Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Un álbum engañoso. Por un lado, su mítica portada y, por otro, un contenido decepcionante. ¿Decepcionante? Bueno, no exactamente. Es cierto que la primera idea que me viene a la mente es: "Algo le ha cambiado", pero algunas escuchas más tarde podemos percibir no solo su astucia.
Nos está diciendo: "¿Crees que no puedo cantar? ¡Ya verás!" Y se convierte en un pequeño Frank Sinatra
Mientras que bandas como Sleeper y Lush eran indiscutiblemente hijos de la revolución Britpop, Elastica estaba más alineada con las bandas grrrl estadounidenses Sleater-Kinney, Veruca Salt y Hole con Justine Frischmann haciéndose pasar por la chica de rock arquetípica con la intención de empoderamiento femenino. Su música contenía todas las influencias pop contemporáneas de la época mezcladas con la pasión descarada y thrash del punk de los 70. Su debut contiene dieciséis pistas, pero solo registra a los cuarenta minutos. Sus canciones son chillosas, bucales, sexys y simplemente divertidas. Tardaron cinco años en darle seguimiento, liberaron The Menace y luego se separaron rápidamente. ¡Muy punk!
Poco a poco de una banda sonora casi perfecta como The Sound of Music, esta película estaba llena de un paquete de canciones muy respetable. Existen los estándares de Disney como "A Spoonful of Sugar", "Supercalifragilisticexpialidociuous" y "Chim Cim Cher-ee" que vivirán para siempre.
Sin embargo, otros son igual de agradables, como "Jolly Holiday", "Step in Time", la encantadora "Stay Awake" y la melancolía "Feed the Birds (Tuppence a Bag)". Imposible escucharlos y no pensar en las imágenes vívidas de la película.
Digno de estar en la colección de cualquier niño (o adulto).
Hay discos que son un mundo sonoro propio,personal e intransferible.
Colecciones de canciones que no se parecen a nada ni a nadie :el molde empieza y acaba alli.
Para mi gusto,uno de los ejemplos perfectos de esta introduccion es"Rock bottom",media docena de temas imperecederos realizados por Wyatt y sus amigos.Temas lentos,densos,atmosfericos ,que dejan un poso melancolico.Un disco de sensaciones:o entras en su ritmo propio o no hay nada que hacer.
Momentos magicos,muchos,pero si tuviera que elegir una maravilla como pocas me quedaria con la trompeta de Mongezi Feza en "Little Red Riding Hood hit the road":desparrame sonoro en unos de los mejores minutos que he oido nunca.Pero hay muchas otras maneras de poner un nudo en la garganta,como la acuatica "Alife" o la intensa apertura de "Sea song", donde la vocecilla de Robert emociona.
Lo dicho,una joya sin referentes anteriores o posteriores.
"Sweet Dreams (Are Made ofThis)", un sencillo número uno de principios de la década de 1980,mostraba una de las direcciones que tomó la música de baile en la era posterior a la discoteca. Con su gran dependencia de sonidos sintetizados electrónicamente, bucles secuenciados y lo que se ha descrito como un tono emocional genial o austero, "Sweet Dreams" señala el camino hacia estilos musicales posteriores centrados en la tecnología, como el techno. Al igual que algunos de los grupos de techno más exitosos de la década de 1990 (véase el capítulo 14), Eurythmics consistía en un núcleo de solo dos músicos: la cantante Annie Lennox (nacida en 1954 en Escocia) y el teclista y genio técnico Dave Stewart (nacido en 1952 en Inglaterra).
La primera aparición de Eurythmics en las listas de éxitos en los Estados Unidos se produjo con el lanzamiento de su segundo álbum, Sweet Dreams (Are Made ofThis), en 1983.
Entre 1968 y 1972, Family había lanzado seis álbumes en cuatro años, y la tensión había estado empezando a mostrarse en álbumes recientes. Bandstand de 1972 vio a la banda haber prescindido de gran parte de su progresividad para un enfoque de rock más directo, y la alineación temporalmente estable tampoco dolió. Canciones como los temas secundarios "Burlesque" y "My Friend the Sun" mostraron que su potencial de éxito todavía estaba ahí, particularmente con este último número acústico, fácilmente una de las mejores canciones de toda su carrera. Trouble was, el resto del álbum se parece mucho al rock de los 70 por números en estos días, con solo el destello muy ocasional de inspiración fuera de los dos números antes mencionados y claramente más cerca de "Top of the Hill".
