AYER VÍ 34

No siempre se consigue hacer un thriller fronterizo casi perfecto con el manido tema del tráfico de drogas. Hace falta tener un pulso especial a la hora de contar historias, y Villeneuve lo tiene. El director de origen canadiense dota de un ritmo muy especial a sus historias, y en "Sicario" logra crear un tempo que quita el hipo al espectador.

Nos cuenta una historia tremendamente dura y difícil, haciendo que muchas de sus secuencias queden para el imaginario colectivo.

La atmósfera creada es asfixiante, acentuada por una banda sonora original que hace que nos sintamos parte de este mundo tan oscuro. La fotografía del maestro Deakins termina por redondear un aspecto técnico decididamente brillante.

El reparto está impecable, destacando a una contenida y sobria Emily Blunt, y sobre todo a Benicio Del Toro, cuya sola presencia llena la pantalla.

"Sicario" es fue de las revelaciones de 2015, los amantes del "neo-noir árido" y del buen cine en general disfrutarán de este chute de celuloide en vena. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Aunque no puede estar a la altura con el primer Álbum . El segundo y último álbum de Immediate de Arnold es, sin embargo, una oferta dramática, sus mayores defectos se encuentran más en el conflicto entre el cantante y el sello discográfico que en la actuación o en la producción. Grabado con  Andrew Loog Oldham en los controles, Kafunta está dividida por su sueño de establecer a Arnold en el mismo mundo de entretenimiento masivo que Cilla Black y Lulu, al mismo tiempo que Arnold lucha por retener su propia sensibilidad de R&B.

Ocasionalmente, el conflicto funciona bien: el rompecorazones k "Ángel de la mañana" se realiza con una profundidad de anhelo que ninguna otra versión en la tierra sonará tan majestuosa.

"As Tears Go By", también es poderoso, el tercer intento de Oldham con la canción (después de Marianne Faithfull y los Rolling Stones) sacando nuevas conclusiones de esa melodía más maravillosa, mientras que el acompañamiento espartano juega con el fantasma de "Lady Jane" detrás de ella.

"God Only Knows", impulsado por un acompañamiento casi marcial de trompetas y tambores, es aún más dramático: el propio Oldham nunca ocultó  su amor por la canción, y la atención prestada en esta versión la hace elevarla como una de sus mejores producciones. Del mismo modo, sus reinnovaciones de las canciones que todos los cantantes de la época aparentemente abordaron - "Yesterday", "Eleanor Rigby" y "To Love Somebody" de los Bee Gees - están envueltas en un relumbro impresionante, con "Yesterday" 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 "Turn Up the Quiet" es el decimotercer álbum de estudio de la cantante y pianista canadiense Diana Krall, lanzado en mayo de 2017. El álbum se centra en el repertorio de jazz estándar y cuenta con arreglos de canciones de compositores legendarios como Cole Porter, Irving Berlin y Johnny Mercer.

"Turn Up the Quiet" presenta un sonido íntimo y refinado, con Krall acompañada por un pequeño grupo de músicos de jazz de alto nivel.

El álbum recibió críticas en general muy favorables, con muchos elogiando la elegancia y sofisticación de las interpretaciones de Krall y su habilidad para dar nueva vida a las canciones clásicas de jazz. "Turn Up the Quiet" se convirtió rápidamente en un éxito comercial, debutando en el top 10 de las listas de álbumes de jazz de Billboard en los Estados Unidos. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este siempre ha sido uno de mis discos preferidos de la psicodelia Inglesa, un trabajo que busca expandir un poco las fórmulas patentadas por el grupo, pero no hay que engañarse, esto sigue siendo esencialmente Hollies, es decir inigualables armonías y pegadizas melodías repletan el álbum, acompañadas con densas orquestaciones (“Would You Believe”) cítaras ("Maker") y algunas aproximaciones a terrenos más sicodélicos en “Try It” y “Elevated Observations”. 

