda de que es superior a "Vivid"; los desarrollos son más complejos y tiene cabida desde el metal al jazz. Otra cosa es los sorpresivo del álbum. Con su debut la banda dio un puñetazo sobre la mesa y demostró que los negros no solo sabían hacer funk, rap, blues, soul o jazz; el hard rock y el metal en todas sus vertientes también era una opción. En definitiva un disco muy notable de una banda excepcional y, bajo mi punto de vista, no lo suficientemente reconocida.

Play es una cosa bastante cómoda.

Alcanza motivos suficientes para convencer a casi cualquier paladar, el muy orientado al pop, el propenso a las maquinitas, el enfrascado en las tendencias e incluso el nostálgico de la buena música negra.

¿A qué suena bien el invento? Pues sí, el invento suena bastante bien en general. 

Moby sabe hacer cosas chulas. Pero nada de lo que hace me hace vibrar, en absoluto.

Me parece así como...no sé...demasiado ¿Cerebral?

Las cosas cambian: en la década de 1990 consideraba "Nothing Compares 2 U" una canción sobrevalorada y exagerada, ahora la considero un clásico. Esperaba que I Do Not Want What I Haven't Got pudiera contener más música que sonara como esa canción, pero desafortunadamente, me equivoqué. Las pistas son demasiado largas casi todo el camino, mientras que solo algunas de ellas (por ejemplo, "Three Babies" y "Jump in the River") suenan musical y artísticamente válidas. "I Am Stretched on Your Grave" presenta a un buen espíritu de los 90 en el acompañamiento, pero su duración se ha estirado demasiado.

Entertainment!", con su portada soviétizante, su inagotable surtido de proclamas antisistema y sus ritmos selváticos, es una llamada a bailar la revolución. Gang of Four han cerrado la puerta al nihilismo punk, pero hay en ellos algo demasiado oscuro como para tomarles por adelantados de esa efímera Nueva Ola. Y mucha imaginación hay que echar para ver algún antecedente del synth-pop, incluso en su vertiente más "gótica".

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 108

Será porque "No Other" es una obra avanzada en muchos aspectos. Porque trata a la canción de autor con un respeto religioso sin caer en lo panfletario ni en lo autoparódico. Porque es muy de verdad. Porque la melancolía que supura es de las que se te contagia sin remedio. Porque llega a los mismos rincones de nuestra alma que obras como "On the Beach" (Neil Young, 1974) o "Five Leaves Left" (Nick Drake, 1969), cargas de profundidad de emoción inmensa. Por muchos motivos, la mayoría, inexplicables.

George Martin vuelve a coger el timón aquí (también haría los siguientes tres álbumes), produciendo 12 pistas brillantes que suenan nítidas y geniales. Aquí hay muchos estilos diferentes, desde rockeros pop hasta rock suave, folk, yate rock y orquestación. La composición es de primera categoría.

Lo disfruto de principio a fin, Hearts es uno de sus mejores álbumes.

(Juro que el comienzo de "Sister Golden Hair" suena como una canción de George Harrison).

Siempre he sido adepto a los gurus de la guitarra. Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Beck, George Thorogood, Jimmy Hendrix, Gary Moore, etc. Diferentes estilos y tecnicas, pero todas se resumen en un Stevie Ray Vaughan cuya tecnica, clara, concisa, limpia y "electrica" supera incluso algunas canciones originales de los nombrados anteriormente. Si bien es de una o dos generaciones posteriores, supo beber de todas las influencias para ser un purista. Su muerte le hizo ser una leyenda.

Aquí está todo lo que fue Cobain y todo lo que quería ser. Su pasión por Pixies y Sonic Youth, la rabia de los Stooges, el mantra de Black Sabbath y, casi lo más importante, el hálito eterno de The Beatles. "Smells Like Teen Spirit" es la puerta de entrada. Al grupo, al disco y a eso que llamaron "grunge". Una canción a la que ni siquiera la sobreexposición resta un ápice de su verdad y su contundencia. El ejemplo perfecto de la calma/tormenta que consiguieron transformar de truco a arte mayor. No es la única, eso cualquiera lo percibe rápido. "In Bloom", "Come As You Are", "Breed", "Lithium", "Territorial Pissings", "Drain You", "Lounge Act", "Stay Away", "On a Plain", todas dejan su marca de fuego. Todas destilan la ira de una infancia difícil, las dificultades de la comunicación, lo que es amar y sentirse solo.

Más que la mayoría de los imponentes talentos de Motown de los años 60, el genio de Smokey parecía desvanecerse en los años 70 en solitario. Solo ocasionalmente se escaparía una buena pista de la música de cóctel a la que se retiró, pero con este álbum, realizó un regreso a la forma muy bienvenido, con algunos de sus mejores trabajos en más de 10 años.

Comienza justo en la parte superior con el encantador "Let Me Be The Clock", su mejor matrimonio de imágenes poéticas y melodía desde "Still Waters" para los Four Tops. "Heavy On Pride" es un agradable entrenamiento de jazz-funk.

En general, este Back to black es más querido que el primer álbum de Amy Winehouse, pero no estoy convencido. Es un álbum más consistente, pero esa consistencia está en su sonido, no en la calidad. El poder del álbum (aparte del canto de Winehouse) viene a través de los grandes arreglos y producciones cachondos de Mark Ronson (6 de las 11 pistas), pero estas también muestran las limitaciones del álbum. 

