Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Después de un descanso de 4 años, Lindisfarne lanzó su álbum de regreso, Back and Fourth.
Leí algunas críticas mientras lo escuchaba, la mayoría de ellas eran negativas, y veo por qué: seguramente es un disco decepcionante para quienes esperan el viejo estilo de los trabajos anteriores de la banda.
Este tiene un enfoque más comercial y se inclina más por el pop-rock que su antiguo folk de sonido británico.
Es un disco pop decente / bueno.
Back and Fourth es un intento honesto.
El mencionado disco es hoy considerado un hito tanto del género como de lo que conocemos hoy bajo el nombre de ‘álbum concepto’ y que en términos simples se refiere al desarrollo de un tema específico expresado en términos musicales.
Esa idea es la base sobre la cual The Moody Blues grabó nuestro propuesta de álbum, tomando como tema central la historia de la música.
Grabado entre noviembre de 1970 y marzo de 1971 en los Wessex Sound Studios de Londres, nuestro disco es una excitante obra conformada por nueve temas que giran en torno a la idea ya descrita.
Producida por Tony Clarke para Threshold, esta emblemática placa discográfica nos recibe con la imagen de un viejo que transmite sabiduría y un niño curioso por saber que es el iluminado objeto que el viejo sostiene en su mano.z
Mikis Theodorakis, el cantautor, compositor de bandas sonoras inspiradas en la tradición de su país y activista político, cumplió 96 años el pasado 29. Es uno de los pocos músicos griegos conocidos (y me temo que cada vez por menos aficionados), fuera de su tierra.
En este grupo siempre hemos defendido que se compartan toda clase de músicas. Nos resulta insoportable pensar que, por desconocimiento, se nos pueda escapar el disfrute de tanta belleza y con más razón, estando tan cerca.
Nuestro empeño es difundir el trabajo de artistas sin discriminar por etiquetas ni procedencia. Podríamos hacer nuestras, trasladándolas a la música, las palabras de Elías Canetti "Amo demasiadas cosas. Debería amar más todavía".
Con esa intención, surgió hace más de un año la idea de elaborar una lista con el nombre de Alma Mediterránea, para no olvidar los sonidos de países próximos.
Retomamos la serie con un especial sobre Grecia. Se trata de una selección en la que se mezclan épocas y estilos. Músicas en las que podemos identificar rasgos de la tradición del país y otras que podrían tener cualquier procedencia. Pop, rock, metal, electrónica... En cualquier caso, suficientemente estimulantes como para pasar una tarde de verano intentando encontrar el latido de la música helena.
Un artículo de mi admirada Patricia Godes, de hace ya unos años, refleja de forma contundente el devenir de la música popular. Seguro que no deja indiferente a nadie.
"La anglosupremacía musical se apoderó de Occidente a lo largo del siglo XX. España la abrazó con especial calor en nombre de una bobalicona modernidad. Con ella, la música se convirtió en negocio billonario y, gracias a ella, hemos disfrutado de Louis Armstrong, John Lennon, Michael Jackson y un etcétera tan largo y emocionante que te hace temblar solo de pensarlo. En contraposición, hemos perdido el contacto con músicas tan cercanas a nosotros como la francesa y la italiana, pero, sobre todo, se ha generado el desprecio más profundo y visceral hacia nuestras músicas populares y folklóricas (excepto el flamenco que tanto gusta a los guiris)".
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"Poco de todo esto conocemos los españoles. Ni históricos como Vassilis Tsitsanis, Manos Hadjidakis o el mismo Theodorakis suelen tener presencia en nuestros medios. ¡Qué triste nuestro contacto musical con Grecia! La Unión Europea ni siquiera ha servido para acercar nuestras músicas".
Patricia Godes, eldiario.es
Estoy en un viaje de nostalgia de los 90, pero solo he escuchado los dos sencillos de Spin Doctor. Volviendo a estos álbumes de los 90 y me han sorprendido la banda que pensé que eran buena para algunos sencillos.
Ese toque de guitarra de introducción en Blues de Jimmy Olsen debe haber estado en un montón de películas o comerciales porque es muy familiar.
