DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Después de lanzar dos discos en solitario mediocres y poco imaginativos (Blunderbuss y Lazaretto), Jack White aún no había demostrado que es tan innovador/creativo como se retrata a sí mismo y como lo fue durante su primer momento en The White Stripes, este álbum es Mr. White finalmente logrando eso.

Desde la primera vez que escuché el primer sencillo (Connected By Love/Respect Commander) hasta ahora, realmente no puedo encontrar mejores palabras para describir este álbum que es jodidamente bueno, que en solo 44 minutos, Mr. White ofrece una gran mezcla de géneros (el más destacado es el blues rock, obviamente) que van desde Vocal-Jazz a Electro-Funk y Hard Rock y extrañas partes electrónicas que se complementan muy bien, y pistas como Hypermisophoniac y Ice Station Zebra son un gran ejemplo de eso.

En general, es un álbum increíble y sinceramente creo que vale la pena tu tiempo.

Pulsa Aquí 

1973’s #1 UK ALBUM

3.11.1973-7.12.1973 

Este es esencialmente un álbum de los favoritos de Bowie del período 1964-67; mientras todavía vivía en Londres y participaba activamente en la vida nocturna y en la escena de los clubes. Aunque disfruté de las interpretaciones de Bowie, el período es un poco demasiado pronto para mí, lo que obstaculizó un poco mi disfrute, aunque siempre me ha gustado Sorrow, que debe haber sido mutuo, ya que Bowie a menudo lo tocaba en vivo. La mayoría de las veces, estos "álbumes de versiones " se esconden para nada, sin embargo, Pinups bien vale la pena una oportunidad.

Pulsa aquí 

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

“Driver's Seat" fue su single de éxito en la primavera de 1979, que se tocaba constantemente en la radio en ese momento.

Y Fickle Heart fue su álbum de debut, que también pudo colocarse en las listas alemanas.

Lo que sonaba un poco extraño para los oídos alemanes simplemente significaba "corazón melancólico".

Un hermoso disco, un poco melancólico en su estado de ánimo básico y, sin embargo, siempre casual.

Muy relacionado con los Dire Straits y a veces también recuerda a Bob Dylan.

No todas las canciones eran golpes de genio, pero además del abridor "Driver's Seat", al menos la siguiente y grandiosa "New Lines on Love" y toda la segunda cara del LP con "Fight for Love", "The Thrill of It All", "Slide Away", la maravillosa balada silenciosa "Last Dance" y la famosa canción final "Looking for You" se quemaron profundamente en mi memoria. 

Pulsa aquí

1972’ s # 1 USA ALBUM

1.1.1972-22.1.1972 

Cuando se lanzó este álbum, se consideró una especie de anticlímax, porque la gente simplemente se dio cuenta de que no era Tapestry. Por supuesto que no lo fue, y lo que es más respetable es que Carole King obviamente no quería hacer otro tapiz en el sentido del mercado pop.

Al parecer, no consideraba a Tapestry un álbum de éxito en absoluto.

Era un álbum lleno de música de Carole King, así que decidió darle al mundo un poco más.

En lugar de repetir la fórmula de, no solo Tapestry, sino también Writer, que incluye un par de interpretaciones de canciones escritas por ella misma pero que se hicieron famosas por otros artistas, lanzó doce nuevas canciones propias.

Seguramente fue más que suficiente. El público compró este álbum al número 1 en los EE. UU., pero los críticos no estaban contentos.

???

Pulsa aquí 

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Ella tiene la voz perfecta para este tipo de música. Es un tipo de pop folclórico melancólico pero melódico. Tiene cuerdas, tiene percusiones, tiene una sensación aireada y polvorienta. Es un poco glamoroso, pero no fatalista. “Goners” presenta a un cantante y compositor capaz de crear un ambiente atractivo mientras crea canciones accesibles.

Goners es el mejor álbum de la cantante y compositora de Portland Laura Gibson. Tanto íntimo como exuberante, este conjunto de canciones melancólicas me sumbro a su mundo de guitarra acústica elegida, orquestaciones de cámara sutiles y las propias voces de Gibson. De vez en cuando, las canciones en sí no están a la altura del estado de ánimo general, pero la mayoría de estas piezas tienen momentos de distinción que las distinguen y me atraen más.