Pulsa aquí 

CLÁSICOS DEL ROCK 107

Diez años después de su debut y mejor momento, los B-52 están en pleno vigor sintético en los años ochenta. Las alfombras musicales son naturalmente sintéticas, al igual que el llamativo uso de líneas de bajo recuerda el humus de la época. Todo brillante , "Dry Country" está coloreado con un falsete inicial casi glam-pop, pero algún ingrediente melódico no hace que un plato demasiado aplanado en las características estilísticas de la época sea sabroso. Sin embargo, a diferencia de "Bouncing Off The Satellites", el álbum adquiere una mayor carga compositiva y variedad.

Además de ser el último álbum de la Bauhaus, Burning From The Inside también es el más accesible, pero, aun así, sigue siendo un álbum muy difícil de penetrar. La música es sombría y estéril sin ninguna sensación de alivio o escape. El oyente es golpeado a la sumisión por la batería golpeando y el bajo opresivo, e incluso la guitarra eléctrica que suena perdida y desesperada como si se preguntara con qué demonios se ha tropezado. No es hasta que la pista final, "Hope", con su letra repetitiva "Tus mañanas serán más brillantes...", se levanta la depresiva nube, pero incluso entonces "Hope" suena quejumbroso y, en última instancia, infructuoso.

El disco abre con el inmensamente popular éxito noventero “Loser”, canción de la cual no mencionaré nada salvo que es en verdad raro que una canción cuyo coro es mitad español, mitad inglés haya sido tan exitosa y amada. Obvio, es un abrir poderosísimo. Y al Mellow Gold le pasa lo que comúnmente le pasa a discos que abren de forma tan fuerte: el resto de la escucha es cuesta abajo. Pero, hey, estamos hablando de Beck, así que hay siempre momento s interesantes y eclécticos a lo largo del disco para hacerlo bastante audible y entretenido.

No bajan el pistón ni un sólo momento. Cierto es que no hay tantos temas legendarios como en "If You're Feeling Sinister" pero el nivel es el adecuado para un tercer disco de una gran banda, de las mejores. Como en cualquier disco de B&S, me cuesta destacar canciones por encima del concepto álbum, todo y que es claramente un grupo joyitas de tres-cuatro minutos. Seguían en la cima.

Todos los que piensen que el ska es un género basura deberían escuchar esto. Esto fue antes de todos los Reel Big Fishes y Less Than Jakes y whatnot y whohaveyou. Esta fue una transmisión política, enviada para concienciar a la gente y ponerla en marcha. Las letras contundentes superan algunos de los riffs de guitarra y bajo más pegadizos jamás concebidos, y la combinación perfecta de diversión y seriedad. Este álbum es realmente algo especial.

La música electrónica no es un campo de estudio fácil cuando conoces a las personas involucradas. Incluso es complicado incluir obras electrónicas en las listas de los mejores álbumes (del año, década, etc.) cuando hay una distancia creativa e intelectual entre el mundo de la música popular, el jazz y, ahora, la música electrónica. El formato de composición es diferente, centrándose mucho más en la danza (más que en la música disco, incluido Giorgio Moroder), y en el caso de algunos estilos específicos, como Goldie's jungle, dando forma a un estado de trance, tanto como la música ambiental o el pospsicodelismo. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 106

Irremediablemente el álbum más conocido de la escena punk inglesa, el único trabajo oficial de los Sex Pistols es la mejor evidencia de que la actitud no lo es todo y muestra parte de las limitaciones del género, partiendo por una discreta interpretación y una alarmante falta de ideas a la hora de componer canciones. Prácticamente todo suena igual con el agravante de que muchas canciones se extienden innecesariamente rompiendo la barrera de los 2 minutos, esa especie de regla que por suerte casi todos los grupos punk siguieron. Luego está la voz de Johnny Rotten que por momentos se hace insoportable y por último y a pesar de ser uno de los primeros grupos del movimiento el álbum recién se editó en Octubre del 77, casi un año después de su primer single y cuando la mayoría de los grupos de la primera oleada punk ya tenía sus discos en la calle y la moda ya estaba saturando a todos, por lo que este ‘Never Mind’ es casi una despedida del lado más visible y caricaturesco del punk.

Nos encontramos ante un gran disco, eso es indiscutible. Siendo un poco objetivo, e independientemente de que agrade o no el estilo escogido por la banda, el trabajo que hay detrás de "Operation: Mindcrime" es muy notable. Ahora bien, no considero el álbum como uno de los puntales del progresivo. Hay mucho de Pink Floyd, de Yes, incluso de Marillion dentro de las canciones. Quizá ese pequeño punto de no originalidad es lo que me hace no darle la nota máxima.

Cuando la mayoría de las bandas hacen álbumes largos, utilizan el espacio extra para ser experimentales, para probar nuevos estilos musicales o nuevas ideas musicales, para ampliar qué tipo de música son capaces de hacer. Oasis solo utiliza el espacio extra para hacer que sus coros sean lo más grandes posible. Desafortunadamente, su idea de ir a lo grande es estirar sus canciones para que sean lo más largas posible sin hacerlas más interesantes.

El debut de la banda, originaria de Limerick, Irlanda, golpeó inmediatamente al público y a la crítica. Bajo el patrocinio de un glorioso sello como Island, en 1993 The Cranberries ganaron gran visibilidad gracias a canciones históricas como Dreams, Linger e I Will Allways. La propuesta musical incluía una mezcla de pop de ensueño y rock alternativo, con un componente de folk gaélico y tradiciones irlandesas. Las atmósferas y la voz de ensueño de Dolores O'Riordan, con su reminiscencia parpadeante de Morrisey y Bjiork, pero con mucha más gracia de composición, fueron la clave del éxito. Vale la pena mencionar Put me down, una canción que cierra el álbum y recuerda Morricone.

