miércoles, 27 de diciembre de 2023

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

El autobús de la modernidad salió y dejó a Kurt Wagner y su banda tirados. Si estás dispuesto a hacer el camino a pie, sin prisas, éste es tu disco.

Un disco que podía sonar ahora como hace muchos años.

En el mejor o en el peor sentido, según se entienda.

No aspira tampoco a ser intemporal o imitar a nadie.

Es un disco sosegado, con arreglos delicados y voz sentida, sin el falsete de antaño, más cercano a los últimos discos de Lambchop.

Porque ahora Lambchop ya no esperan inventar nada, ni sacar el traje fastuoso para ser invitados a las mejores fiestas como en los tiempos de "Nixon" (2000), o ser cabeza de cartel de ningún festival.

Para los más fieles, siempre estarán allí, como esos actores de reparto que siempre cumplen, haciendo una carrera digna con el paso de los años, fuera de las modas y los candeleros.

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martes, 26 de diciembre de 2023

1974’s # 1 UK ALBUM

2.3.1974-8.3.1974


Slade fue una de las pocas bandas "glam" de los años setenta que realmente produjo álbumes que valía la pena comprar. A diferencia de Sweet, Mud y Gary Glitter, sus álbumes no fueron solo mezclas rápidas de sus últimos sencillos de éxito con montones de "relleno".


Los compositores Noddy Holder y Jim Lea en realidad dedican tiempo y esfuerzo a escribir canciones clásicas y secuenciarlas correctamente (como los Beatles habían hecho 10 años antes).


Este álbum contiene una increíble apertura, "Just Want A Little Bit" y también los dos sencillos de éxito, "My Friend Stan" y "Everyday".

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

World Falling Down reúne a Cetera con el productor David Foster, que lo convirtió en una estrella con las exitosas baladas de poder del XVI y XVII de Chicago.

Sin embargo, mientras esa banda se mantuvo atrapada en una espiral de muerte de baladas de poder en el XXI de 1991, Cetera y Foster avanzan sabiamente hacia un enfoque más contemporáneo y restringido.

Sí, el álbum contiene un gloop romántico azucarado, como el dúo con la vieja amiga Chaka Kahn Feels Like Heaven, que es un cliché de principio a fin, pero hay algunas sorpresas aquí. Incluso un tonto puede ver puede tener un sonido agradable y suave 

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lunes, 25 de diciembre de 2023

1972’s # 1 USA ALBUM

15.7.1972-18.8.1972 


Honky Chateau es considerado por muchos como el mejor trabajo de Elton John. Los críticos citan la accesibilidad de las letras de Bernie Taupin y la inteligente actualización del blues americano clásico y los ritmos country por parte del propio John. ¿Yo? Nunca he tenido un problema con las letras impenetrables y actualizar las raíces de los géneros musicales me huele a no ser capaz de idear un estilo propio. Por lo tanto, nunca he sido capaz de entender la adulación amontonada sobre este album.


El talento tanto de John como de Taupin es claramente obvio, pero ha habido mejores casos tanto en el pasado como en el futuro de lo buenos que son en realidad.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Set Me Free es, de hecho, el himno más grande aquí y un eterno clásico del hard rock. Las otras canciones se acercan a ello. El Heartbreak Today, parecido a una balada vocal (tiene un groove de Deep Purple), el Uptempo y el coro No You Don't, el rebelde Rebel Rouser, el rock 'n' rolling Peppermint Twist o el largo Sweet F.A. son excelentes canciones de hard rock de mediados de los 70 llenas de voces increíbles y rock de guitarra. Restless es la única canción algo más débil aquí, seguida del otro punto culminante, In to the Night tiene los segundos riffs más crujientes. AC-DC cierra el disco de forma merecida.


No es una música muy intelectual, pero el rock hard rock está a la orden del día aquí y se siente bien escuchar este álbum clásico.

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domingo, 24 de diciembre de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1984)

El año 1984 no pudo ser mejor para el gran Maurice Jarre. La vuelta de David Lean supuso para el compositor un nuevo Oscar y un Globo de Oro por su maravillosa partitura (también nominado a los Bafta y al Grammy).

En cuanto a A Passage to India, me atrevería a decir que posee cierta continuidad con algunas sonoridades de The Man Who Would Be King (1975), por el contexto geográfico de la historias (la India colonial), y cierta flema británica, que se observan en The King’s March (The Man Who Would Be King) y el Bombay March (A Passage to India).


Los dos momentos más importantes de la película (puntos de inflexión de la historia) contienen música de Maurice Jarre (y poquito más). El primero es “The Temple”, un corte de excelente desarrollo temático para la escena en la que Adela da un paseo en bicicleta por los caminos de Chandrapore, alejándose de la ciudad e internándose en plena selva, para acabar llegando a un templo abandonado, donde una serie de estatuas con fuertes connotaciones sexuales provocan la fascinación de Adela (el cómo una cultura puede mostrar algo tan pudoroso como el sexo de una forma tan natural y directa), siendo, posteriormente, atacada por una jauría de monos furiosos que provocarán la huida de Adela.