Refrigerator Car es realmente una buena canción y la más pesada del álbum. El álbum se mantiene a flote en las últimas pistas, pero es un álbum que parece ser visto más como una broma de lo que debería ser.
De alguna manera este álbum es mucho mejor de lo que debería ser. Será recordado por generar tres grandes éxitos a mediados de los 80: "Rebel Yell", "Flesh For Fantasy" y "Eyes Without A Face". Las tres son grandes canciones y definitivamente son las más destacadas aquí, pero el resto del álbum no palidece en comparación. "Daytime Drama" y "Crank Call" son números divertidos y optimistas, "Blue Highway" tiene letras geniales y, en todo Steve Stevens, la guitarra es impresionante.
Se siente uno contento finalmente revisar algo de Tangerine Dream nuevamente.
Debo decir que mi interés en el grupo se ha desvanecido después de los lanzamientos bastante mediocres que he probado de su catálogo de los 80 (no todos, sigo pensando que Hyperborea es un excelente contendiente para uno de los mejores álbumes de TD), así que pensé que terminaré su producción de los 70.
No solo un regreso a la forma, sino una evolución. Para su cuarto álbum, siete años después de su carrera, no hay nada mejor que Honey's Dead. A pesar del título sugerente, que insinúa un distanciamiento de su juventud, Honey's Dead es fácilmente el LP más cercano a Psychocandy de The Jesus & Mary Chain. Los elementos de Noise Pop son prominentes, intrusivos e inevitables. Combine esto con la estructura de Rock alternativo de Darklands y Automatic, junto con una gran dosis de Baggy de principios de los 90, y tendrá los ingredientes para un álbum divertido y divertido.
Magna Carta podría perfectamente llamarse Incredible String Band. Este no es solo un juego de nombres. Es porque usan casi solo instrumentos de cuerda. Y no necesitan mucho más. Porque no he encontrado tanta sensibilidad en ninguna otra banda de folk.
Las armonías vocales (falsete incluido) son maravillosas. Aquí tenemos una canción llamada "Mid Winter", que volvería a aparecer en Seasons, como parte de la gran suite que abre el álbum.
En "Old John Parker", el violín me recordó (no es broma, esta vez) a los primeros Incredible String Band ... Sonido tradicional de folk británico para todos.
Un disco de "larga digestión" para los no-angloparlantes. La música es mucho más "pop" (si el término puede aplicarse a la siempre complicada música de Zappa) que en discos anteriores. Eso a mí me produjo cierto desazón las primeras veces que lo escuché, sobre todo por la excelente crítica que tiene este disco. Pero poco a poco fui convenciéndome de que estaba frente a un gran disco.
Apropiadamente bailable y encantadoramente enigmático, el noveno trabajo de estudio de Underworld Barbara Barbara, We Face a Shining Future llegó seis años después de su predecesor, ofreciendo un reluciente y acelerado regreso a la forma después del anómalo Barking (2010).
A pesar de contener solo siete pistas, el álbum de gran alcance se desarrolla como un viaje cinematográfico por la ciudad, entrelazado a través de conversaciones escuchadas, deseos internos y euforia que se desarrolla lentamente.
Ya sea soñando despierto en soledad o navegando entre multitudes bajo luces brillantes, este paisaje sonoro trascendente ofrece un deleite infinito.
Joe´s Garage es la última obra maestra de Zappa.
Con una banda nueva y genial, una historia tonta, buenas melodías y una calidad de sonido excelente.
El acto 1 es el más fuerte en el departamento de melodías, pero la influencia en los actos 2 y 3 son los solos de guitarra de Zappa, pura clase magistral.
Watermelon In Easter es una pista destacada en todo el canon de Zappa: una pieza instrumental desgarradora y profundamente conmovedora. Oh señor, cómo extrañamos a Zappa estos días ...
Este álbum es Zappa por todas partes. Música fantástica, enfoques poco convencionales del proceso de composición, letras desagradables, comentarios sociales, etc.
Lo que sea, Zappa lo hizo aquí. Aunque lleva algún tiempo acostumbrarse a que Central Scrutinizer interrumpa aquí y allá, eso no quita lo sobresaliente que es este álbum.
Es esencial tanto para los fanáticos de Zappa como para los recién llegados.