Prácticamente todo funciona a la perfección en Butterfly (“Dear Eloise”, “Postcard" y "Pegasus"), y es que siempre fueron conscientes de que lo suyo no iba por el lado de las improvisaciones ni las pirotecnias instrumentales, que para eso habían muchos otros grupos haciendo cosas insuperables. Los Hollies hacían perfectas joyas pop con la justa dosis de experimentación tan en boga en 1967, lo que puede sonar inocente pero sigue siendo una mezcla irresistible. 

Recomiendo encarecidamente este álbum si te estás metiendo en la música psicodélica, está a la altura de los estándares de la psicodélica de los años 60.

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DIRECTISIMO 91

España no le ha conocido prácticamente, solamente como componente a la guitarra de la banda 'Eagles', en discos tan imprescindibles para cualquier archivo como es el "Hotel California". Yo le conocí en persona en el concierto de Las leyendas de las Guitarras en 1991 en Sevilla prolegómenos musicales de la Expo 92.

Joe Walsh.

Este hombre ha entretenido a las masas sedientas de notas por más de tres décadas, con obras denominadas ya clásicas en el mundo de la música norteamericana tales como "Funk#49", "Walk away", "Life's been good" y "Ordinary averange guy". 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Creo que este es, probablemente, el álbum más subestimado e injustamente olvidado en la historia de Alan Parson, aunque Eric Woolfoson nunca ha estado más inspirado. Creo que es mucho mejor que sus dos predecesores, ya que, por fin, todas las canciones aquí contenidas son geniales (tal vez la más débil sea la tonta "Pyramania"). El espectacular instrumental "In The Lap Of The Gods" es probablemente su mejor pieza instrumental de la historia, y "Hyper-Gamma-Spaces" también se encuentra entre las mejores. Las dos baladas "Shadow of a lonely man" y, especialmente, "The Eagle Will Rise Again" deberían ser clásicas, pero por alguna razón no lo son. Y "Lo que sube..." es una suma perfecta de todas las virtudes de los registros de APP. En una palabra, si te gusta Alan Parsons, este es imperdible, y si no, sigue siendo muy recomendable. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cuando hablamos de Power-Pop se nos vienen infinidad de bandas a la cabeza: The Knack, Badfinger, e incluso ciertos álbumes The Who. Sin embargo, de entre todas ellas resalta un nombre: Big Star.

Big Star y su inclíble #1 Record. Obviamente, estamos ante una de las mejores obras del género. Pero, ¿Qué diferencia este álbum de los demás? ¿Qué le hace diferente, tan especial?

En mi opinión, es simple. Es un álbum que ha sabido envejecer con encanto. Ha sabido perdurar en el tiempo gracias, en parte, al toque genuino de Alex Chilton y Chris Bell. 

Con respecto al contenido del álbum, es un trabajo sutil y sensato, pero con toques desenfrenados y potentes. Por poner un ejemplo, el álbum comienza con el atronador Feel. Potente Riff de guitarra y una voz desgarradora de Chris Bell. Todo ello para pasar a una de las grandes canciones no solo del álbum, sino de ese año: The Ballad Of El Goodo. Con una selección de acordes simplemente sensacional.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El segundo álbum de The Faces recibe críticas muy favorables de la mayoría de los críticos y fans, pero una vez más, aparentemente estoy en la minoría.

"Long Player" de 1971, de producción propia, merecía crédito por el hecho de que la banda había encontrado un sonido único  y una imagen única .

Dicho esto, había pocas bandas de principios de los 70 que parecían divertirse tanto con su estrellato como Rod Stewart and the Faces. Eran claramente superestrellas, pero la arrogancia que normalmente asociabas con una banda así estaba en gran medida ausente.

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1972’s # 1 UK ALBUM

El segundo álbum de estudio del dúo hippie de folk psicodélico Tyrannosaurus Rex. La formación y el sonido no han cambiado desde su primer álbum. Marc Bolan toca la guitarra y canta y Steve Peregrin Took toca bongos, tambores africanos, kazoo, etc.