Jimmy Smith no fue el primer organista en jazz, pero nadie tuvo una mayor influencia con el instrumento que él; Smith persuadió un tono rico y grooving del Hammond B-3, y su sonido y estilo lo convirtieron en uno de los mejores instrumentistas en los años 50 y 60, mientras que varios teclistas de rock y R&B aprenderían valiosas lecciones de él.

Me gusta mucho Blue Cheer (especialmente su innovador debut), pero este lanzamiento homónimo no es muy bueno en absoluto. Dejan sus raíces originales de heavy blues/heavy psych y lanzan este álbum de hard rock comercial y más basado en el pop. No puedo decir que disfrute tanto de ninguna de estas canciones. En realidad, ninguna de las canciones es mala, pero son tan mansas y básicas. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 105

Ritchie Blackmore, Cozy Powell y Ronnie James Dio en el mismo disco, respaldados por Jimmy Bain y Tony Carey. Con semejante presentación queda bastante claro que este no es uno de esos discos del montón, de usar y tirar. Ésta es sin duda una formación irrepetible en estado de gracia.

Una intro espacial nos da la bienvenida, antes de noquearnos con la increíble "Tarot Woman" (personalmente una de mis favoritas de todos los tiempos). Un tema épico, con el teclado creando diversas átmosferas, unos grandes arreglos de guitarra y una base rítmica que cabalga durante todo el tema. El siguiente corte es "Run With the Wolf" más directo que el anterior pero igualmente efectivo, donde particularmente creo que destaca Powell con una gran labor a la batería. Un riff divertido y adictivo nos introduce a "Startruck" dónde la voz de Dio juega un papel importante. Otra pieza destacada sin duda y una de mis favoritas. "Do You Close Your Eyes" es una canción simple, pero pieza fundamental en directo, porque si éste es un disco legendario, la gira que le sucedió no lo fue menos.

Uno de los clásicos justificados de la escena de San Francisco, con todas las influencias folclóricas, voces quejumbrosas, pistas de guitarra mordaces y teclados de ensueño que hicieron que esa escena fuera tan especial. Además de una gran cantidad de referencias a drogas y comentarios políticos irreverentes. Escuchando esto, es fácil imaginarse a sí mismo en el Matrix Club o en el Avalon Ballroom en 1967, viendo el espectáculo de luz líquida mientras espera ansiosamente que el ácido que acaba de ingerir finalmente produzca ese avance mítico / místico de la Ilustración.

Cuando Ultimate Spinach llegó a escena en 1968, creo que nos divertía tanto el nombre como la gente de hoy. No tener una exposición entre las cuarenta mejores y con FM bandas de conocimiento apenas existentes como esta era más boca a boca o bombo que nada. Las mejores canciones son "(Ballad of the )Hip Death Goddess", "Your Head is Reeling" y "Ego Trip". Todos comparten el estilo de un riff repetido rodeado por varios instrumentos que tocan en torno al tema principal. Hay varios momentos que imitan vergonzosamente a Country Joe and the Fish, pero podrían haber estafado peor. Un buen álbum para escuchar de vez en cuando.

Aunque habían estado disfrutando de éxitos menores desde principios de los años sesenta, el verdadero avance de los O'Jays fue con el álbum Backstabbers, el primero con el equipo de producción y composición de canciones de Gamble and Huff. Cuenta con la exitosa pista del título, así como el éxito número 1 de Billboard "Love Train", y se considera uno de sus mejores esfuerzos.

Aunque todo el álbum se puede escuchar, realmente no hay mucho que pueda competir con los éxitos: "Backstabbers" y "Love Train" son fácilmente las pistas más maravillosas aquí, ambas son el tipo de pop clásico que se imprime indeleblemente en la mente del oyente, y son casi demasiado fáciles de disfrutar.

Cuando se lanzó este primer álbum de la banda de Keef Hartley, el propio Hartley ya había ganado cierta fama debido a su trabajo con artistas como John Mayall. Halfbreed es un disco bastante fuerte lleno de impresionante material de blues rock. El álbum también incluye muchos elementos de jazz-rock y también algo de psicodelia aquí y allá. Pero sobre todo este álbum es un disco de blues rock y, de hecho, es muy bueno.

Peace Sells es el álbum de Megadeth mejor definido, los discos producidos desde la década de 2000 están en esta línea, es decir, un heavy metal que gira entre la agresividad del thrash y el hard rock. Y este Megadeth simplemente me molesta, tenemos la sensación de que nunca despega, y Mustaine puede ser regularmente insoportable en su postura cínica.

"Rust in Peace" definitivamente sigue siendo una excepción increíble en una discografía insípida al final. Queda la portada de Repka, muy exitosa.

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 104

Su nombre estará inextricablemente vinculado al de los Rolling Stones (As Tears Go By y Sister Morphine, de la que es coautora), además de su relación con Jagger, que terminó aún más en drogas. Recursos precisamente con este "Broken English", en el que su voz cavernosa interpreta canciones con un alma ya post-punk, casi en el olor de la futura mezcla electrónica, sintetizadores y rock (Ultravox). Ya con "Broken English" podemos hablar de electro-rock, en la declinación más oscura y nocturna. Algunas visiones de nueva ola, con influencias caribeñas, casi se renuevan en algunos episodios. Considerado entre los hitos del período.

Si tuviera que elegir entre los mejores álbumes de debut de la historia, este álbum no entraría en el TOP.

En mi opinión, es un trabajo bastante flojo pero si tenemos en cuenta ciertos destellos de calidad y la gran capacidad vocal de Robert Palmer hace que este trabajo supere el aprobado. Pero poco mas...

