lunes, 15 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Grabado durante el verano de 1973 en el Château d'Hérouville en Francia para evitar impuestos considerados demasiado altos en UK.

Uriah Heep, en la cima de su arte, vuelve a entregar un álbum impresionante.

Con composiciones más concisas y más “rock” por regla general, la banda continúa su evolución musical fusionando esta vez el lirismo desarrollado en Demons & Wizards y Magician's Birthday con una cierta idea de un hard rock “inteligente”, digamos.

Todos los ingredientes están reunidos:  Hammond omnipresente, guitarra incisiva, a veces saturada pero siempre perfectamente dominada, rítmica apoyada en una línea de bajo hiper-melodica.

Más que estos 2 predecesores de 1972, este álbum se escucha a gran volumen. Energía a tope.

No es realmente una balada aquí, sino más bien una espléndida pieza acústica “Circo”, guitarra acústica, percusión, voz flexible y relajada de Byron... una delicia sin límites.

El título que cierra el álbum original, “Peri Pilgrim” es un vértice de lirismo psicodélico casi barroco: la quintaesencia del estilo de Uriah Heep empujado a su último atrincheramiento.

Casi íbamos a olvidar que este álbum contiene quizás el mejor título de la banda, a saber, “Stealin”. ¿Y si este álbum fuera simplemente el mejor? 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Pop Después del mediocre Indelibly Stamped, la alineación de Supertramp se desintegró por segunda vez, dejando a Davies y Hodgson con la poco envidiable tarea de reconstruir la banda desde cero por segunda vez en tantos años. Al hacerlo, la pareja claramente parece haber pensado un poco en la dirección musical de la banda, y después de unos años perfeccionando su oficio y cocinando no menos de 42 canciones, cuya crema fue seleccionada para el álbum, salieron con el brillante Crimen del Siglo.


Lo más importante para el éxito del álbum es el valiente paso dado por el dúo al decidir no ir por un enfoque total de rock progresivo ; tomarían lecciones de progresivo , pero en lugar de tratar de imitar a sus héroes, crearían su propio sonido amigable con la corriente principal y traían instrumentación y complejidad similar al progresivo solo cuando sentían que el material realmente lo exigía como resultado, cada una de las canciones de Crime es una joya pop-progresivo reperfectamente elaborada, innegablemente pegadablemente pegadiza pero al mismo tiempo con suficientes giros de art rock para ser de interés para los fanáticos del progresivo. 

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domingo, 14 de mayo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2014)

La banda sonora ganadora del Óscar en 2014  la película "The Grand Budapest Hotel" es una comedia dramática, dirigida por Wes Anderson y protagonizada por Ralph Fiennes, que sigue las aventuras de Gustave H, un conserje legendario de un famoso hotel europeo, y su joven amigo y protegido, Zero Moustafa, mientras intentan recuperar un valioso cuadro robado y limpiar el nombre de Gustave.


La banda sonora de la película fue compuesta por Alexandre Desplat, quien también ha trabajado en otras películas como "La forma del agua" y "El discurso del rey", y recibió el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original en la ceremonia de premiación de 2014. La música es una mezcla de estilos, con elementos de música clásica, jazz y folk, y ayuda a crear la atmósfera mágica y peculiar de la película. 


En resumen, la banda sonora de "The Grand Budapest Hotel" es una parte fundamental de la experiencia cinematográfica, y su victoria en los Óscar es un reconocimiento a la habilidad de Desplat para crear música que se integra perfectamente en la trama y el estilo visual de la película.


The Grand Budapest Hotel" fue muy aclamada por la crítica y el público. La película cuenta con un reparto de estrellas, que incluye a Ralph Fiennes, Edward Norton, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, entre otros. La banda sonora fue compuesta por Alexandre Desplat y fue muy bien recibida por la crítica, ganando varios premios y nominaciones. Además de ganar el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original, también ganó el BAFTA a la Mejor Música Original, y el Grammy a la Mejor Banda Sonora. La música de Desplat se destaca por su mezcla de elementos melancólicos y alegres, con instrumentación de viento y cuerdas que transmiten una sensación de viaje y aventura que combina perfectamente con la película. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Ham" de 1973 de Shocking Blues fue la continuación del excelente álbum "Attila" de diciembre de 1972. Después de un largo curso de enfermedad que había golpeado al guitarrista y compositor Robbie Van Leeuwen, estaba de nuevo listo con una caja de nuevas canciones y tuvo la idea de lanzar un álbum inspirado en JJ Cale. Cuando "Ham" estaba terminado y listo para su lanzamiento, Van Leeuwen no estaba completamente satisfecho con el resultado, y podría haber sentido que su composición no estaba totalmente a la par con los álbumes anteriores. Sin embargo, la compañía Dureco decidió lanzar el álbum en varios países europeos en mayo del 73. Una semana después, el álbum fue retirado por razones poco claras.


