DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Puede que pase a la historia como el robo más crucial en la música pop. En 2003, los punks de Berkeley, California Green Day, cortaron lo que iba a ser su séptimo álbum, pero justo después de terminar de rastrear las 20 canciones para un lanzamiento titulado Cigarettes and Valentines, las cintas maestras fueron robadas.

American Idiot es una gran y extensa sección transversal de rebelión y comentarios sociales, patetismo y saqueo, que llama a los Who en su álbum conceptual en su mejor momento y a los Ramones en su punto más contundente. Fue una  disco bestial, con 13 canciones, dos de las cuales tenían cinco movimientos distintos cada una, que duraban casi una hora. Y fueron las cualidades que una vez habrían sido anatema para la banda, como la grandeza y la ambición temática, las que la anudaron e hicieron que las canciones pasaran de personajes ficticios a atrapar el sentir de la época. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este álbum presenta las letras clásicas, sexys, psicodélicas y angustiadas de Turner, pero musicalmente es probablemente su trabajo menos interesante. Como álbum pop-punk con mucha menos guitarra que su sonido habitual, muy simple, generalmente más lento, batería y un buen trabajo de sintetizador, se inclina mucho más al pop que al punk. Irónicamente, este álbum es la introducción de la mayoría de la gente a los monos árticos, y si intentas que un amigo sumerjas los dedos de los pies en el punk, este es bueno para recomendar 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum realmente no lo hizo por mí. Dicho esto, nunca he escuchado nada igual. Creo que la banda estaba por la variedad en este, pero honestamente, fue confuso. Algunos de los mejores aspectos del disco son las transiciones geniales de los diferentes DJ de radio, que fue una toma única e inteligente para mostrar las canciones y crear bombo dentro del álbum. Además, el álbum suena increíblemente nítido. No estoy seguro de dónde se grabó, pero la calidad del sonido es fantástica. Realmente asalta los sentidos (tal vez hasta el punto de que no es agradable, pero sigue siendo genial) Las únicas canciones que realmente recuerdo y la primera y la última, así que supongo que eso te muestra qué tipo de álbum es... 

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DIRECTISIMO 57

Para este fanático de Mink de Ville/Willy de Ville desde hace mucho tiempo, esto es muy decepcionante.

Iría tan lejos como para decir que mi actuación favorita en vivo fue Mink De Ville en Cleveland alrededor de marzo de 1984. Un club pequeño y una actuación realmente excelente, apoyando su entonces nuevo álbum Where Angels Fear To Tread...

¿Pero este álbum? Willy está tratando de ser un vocalista de blues y NO es una escucha agradable. Ninguno de los materiales se parece a sus obras maestras teñidas de latín de finales de los 70 y principios de los 80. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Curiosamente, este álbum sin pretensiones de estándares ligeramente contabilizados es el álbum más vendido de Willie Nelson. Vendió unos asombrosos cinco millones de copias y estuvo en la lista de álbumes country de Billboard durante diez años consecutivos en un momento dado. Mientras que la producción de Booker T.Jones es bastante justa, Willie Nelson da tiernas lecturas de estas viejas castañas. Y tocar la guitarra es excelente como siempre. Los aspectos más destacados incluyen "Georgia on My Mind", "Blue Skies", "Someone to Watch Over Me" y "September Song". Forajido Willie, esto no lo es. Y a pesar de carecer de esa ventaja subcultural que hizo que sus discos de mediados de la década de 1970 fuera tan grandes, Stardust es Willie Nelson en su mejor momento para complacer a la multitud. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Podría haber llegado con la misma facilidad a English Oceans de 2014 este álbum , pero el primer tema "Ramon Casiano" no es solo una de las mejores canciones de rock escritas por cualquiera en esta década, sino que también debería recordarse en los libros de historia como una de las pocas piezas de música que describe adecuadamente el clima político. Lo que me molestó de la música lanzada a finales de 2016 y a lo largo de 2017 no fue el exceso de calidad, eso también, obviamente, sino que tantos artistas estadounidenses simplemente dieron la punta en lugar de abordar el problema.

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CLÁSICOS DEL ROCK 117

Lanzado por Paul McCartney Badfinger fue una maldita banda que se convirtió en una tragedia cuando Pethe Ham y Tom Evans se suicidaron sucesivamente.