Johnny Otis, ahora conocido como el Padrino del R&B, nació en Vallejo, California, el 28 de diciembre de 1921, de padres inmigrantes griegos, Alexander e Irene Veliotes. En 1940, la big band jazz de Count Basie y Duke Ellington le había inspirado a empezar a aprender la batería, progresando más tarde al piano y las vibraciones. En 1946 cambió de un pequeño grupo de boogie-blues a una banda de jazz-swing de 16 piezas, firmó un contrato con Excelsior Records y obtuvo su primer éxito, "Harlem Nocturne". La banda despegó en una gira nacional con Louis Jordan, Nat 'King' Cole y los Inkspots.
Para armar esta joya de Pet Shop Boys, el dúo británico se valió de su talento y de unas cuantas colaboraciones que dieron enjundia al proyecto. No fueron demasiadas, ellos saben muy bien que estas cosas es mejor espolvorearlas como las buenas especias, pero sí que son notorias. Sobre todo destacan las orquestaciones de todo un Angelo Badalamenti en un par de temas y la guitarra del genial Johnny Marr en otros dos. Son nombres con el suficiente peso como para dejar su sello, pero no llegan a tergiversar el pop colosal que nuestro dúo favorito siempre ha sabido fabricar. Aquí como nunca.
¿Por qué es diferente Anastacia? En primer lugar, tiene una voz que puede volarte la cabeza a 50 metros . Es una voz inolvidable que es tan distintiva como la de Janis Joplin, tan poderosa como Hazel O Connor, tan conmovedora como Aretha Franklin y tan rock como PJ Harvey.
En segundo lugar, hay una exuberancia e inteligencia indefinibles que emanan de la chica. Tal vez provenga de vencer al cáncer de mama, pero su amor por la vida, la música y su sonido brilla claramente a través de sus canciones, que son increíbles disturbios de sonido. Tiene la mente de un Tori Amos o Suzanne Vega combinada con los instintos musicales de poprock de una Kylie Minogue o Madonna.
Ahora este es un álbum decente de Violent Femmes y tiene al menos una canción clásica genuina que puede hacer que todos, desde abuelas, hasta góticos, bailen, pero cómo eso justifica los elogios que siempre recibe es algo que nunca entenderé. Sinceramente, hay momentos en los que he oído y pensado que las letras eran a veces sexistas e incluso rayaban en la misoginia.
Una bondad y una elegancia tan inmaculadas, que los de Robin Pecknold corren el riesgo de ahogarse en la melaza de unas voces como no había oido en décadas, orquestadas a las mil maravillas sobre unas melodías que esquivan la obviedad con solvencia y que sacan el máximo partido de unos arreglos fantasiosos y nada acomodaticios. Con todo esto, al final, por mucho que se enarque la ceja, es prácticamente imposible escapar de las redes de unos músicos que saben cómo se fabrica un clásico y que demuestran gusto, sapiencia y buen hacer en todo momento.
Fleet Foxes merece una oportuna escucha.
Link Wray es uno de los tres o cuatro mejores guitarristas de rock'n'roll de la historia, y esta es la mejor introducción a su sonido.
Un sonido que a través de The Cramps todavía se puede escuchar en la música de The White Stripes y The Dirtbombs. "Rumble" en sí mismo simplemente es rock'n'roll. Lástima que la canción no estuviera incluida en el álbum de la banda sonora de Pulp Fiction(está estáen la película) para que Link Wray pudiera recibir una merecida admiración . Además de "Rumble", este CD incluye otros instrumentales salvajes de Wray como "Raw-Hide", "Jack The Ripper", "Run Chicken Run" y "Ace Of Spades". También hay una versión vocal genial de "Ain't That Loving You Baby" de Jimmy Reed. ¡Este es uno de los mejores CD instruméntal.
Hay figuras de la música tan grandes que sobrepasan la simple admiración. Elvis Presley forma parte de este grupo. Una estrella que deslumbró en los años 50 y 60 del pasado siglo con su extraordinaria capacidad vocal y su imponente figura de sex símbol. Fue un ídolo juvenil que provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Se acaban de cumplir 45 años después de su muerte y sigue siendo una leyenda.
Nació en Memphis, Tennessee, en el seno de una familia pobre. Desde pequeñito escuchó una música que habían inventado los negros, el gospel y el R&B, y también el country. Con estos mimbres, sobre todo imitando e interpretando la vitalidad y el impulso de la música que estaban haciendo los negros, conformó una carrera meteórica que provocó la popularización de unos sonidos que cambiaron el mundo: el rock’n’roll.
