DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Elephant Mountain es un álbum muy extraño. A primera vista, definitivamente es un álbum de folk rock, pero también tiene toques de jazz y country a lo largo de su lista de canciones. Ciertamente lo convierte en una escucha interesante, pero también tiene algunas de las canciones más agradables de la época. Definitivamente es defectuoso, pero chico, es divertido.

"Darkness, Darkness" es un tema que abre el álbum bastante bueno, y también es una de las pistas más instrumentalmente únicas. "Smug" es una de las pistas que suenan más country-rock del álbum, no es diferente a algo así como una canción de The Byrds, y sigue siendo bastante buena. Me gustó la primera mitad de "On Sir Francis Drake" con el riff del teclado, pero la canción me pierde cuando entra en el segmento más blues de la canción. "Sunlight" es una gran canción de amor con su ritmo lento y su sensación tenue. "Double Sunlight" es un instrumento muy bonito, incluso si solo dura 40 segundos. "Hermoso" es definitivamente una sensación más campestre, y es un momento destacado de la primera mitad. "Turn It Over" señala el final de la primera mitad, y es al menos una especie de final inteligente de la primera mitad con un buen piano para arrancar.

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AYER VÍ 47

En "Vidas Furtivas" nos regalan un elegante drama de época que narra la historia de una niña y su paso por distintos países sin un destino claro, solo una esperanza, de encontrar a su padre del que solo conserva una fotografía. A partir de esta premisa se nos presenta a una serie de personajes que sobreviven en París con sus esperanzas, todo ello con la Segunda Guerra Mundial a la vuelta de la esquina. Se nos presentan tanto a los gitanos en su humildad como a la aristocracia dando excesivas fiestas y asistiendo a barrocos espectáculos de ópera.

La amistad de las protagonistas está bien tratada así como los personajes masculinos, cada uno con su forma de entender la vida, de la materialista al verdadero ideal romántico encarnado por Johnny Depp. Tengo que decir que los rostros protagonistas conocidos añaden un plus a la película ya que siempre es una delicia y un placer ver a Christina Ricci, esta vez de enigmática, bella y soñadora protagonista. En la escena del cine podemos ver un instante de un musical de la época titulado " Footlight Parade", cosa que podemos enlazar, aunque sea ficticio, con el final del personaje.

Una más que interesante propuesta, entretenida y hermosa, que me ha sorprendido gratamente. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Grace Jones a veces puede parecer como Naomi Campbell de una generación anterior en términos de su temperamento petulante y comportamiento helado, lo que la hace muy difícil de gustar tal vez como persona, pero hizo algunos grandes discos en su carrera como cantante, ninguno mejor que esto, apostando , una brillante mezcla de reggae y funk, magníficamente producida en Compass Point por Alex Sadkin y impulsada por la famosa sección rítmica de Sly y Robbie.

Reelaborando material reciente de importantes compositores como Bowie y Sting, también selecciona ingeniosamente y reinterpreta de manera inspiradora algunas grandes pistas de los 70, ninguna más que el fascinante "Libertango" con el acordeón más delicioso que escucharás en un disco pop, con una gran letra con una melodía ya clásica.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Red Crayola fue una de las mejores bandas psicodélicas de la década de 1960 y probablemente de todos los tiempos. Tocaban música extremadamente salvaje y cacofónica que estaba décadas por delante de su tiempo. Precedió al rock expresionista de Alemania (Faust) y a la nueva ola estadounidense (Pere Ubu). Sus "extraños" estaban más cerca del free-jazz de John Coltrane y de las pinturas abstractas de Jackson Pollock que del rock'n'roll. Su líder, Mayo Thompson, fue un compositor que se encuentra entre los mejores músicos de su tiempo (clásico, jazz, rock). Su estilo compositivo revolucionario tenía pocas coordenadas estables. Sus piezas flotan no porque sean etéreas, sino porque la melodía y el ritmo se dejan "sueltos". Son organismos que dependen de esqueletos de apoyo que se desmoronan a medida que se mueven. Thompson colocó su arte firmemente en la tradición iconoclasta que Frank Zappa acababa de fundar, y simplemente aumentó la cantidad y la velocidad del ruido. The Parable of Arable Land (1967) es uno de los hitos de la música rock, un carrusel de inventos/saboteos armónicos salvajes.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La portada del álbum establece prácticamente el tono para el disco, escasas fotografías en blanco y negro de Chris en lo que parece ser una habitación de hotel , pareciendo perdido en una carretera estadounidense de mediados del siglo XX, un trágico antihéroe, buscando su alma, o tal vez tratando de superarlo, especialmente si uno considera el asombroso éxito del álbum "Wicked Game".