Su álbum debut es solo un buen comienzo. Algunas canciones son pegadizas y otras son más o menos rellenos, pero ninguna de ellas es mala.

"Come and Get it" es una composición de Paul McCartney; alcanzó el número 4 en el Reino Unido.

"Crimson Ship" también es bueno con un buen riff de guitarra eléctrica que comenta cada frase cantada. "Fisherman" es una bonita pieza acústica.

La voz de Wilson es rica y cálida como el suelo del Delta, y es menos ostecible aquí que en los álbumes anteriores, tratando de impresionar menos, pero la impresión general es de música pop muy pulida. Por lo general, está respaldada por un par de guitarras, un bajo y algo de percusión. Todo es de muy buen gusto, pero me cuesta encontrarlo interesante: ella no hace lo que hacen los mejores cantantes de jazz, no reinventa, reimagina o replantea las canciones. Y como música pop, son muy educados, pero los buenos modales no son necesariamente lo que queremos de la música pop. Mis canciones favoritas son Darkness On the Delta, donde está acompañada solo por el piano de Boogaloo Ames, y You Gotta Move, donde es ella, una guitarra y un par de coros.

El álbum también tiene sus momentos más tranquilos: la Amatuer Hour más lenta y sincera muestra un lado más lamentable y emocional del canto de Jackson que es bastante impactante. La producción de David Kershenbaum abraza firmemente al bajista de Jackson, Graham Maby, - en algunas pistas se siente como si Maby estuviera tocando "bajo de plomo", y está igual de bien porque Maby es un excelente musico con su interpretación melódica que se las arregla para destacar.

Bridges protagonizó la película Crazy Heart en 2009, donde interpretó a un cantante de música country caído. En la banda sonora de la película, Bridges cantó cinco de las dieciséis canciones. En 2011, firmó con el sello de música de jazz Blue Note Records, donde anunciaron que Bridges grabaría y lanzaría su álbum debut a finales de ese año.

El 23 de mayo de 2011, se lanzó la lista oficial de canciones y otra información sobre el álbum. 3] Ryan Bingham, Rosanne Cash, Sam Phillips y Benji Hughes aparecen como vocalistas invitados en el álbum.

La canción de apertura, "What a Little Bit of Love Can Do", fue lanzada como el primer sencillo el 15 de agosto de 2011.

Una recopilación de películas de Ry Cooder, que destaca su interés por las formas musicales americanas tanto como crea atmósfera y enriquece las películas que ha anotado. En algún momento de principios de los 80, Cooder decidió abstenerse de los álbumes en solitario y centrarse en el trabajo cinematográfico, se demostró que era una buena decisión. Ciertamente uno de un artista sensible con una buena conciencia de sí mismo.

Gran musicalidad en todo momento con contribuciones de Jim keltner, Jim dickonson, Van dyke parks, entre otros.

Es imposible para mí revisar objetivamente este disco, ya que lo he tocado tanto que cada nota no solo se memoriza, sino que es parte de mi propio ser en un sentido musical. "Stranger in a Strange Land" es la mejor canción de este, el mejor disco de Leon Russell. Ve al último minuto de esa canción y empieza por ahí. Si el estilo Gospel de León te ayuda y las llamadas se aferran, entonces eres un posible adicto a Leon Russell y al Shelter People. Si no te mueve, entonces veo pocas razones por las que te encantaría el disco. Si da el paso, estás a punto de escuchar algunos de los mejores pianos tocando (y tambores con bateristas estelares como Jim Keltner, Jim Gordon, Roger Hawkins y Chuck Blackwell turnándose detrás .

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1969’s # 1 UK ALBUM

Disco completo. Posiblemente el mejor de la historia, con unos Beatles en pleno apogeo, a punto de la decadencia, con canciones para todos los gustos, imponiendo nuevo estilo, mejorando instrumentalemnte, revolucionando la tecnica de grabación, imponiendo ideas, involucrandose en sus letras, tocando todos los estilos que controlan, en fin, posiblemente estaría contando y contando mientras escucho el final del "I want You" que me marcó por el resto de mi vida. Si ese corte puede ser post-rock!!!

Una recomendacion: Escuchad las ultimas canciones seguidas del album (es realmente sublime y hoy en dia estarían como hit parades seguro.