La música de Tyrannosaurus Rex era un folk acústico muy suave con la voz única y las letras personales de Bolan. Y, por supuesto, también había mucho sonido psicodélico. Mi canción favorita aquí podría ser "The Travelling Tragition", que es una de las canciones más hermosas que Bolan haya escrito. Pero realmente no puedo nombrar ningún favorito, ya que la mayoría de estas canciones son geniales. La apertura del álbum "Deboraarobed" y "Salamanda Palaganda" son las canciones más conocidas de este álbum y son perfectas al igual que muchas otras pistas geniales también.

Prophets, Seers & Sagest  the Angels of the Ages es imprescindible para todos los fanáticos de Marc Bolan. Incluso si los álbumes más famosos de Bolan se hicieron con el acto de glam rock T.Rex, también disfruto mucho de estos primeros discos de Tyrannosaurus Rex. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

I'll Sing the Blues for You es uno de los lanzamientos principales de Stax de Albert King y es el primer lanzamiento de este sello que se aparta del molde de blues anterior. Aquí escuchamos una fuerte influencia del funk que impulsa muchas de las pistas basadas en el blues. Esto no es una sorpresa, ya que King estaba rodeado de una gran cantidad de estilos musicales, incluido el funk, mientras estaba con Stax. En 1972, King estaba bien establecido en la escena del blues y esto le permitió aventurarse a partir de su material anterior mientras se aferraba al enfoque de la guitarra principal en su música. El resultado es un álbum que cubre el espectro musical, desde blues lento y conmovedor hasta números de blues creativos e infundidos de funk.

Como casi todos los lanzamientos de Albert King, escuchamos su característico sonido de guitarra que atraviesa todo lo demás y esta no es una tarea fácil en I'll Sing the Blues for You, ya que está respaldado por el increíble grupo de soul/funk The Bar-Kays & The Movement y los Memphis Horns. La entrega vocal de King siempre ha estado en el lado arenoso. Limitado por el alcance y la claridad, le va bien con lo que tiene, pero no se equivoque, este es un álbum de guitarra, no un álbum vocal. 

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1969’s # 1 USA ALBUM

1.11.1969-26.12.1969 

3.1.1970-16.1.1970 

24.1.1970-30.1.1970

A través de la historia mucho se ha dicho sobre la discografía de los Beatles, llegando a ser todos ellos catalogados en algún momento, por algún crítico o seguidor, como sus discos más representativos. Cualquiera de sus discos a ya cuarenta años de no existir como banda, son clásicos de su época. 

Con todo y que estamos hablando de una banda de rock pop que revolucionó gran parte de la industria, nos quedamos con la esencia importante de todo este asunto que es la música. Un puñado de canciones realmente buenas, pegajosas, bien instrumentadas y que fácilmente pueden encajarse en tu background proporcionándole música a ciertos momentos de tu vida. En mi caso, aunque me gusta Mean Mr. Mustard, Octopus Garden y la insuperable Something, mi memoria está anclada a momentos de tu vida.

Fuera de todo eso, lo estricto de lo grandioso de este disco es que suena tan atemporal que puede disfrutarse aun ahora como si lo hubieran grabado hace un mes. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este es el álbum debut de la baterista estadounidense Allison Miller y su cuarteto Boom Tic Boom, que también incluye a la pianista Myra Melford, la violinista Jenny Scheinman y el bajista Todd Sickafoose. El álbum presenta ocho composiciones, cuatro de las cuales son originales de Miller, dos son originales de Melford y dos son (una especie de) estándares.

De hecho, la mayoría de las pistas de este álbum están grabadas en un formato clásico de trío de piano y Scheinman, que toca solo en una pista, es acreditado como invitado especial, solo para convertirse en un miembro de pleno derecho del cuarteto en los álbumes posteriores.

La música es Jazz moderno, con muchos pasajes libres y espacio para respirar, que tiene todo lo que un gran álbum de Jazz debería: buenas melodías, grandes improvisaciones, interacción en grupo, solos ardientes, una sensación de vitalidad y deseo de tocar juntos.

Combinado con las virtuosas actuaciones de los músicos, este es definitivamente un excelente ejemplo de música contemporánea, que es inteligente y emocional, elegante, intransigente, artística y, sobre todo, honesta.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Conocí al maestro ocupado por su gran álbum The Ballad of John Henry (2009) o por su participación en el sofisticado supergrupo de hard rock Black Country Communion, pero hasta ahora había seguido su carrera de forma bastante superficial.