Después de haber seguido a Chris  durante gran parte de su carrera temprana, podría sugerir que el hombre parece tener más control de su voz y su rango vocal que nunca, sin mencionar una versión emotiva más profunda de su composición.

De acuerdo con esa atmósfera, el álbum no se ha trabajado desde la cabina de control, sí, es una grabación de última generación para su tiempo, elegante y cálida, que parece fluir sin esfuerzo, pero con una gracia más oscura y reflexiva quejumbrosa. Hay muchos que consideran que esta es la obra maestra de Isaak, el álbum que lo convirtió en una leyenda de culto, donde se presenta como un cruce entre un personaje de David Lynch y el de Roy Orbison. 

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DIRECTISIMO 104

Vale la pena tener cualquier actuación en vivo bien grabada de Canned Heat. Por supuesto, necesitas amar el blues y el boogie rock para sentirlo completamente. Ha habido muchos cambios en la alineación de esta banda a lo largo de los años, pero la calidad de las actuaciones en vivo nunca pareció caer.

Con el tiempo, la pérdida de Bob Hite y Alan Wilson impactó seriamente en la creatividad de la banda en el estudio, pero en el escenario eran una potencia de la banda de blues rock. 

El cantante Bob Hite moriría apenas dos años después por sus problemas de adicción a las drogas (seguido más tarde por el guitarrista Mike Mann)

1979, por lo tanto, también representa en cierto modo el fin de una época

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

McGuinn no era el compositor más talentoso de los Byrds (es decir, Gene Clark) ni el más innovador (eso era Chris Hillman), pero probablemente era el músico más sólido y definitivamente el vocalista más elegante.

En este álbum, sin embargo, está trabajando en su máxima forma y el resultado final es un clásico menor. Está respaldado por la banda Rolling Thunder de Dylan (aquí llamada Guam) y el productor y guitarrista Mick Ronson, que arroja un puñado de grava al sonido a veces demasiado dulce de McGuinn.

También hay un fuerte enfoque y consistencia de los que carecen sus otros álbumes, a menudo demasiado diversos.

El material original, especialmente "Take Me Away", está bien, pero los puntos culminantes son las canciones de los colaboradores de Rolling Thunder, Dylan y Joni Mitchell, ambas inéditas en ese momento (y durante años después).

Por supuesto que no sería un álbum de McGuinn sin una canción tradicional, y se convierte en una actuación encantadora y escalofriante en la vieja balada "Pretty Polly". ¿Su mejor trabajo post-Byrds? Casi seguro. 

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LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER 1

Un "one hit wonder" es un término que se utiliza para describir a un artista que logra un gran éxito en la música con una canción, pero luego desaparece o no puede repetir ese nivel de éxito. Es alguien que alcanza la fama momentánea con un solo éxito y luego no logra mantenerse en el centro de atención.

Aquí te diremos algunos y en el álbum que estaba.

Ace se formó a partir de las cenizas de varias bandas inglesas de los años 60, en gran parte Action and Warm Dust, en 1972. Para cuando salió su álbum debut en 1974, cualquier signo de su pasado se había ido; Five-a-Side estaba sólidamente arraigado en el pop-soul de principios de los 70, basado en el órgano y la voz de Paul Carrack y el bajo de Tex Comer.