Más oscuro, más rápido y mucho más morboso que su predecesor, Stained Class es, con mucho, uno de los álbumes de metal más fuertes e influyentes de todos los tiempos.
No obstaculizado por la edad o las tendencias cambiantes, este álbum increíblemente atmosférico posiblemente sea el lanzamiento de metal más deprimentemente taciturno de todos los tiempos.
Muchos álbumes de metal suenan deprimentes, este se siente deprimente.
Sad Wings Of Destiny puede haber sido el sueño de la morbilidad, Stained Class es la realización de ese sueño. Este es el último álbum que suena sin concesiones antes de que Priest se convirtiera en un himno.
Nuestra alta exposición a la cultura y referentes históricos estadounidenses tiene como consecuencia que, a menudo, conozcamos más a personajes y leyendas de las que geográficamente nos separa todo un océano que a las propias de nuestro territorio.
No sólo Hollywood se ha encargado de ello, también esa bendita invasión que disfrutamos cada día en forma de música popular y que se remonta, como mínimo, a tiempos de la explosión de Elvis Presley como fenómeno de masas global.
Sin embargo, reconozcámoslo, no siempre captamos todo el significado implícito en un cine, una música o una literatura diseñados, ante todo, por y para el consumo del público norteamericano.
Hoy ponemos propuestas en español para que la barrera del idioma no sea un obstáculo para disfrutar del country.
En 1978, sin ninguna advertencia obvia, un resurgimiento de la subcultura Mod tomó por asalto al Reino Unido.
Una sola banda de tres hombres, The Jam, emitió una convocatoria inspiradora y miles de adolescentes británicos recibieron su mensaje alto y claro.
Jóvenes vestidos con trajes, botas y parka aparecieron en las calles por primera vez desde los años sesenta, abrazando estilos, actitudes, gustos y valores totalmente opuestos a la corriente principal.
Las ventas de scooters se dispararon, y verdaderos ejércitos Mod descendieron una vez más a los balnearios costeros como Brighton. Sin embargo, la escena del scooter y el Mod de segunda generación no era simplemente una copia servil de la primera.
Fue un movimiento juvenil original y altamente dinámico por derecho propio, que mezcló muchos aspectos de la subcultura mod de los sesenta con otras influencias de los sesenta y setenta, como Psychedelia, Northern Soul, Punk y New Wave. Progresó a través de una variedad de estilos, desde el estilo Mod básico de 1978-1980 hasta el aspecto psicodélico de 1981, pasando por las imágenes más sencillas de scooterist o Scooter-Boy que predominaron a partir de 1982.
Logró un nivel de organización mucho más allá de cualquier cosa asociada con la primera generación, y fue por este medio que se orquestó una serie de grandes manifestaciones de scooters en lugares como Scarborough, Great Yarmouth y la Isla de Wight, que empequeñecieron las asambleas costeras de los 60.
El álbum debut de Magna Carta no es tan famoso como algunos de sus álbumes posteriores.
Sus álbumes posteriores están más orientados al folk progresivo que este debut, que se parece más a un disco básico de folk rock suave.
Este álbum incluye momentos agradables y mediocres.
En mi opinión, el lado A es el lado más fuerte aquí, pero el lado B también es bastante bueno.
Hay algunos momentos muy bonitos aquí como, por ejemplo, la apertura del álbum "Times of Change", pero también se pueden encontrar un par de canciones bastante aburridas. Pero, afortunadamente, la mayor parte del material es bastante sólido y agradable.
Si te gusta mucho el folk rock acústico, vale la pena echarle un vistazo a este primer LP de la Carta Magna. En mi opinión, está bastante bien.
Cuando escuchaba a R.E.M., Echo and the Bunnymen y The Smiths en aquel tiempo , uno pensaría que The Cure encajaba muy bien en ese grupo. Por alguna razón, nunca los escuché realmente hasta finales de los ochenta. Mi primer álbum de Cure fue Kiss Me Kiss Me Kiss Me. Incluso entonces, no estaba escuchando a Faith. Me gustó Kiss Me Kiss Me Kiss Me y Disintegration y unos años más tarde Wish, pero no fue hasta hace unos diez años que comencé a mirar el catálogo de The Cure.