Goners es encantador de principio a fin. 

Pulsa aquí

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1991)

La banda sonora de la película "La Bella y la Bestia" de Disney, lanzada en 1991, fue compuesta por Alan Menken, con letras escritas por Howard Ashman. Esta banda sonora es ampliamente reconocida y ha ganado varios premios, incluyendo dos Premios de la Academia a la Mejor Canción Original y la Mejor Banda Sonora Original.

Algunas de las canciones más icónicas son:

"Belle": Esta es la canción de apertura de la película e introduce al personaje de Belle mientras canta sobre su deseo de una vida más emocionante.

"Beauty and the Beast": Esta balada romántica es cantada por Angela Lansbury, quien da voz a la Sra. Potts. La canción juega un papel central en la historia de amor entre Belle y la Bestia.

"Gaston": Una canción animada y humorística que celebra la vanidad de Gaston y su deseo de casarse con Belle.

La música de Alan Menken y las letras de Howard Ashman desempeñaron un papel fundamental en el éxito de "La Bella y la Bestia" y han dejado una huella indeleble en la historia de la música cinematográfica. La película y su banda sonora han sido adaptadas en numerosas ocasiones, incluyendo una exitosa versión de personajes reales en 2017. 

Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Por suerte, Sonic Youth no terminó su fantástico viaje con el mediocre Rather Ripped.

Su álbum de regreso a casa independiente The Eternal los ve funcionando como un quinteto de nuevo, con el ex bajista de Pavement Mark Ibold formando una sección rítmica de alta clase con el siempre perfecto Steve Shelley, en la que los otros tres son libres de superponer capas complementarias de imaginación guitarística.

Da como resultado una nueva dinámica y un sonido más completo que nunca, y podría haber sido el comienzo de otra carrera de creatividad para la banda y el preludio de una cuarta década que se desliza por encima del panorama del rock alternativo.

 Sonic Youth está muerto, larga vida a Sonic Youth... 

Pulsa aquí

ROCK&ARTE 5

Dentro de 2 años se cumplirán 50 años de la publicación del primer elepé de Triana , un disco sin título que acabó siendo conocido por El Patio -como rezaba el cartel que figuraba en la esquina de la contraportada- y que no alcanzó el éxito hasta que uno de sus temas, hoy mítico, Abre la puerta lo consiguió.

El disco tuvo tan poco apoyo de radios y medios de comunicación que solo en el primer trimestre vendieron 19 ejemplares… Por suerte se abrió paso gracias al boca a boca de los que vivieron la magia de los primeros conciertos del grupo sevillano hasta llegar a convertirse en un disco histórico.

Hoy vamos a centrarnos en la histórica portada de Máximo Moreno, un fotógrafo y pintor sevillano que realizó varias/ portadas memorables; Triana, Alameda, incluso una de Miguel Ríos…

Máximo era hermano de Josele (Los Payos) y de Benito Moreno, un cantautor(sintonia del larguero ra ra ra)

Curiosidad el trío fueron a echar una mano a Benito Moreno en Romance de Lute y otras Canciones antes de editar su primer Album

Romance de Lute fue uno de los discos más interesantes de los setenta, pero gracias a la censura pasó casi sin pena ni gloria.

Volviendo al álbum trianero y a su portada costumbrista, meses antes de publicar Benito su primer disco, Máximo Moreno ya había pasado por el corral sevillano de la Plaza Cristo de Burgos donde pudo fotografiar la decadencia de un típico patio andaluz y a Dolorcitas  una señora de setenta y tantos años que estaba cocinando un potaje sin ser consciente del protagonismo que iba a tener en una de las portadas más míticas del rock andaluz.

Pulsa aqui

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Un álbum complementario de One Quiet Night, este también es un álbum de guitarra barítono en solitario, pero esta vez la lista de canciones se ha hecho de interpretaciones de AM Classics de los años 60 y 70. Al igual que One Quiet Night, es encantador y hermoso escucharlos durante días y noches suaves en casa. Metheny es un maestro de música que nunca toca para presumir.