El sonido era algo que cientos de otras bandas de pub-rock estaban haciendo, pero a Ace se le ocurrió "How Long", una canción sobre un ex miembro de la banda que se fue después de revelar que había estado tocando con otro grupo. La canción fue malinterpretada como una canción de ruptura, y el excelente gancho (junto con la voz de Carrack), de repente tuvieron un gran éxito en sus manos. Tan importante que es una de las canciones maravillosas de un solo éxito de los años 70. 

Aunque la banda logró sacar dos álbumes más, nunca pudieron duplicar el éxito de "How Long". Parte del problema era que el sencillo de seguimiento, "Rock and Roll Runaway", simplemente estaba bien. "Know How It Feels" terminó siendo un lado bueno. Dale la vuelta a eso y tienes un buen golpe de uno a dos que podría haber hecho que la banda fuera más reconocible, aunque la producción todavía habría sido demasiado suave para que hayan sobrevivido a mediados de los 70.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

OH HOW WE DANCED (1972) no es solo el esfuerzo de uno de los fundadores de TRAFFIC, es mas de lo que el grupo habia hecho hasta el momento. Jim Capaldi, bateria y compositor, junto algunos de los miembros de TRAFFIC Chris Wood, Reebop Kwaku o Steve Winwood, encontraron que tenian mas canciones que las que podian lanzar en disco, utilizando este album para dar rienda a sus excesos. En OH HOW WE DANCED aparece la Seccion de Vientos Muscle Shoals con varias combinaciones de los musicos de TRAFFIC y de exmiembros del grupo como Dave Mason y Paul Kossoff. En los cortes cantados por Steve Winwood suenan fantasticamente: Eve, Don't be a Hero y el clasico de Al Jolson, Anniversary Song, que aqui da titulo al disco. La cancion Open Your Heart es un tema con el estilo de TRAFFIC y podia haber salido en cualquier disco del grupo. Los creditos de este disco incuyen ademas de los senalados Chris Wood, Rebop Kwaku, Steve Winwood, Dave Mason y Paul Kossoff, la produccion de Chris Blackwell. En resumen, OH HOW WE DANCED contiene una musica excelente de la que se puede disfrutar. 

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1973’s # 1 UK ALBUM

14.4.1973-27.4.1973

¿Qué puedo decir de Led Zeppelin que seguramente no se haya dicho ya? Solamente un escalón más para hacer las mil reseñas que harán más que significativo este album junto a otros posiblemente, entonces ¿qué digo? ¿Que es maravilloso? ¿Que es digno sucesor de los cuatro clásicos que le anteceden? ¿Que contiene uno de mis himnos personales - Rain Song -? ¿Que es el album más ecléctico de Led Zep cuando de hecho esa palabra prácticamente no se usaba para una banda de rock? ¿Que Page estaba en su mejor momento como compositor y ejecutante? ¿Que trascendieron barreras musicales como pocos en su tiempo? ¿Que fueron en contra de toda opinión "especializada" para un quinto disco sin mancha? ¿Que la funky The Crunge abrió terreno a muchas más experimentaciones de funk y heavy metal y creación de bandas inspiradas en ella? ¿Que es un álbum divertidísimo? Para qué lo digo, si seguramente ya está dicho. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Richie tiene un don para las melodías fuertes. Hay una razón por la que dos de estas canciones están entre las más ubicuas de los años 80, tiene un don para los gusanos de los oídos. Incluso los no hits son bastante pegadizos. Y, a su favor, amplía un poco su sonido en "All Night Long (All Night)". (Tengo que escribir la parte del corchete porque es increíble. Esto no está muy lejos de "Tonight I'm Rock You Tonight" de Spinal Tap.)

Pero las letras de Richie son bastante débiles, incluso para el R&B. Son tan alegres y sentimentales que es difícil creer que sean genuinos. (No estoy diciendo que no sean genuinos, solo que es difícil para mí imaginar el espacio de cabeza en el que estaba Richie cuando los escribió). Como de costumbre, algunos de ellos no son tan malos como otros, pero no escuches este disco para la letra (la letra).

Los arreglos son bastante almibarados, pero diré que un (ligero) desvío a la música del mundo es bienvenido, incluso si lo he escuchado un millón de veces. Preferiría más de esa diversidad, pero ¿qué puedes hacer?