A nivel producción, creo que es un buen trabajo dentro de los estándares del soul, pero con cierto toques de funk. 

El álbum se puede llamar de forma segura álbum en solitario Robert Lamm. Solo el poco atractivo Now That You've Gone fue escrito por James Pankow, y Alma Mater salió de la pluma de Terry Kath. Y aparentemente es por eso que el álbum no brilla con diversidad como Chicago II o Chicago III. Además, en el álbum, la banda intentó equilibrar los componentes del jazz rock y el pop rock. El intento, en general, tuvo éxito, pero el resultado fue insatisfactorio. La disminución de la proporción de metal hizo que el Chicago V no fuera muy interesante.

La carrera en solitario de Paul McCartney no es muy apreciada, lo que considero basado en una ilusión: se compara con lo que Paul hizo con The Beatles. En mi opinión, álbumes como Off the Ground e incluso Pipes of Peace son realmente muy buenos si los comparas con la música popular promedio en general. Sin embargo, al escuchar Flores en la suciedad, debo confesar que no es uno de los momentos más brillantes de Pablo. Está bien, algunas canciones, a saber, "My Brave Face", "Figure of Eight" y "This One", son muy buenas, pero la mayoría de las pistas pasan sin causar ninguna impresión.

No es un álbum esencial de Paul McCartney de ninguna manera.

Uno de esos discos out of time. Corría el 77 y el mundo se afanaba a peinarse la cresta cuando el que fuera batería de los Beach Boys va y se saca este "Pacific Ocean Blue". En su melopea particular. Ahí donde estuviera, encerrado con sus juguetes. Sin enterarse de lo que estaba pasando ahí fuera. Ni importarle, vamos. 

Un disco que suena a solera; sincero y clarividente. Que rezuma California por todos sus surcos, a viejas glorias decadentes, tiradas en un suntuoso jardín, adheridos a una botella de lo que sea. Pero, también a muchos años de profesión. Sin ambages. Y sin importarle la opinión. Un disco extraído de su alma castigada, dolorida por tantos años de sonrisas hasta el dolor. Necesario como terapia. Sin manías, como está mandado.

La Sensational Alex Harvey Band fue realmente una banda intrigante para entrar. El sonido de la banda siempre me sorprendió, ya que no era exactamente lo que esperaba. Supongo que esperaba un glam rock más directo, pero en su lugar hay un verdadero crisol de géneros (aunque todos los géneros típicos de glam) como el blues, el blues rock, el soul, etc., todos entregados con una presentación especialmente teatral y cursi. La salida de la banda tiene esa calidad limpia en la que todo suena familiar y fresco al mismo tiempo. La comparación más cercana es probablemente con Alice Cooper sin el horror cursi y sin el borde más duro. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 103

Keith tuvo la muñeca suficiente como para hacer de su primera entrega solista una especie de solvente relicario de sus intereses musicales: rock stone (obvio pues!), rockabilly, soul, funk/rock y algún toquecillo reggae. Me imagino que era una toma de posición, más purista si se quiere, con respecto al estilo más ligero y pop que Mick Jagger ofreció en sus álbumes solistas ochenteros, como quien deja en claro el motivo de la escisión que llevó a los Stones a un hiato por entonces. Con esto no digo que Talk Is Cheap sea una maravilla: la aguardientosa voz del guitarrista es el primer obstáculo a sortear y no todas las canciones resultan tan efectivas, pero al menos en sus pasajes más enérgicos y rifferos procura un rato entretenido (sobre todo para fans rollingas) y en un álbum que no suena fechado a pesar de la época en la que se grabó, gracias al atemporal empuje de su autor y de la muy buena banda que lo respalda. Solo rocanrol pero me gusta. 

Siento que este disco es una especie de decaimiento en el alma de The Velvet Underground.

La mayoria de los temas de Reed se sienten bastante flojos, y con melodias pop que parecen sacadas del peor catalogo Beatle, mientras que los de Yule tienen momentos destacables como "New Age" y otros que dejan mucho que desear como "Lonesome Cowboy Bill".

Si eres fan de TVU te recomiendo darle un vistazo a lo lejos al sonido Loaded, pero no creo que deba ser destacado como la gran obra de Reed y cia. Aun asi, sigue siendo mejor que el desesperado Squeeze.

¿Qué género podría tocar Blackfoot con el pasado y futuro guitarrista de Lynyrd Skynyrd como líder de la banda? Aparte de la roca del sur, no hay muchas posibilidades. También incorporan más riffs de hard rock en el sonido y aquí solo hay una verdadera canción de rock 'n' roll (Rattlesnake Rock 'n' Roller). Así que optan por un enfoque más difícil que sus homólogos habituales.

Boz se compromete completamente con el modo de "alma de ojos azules" de este álbum con gran éxito. Su canto es espectacular y el conjunto de canciones es muy fuerte con un sabor al Soul de Filadelfia que es particularmente alegre. Este lanzamiento presagiaba su salto completo a la música pop con el muy popular "Silk Degrees", pero por mi dinero, este es un álbum mejor que ese.

"Buffalo Springfield Again", la cumbre de un grupo que se despachó en tres discos y que aún así supo dejar una huella imborrable en todo aquel aficionado a todo ese batiburrillo que ahora llaman "americana". Guitarras acústicas y eléctricas, voces en plenitud y melodías de granja. La mitología de una joven y exuberante Norteamérica refulgiendo en diez canciones como diez soles.