A passage to India veces uno tarda en descubrir trabajos, compositores, melodías,… hay tanto que dejamos atrás, tanto que vivimos ahora y tanto que nos queda por llegar, que se antoja necesario un criterio o filtro para poder disfrutar de la música (cada uno al nivel que quiera, para eso somos libres), porque no tenemos suficiente tiempo para escuchar todos los trabajos ni a todos los compositores.

Pero hay trabajos obligados, aunque solo sea para decir eso de “sí, lo he escuchado”, pese a que no acabe siendo de tu agrado o no cumpla tus expectativas. A Passage to India es uno esos trabajos, que merece ser escuchado, no una, ni dos, ni tres veces… las que te pida el cuerpo.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Nacido en las profundidades del underground, mezclando entonces en un gran lío, garage rock - etiqueta a la que los hemos unido durante demasiado tiempo -, rock experimental o incluso jazz-fusion, White Denim ha alcanzado con su obra maestra de un punto de no retorno.

Un disco unico, capaz de fusionar en un solo punto el progresivo rock del Yes Album con raíces southern / boogie.

Corsicana Lemonade mostró claramente deseos de normalización: si está claro que el nivel de interpretación detrás descartaba a White Denim en absoluto, y que los texanos todavía se permitían algunos planes muy extraños, el coming-out blues/southern/soul ya estaba allí. 

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sábado, 23 de diciembre de 2023

ROCK&ARTE 12

LA REPRESENTACIÓN DE LA FIGURA HUMANA DESNUDA ha sido siempre un tema de interés para los artistas, quienes buscan capturar y reproducir su pureza original. Esto no solo ha atraído la atención de las autoridades religiosas y seculares, que se sienten incómodas frente a tanta inocencia.


En la breve y reciente historia de la iconografía del rock, un escándalo notable fue la elección de David Montgomery para la portada de Electric Ladyland de la Jimi Hendrix Experience. Aunque la discográfica Reprise tenía la intención de representar al guitarrista de Seattle como una deidad rodeada de mujeres adoradoras, Hendrix discrepaba. Prefería algo más tierno, un homenaje a las Electric Ladies, sus seguidoras. Así, eligió una fotografía de Linda Eastman (futura señora McCartney) que mostraba a la banda y algunos niños en Central Park alrededor de la estatua dedicada a Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. Esta idea no fue bien recibida por Reprise.


Cuando Hendrix no se presentó en el día de la sesión fotográfica, la discográfica aprovechó la situación. Veinte mujeres fueron fotografiadas completamente desnudas, algunas sosteniendo retratos de Hendrix o algunos de sus álbumes anteriores.


La actitud cínica de Reprise fue castigada por la censura estadounidense, y el álbum finalmente se publicó con una foto reorganizada gráficamente por Karl Ferris. Esta nueva imagen destacaba a Jimi Hendrix en primer plano, girado en tonos de amarillo y rojo. En Inglaterra, la portada no fue condenada por la censura, sino por los propios vendedores de discos, muchos de los cuales se negaron a vender un producto con mujeres desnudas en la portada. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

"Incluso puedo hacer 'Heart Of Gold' de Neil Young, pero lo hago mío..."

Dijo Charles Bradley


Changes se lanzó en Daptone, y su canción principal e inspiración provienen de una fuente sorprendente. En manos de Bradley, la canción de Black Sabbath, la melodía característica de Ozzy, se convierte en una obra maestra del alma profunda. "Me recuerda el día en que mi madre me dejó. Escuché mucho el álbum de Black Sabbath en ese momento... y cuando escucho esa última parte, todavía puedo escuchar su último adiós: "Todos mis días se han convertido en lágrimas.Ojala poder volver atrás y cambiar estos años". Esa emoción, esas palabras..." 

Es la tarjeta de presentación de un álbum de soul que sacude los huesos, desde el optimista "Ain't It A Sin" hasta el funky melodrama de "God Bless America/Good To Be Back Home". 

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viernes, 22 de diciembre de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Maravilloso revival de surf y garage de la costa oeste, plena manifestación del sonido californiano de la época clásica. Pese a que es una banda infravalorada por los críticos, siendo justos, su disco debut es bastante rescatable. Melodías melancólicas sencillas con tintes psych-surferas y un sonido post-producción de características lo-fi garagero.

En el caso de la psicodelia, su origen en los 60s teniendo en Woodstock su mayor impacto, le ha significado el resurgimiento en varias “olas” durante las décadas venideras. Quizás la última grande fue la aparición del “Oracular Spectacular” (2007) y de Tame Impala en 2008, que sirvió de cancha para la aparición de sobredotados como King Gizzard y un fuerte desarrollo de una corriente psicodelia más pop.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Un cambio drástico con respecto a sus tres álbumes anteriores orientados al programa, Permanent Waves es un álbum conciso influenciado por el pop que aún conserva la sensación y la integridad del sonido Rush. "Spirit Of Radio" y "Freewill" son sencillos fantásticos que siguen siendo desafiantes, pero son un poco más accesibles de lo habitual, con pasajes menos instrumentales, melodías más pegadizas y Geddy Lee que reduce su característico lamición. Sin embargo, cuando Rush se extiende a la "Ciencia Natural", podría decirse que los resultados son tan buenos. El excelente predecesor necesario de su seguimiento revolucionario. 