Esto le dio al grupo la oportunidad de añadir y remezclar las canciones, que en algunos casos pueden sonar un poco aburridas sin el sonido claro y distintivo de la mayoría de los lanzamientos anteriores del grupo. Se añadió reverberación adicional (un poco demasiado para algunos) y estas nuevas mezclas estaban destinadas a una nueva versión de "Ham". Sin embargo, aparte de los lanzamientos en Japón y Francia (todavía las mezclas originales) en octubre, "Ham" no se volvió a lanzar. Las grabaciones remezcladas se convirtieron en la mayor parte del álbum de 1974 "Dream on Dreamer". Solo tres títulos distinguen "Ham" y "Dream on Dreamer", que, sin embargo, tiene un sonido significativamente más claro y, por lo tanto, suena más como un álbum clásico de Shocking Blue. 

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sábado, 13 de mayo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lanzado en 1974, War Child encontró a Jethro Tull en una encrucijada en su carrera. Después de haber tenido su álbum anterior, el denso y generalmente gruñón A Passion Play, golpeado críticamente y un posterior paso en falso por parte de la gerencia que vio a la banda aparentemente anunciando su jubilación sin su conocimiento, War Child fue la oportunidad para que la banda eliminara sus pretensiones.


Sin embargo, las señales iniciales para War Child no eran prometedoras, ya que el álbum se concibió inicialmente como una banda sonora de una película de comedia demasiado complicada, que inicialmente tenía luminarias como Leonard Rossiter y John Cleese para la participación, así como coreógrafos de renombre. Tal vez, afortunadamente, la película en sí no progresó más allá de las etapas iniciales de planificación, por lo que los planes para War Child se redimensionaron con buen gusto a un álbum estándar de diez pistas.


Los dos álbumes anteriores de Jethro Tull habían sido un par de epopeyas de rock progresivo, ambos álbumes consistían en una sola pista que tomaba ambos lados del vinilo original. Thick as a Brick había sido elogiado por la crítica y se destaca hoy como un punto culminante en la carrera de Jethro Tull y en el rock en general, ya que era una síntesis perfecta de la musicalidad, la alegría lírica, el humor y los motivos musicales repetidos de Tull. 

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viernes, 12 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El álbum "The New Age" de Canned Heat fue lanzado en 1973 por el sello discográfico United Artists Records. Es el segundo álbum de la banda en presentar al cantante y guitarrista Bob "The Bear" Hite como líder de la banda, después de la muerte del guitarrista Alan Wilson en 1970. 


El álbum presenta una mezcla de blues, rock y country, con algunas canciones que tienen un enfoque más experimental.


Aunque no fue un gran éxito comercial, "New Age" recibió críticas favorables y es considerado por algunos fanáticos como uno de los álbumes más subestimados de Canned Heat. El álbum también marcó la última grabación de Harvey Mandel con la banda, quien dejó Canned Heat poco después de su lanzamiento. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una digna continuación del anterior disco que había publicado Traffic ,incluso en la portada troquelada,portada que en este caso no tiene ningún sentido.


Cada vez sonido más progresivo,y de nuevo preponderancia de teclados y percusión.Lo mejor el primer y último tema.En "Shoot out at the fantasy factory" hay un imparable "groove" dirigido por una tremenda base rítmica,y en "Uninspired" Winwood está más delicado y frágil que nunca,guiando una de las mejores canciones en la historia del grupo. 


No es una opinión popular, todo el mundo parece preferir los dos anteriores, pero este es mi álbum favorito de Traffic, el mejor. Una piscina profunda de ritmo tranquilo con la cantidad justa de tensión, SATFF es una escucha fascinante y gratificante. Con el percusionista ghanés Rebop Baah y la sección de rima de Muscle Shoals de David Hood en el bajo y Roger Hawkins en la batería, el sonido es desarrollado y rítmicamente interesante, pero nunca de una manera llamativa, siempre sofisticado. 

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jueves, 11 de mayo de 2023

DIRECTISIMO 87

"I'm a Woman" es un álbum en vivo de la cantante de blues Koko Taylor, lanzado en 1995 por Alligator Records. El álbum fue grabado en varios conciertos en vivo de Koko Taylor en diferentes lugares, incluyendo el Chicago Blues Festival y el Queen Mary Blues Festival.


El álbum cuenta con algunas de las canciones más conocidas de Koko Taylor, como "Wang Dang Doodle" y "I'm a Woman", así como otras canciones de blues tradicionales. También incluye apariciones especiales de otros artistas de blues, como Kenny Wayne Shepherd, Keb' Mo' y Carey Bell.