Me alegró especialmente escuchar su excelente versión de And I Love Her, ya que Paul McCartney es otro de mis músicos favoritos.

Ambos álbumes ganaron el Grammy al mejor álbum de la Nueva Era, lo cual es interesante. Me gusta bastante New Age y este no es el tipo de música que suele tener ese sello. 

Me alegró especialmente escuchar su excelente versión de And I Love Her, ya que Paul McCartney es otro de mis músicos favoritos.

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Michael Rother es uno de mis músicos de referencia. 

¡Mientras tanto, los NEU! Son definitivamente uno de mis grupos favoritos de tout-court. Harmonia son prácticamente fundamentales y él es un guitarrista que ha sido increíblemente innovador y un músico y compositor y pionero del sonido que aún hoy consigue demostrar su vanguardia.

Hace muchos años que no lanzaba un disco en solitario y este álbum llegó de alguna manera inesperada.

Lo publica en Groenlad Records, que recientemente ya ha reedeado otros de sus trabajos, sello de Herbert Gronemeyer, que también colaboró con él en los discos lanzados a principios de este milenio. 

Michael Rother se acompaña aquí a la muy talentosa vocalista Sophie Williams conocida como Sophie Joiner. 

El disco es a todos los efectos un álbum de música electrónica ambient y cuya voz de Sophie se presta para dar a estas pistas un carácter etéreo que impregna toda la atmósfera a partir de la canción homónima al nombre del disco que abre el disco y con un sonido experimental y progresivo minimalista de estilo Harmonia. 

Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Abrimos con Rain in Soho, con tambores y un coro que gime. Esta canción lamenta el cierre de un famoso club gótico con un gran melodrama,demasiado dramático, y no me gustó en mi primera escucha, pero Rain in Soho tendrá sentido con el tiempo si confías en él.

Después de la lluvia en el Soho, cambiamos de marcha drásticamente. El resto del álbum se sumerge en el pasado y explora diferentes aspectos de la escena gótica con canciones pop suaves y suaves. Estas son buenas canciones pop estándar: magníficamente orquestadas y producidas y muy cómodas de escuchar. Estamos muy lejos de Rain in Soho, o realmente de cualquier otra cosa hecha por los Mountain Goats. ¡Pero oye! ¡Funciona! ¡Funciona muy bien! 

Pulsa aquí

DIRECTISIMO 112

Este lanzamiento de 2 DVD (y 4 CD) del concierto de The Brothers el 10 de marzo de 2020 en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York evoca algunos "qué pasaría si". 

El primero: ¿Qué pasa si un conjunto compuesto por antiguos miembros de, o adyacentes a, The Allman Brothers Band, celebrara el 50 aniversario del icónico grupo del Salón de la Fama del Rock and Roll con una sola actuación agotada, de casi cuatro horas?

Sin las dos voces más destacadas de la banda; ¿el difunto, el gran cantante y teclista Gregg Allman o el maestro de guitarra y cantante fundador Dickey Betts? ¿Podría funcionar?

Como detalla el archivista de Allman Brothers Band, John Lynskey, en las notas, por invitación del baterista fundador, Jaimoe, los miembros de los últimos tiempos, los guitarristas Derek Trucks y Warren Haynes, el bajista Oteil Burbridge, y el percusionista Marc Quinones, además del hermano de Allman de los años 70, Chuck Leavell, como invitado en el piano y la voz, el teclista de ensayo original de 1969, Reese Wynans, y el baterista Duane Trucks, hermano de Derek y sobrino del fallecido baterista de ABB, Butch Trucks, formaron The Brothers.

El talento, por decir lo menos, no es un problema. Y, tal vez sintiendo la importancia musicalmente histórica de la noche (sin mencionar que el espectáculo es lo que terminó siendo el último gran concierto en interiores durante más de un año debido a la COVID-19), el octeto ensamblado prestó una atención y reverencia particularmente a la disposición y al ritmo.