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jueves, 21 de diciembre de 2023

DIRECTISIMO 119

El álbum en vivo "Freedom Highway" de los Staple Singers, remasterizado para conmemorar su actuación en 1965, destaca la inspiración detrás de la canción homónima.

Compuesta tras la marcha por la libertad de Selma a Montgomery, Alabama, la familia Staples celebra la causa con un júbilo palpable en la canción.

Pops Staples introduce la pieza durante un servicio en la Iglesia de New Nazareth, en Chicago, y la banda, liderada por Mavis Staples, crea un ambiente de optimismo a pesar de la preocupación expresada en la letra. La canción se convierte en un himno de la lucha por la libertad, respaldada por un acompañamiento musical enérgico y vibrante.

Además, el álbum "Don't Lose This" presenta canciones adicionales de guitarra y voz grabadas por Pops Staples antes de su fallecimiento en 2000, completadas por Jeff Tweedy a petición de Mavis Staples. Pulsa aquí



DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

A veces es difícil explicar por qué te gusta una pieza musical. A veces es lo más fácil del mundo de explicar. Este es uno de esos que no se pueden explicar. Por lo que puedo decir, este álbum es perfecto. Hay tanta facilidad y comodidad entre Mark Knopfler y Emmylou Harris que pensarías que habían estado grabando juntos para siempre. Hay una mezcla perfecta de voces y letras que hace que el oyente se sienta como si estuviera espiando a los amantes desde hace mucho tiempo, excepto que no hay vergüenza, solo belleza. Este es un álbum que me hace desear ser más explicativo y poder expresarme mejor para poder explicar cómo y por qué me encanta. 

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miércoles, 20 de diciembre de 2023

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 14

No tiene otros instrumentos que la voz humana y enloqueció a los oyentes con su alegría implacable, pero no se puede negar que, durante un tiempo, Bobby McFerrin encantó a la escena de la música pop con su improbable canción de éxito "Don't Worry, Be Happy".


El hijo de un par de cantantes, la música estaba en la sangre de McFerrin, pero se esforzó por asegurarse de que su sonido fuera como ningún otro. Eso no fue mucho: después de su primer álbum de jazz vocal en 1982, el seguimiento The Voice fue exactamente eso: no había instrumentos excepto el versátil tenor de McFerrin, que imitaba todos los instrumentos en los originales y versiones de The Beatles ("Blackbird"), James Brown ("I Got You (I Feel Good)") y los estándares de jazz ("Take the 'A' Train"). En 1987, ese talento se utilizó en el tema de la cuarta temporada de The Cosby Show. 


McFerrin tuvo la idea de "Don't Worry, Be Happy" de una fuente poco probable: Meher Baba, una figura espiritual de la India que enviaría este simple mensaje a sus seguidores (incluido el rockero Pete Townshend, que llamó a The Who's "Baba O'Riley" en honor al místico). Más tarde admitió que el acento jamaicano con el que cantaba estaba realmente destinado a recordar un restaurante mexicano en el que le gustaba comer cerca del estudio.


Gracias a un video colorido (con McFerrin bailando y haciendo tonterías con el difunto Robin Williams y el actor Bill Irwin) y un lugar de privilegio en la banda sonora más vendida del drama de Tom Cruise Cocktail, "Don't Worry, Be Happy" se convirtió en un éxito desbocado. Encabezó el Billboard Hot 100 durante dos semanas en el otoño de 1988, a pesar de los años de grupos de doo-wop, es la primera y única canción de capella en hacerlo, y ganaría tres premios Grammy, incluyendo Disco y Canción del Año. (Su trabajo de jazz ya le había ganado cinco trofeos de antemano).

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Psicodelia dura con un enfoque novedoso. Toda la novedad que puede venir de combinar las armonías vocales más wilsonianas con todo tipo de cacharrería analógica y de todo tipo para producir sonidos nunca antes escuchados. Si a esto le unimos un sentido melódico tan personal y adictivo como torcido, nos sale un discazo inabarcable en un par de escuchas.


"Strawberry Jam" necesita dedicación por parte del oyente. Una dedicación que irá viéndose recompensada poco a poco y con creces. El disco es de esos que esconden tantas sorpresas que es un descubrimiento a cada nueva escucha. Un disco con más capas que una cebolla, preñado de soniditos y detallitos que van a encandilar al más exigente. Hasta el momento de su edición, la cumbre de unos Animal Collective que consiguieron con él dar forma a sus sueños más inconfesables.

Esencial. 

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