La crítica recibió el álbum con muy buenas críticas, elogiando la poderosa voz y la energía de Koko Taylor en vivo, así como la calidad de las canciones y la producción del álbum. "I'm a Woman" se convirtió en uno de los álbumes en vivo más populares de Koko Taylor y es considerado por muchos como uno de los mejores discos de blues en vivo de todos los tiempos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum no era una gran cosa de jazz-rock, es el concepto de "tres hombres rockeando en  un bar en el estilo inusual" que hace que Back Door sea tan especial. No es una banda de jazz libre (afortunadamente), ¡es una cosa de rockin´jazz!.

Este álbum es diferente al primer LP de Back Doors, es realmente mucho más crudo de blues-rock, y un buen intento de llevar las viejas cosas de blues a una forma un poco de jazz sin olvidar las raíces del blues. Así que ese es el objetivo. Crudo, sin pulir, directo y profundo desde los adentros Escucha esta interpretación perfecta de "32-20 Blues" de Johnson,


El álbum ofrece un sonido de jazz rock progresivo y fusionado con elementos funk y blues. Los miembros de la banda son virtuosos en sus respectivos instrumentos, lo que se escucha en las complejas armonías y solos que se encuentran en todas las pistas


No puedes comparar este álbum con el primero, ¡pero sigue siendo brillante y precioso! 

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miércoles, 10 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

"Nutbush City Limits" es el decimoquinto álbum de estudio de la pareja de artistas de soul Ike & Tina Turner, lanzado en 1973 por United Artists Records. El álbum lleva el nombre de la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee.


El álbum contiene diez canciones, incluyendo el éxito del mismo nombre "Nutbush City Limits", que se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de R&B y pop. También se destacan las canciones "Get It Out of Your Mind" y "The Way You Love Me".


El estilo musical del álbum es una mezcla de rock, soul y funk, con la característica voz potente de Tina Turner y los arreglos musicales de Ike Turner. Muchas de las canciones del álbum fueron escritas por la pareja, incluyendo "Nutbush City Limits".


A lo largo de su carrera, Ike & Tina Turner fueron conocidos por su energética presentación en vivo y su estilo de soul y rock. "Nutbush City Limits" es un ejemplo de su estilo y su capacidad para crear canciones pegajosas y llenas de energía.

 

Este álbum vale la pena solo por la canción principal, que es una de las mejores canciones de TINA. Además de esas canciónes , está Make Me Over, Drift Away,

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AYER VÍ 30

Otra película con una gran banda sonora es "Baby Driver" (2017), dirigida por Edgar Wright. La película cuenta la historia de un joven conductor de robos que escucha música para ahogar el zumbido en sus oídos y conducir con precisión durante los robos. La música en la película es una parte importante de la trama, con la mayoría de las escenas coreografiadas para sincronizarse con la música. La banda sonora incluye una mezcla de canciones populares de diferentes géneros y épocas, desde "Bellbottoms" de Jon Spencer Blues Explosion hasta "Hocus Pocus" de Focus. La música en "Baby Driver" es emocionante y energética, y agrega una dimensión adicional a la película que la hace aún más emocionante y divertida de ver.


Ladrones de bancos; tiros; persecuciones a todo gas; clásicos del rock, del funky o del pop... Y sí, un reparto en estado de gracia


Así pues, con este calor asfixiante y casi en pleno verano, qué más se le puede pedir a una película que entretiene y te hace olvidar el infernal fuego que te atrapa entre el cielo plomizo y el agrietado asfalto. Pues nada más que lo que 'Baby Driver' ofrece: dos horas de puro espectáculo cinematográfico.


El guión, repleto de diálogos sólidos y escenas vertiginosas, desborda dinamismo hasta completar dos horas de metraje sin perder frescura. Mezcla acción, comedia negra e, incluso, ciertas gotas de drama, en un abrir y cerrar de ojos. Casi sin enterarte, como Baby al volante, te mueve de un lado a otro de la pantalla. Y utiliza algo tan trillado como la nostalgia por los clásicos del rock, del funky o del pop, de una forma muy sutil y a la vez tan evidente como un golpe en la cara, para agrandar más su estela de entretenimiento y espectáculo. Dos cometidos que cumple y para los que está hecha. 


Y ello porque esa banda sonora, que llena cada fotograma y se funde con las balas de los tiroteos o las ruedas quemadas en el asfalto, es gloria para los oídos. El oído y la vista convergen en uno solo gracias al pulso de Wright -la música es vital en su filmografía-, que sabe llevar en todo momento y por buen camino el ritmo de la película.

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martes, 9 de mayo de 2023

1972’s # 1 UK ALBUM

La década de los 70 fue para Neil Young una cima creativa que nadie ha podido igualar. Por la altura que alcanzó y por lo mucho que le duró esa fiebre. Harvest nacía con el difícil sambenito de ser secuela de ese maravilloso After the Gold Rush (1970). Esa dificultad había que unirla a la tragedia que se iba a cebar con el entorno del canadiense. Su guitarrista Danny Whitten moriría meses después de la grabación del disco que nos ocupa, un disco en el que no había participado por sus adicciones. 