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AYER VÍ 1 (Quincenal)

Nueva York, invierno del año 1990. Jonathan Trager (John Cusack) y Sara Thomas (Kate Beckinsale) son dos extraños comprometidos con sus parejas que se sienten atraídos en un encuentro casual.

Puestos en manos del destino, ambos vivirán mundos distintos hasta un nuevo encuentro pasados los años.

Una vez más, un tema recurrente en la comedia romántica norteamericana de los últimos años: dos personas, dos medias naranjas, que ansían encontrarse, con el azar y el destino como compañeros de reparto, y con la ciudad que nunca duerme como escenario ya habitual. Un planteamiento nada original sobre el papel, aunque una vez vista se aprecian ciertos rasgos propios.

Dirigida acertadamente en esta ocasión por el irregular Peter Chelsom, la película se sustenta gracias a su ritmo, los giros en el rumbo de la historia (quizá demasiados, no obstante), y al carisma de su pareja protagonista, con un John Cusack en un papel, una vez más, a su medida. Obviamente, el espectador debe asumir ciertos axiomas o licencias argumentales en relación al azar y a la ley de la probabilidad para poder disfrutar de esta agradable película, que intenta crear un ambiente entre mágico e irreal, un submundo en el que ciertas cosas son posibles, como que al cabo de los años vuelva a nuestras manos un billete en el que anotamos un número de teléfono.

No en vano la trama se desarrolla en Navidad, dándole así el entorno perfecto para un cuento, lo que en definitiva es Serendipity, un entretenido cuento para adultos. Si bien como película se queda en aceptable, cierto es que posee cierto encanto, de ese que consigue que para algunos espectadores sea algo especial.

Una curiosidad: Fue rodada antes del desastre del 11-S, pero estrenada después, por lo que se decidió borrar digitalmente las torres gemelas del skyline neoyorquino.

FUENTE(Fichas en AlohaCriticón) 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Su caracteristica voz de lija, que algunos encuentran excesivamente impostada, destila sabor a honky tonk sureño ya desde el descomunal "Stranger In A Stran-ge Land", con ese aire góspel que impregna todo el álbum.

Una vez más, la marca de la casa es ese piano sincopado, omnipresente, como las poderosas coristas femeninas, en canciones adhesivas como "Alcatraz", "The Ballad Of Mad Dogs And English-men" y "She Smiles Like A Ri-ver", aunque lo mejor del disco hay que buscarlo en dos memorables revisiones de Dylan ("it Takes A Lot To Laugh, It Takes Train To Cry" y "t's A Hard RainGonna Fall") y en las excitantes"Of Thee I sing" y "Crystal Closet Queen", puro rock'n'roll negro dedicado a Little Richard. 

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1966’s #1 USA ALBUM

Es difícil calificar este álbum, ya que es bastante único y está vinculado al período de tiempo en el que fue lanzado.

Sadler sirvió en Vietnam como boina verde en una unidad especial. Al regresar a los EE. UU., escuchó muchas charlas y música contra la guerra y el Vietnam. Queriendo dar una visión diferente, escribió "The Ballad Of The Green Berets", una palabra hablada "canción" con música de fondo. Fue un gran éxito en ese momento, pero ha recibido poca emisión desde entonces. El resto del álbum es solo un relleno con poco para recomendarlo. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cuando pienso en "suave", Barry es probablemente el primer vocalista que me viene a la mente. Tiene una de las voces más sedosas que he escuchado, aunque en realidad no había oído mucho de él 😉🤣antes de este álbum (aparte de lo obvio "Can't Get Enough"). Sus introducciones habladas son algo que no muchos artistas pueden lograr (Isaac Hayes es una excepción), pero Barry lo hace con facilidad. La guitarra, el teclado y las cuerdas giran alrededor de cada canción (junto con las vocales femeninas ocasionales), creando un cojín auditivo sobre el que Barry canta seductoramente, cosas buenas y relajantes. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un hito atmosférico, con el tobogán de Ry Cooder invocando visiones del desierto, ambrosía atrapada en el viento y Harry Dean Stanton a la deriva de la nada para encender imágenes a cámara lenta de Wim Wenders. Un concierto de cantina y un blues de Blind Willie Johnson, Dark Was The Night, encajan en la partitura, que por lo demás es reproducida prácticamente en modo solo por Cooder, aunque Jim Dickinson y David Lindley proporcionan un apoyo minimalista. Un sonido que lanzó un millón de imitadores. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 73

El primer disco de Pretenders es una de esas revelaciones que suceden muy de vez en cuando. Apenas un puñado de veces en toda una vida. Uno de esos discos generacionales que marcan a toda una caterva de adolescentes. A mí me ha llegado tarde pero no importa. Estoy acostumbrado ya. Simplemente me deleito en su escucha, la más placentera de los últimos meses. La casualidad lo puso en mi camino en un mercadillo de vinilos de segunda mano y por eso no sé a quién tengo que agradecérselo. ¿Azar, destino?