Como un escuadrón de aviones de combate, estos ocho parecen estar en una misión, ejecutando con casi perfección algunas de las interpretaciones más apasionadas y meticulosas de la historia del magnífico catálogo de The Allman Brothers Band 

Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Siempre he tendido a pensar que las colaboraciones y bandas sonoras de Cooder eran mejores que sus álbumes reales. Pero "retirar un poco de polvo" fue un regreso fantástico.

El "hijo pródigo" sigue a eso en términos de lanzar una mezcla de humor y rectitud evangélica contra los acontecimientos políticos en el mundo, incluida la pobreza y el racismo.

También es un álbum en solitario, con cooder tocando casi todo, su hijo en percusión y sus antiguos coristas Terry Evans y Bobby King pasando por aquí para agregar algunos coros conmovedores como solían hacer en su trabajo en los años 70/80.

Sobre todo esto es bastante bueno: 'Straight Street' es un tema que abre el álbum ,encantador con la voz de Ry realmente brillante (se destaca sobre todo muy bien en este álbum), 'Gentrification' es lilting y divertido, 'Shrinking man' y el swing caliente de la pista del título  destacando el trabajo de guitarra deslizante de marca registrada de Cooder.

Sin embargo, la segunda mitad del álbum no es tan buena con demasiadas baladas, la versión minimalista de la "Nobodies fault but mine" espiritual se arrastra en particular antes de que el álbum se incline con un poco de blues  "a su cuidado".

Dicho esto, es difícil quejarse demasiado cuando los temas sociopolíticos aquí se responden con tanta honestidad y la música es tan lograda que su antepasado musical Woody Guthrie seguramente habría estado orgulloso...

Pulsa aquí

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 8

Finales de los 70´s, Englewood, New Jersey. La productora Sylvia Robinson y su marido, Joe Robinson, fundaron Sugar Hill Records y juntaron a tres seguidores del hasta entonces subterráneo arte musical del hip hop: Wonder Mike (Michael Anthony Wright, Big Bank Hank y Master Gee...el trío fue bautizado como The Sugarhill Gang y, para su primer sencillo, tomaron un trozo de un tema de la banda Positive Force y, además, samplearon el tema del grupo Chic llamado Good Times. Así fue como nació el tema Rapper´s Delight.

Sin embargo, los problemas no estuvieron ausentes...las primeras versiones surgieron desde un estilo libre cuando, en Septiembre de 1979 y durante una presentación de Chic teloneando a The Clash en New York, comenzaron a interpretar Good Times y, en un momento, los que serían The Sugarhill Gang junto al rapero Fab Five Freddy empezaron a improvisar. Fue la génesis de esa melodía pero, como la mayoría de los raperos se negaban a grabar en disqueras, la productora Sylvia Robinson tuvo que lidiar mucho para conseguir unos músicos de sesión que ayudasen con el bajo (Chip Shearin) y la guitarra (Brian Morgan).

De todos modos, el 9 de Noviembre de 1979 se lanzó el sencillo Rapper´s Delight como adelanto del disco debut del grupo (llamado Sugarhill Gang) casi tres meses después; como la base era algo conocida y las letras de los integrantes del trío eran bastante contagiosas y prendieron, la canción fue trascendiendo las fronteras del hip hop y logró el mérito de ser la primera canción de su género en meterse dentro del Top 40 de la revista Billboard...

Pulsa aqui

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Cuando Noel Gallagher dijo que eras la mejor banda nueva de Gran Bretaña, la gente le hizo mucha caso.

Tal fue el caso de los Temples. Formado en 2012 y todavía en una infancia relativa, el cuarteto psicodélico inglés habia mantenido a todos ansiosos por el lanzamiento de un álbum de larga duración con un goteo de sencillos como "Shelter Song", "Colours to Life" y, más recientemente, "Mesmerise".

Dirigido por James Edward Bagshaw (voz, guitarra principal) y Thomas Edison Warmsley, (bajo) Temples es un retroceso a la psicodelia de los años sesenta.

Puede que los años 60 se hayan ido hace mucho tiempo, pero los Temples están exudando gemas del caleidoscopio como la mejor de ellas. 

Pulsa aquí