miércoles, 7 de junio de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El segundo álbum de The Faces recibe críticas muy favorables de la mayoría de los críticos y fans, pero una vez más, aparentemente estoy en la minoría.

"Long Player" de 1971, de producción propia, merecía crédito por el hecho de que la banda había encontrado un sonido único  y una imagen única .

Dicho esto, había pocas bandas de principios de los 70 que parecían divertirse tanto con su estrellato como Rod Stewart and the Faces. Eran claramente superestrellas, pero la arrogancia que normalmente asociabas con una banda así estaba en gran medida ausente.

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martes, 6 de junio de 2023

1972’s # 1 UK ALBUM

El segundo álbum de estudio del dúo hippie de folk psicodélico Tyrannosaurus Rex. La formación y el sonido no han cambiado desde su primer álbum. Marc Bolan toca la guitarra y canta y Steve Peregrin Took toca bongos, tambores africanos, kazoo, etc.


La música de Tyrannosaurus Rex era un folk acústico muy suave con la voz única y las letras personales de Bolan. Y, por supuesto, también había mucho sonido psicodélico. Mi canción favorita aquí podría ser "The Travelling Tragition", que es una de las canciones más hermosas que Bolan haya escrito. Pero realmente no puedo nombrar ningún favorito, ya que la mayoría de estas canciones son geniales. La apertura del álbum "Deboraarobed" y "Salamanda Palaganda" son las canciones más conocidas de este álbum y son perfectas al igual que muchas otras pistas geniales también.


Prophets, Seers & Sagest  the Angels of the Ages es imprescindible para todos los fanáticos de Marc Bolan. Incluso si los álbumes más famosos de Bolan se hicieron con el acto de glam rock T.Rex, también disfruto mucho de estos primeros discos de Tyrannosaurus Rex. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

I'll Sing the Blues for You es uno de los lanzamientos principales de Stax de Albert King y es el primer lanzamiento de este sello que se aparta del molde de blues anterior. Aquí escuchamos una fuerte influencia del funk que impulsa muchas de las pistas basadas en el blues. Esto no es una sorpresa, ya que King estaba rodeado de una gran cantidad de estilos musicales, incluido el funk, mientras estaba con Stax. En 1972, King estaba bien establecido en la escena del blues y esto le permitió aventurarse a partir de su material anterior mientras se aferraba al enfoque de la guitarra principal en su música. El resultado es un álbum que cubre el espectro musical, desde blues lento y conmovedor hasta números de blues creativos e infundidos de funk.


Como casi todos los lanzamientos de Albert King, escuchamos su característico sonido de guitarra que atraviesa todo lo demás y esta no es una tarea fácil en I'll Sing the Blues for You, ya que está respaldado por el increíble grupo de soul/funk The Bar-Kays & The Movement y los Memphis Horns. La entrega vocal de King siempre ha estado en el lado arenoso. Limitado por el alcance y la claridad, le va bien con lo que tiene, pero no se equivoque, este es un álbum de guitarra, no un álbum vocal. 

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lunes, 5 de junio de 2023

1969’s # 1 USA ALBUM


1.11.1969-26.12.1969 

3.1.1970-16.1.1970 

24.1.1970-30.1.1970




A través de la historia mucho se ha dicho sobre la discografía de los Beatles, llegando a ser todos ellos catalogados en algún momento, por algún crítico o seguidor, como sus discos más representativos. Cualquiera de sus discos a ya cuarenta años de no existir como banda, son clásicos de su época. 

Con todo y que estamos hablando de una banda de rock pop que revolucionó gran parte de la industria, nos quedamos con la esencia importante de todo este asunto que es la música. Un puñado de canciones realmente buenas, pegajosas, bien instrumentadas y que fácilmente pueden encajarse en tu background proporcionándole música a ciertos momentos de tu vida. En mi caso, aunque me gusta Mean Mr. Mustard, Octopus Garden y la insuperable Something, mi memoria está anclada a momentos de tu vida.