Para un disco tan aclamado, nunca entendí este. Claro que es innovador y todo, con instrumentos y temas que no habían sido explorados por muchos antes de esto, como el uso de Sitares (eléctricos) y cuernos distorsionados, pero solo porque sea innovador no significa que sea bueno. Simplemente no es un disco muy bueno, es más aburrido que nada. Las piezas nunca me agarran a ellas como lo hacen las cosas de Bitch's Brew o A Tribute to Jack Johnson, solo siguen y siguen y siguen en este álbum doble aparentemente interminable. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 102

Billy Paul , uno de los grandes vocalistas del Sonido de Filadelfia. "Me and Ms Jones" es casi un Himno de mi infancia . Pero me quedo con el trance de "Am I Black Enought for You" , un Manifiesto Negro , politico , frontal , Irreverente , Genial , con instrumentaciones funky de altos vuelos.

Es una producción de Gamble and Huff, pero el álbum para mí tiene más en común con algunas de las grandes producciones de los Isley Brothers desde principios hasta mediados de los 70 que con mucha alma de Filadelfia.

Las voces de Paul son buenas, puede cantarlo con pasión, así como darle los suaves tonos de amante... a menudo en la misma canción como en el clásico "me and mrs jones" Pero también parece igualmente feliz de perderse en las canciones más duras aquí como "i'm a prisoner" y "am i am i enough black for you"? O fusionando jazz,y soul en versiones como "es demasiado tarde" y Eltons "tu canción".

Un álbum de soul bien organizado e interpretado de principio a fin.

¿Alguna vez te encuentras con un álbum que te gusta, un álbum que sabes que te debería gustar, pero parece que no puedes superar el hecho de que el artista es uno que no te importa? Este es el problema con el que me encuentro con este álbum. Si este álbum fuera interpretado por alguien que no fuera Rod, o si hubiera estado vivo para escuchar esto cuando se lanzó por primera vez, probablemente me encantaría. Pero desafortunadamente, cada vez que escucho la voz de Stewart, todo lo que puedo escuchar es "Da' Ya' Think I'm Sexy?" Y me mata todo el álbum. Tal vez algún día pueda superar el sesgo negativo que tengo para Rod Stewart que fue creado por una sola canción, pero hasta entonces...

Parachute es mi primera experiencia auditiva Pretty Things de larga duración (sí, siempre estuve más interesado en esto que en S.F. Dolor). Es parcialmente en blanco y negro, mientras que algunas de las canciones son prácticamente hard rock y no me gusta mucho ese tipo de música. Por suerte, algunas de las canciones son muy buenas. Mis canciones favoritas incluyen "In the Square", "Letter", "Grass", "She's a Lover" y "Parachute", mientras que "The Good Mr. Square", "She Was Tall, She Was High", "Rain" y "What's the Use" también son bastante agradables. En general, Parachute es del Reino Unido de los 70: combina un par de pistas de Reflections of The Marmalade, un par de números del álbum homónimo de T'Rex, un número de los Rolling Stones y algunas grabaciones excéntricas de una banda de covers llamada The Black Sabbeatles.

Gil Scott-Heron fue un poeta y músico estadounidense, conocido principalmente por su trabajo de finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970 como intérprete de palabra hablada, asociado con activistas militantes afroamericanos. Heron es quizás más conocido por sus poemas/canciones "The Revolution Will Not Be Televised" y "What's the Word - Johannesburg", un movimiento golpeado durante el movimiento universitario y nacional de desinversión de Sudáfrica de la década de 1980 en los Estados Unidos de América.

Fiel a la fuente y a una enciclopedia de R&B/rock'n'roll totalmente devota y caminante que la caminó como si lo hubiera hablado desde que llevaba pantalones cortos, John Malcolm Rebennack (alias conocidos: Mac, Dr. John, Dr. John Creaux, The Night Tripper) estaba tan intensamente alimentado por la sed de música y todo lo demás que comprendía el freewheelin',  la renombrada y loca escena musical de edredón de su ciudad natal de Nueva Orleans que a principios de los años sesenta ya había tocado en una sucesión de grupos, así como escribiendo, produciendo y arreglando innumerables pistas a pequeños sellos.

Dr.John realmente tenía una sed insaciable, como si su constante soplo de una fuente muy abundante de rock and roll solo se evaporara instantáneamente una vez que golpeaba su cerebro musical ardiente.

La banda ha cambiado su estilo a una dirección aún más sinfónica. Todavía hay algunos elementos psicodélicos, pero no tanto como sus tres álbumes anteriores incluidos. "Holy Are You", "General Confessional" y "The Adoration" son los aspectos más destacados. Todas esas son muy buenas pistas. El resto del material es más débil, pero no llamaría mala a ninguna de estas canciones.

Release of an Oath, pero este álbum tiene aspectos más destacados. Ambos están bien y son bastante entretenidos, pero el mejor disco que hizo este grupo fue su segundo álbum Underground. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 101

Cada vez que escucho a la juventud sónica, lo disfruto, pero no sé si puedo superar totalmente el aire suave de pretensión que envuelve la música. He oído a la gente describirlos como una banda divertida y supongo que puedo ver cómo son "divertidos", pero cuando escucho un álbum de ellos, se siente como si alguien me dijera lo geniales que son durante 40 minutos 

¿Estoy loco / es este un complejo de inferioridad que se filtra? No me malinterpretes, no los odio, me gustan en general, pero siento que mis exploraciones de sus álbumes están más impulsadas por "bueno, supongo que es mejor que me familiarice con esta banda porque son importantes e influyentes" que "¡realmente me gusta esta banda!"