En la América racista y conservadora de mediados del siglo XX no cabía imaginar que una música hecha por negros fuese abanderada del cambio de estilo. Lo cierto es que intérpretes y creadores de raza negra ya hacian rock and roll cuando Elvis aun cantaba baladas country. Si los medios les hubieran dado una difusión masiva, el curso de la historia de la música habría sido distinto.
Finalmente se le atribuyó el mayor cetro en el rock &roll. Sí fue desde luego el mayor difusor y vendedor de discos del mundo.
Yo Stevie Wonder afirmó: “Sólo existe un auténtico Rey del rock and roll: su nombre es Chuck Berry”
Y hasta John Lennon, que respetó siempre a Presley, declaró: “Si quisieras encontrar otra palabra para definir el rock and roll, tendrías que decir: Chuck Berry”
Al final de su vida, vivió recluido y deprimido, aplastado por la gloria, no le dejaron respirar para buscar su inspiración. Su muerte prematura a los 42 años lo convirtió en leyenda eterna.
Vivid es un album algo desigual pero sumamente interesante del hard rock de finales de los ochenta. Es bastante interesante y supongo que en su época que fue bastante refrescante, ya que Living Colour fue de los pocos grupos cuyos integrantes eran todos de raza negra y que en lugar de tomar el camino ya bastante transitado del hip hop, se clavaron casi de lleno en un género dominado casi en su totalidad por gente de raza blanca.
Y aunque inevitablemente le añadieron tintes de música “negra”, el resultado final de su particular propuesta fue un disco debut bastante interesante y original.
No está mal para un álbum debut hecho por músicos relativamente inexpertos. Fleet Foxes, inicialmente el cantante Robin Pecknold y el guitarrista Skyler Skjelset, no ocultaron desde el principio de su carrera su admiración por el folk clásico estadounidense.
Muchos críticos clasificaron a Fleet Foxes como uno de los mejores álbumes de 2008
Grupos de rock, como Neil Young y Crosby, Stills & Nash.
Los arreglos vocales expertos y la instrumentación a gran escala de esos artistas impregnan Fleet
WooAah", mientras que "White Winter Hymnal" tiene ese viejo sonido inglés expertamente caído.
El álbum debut más vendido en la historia británica - casi 120.000 copias el primer día, un total de 364.000 en la primera semana - Whatever People Say I Am fue una amalgama abrasadora de guitarras mordaces y frenéticas, letras de latigazos que mezclaban el modismo y la idiotez con el ojo de un novelista para el detalle, y un sentido del tiempo y el lugar que puso las 13 pistas en el panteón de la cultura juvenil británica.
El álbum no tenía un hacha que usar ni una apuesta que reclamar, pero a través del amplio acento de Yorkshire de Turner ilustró las sombrías calles y las brillantes pistas de baile de Sheffield que fácilmente podrían haber llegado a abarcar su vida.
En 1951, Johnny Cash (19) estuvo en Alemania, donde hizo su servicio militar en la Fuerza Aérea Americana. Una noche, va al cine de su base de asignación, donde se proyecta un documental sobre la prisión de Folsom (California), Inside the Walls of Folsom. El joven Cash salió molesto y, a la noche siguiente, escribió una canción titulada Folsom Prison Blues. Al regresar a los Estados Unidos en 1954, tocaron su country y sus clásicos de blues acompañado de dos amigos. Dos años más tarde, llama a la puerta de los estudios Sun de Sam Phillips, que acaba de lanzar un cierto Elvis Presley. El productor le dice a Johnny Cash que no está interesado en su repertorio de versiones y le pide una canción original; Cash y sus amigos se embarcan en una interpretación frenética de Folsom Prison Blues. Phillips firma al nativo de Arkansas en el proceso. Folsom Prison Blues, para cuya escritura Johnny Cash se inspiró en la canción de Gordon Jerkins Crescent City Blues (1953), fue lanzado como sencillo unas semanas más tarde. Los críticos y el público se benefician de él y el sencillo es un gran éxito. La carrera de Johnny Cash ha comenzado.
Una cuarta parte de este álbum es buena, una cuarta parte es mala y la otra mitad está bien, el tono del álbum se siente más consistente que otros álbumes, pero los instrumentales y las voces son menos consistentes.
Los aspectos más destacados fueron Chocolate Jesus, Eyeball Kid y Filipino Box Spring hog, los puntos bajos fueron House Where Nobody Lives, Pony y Black Market Baby.
La carátula del álbum es sólida, está bien sombreada y tiene un estado de ánimo fresco que refuerza el tono del álbum, pero también creo que sería mucho mejor si no fuera una imagen, ya que carece de arte.