El hombre con el apellido de sonido italiano-africano nació en 1977 cerca de Nueva York y ha estado tocando la guitarra desde los cuatro años. Parece el jefe de sección de una oficina de distrito que, para sorpresa de sus colegas, le gusta hacer música rock en su tiempo libre.

Sus héroes son legendarios guitarristas británicos (o irlandeses) como Rory Gallagher, Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck, Gary Moore, Peter Green o Paul Kossoff, a los que, según su propia declaración, quiere rendir homenaje con este álbum grabado a petición expresa en los famosos estudios de Abbey Road en Londres. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2011)

La película The Artist, dirigida por Michel Hazanavicius y protagonizada por Jean Dujardin y Bérénice Bejo, fue una carta de amor a la época dorada de Hollywood, concretamente a la era del cine mudo. Si bien la película usó las convenciones de la era del cine mudo, también incorporó técnicas modernas y una sensibilidad contemporánea para crear una historia única y encantadora. La música jugó un papel muy importante en el éxito de la película, ya que no solo mejoró el impacto emocional de la historia, sino que también proporcionó una conexión vital con la época que se representa en la pantalla.

El compositor de la partitura de la película, Ludovic Bource, trabajó en estrecha colaboración con Hazanavicius para crear una banda sonora que capturara de manera efectiva la esencia de la era del cine mudo. Bource usó una combinación de instrumentos orquestales tradicionales, como la flauta, el violín y el piano, para crear una partitura musical viva y emotiva que complementó la acción de la película. También incorporó elementos de jazz y música popular de la década de 1920 para ayudar a capturar la atmósfera y el estado de ánimo de la época.

Uno de los desafíos únicos que enfrentó Bource al componer la banda sonora de la película fue encontrar un equilibrio entre la música y la naturaleza muda de la película. Dado que no había diálogos hablados en la película, la música tuvo que hacer gran parte del trabajo pesado emocional, al mismo tiempo que permitía que las actuaciones físicas de los actores brillaran. Bource pudo crear una partitura que acompañó de manera experta la acción de la película sin eclipsar a los actores o la historia que se contaba.

El éxito de la música de The Artist se evidencia en sus numerosas nominaciones a premios y premios, quizás el más notable el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original en 2012. La música de Bource recibió elogios de la crítica por su capacidad para transportar al público en el tiempo y capturar el espíritu del cine mudo. Era del cine, sin dejar de ser fresco y atractivo para el público moderno. En general, la música desempeñó un papel integral en el éxito de The Artist, y las composiciones de Bource fueron una de las principales razones por las que la película fue tan querida y memorable. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Como fanático acérrimo, es muy difícil para mí escribir una crítica sobre un álbum de Rush. Soy tan sesgado que no sugeriría a un oyente neutral que use mi reseña como medio para medir el álbum.

En su lugar, prefiero revisar los álbumes de Rush entre sí, e incluso entonces es muy difícil de hacer, ya que su estilo y gama de música son tan amplios a lo largo de sus casi 40 años de carrera.

Con todo lo dicho, estaba en "Angels" desde el momento en que se lanzó y me enamoré de él de inmediato. ¡Creo que se clasifica fácilmente como uno de sus 2 o 3 mejores álbumes de todos los tiempos! Está tan bien orquestado y, sin embargo, es un rock tan simple y directo para un grupo que lo ha hecho todo. En primer lugar, las dos primeras pistas del álbum (Caravan y BU2B) que se lanzaron como sencillos el año anterior se remezclaron tan ligeramente que el oído convencional puede no ser capaz de notar la diferencia.

Sin embargo, creo que los remixes del álbum se han añadido lo suficiente como para hacerlos mucho mejores. La canción principal es una de mis canciones favoritas de Rush de todos los tiempos. Tantos sabores diferentes en este álbum conceptual que se mezclan tan bien que es casi imposible escucharlos individualmente. No sé si alguna vez volverán a conseguir un álbum tan bien como hicieron Clockwork Angels.

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