Este es un álbum muy oscuro y de mal humor que presenta el sencillo más optimista 'Primary'. Los aspectos más destacados de este álbum incluyen 'Faith', 'The Drowning Man' . ¿Clásico de todos los tiempos? - ¡Absolutamente sí!
La música folk, aunque ignorada por las estaciones de radio y no tan popular como a mediados del siglo XX, es un género próspero lleno de artistas maravillosos que crean música hermosamente agradable al oído y al corazón. Midlake es una de estas bandas.Pensé que podía hacer lo mismo con The Courage of Others. Este no era el caso. Si bien no es un mal álbum The Courage of Others es bastante aburrido. Incluso triste. Si bien cada canción contiene hermosas melodías de guitarra que serían un gran álbum instrumental, las letras tratan continuamente temas de pérdida, soledad y aislamiento.
Brillante y puro Gavin.Este es un artista con el que nunca podría aburrirme.Es un gran talento, uno que tiene la confianza suficiente para mostrar emoción cruda sin parecer débil y quién puede cambiar de personaje sin esfuerzo para adaptarse al tono de la música.Sí, me encantó su trabajo con el Virgin Prunes, pero este CD es mágico y debería ser un elemento permanente en la colección de CD de sus muchos fieles seguidores.
El estado de ánimo de los Auteurs, en particular en este disco , recuerda mucho al de Suede, sobre todo en los momentos más ruidosos primeros años y guitarras americanas en todos los demás .Si bien los momentos antes mencionados -especialmente el primero- son excelentes, es en las canciones más lentas y sensuales donde los Auteurs dan su mejor momento.En muchas canciones, especialmente en las más lentas y acústicas, se asoma un xilófono, cuando sucede siempre es un encanto escucharlo.
Voces poderosas y originales, especialmente ese "acento" de abuela que está poniendo. El control por voz es digno de mención (cambiar de gritos a cantar a gruñir) pero no siendo un fanático del funk, no tengo un punto de referencia, aparte de las cosas obvias. Involucrar la escritura musical para un disco funk. Esto no es un funk profundo, muchas partes jammy y sutilezas melódicas y arregladas, lo suficiente como para acercarlo al jazz-funk (¿influencia del marido?)
Obra maestra absoluta.
Este es el álbum más genuino y conceptual de Manchester Orchestra,cada parte es excepcional.
Me encantan los instrumentales distantes y espeluznantes: todo el álbum es borroso, como una transmisión de radio desde el espacio profundo o una televisión con mucha estática, y este ambiente nebuloso hace maravillas con los temas de ira, aislamiento espiritual y tormento interno que el álbum tiene que ofrecer.
La película El rey y yo está basada en el musical de Rodgers y Hammerstein estrenado en Broadway en 1951, basado a su vez en un libro de Margaret Landon, que contaba la historia de Anna Leonowens, una mujer inglesa contratada como profesora de los numerosos hijos del rey de Siam.
Esta película ganó en 1956 cinco Óscar, entre ellos el premio a la mejor banda sonora y al mejor actor. Lo mejor de la cinta es sin duda la presencia de Yul Brynner, un actor único, muy especial y realmente fantástico.
Este es mi álbum favorito del pionero de la música de sintetizador.
Se inspiró en el principio Tao de que progresar significa regresar.
El motivo giratorio de Spiral expresa esta forma. No es puramente electrónico; también usa metales y percusión.
En Ballad usa su propia voz procesada.To the Unknown Man comienza con una melodía simple sobre una nota repetida que se mueve entre izquierda y derecha en estéreo, hasta que se establecen majestuosos redobles de batería. Demuestra que la música electrónica puede sonar expresiva.
Unos Jesus totalmente diferentes a los de Psycochandy entregan un trabajo fenomenal con el que se reivindican tras el, para mí, bajón de calidad de Automatic (a pesar de que les llevara al éxito con Head on y Side Walking).
En Honey's Dead los guitarrazos se vuelven más explícitos y ya no existe esa maraña ruidosa de antes. Las canciones vuelven a ser geniales joyitas pop. Personalmente, es un disco que me anima muchísimo.