"Pretenders" huele a clásico desde que empieza a girar. Carpeta sencilla, sin ambages. Demasiado, quizá. Galletas de vinilo en blanco y en negro, como el yin y el yang, como todo lo que importa en esta vida.

Abandonando la mayor parte del estado de ánimo y la ambición de los dos primeros álbumes, Walsh intenta armar un disco de puro rock'n'roll, y esto es lo que más le conviene. "Welcome to the Club", "Time Out", "Turn to Stone", así como la balada "Falling Down", son algunos de los momentos más convincentes de su carrera en solitario. Junto con "But Seriously Folks", este es el verdadero clásico de Joe Walsh.

Aunque no es uno de sus mejores álbumes, incluye tres de sus mejores canciones. "Turn To Stone", "Welcome To The Club" y "Time Out". Solo esas 3 canciones lo convierten en un muy buen álbum.

Jimmy Smith sabía cómo hacer un sonido de órgano bluesy y conmovedor, aunque los arreglos de este disco son obviamente jazz. La fusión de estos tres estilos hace de este álbum un ejemplo para todos los álbumes de jazz soul funky posteriores. El álbum es completamente instrumental, pero deja que el órgano cante para él y, por lo tanto, influye en muchos artistas de los años 60 y 70, especialmente Booker T. Y Los MG.

Uno de los álbumes de soul más relajados que he escuchado hasta ahora. No hay nada realmente psicodélico aquí, pero la atmósfera que crea este álbum es relajada de una manera que generalmente escucho en álbumes de pop psicológico contemporáneos más "de cabeza genial". El órgano y los metales son lo que realmente le da a este álbum su etiqueta de soul, de lo contrario pensaría en esto más como cosas de cantante y compositor ligeramente indie y con tinte country. El álbum está relajado y de humor relativamente ligero, con un toque de contemplación mezclado. La voz de Frazey es lo suficientemente agradable, al igual que los instrumentales.

Audiomachine produce principalmente música para tráileres de películas y anuncios, pero recientemente su música también ha aparecido en el programa oficial de los Juegos Olímpicos de 2010, 2012 y 2014 etiquetado como Epic Music.

Muchas de las pistas de Audiomachine han aparecido en tráileres de películas teatrales, incluidos los de las películas de Avatar, Las Crónicas de Narnia, Iron Man, Venom, Avengers: Endgame, Dune y otros.

Originalmente, Audiomachine lanzó álbumes solo para el uso profesional de la industria cinematográfica, pero desde 2012 también ha lanzado álbumes y compilaciones seleccionados para el público en general. Los álbumes lanzados por la industria incluyen Deus Ex Machina, Phenomena, Origins, Leviathan, Awakenings, Millennium y Monolith.

Mi reacción inicial es comparar esto con mi querido Steely Dan. También podría comparar esto con Nick Cave o Frank Zappa, pero sigamos con una comparación por ahora. Ambos tienen una producción bastante buena. Intrincado y exuberante sin ser abrumador. Ya sabes... bien hecho. Todavía suena bien hoy. Casi demasiado suave. Y las letras son bastante específicas, sardónicas y casi divertidas. No me importa.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Dejando a un lado las comparaciones obvias, el álbum homónimo de Jeff de 2011 no deja a nadie indiferente.

La producción es sólida, mientras que las canciones, aunque apenas revolucionarias, le dan a Jeff la oportunidad de ejercitar sus talentos menos conocidos. Nada es especialmente memorable aquí, que es probablemente la razón por la que (con el debido respeto a Jeff) debería poner la pantalla grande primero; dicho esto, "Falling Short" no sonaría fuera de lugar en el cancionero de Jeff Tweedy, con Jeff sonando mucho como Brian Wilson de 1971 apareciendo como un viajero en el tiempo . 

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