Estamos en 1967, el último gran año, y los Buffalo Springfield se reúnen para grabar el que sería su segundo Lp. Las relaciones personales entre distintos miembros de la banda no eran entonces idílicas. Neil, peregrino de sus "pájaras" habituales, entra y sale del grupo a su antojo, sin dar previo aviso ni razón a los demás miembros. Bruce se pasa más tiempo en las comisarías del condado que en los ensayos de la banda, sus continuas detenciones por posesión de drogas hacen de él carne de próxima deportación. Richie no se encuentra demasiado satisfecho con la deriva musical del grupo, él ya pensando en una aproximación más country-rock que aplicaría claramente en su próximo proyecto, Poco. Dewey, un mandado, ni sabe ni contesta..., no crea mayores complicaciones. ¿Y Stephen, qué pasaba con él entonces?

Independientemente del conocido "pique creativo" que siempre mantuvo con Neil (y que se manifiesta nítidamente también en este "BS Again"), Stephen era entonces el único que mantenía la llama unitaria de grupo.

A principios de los 80, en plena recesión punk, surgió en Inglaterra el movimiento denominado New Romantics. Esta etiqueta fue sinónimo para muchos de “música comercial”, “música para quinceañeros” y en muchas bocas se calificó a este movimiento de “música basura”, casi siempre visto desde la perspectiva de la obra de dos grupos adscritos; “Duran Duran” y “Spandau Ballet”. 

Muchos otra bandas que supuestamente pertenecieron a este movimiento han sido durante años denostadas sin el menor remordimiento. Siempre se ha achacado a estos grupos el abuso de sintetizadores y cajas de ritmo, las infantiles letras, una forma de vestir absurda y en general una estética recargada. 

Se puede estar más o menos de acuerdo en estas cuestiones, reconozco que en mi época odiaba a los Spandau como el que más, tampoco tragaba a los Duran Duran, con el tiempo me he dado cuenta del valor de algunos discos de aquellos.

Eurythmics debutó como una explosión a principios de los 80 y con sus vídeos creativos y un sonido oscuro sobre ritmos dance pop fue un éxito instantáneo. Sweet Dreams era como una canción definitoria de esa época cuando MTV y los vídeos se hacían cargo de la escena musical.

Por supuesto que nunca escuché sus álbumes, ya que tuvieron suficientes éxitos durante ese tiempo y mucha otra música para elegir. Ahora, 37 años después, tratando de explorarlos un poco más, decidí escuchar este álbum.

Seré sincero, me gustan los Eagles. Desperado ha sido uno de los favoritos durante mucho tiempo. 

Créame.

Pero entonces, tratar de escuchar este álbum en su conjunto es una experiencia horrible. Incluso se puede escuchar el lubricante en sus instrumentos.

Sin ofender, eran los años 70. Nadie recuerda esa mierda. Por eso venden tantos discos, ¿verdad?.

Grandísimas canciones aquí como Tequila Sunrise, Saturday Night, Desperado o Doolin Dalton.

Para muchos, el mejor disco de los Eagles, incluso mejor que Hotel California.

Después de esto... bueno, ¿qué es peor que los rockeros blandos vaya envejeciendo ? "Home on a Monday" y "Happy Anniversary" son un poco fuertes, empapados en cuerdas y armonías, pero se están sumergiendo en terrenos tibios en el mejor de los casos.

Si te gusta la música más suave de los años setenta, como tal vez más tarde Eagles o Chicago, probablemente estés conectado para LRB. Sin embargo, la mayoría de nosotros, no somos así. ¿Por qué los chicos más felices y simpáticos hacen el Rock más aburrido? Sin embargo, si te gusta el pop clásico de los años setenta, podrías probar los primeros cinco mencionados.

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 100

Un disco que habré escuchado como mil veces y que aún no me ha cansado.

Este disco representa la epoca de cambio de Coldplay, dejando a un lado los sentimientos más profundos y decantandose por las composiciones en sí, logrando un excelente trabajo en absolutamente todas ellas.

Momentos muy emotivos son las dos canciones que introducen al disco o mi favorita Lovers in Japan . La cosa continua con positivismo, que es lo que hay en todo el disco salvo algunos momentos melancolicos. Viva la Vida es un temazo como Dios manda.

El final lento y algo misterioso cierra este estupendo disco que demuestra que Coldplay tiene mucho que decir y así espero que sea por mucho tiempo.

Este cuarto LP de Magna Carta continúa de la misma manera que sus tres predecesores. El disco incluye momentos buenos y débiles. Pero este álbum contiene tal vez la mejor canción de Magna Carta de todos los tiempos, que es la canción que da título a 10 minutos de duración. Es una gran canción y fácilmente lo más destacado aquí.

El resto del material es más débil, pero sobre todo bastante escuchable y decente.

The Lord of the Ages obtiene tres estrellas de mí. Es un poco mejor que su tercer álbum Songs From Wasties Orchard y casi tan bueno como sus dos primeros álbumes. En su totalidad, no es nada excepcional, pero incluye una canción realmente impresionante.

Sigúr Rós parece poner el énfasis de su música en el crecimiento de una canción, canalizando todo hacia su crecimiento, guiando cada movimiento hacia los picos culminantes, ya sea desde un contorno embrionario hasta barridos orquestales plenamente realizados, o desde susurros de nivelación hasta explosiones dramáticas altísimas. Las series de "pequeñas aventuras" de Takk se entrelazan para formar capítulos de un todo claro y tangible; desde el sencillo "glósóli", una historia de un personaje que se despierta para descubrir que falta el sol, y luego emprende un viaje para encontrarlo (mientras suena no muy diferente al de "Con o sin ti") que deja con una resonancia limpiadora.