En general, este álbum es mejor que el anterior en todos los sentidos, los instrumentales son decentes, las voces son inconsistentes, pero es sólido en conjunto.
Folk-punk acústico. Así es como la música de Violent Femmes, un trío estadounidense dirigido por Gordon Gano, cantante y guitarrista con una inconfundible voz aguda y ahogada, podría definirse como un neófito. En la música de la banda, la impetuosidad típica del movimiento punk se filtra por al menos tres décadas de tradiciones musicales de estrellas y rayas y se renderiza casi exclusivamente con la ayuda de la guitarra acústica y el bajo y la batería mínima. Una mezcla fresca y ganadora, que con el tiempo no ha sufrido cambios muy grandes, y que en este álbum debut encuentra quizás su forma más completa (aunque el posterior y oscuro Hallowed Ground, fechado en 1984, ciertamente no es una excepción). El disco, que se abre con el prensado y famoso Blister In The Sun, alterna con éxito canciones de amor con un sabor country (Please Don't Go), r'n'r más o menos rítmico (Gone Daddy Gone, Add It Up) y baladas espeluznantes (Confesiones), en treinta y seis minutos de música que no olvidas. Y, entre los que no lo han hecho, a la vanguardia encontramos Black Francis de Pixies, que le debe a Gano su típico estilo vocal a mitad de camino con el habla y desatado de los tonos.
Cuando se habla de British Folk Rock, siempre surgen 4 o 5 nombres básicos, Fairport Convention, The Pentangle, Richard & Linda Thompson, Fotheringay, Etc.
Pentangle fue un grupo capital dentro de este movimiento que tuvo una enorme importancia e influencia en la música posterior y que dejo para la historia unos cuantos discos grandiosos.
Entre estos discos figura “Basket of Light”, quizás uno de los mas brillantes de la discografía de Pentangle, en cualquier caso uno de mis favoritos.
Formación de autentico lujo, hablamos de músicos de primera categoría, La voz de Jacqui McShee suena increíblemente limpia, competidora directa de Sandy Denny y de Linda Thompson, sentando cátedra de lo que es cantar Folk.
Prince dedicó años de su vida al desarrollo de proyectos de pasión, y su patrimonio quiere que experimentes esa pasión. Experimentos de jazz, suites de rock progresivo, ejercicios de funk y himnos a la fe, el amor y un monstruo llamado Dolores... Todos están aquí. Es por eso que escuchamos la gimnasia teatral de "Strays of the World", el clásico r&b de "Shh" y el crujiente homenaje de Hendrix a "Dreamer", todo en el mismo tramo de 15 minutos.
Un poco desordenado, no está claro si quiere ser un intento electrónico, alt-rock o simplemente hard rock clásico como la banda había estado haciendo durante años. Aun así, estos chicos fueron lo suficientemente buenos como para juntar todo eso y, cuando funcionó, hacer música muy fina: Drug Tongue, Star, Naturally High... Algunas cosas buenas aquí, con los extraños tintes de vanguardia y todo eso, pero el colapso de Astbury en la casi locura y su posterior separación agria (y afortunadamente temporal) de Duffy detendrían a la banda en seco durante años después de esto. Subestimado, seguro, pero ni cerca del mejor esfuerzo de esta increíble banda.
A raíz de su histórico debut, el trío de Los Ángeles dibuja puntuaciones de gangsta-funk tan robustas como agradables, pero también cargadas de una aguda ironía. En general, el "Domingo Negro" amplifica el corte cruzado de su hip-hop, acercando aún más a Cypress Hill al universo del rock, pero tal vez perdiendo parte del garbo que caracterizó su primer trabajo.
Excepto por algunos cortes de la era anterior de Roy Loney, cuando los Flamin' Groovies tuvieron una agresión más cruda y de garaje (no dejes pasar por alto el álbum Teenage Head), Groovies Greatest Grooves se ocupa de los últimos años más familiares que los encuentran completamente buscando un sonido influenciado por la invasión británica. Como tal, es una excelente introducción, con un sonido consistente en todas partes que capta pistas clave de esos pocos álbumes. Podrían ser todos los Flamin' Groovies que la mayoría de la gente necesita, o podría servir como catalizador para profundizar en su discografía.
Stick Around for Joy es otro gran álbum de The Sugarcubes. No se compara exactamente con los dos álbumes anteriores, pero todavía hay muchas cosas buenas aquí. La mayor decepción es el corto tiempo de ejecución... ¿s solo 37 minutos de música? Hay Singles que son más largos que este album.
Pero sigue siendo una valiosa adición a la colección. Aunque recomendaría ir a cualquiera de los dos primeros primero.