La producción es horrible, la producción de los 80, que ha salido mal. Pero, por alguna razón, me parece un poco menos ofensivo que el debut. Tal vez sabía en lo que me estaba metiendo esta vez, tal vez él mejoró o tal vez la tecnología mejoró un poco. En cualquier caso, suena como los 80, pero no tan horrible como el debut. 

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1971’s # 1 USA ALBUM

27.2.1971-30.4-1971 

Pearl es el punto máximo en la carrera de Janis. Ordena su potencia, encausa los ritmos, sale de una vorágine a veces demasiado estruendosa y otras veces mal acompañada por los Big Brother o la Kozmic.

Los temas son más elaborados y mejor compuestos y preparados para que Joplin pueda destacarse sin caer en la ostentosidad.

Se la nota fresca, amplia, tranquila y sabiendo que lo elegido es un repertorio que eleva lo que venía haciendo en el pasado.

A pesar de haber quedado algunos temas sin poder ser completados por su inesperada y lamentable muerte, el disco es compacto y tiene al menos 4 canciones que son de lo mejor que ha grabado en su vida, con un despliegue vocal y un sentimiento que erizan la piel: Cry Baby, A Woman Left Lonely, Trust Me (esencial) y Get It While You Can. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Made In Heaven sirve como un cierre para una carrera profesional, con mínimos y máximos Queen dominó el género rock como ninguna otra banda.

Este álbum fue producido por los 3 miembros restantes de Queen después de que Freddie falleciera el 91.

Es obvio que tuvieron muchos problemas con la mezcla, y con algunas pistas sin terminar, pero además de eso, el álbum suena de ensueño, invernal y agradable, debe haber sido un trabajo muy difícil para poner todo en orden sin Freddie.

Si hay un momento en este álbum que muestre lo dedicado que estaba Freddie a la música, está en Mother Love. Es increíble cómo alguien que se está muriendo podría grabar una línea tan increíble.

Este álbum merece más amor de la comunidad musical, es un regalo de Freddie, es su vida, su pasión, para todos. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1998)

"Shakespeare in Love" es una película de comedia romántica y drama dirigida por John Madden y estrenada en 1998. Fue escrita por Marc Norman y Tom Stoppard, y protagonizada por Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes y Geoffrey Rush. La trama de la película sigue a un joven William Shakespeare mientras se enamora de la hermosa Viola de Lesseps y encuentra inspiración para escribir su famosa obra "Romeo y Julieta".

La banda sonora original de la película fue compuesta por Stephen Warbeck, quien ganó el premio Oscar a la Mejor Banda Sonora Original en 1999 por su trabajo en esta película. El álbum de la banda sonora contiene una mezcla de piezas instrumentales y canciones vocales que capturan la ambientación romántica y poética de la película.

Stephen Warbeck es un compositor británico conocido por su trabajo en cine, televisión y teatro. Además de "Shakespeare in Love", ha compuesto música para películas como "Captain Corelli's Mandolin", "Quills" y "Proof". También ha trabajado en producciones teatrales como "Hamlet" y "The Winter's Tale".

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El punto de inflexión clave en la carrera discográfica de Bowie, Station to Station marcó la transición de las canciones convencionales, escritas en el piano o la guitarra y grabadas a una velocidad vertiginosa, a losas de sonido construidas completamente en el estudio.

Incluso esas canciones esbozadas antes de que Bowie llegara a Cherokee, como "Golden Years", se transformaron dentro de él: todos sus elementos clave funcionaban mientras el reloj del estudio funcionaba. 

La mayoría de los relatos muestran a Bowie sufriendo algún tipo de colapso inducido por la cocaína a finales de 1975; su trauma psicológico fue de hecho extremo, pero durante las sesiones incluso amigos de las drogas como Glenn Hughes señalaron que estaba al mando total del estudio. Dado que el propio Bowie tiene poca memoria de este tiempo, nunca tendremos una imagen más coherente de su estado mental que en el contenido de este álbum  

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