Se trata de música de raíces suaves de la más alta calidad. La gruñida entrega del Lower East Side de Willy Deville, el toque punky pero profesional de su banda y un álbum lleno de baladas fuertes y urbanas lo confirman. Las pistas clásicas son "Cadillac Walk", "Venus Of Avenue D" y, por supuesto, el fabulosamente atmosférico rap callejero latino "Spanish Stroll".

¿Cómo podrías fusionar rhythm & blues, funk y new wave? Pregúntale a Willie, tiene la receta para hacer que tus pies se muevan y que tu "corazón " se pare.

Si bien Vanilla Fudge puede haber reconstruido algunas versiones bien conocidas del mismo período o por ahí, la conclusión es que las canciones siguen siendo versiones, ya que la banda parece forjar una carrera de repetirlas una y otra vez hasta el punto de exagerar, se hizo casi obvio lo que la banda haría con los estándares a medida que los ralentizaban y vertían una atmósfera psicodélica ya hecha en ellos.

El gospel, el blues, el soul y el rock suenan en este disco de Aretha con una autoridad, una sabiduría y un amor de los que cuesta encontrar. Por eso después de más de cuarenta años sigue sonándonos como nos suena, sigue impresionando y sigue siendo, por derecho propio, una de las piezas más fundamentales para entender la evolución del soul moderno. Y dejándonos de paparruchas, una de las grabaciones más emocionantes que se puedan disfrutar en esta vida.

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 99

Esta fue la fase más incómoda por la que pasaría The Police. Es la arrogancia de Zenyatta Mondata con la extrañeza de Synchronicity. Para decirlo sin rodeos, es el sonido de la banda que llega a la pubertad.

Las tres primeras pistas caen bajo algunos de los mejores trabajos de The Police, todo lo demás es completamente derivado del relleno Pop Reggae. Canciones como Rehumanize Yourself y Omegaman suenan como rechazos de Zenyatta. Claramente, aquí no es donde The Police suena cómodo, en su final.

Grateful dead siempre me ha parecido una banda muy particular: o te gusta o no acabas de entrar en su mundo. "American Beauty" fue una de las grabaciones de estudio más notables de García y compañía. 

Predomina el folk sobre cualquier otro género, aunque pasado por el filtro de auténtica jam band, la que todo lo lleva al extremo de la (posible) improvisación en vivo. Una joyita nada fácil y más que recomendable.

Lo que sé sobre Rick James se puede resumir básicamente en dos cosas: "Super Freak" y Chappelle Show. Y realmente sé que "U Can't Touch This" es mucho mejor que Super Freak. Oh, sé una tercera cosa: una vez estuvo en una banda con Neil Young. (Eso es cierto.) Así que no tenía ni idea de lo que me pedía.

Las canciones de James son bastante pegadizas. "Give It To Me Baby" parece haber inspirado claramente "Thriller" y el resto del material está, musicalmente, más o menos a la par con esa canción, si no necesariamente a la altura del estándar de "Super Freak" en términos de gusanillo del oído.

Tal vez sea nostalgia, ya que compré este álbum en el momento del lanzamiento, pero me parece una escucha muy agradable, y sin duda cuenta con parte de la música más interesante de Jackson Browne. Líricamente, es donde comenzó a centrarse más en el mundo en general que en la introspección sobre la que había construido su carrera hasta ahora. En cuanto a la producción, es absolutamente de su tiempo, y estoy seguro de que puede ser molesto para muchos, pero, para mí, eso es una gran parte de su atractivo.

Winwood quería reinventar su sonido y, en particular, escuchó a Peter Gabriel, que estaba pasando bien de un fondo prog al pop moderno, y también regresó a su primer instrumento, el teclado, que estaba en el corazón de la revolución del sintetizador que estaba teniendo lugar. Se conectó con el exitoso letrista Will Jennings, comenzando una larga asociación. (Puede que no sepas su nombre, pero conoces su trabajo: Jennings escribiría más tarde letras tan icónicas como Tears In Heaven y My Heart Will Go On).

Cuando un disco es un clásico, se palpa al oirlo. Se constata.

Pasé de él y fue a parar a mi discoteca. Durante años vivió en el olvido y la ignorancia. La voz, el tono, la cadencia de sus canciones, todo me resultaba demasiado oscuro y apagado. Con los años, lo he ido recuperando. Lentamente, por eso. Un clásico permite escucharlo en cualquier momento de la vida de uno, ese plus que contienen sus surcos, llamará a tu puerta en un momento u otro. Al final, cae la barrera y uno ingresa en su club. Como me ha pasado con otros tantos. Las audiciones se me hacen incansables, las puedo ir repitiendo que siempre encontraré un hueco donde encajarlas. Así es un clásico. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 98

Elegy, grabado en su mayoría en 1969, fue lanzado en 1971 como un intento de su sello de sacar provecho del éxito de Keith Emerson con Emerson, Lake y Palmer. Este álbum está raspando el fondo del barril en busca de material (ya que esta banda se separó a principios de 1970).

LP final lanzado póstumamente que consiste en pistas en vivo no utilizadas y un par de rechazos de estudio, incluida una interpretación incómoda de "My Back Pages" de Bob Dylan.

El último y más autocomplaciente álbum de Nice, recomendado solo para grandes fans de Emerson.

Un viaje muy sólido al espacio.

En este álbum Hawkwind están mucho más centrados en ofrecer esta gruesa atmósfera psicodélica en lugar de canciones basadas en el pop, que es realmente el único camino a seguir para entregar un álbum de este tipo. Sorprendentemente, suena genial para el momento en que se lanzó, y logran evitar interferencias sin dirección en su mayor parte. Instrumentalmente es rico (con saxo, flautas, electrónica temprana...), y las voces tienden a optar por las influencias habituales del blues de la época.