  

Este suceso convirtió a la canción "The Needle and the Damage Done" en premonitoria y su ominosa presencia ha acabado aumentando la leyenda del álbum. Máxime cuando Young llamó a Whitten para que participara en la gira y tuvo que despedirlo porque no daba una a derechas. Horas después de esto moriría de una combinación fatal de medicamentos y alcohol. 

  

No obstante esta grabación tiene muchas otras virtudes para alzarse por encima del desastre. No es un disco de mal agüero, muy al contrario es una obra de country-rock profunda y emocionante construida alrededor de la exitosa y eterna "Heart of Gold", uno de los temas más famosos del canadiense y el estandarte de un trabajo lleno de gemas acústicas como "Harvest" (mi favorita), "Out on the Weekend", "A Man Needs a Maid" o "Old Man". También se atreve con los arreglos orquestales, aunque con resultados muy dudosos ("There's a World"). Y por supuesto, también se remanga para un par de cabalgadas eléctricas de enjundia. "Alabama" y "Words (Between the Lines of Age)" cumplen sobradamente aun no teniendo el empaque ni la fuerza de un "Southern Man" o de alguna de las barbaridades que grabara en Everybody Knows This Is Nowhere (1969). 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum de los Rolling Stones que nadie haya hablado de él 

Todavía no he entendido por qué este álbum no está en las filas de Sticky Fingers and Co, es realmente una pena que nunca se haya hablado 

El álbum comienza muy fuerte con "If You Can't Rock Me" y no empeora a partir de entonces, ¡no, está en el mismo nivel todo el tiempo y lo digo completamente en serio! Cada canción es un éxito potencial, todas tienen melodías y letras pegadizas. ¡Cada canción es increíble!

Este álbum debería ser propiedad de todos los fanáticos de los Stones, pero también de los fanáticos del hard rock, el glam rock y el blues rock. La increíble portada también habla por sí sola.

Y le pido a cualquiera que haya llamado a este álbum normal o incluso basura que lo escuche de nuevo y le dé una oportunidad, es realmente bueno o simplemente tengo un gusto tonto por la música. 

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lunes, 8 de mayo de 2023

1969’s # 1 USA ALBUM

26.4.1969-25.7.1969 

La era hippie era rara.

Entré en este proyecto pensando que solo estaría escribiendo sobre Rock Soul ,Blues o lo que sea, pero ahora estoy escribiendo sobre este musical de flores que logró tomar a Estados Unidos por asalto a finales de los años 60. Siempre es un poco interesante considerar por qué ciertos musicales se vuelven tan populares, ya sea sobre gatos antropomórficos o sobre otro tipo de cosas, pero Hair parece especialmente interesante. Es un musical escrito por Gerome Ragni y James Rado, hippies genuinos y teñidos de lana, sobre todo el movimiento hippie, mientras ese movimiento todavía estaba en marcha. Ragni y Rado basaron vagamente la obra en sus propias vidas y experiencias, y toca un montón de temas candentes, como el racismo, el reclutamiento de Vietnam, la libertad y la expresión sexual y el uso de drogas psicodélicas.

Según todos los informes, la obra fue genuinamente subversiva para su época, teniendo el uso de música rock, un formato poco convencional, blasfemia e incluso desnudez. Sobre el papel, todo esto suena genial. Cuando realmente lo estoy escuchando, por razones que probablemente tengan más que ver las circunstancias que lo rodearon véase la influencia de la política,sexo etc.. más que el musical, no lo es. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Una mejora considerable con respecto a su último álbum. George Wadenius, Larry Wallis y "Blue" Lou Marini (sí, el mismo de la película de Blues Brothers) realmente brillan en este álbum y devuelven a B, S&T al nivel de ser al menos algo respetable. "Inner Crisis" y su interpretación del "Django" son números respetables de fusión de jazz, mientras que "Roller Coaster", "Save Our Ship" y "My Old Lady" son números de rock decentes. Desafortunadamente, al ser un álbum de B, S&T, tiene que contener algunas portadas horribles. "Empty Pages" es la tercera canción de Traffic que esta banda ha arruinado ("Smiling Phases" y "40,000 Headmen" de su segundo y tercer álbum fueron los otros dos) y Jerry Fisher muestra a su banda de bar "charm" en canciones como "Back Up Against The Wall", "Rosemary" y "Almost Sorry". Está bien, solo un álbum más con Fisher antes de que Clayton-Thomas los lleve de vuelta a Las Vegas y los convierta de nuevo en Murph and the Magic Tones. 

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