Mientras que algunas de las canciones aquí están construidas de forma muy transparente sobre los esqueletos de otros ("Ill Be Doggone" y "Mustang Sally", "You've Been a Long Time Coming" y "A Change Is Gonna Come"), Marvin Gaye como intérprete fue lo suficientemente fuerte como para hacer que estas canciones fueran lo suficientemente agradables y únicas. El primer lado es una plantilla clásica  de soul de Motown bastante básica alrededor de 1966 y muestra evidencia del deseo de Gaye de comenzar a escribir su propio trabajo, mientras que en la cara B es un asunto mucho más lento y encantador.

El álbum comienza con una nota sombría que establece el estilo gospel que prevalece a lo largo de todo el álbum. Esta canción muestra especialmente lo melódica que es la voz de Sarah. Tiene reminiscencias de "Two Shots of Happy One Shot of Sad" de Frank Sinatras, entonces de repente la canción parece estallar a través de las nubes y la canción toma una dirección más optimista y establece toda la sensación del álbum. ¡Una mezcla de tristeza y profundidad, pero también esperanza!

El álbum debut de Billy Idol, llamado simplemente “Billy Idol” (1982) fue un inesperado éxito comercial gracias al impacto de canciones como “Hot in the city”, “Dancing with Myself” (que Idol ya había grabado con los Generation X) y “White Wedding”, logrando una rotación constante de sus videoclips en el popular canal de videos musicales MTV.

Convertido por entonces en una promisoria estrella del pop-rock de los años 80′, y consultado si sentía que había traicionado el espíritu del movimiento punk al convertirse en un artista mediático, Billy Idol confesaría que “el Punk hizo lo que se propuso hacer hasta cierto punto y no hizo mella en el sistema político. Fue un “¡A la mierda todos los gritos, porque no pasó nada!”

Tras algunos intentos discográficos, Kim Carnes salta drásticamente a la fama con la canción "Bette Davis Eyes" en el año 1981, parte del album "Mistaken Identity", la que fue acompañada además por un excelente video a partir del cual acostumbró a su público a verla vestida siempre de negro con trajes muy formales, característica que fue su sello en casi todas sus presentaciones en televisión, y que ocupó para la portada del album "Voyeur".

Anteriormente edito este álbum en 1975 con el titulo homónimo. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 97

De vez en cuando, las voces de dos personas se unen en canciones (lo siento, lo sé, lo sé) y parece que nacieron solo por esa razón. Ann Savoy y Linda Ronstadt tienen esa magia en este álbum. Una delicia, para mí de todos modos. Creo que este fue un álbum difícil de lograr: Ronstadt tiene una voz tan pura y a menudo no sale tan arraigado como creo que le gustaría ser, pero Savoy es capaz de moderar eso tanto vocal como instrumentalmente. Buena Americana.

Demoledor debut. Escuchando esto parece mentira que se trate del mismo grupo que se hizo famoso con True (lo que, a la vez que fama, también les sirvió para ganarse la antipatía de muchos). Este primer LP remite directamente a aquellos primeros 80, es deudor de los primeros Human League y de Japan, mezcla los sintes con las guitarras, el baile con ese toque de introspección y frialdad tan típico de aquella época.

Mahalia es el arquetipo de lo que pensamos como canto de gospel: su música es los bloques de construcción de la edad de oro del gospel", añade el músico y fundador del sello Matthew E White. "Ella es para el gospel lo que Louis Armstrong fue para el jazz: el comienzo de esta música que prolifera en toda la cultura".

La madre de Jackson murió cuando tenía cinco años y fue criada por su devota tía Duke en Nueva Orleans. Cantó himnos protestantes con el coro de la iglesia bautista de Plymouth Rock, y aunque Duke le prohibió entrar en la cercana iglesia pentecostal, no pudo resistirse a espiar sus servicios desde la calle, seducida por sus ruidos exuberantes, caóticos y alegres hacia el Señor.

Mud Slide Slim and the Blue Horizon" fue el tercer LP del cantautor estadounidense.

Precisamente King compuso You've Got a Friend, una de las más conocidas de James Taylor (incluso ganó un Grammy por ella) y que cuenta con coros de Joni Mitchell. El otro sencillo fue Long Ago and Far Away, mientras con los años se ha hecho popular la preciosa You Can Close Your Eyes (aquí mi favorita), gustándome del resto muchísimo Riding on a Railroad. Este trabajo vendió todavía más y tiene a su favor que cuenta con algunas canciones extraordinarias que son de mis preferidas de este cantautor.

El último álbum de la mejor formación de James Gang es, con mucho, el más débil de los tres primeros álbumes. Los recortes de Joe Walsh son los más fuertes, mientras que la contribución de los otros miembros es casi tan a mitad del camino como el hard rock. No es un álbum terrible de ninguna manera, sino una cierta decepción en comparación con Yer Album y Rides Again.

Los vínculos entre Stevie Wonder y Ray Charles no solo se limitan a ser ciegos, sino a una forma de ver la vida a través de la música. Soul, jazz, gospel ... fue un amplio espectro tocando con Ray Charles, convirtiéndose en una piedra angular en la educación musical de un pequeño Stevie Wonder que escuchó con admiración sus canciones en la radio. Su voz profunda, áspera y llena de sensación de blues, fue la cosecha ideal para fomentar y avanzar en la explosión creativa interior del pequeño Stevie.

Lamentablemente, su existencia terrenal desapareció el 10 de junio de 2004, pero su legado en forma de canciones como "Georgia On My Mind", "I Fool For You", "I Got A Woman" y "Hallelujah I Love Her So" nunca desaparece. 

Pulsa aquí