Fuera de todo eso, lo estricto de lo grandioso de este disco es que suena tan atemporal que puede disfrutarse aun ahora como si lo hubieran grabado hace un mes. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este es el álbum debut de la baterista estadounidense Allison Miller y su cuarteto Boom Tic Boom, que también incluye a la pianista Myra Melford, la violinista Jenny Scheinman y el bajista Todd Sickafoose. El álbum presenta ocho composiciones, cuatro de las cuales son originales de Miller, dos son originales de Melford y dos son (una especie de) estándares.

De hecho, la mayoría de las pistas de este álbum están grabadas en un formato clásico de trío de piano y Scheinman, que toca solo en una pista, es acreditado como invitado especial, solo para convertirse en un miembro de pleno derecho del cuarteto en los álbumes posteriores.


La música es Jazz moderno, con muchos pasajes libres y espacio para respirar, que tiene todo lo que un gran álbum de Jazz debería: buenas melodías, grandes improvisaciones, interacción en grupo, solos ardientes, una sensación de vitalidad y deseo de tocar juntos.

Combinado con las virtuosas actuaciones de los músicos, este es definitivamente un excelente ejemplo de música contemporánea, que es inteligente y emocional, elegante, intransigente, artística y, sobre todo, honesta.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Conocí al maestro ocupado por su gran álbum The Ballad of John Henry (2009) o por su participación en el sofisticado supergrupo de hard rock Black Country Communion, pero hasta ahora había seguido su carrera de forma bastante superficial.


El hombre con el apellido de sonido italiano-africano nació en 1977 cerca de Nueva York y ha estado tocando la guitarra desde los cuatro años. Parece el jefe de sección de una oficina de distrito que, para sorpresa de sus colegas, le gusta hacer música rock en su tiempo libre.


Sus héroes son legendarios guitarristas británicos (o irlandeses) como Rory Gallagher, Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck, Gary Moore, Peter Green o Paul Kossoff, a los que, según su propia declaración, quiere rendir homenaje con este álbum grabado a petición expresa en los famosos estudios de Abbey Road en Londres. 

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domingo, 4 de junio de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2011)

La película The Artist, dirigida por Michel Hazanavicius y protagonizada por Jean Dujardin y Bérénice Bejo, fue una carta de amor a la época dorada de Hollywood, concretamente a la era del cine mudo. Si bien la película usó las convenciones de la era del cine mudo, también incorporó técnicas modernas y una sensibilidad contemporánea para crear una historia única y encantadora. La música jugó un papel muy importante en el éxito de la película, ya que no solo mejoró el impacto emocional de la historia, sino que también proporcionó una conexión vital con la época que se representa en la pantalla.


El compositor de la partitura de la película, Ludovic Bource, trabajó en estrecha colaboración con Hazanavicius para crear una banda sonora que capturara de manera efectiva la esencia de la era del cine mudo. Bource usó una combinación de instrumentos orquestales tradicionales, como la flauta, el violín y el piano, para crear una partitura musical viva y emotiva que complementó la acción de la película. También incorporó elementos de jazz y música popular de la década de 1920 para ayudar a capturar la atmósfera y el estado de ánimo de la época.


Uno de los desafíos únicos que enfrentó Bource al componer la banda sonora de la película fue encontrar un equilibrio entre la música y la naturaleza muda de la película. Dado que no había diálogos hablados en la película, la música tuvo que hacer gran parte del trabajo pesado emocional, al mismo tiempo que permitía que las actuaciones físicas de los actores brillaran. Bource pudo crear una partitura que acompañó de manera experta la acción de la película sin eclipsar a los actores o la historia que se contaba.


El éxito de la música de The Artist se evidencia en sus numerosas nominaciones a premios y premios, quizás el más notable el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original en 2012. La música de Bource recibió elogios de la crítica por su capacidad para transportar al público en el tiempo y capturar el espíritu del cine mudo. Era del cine, sin dejar de ser fresco y atractivo para el público moderno. En general, la música desempeñó un papel integral en el éxito de The Artist, y las composiciones de Bource fueron una de las principales razones por las que la película fue tan querida y memorable. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Como fanático acérrimo, es muy difícil para mí escribir una crítica sobre un álbum de Rush. Soy tan sesgado que no sugeriría a un oyente neutral que use mi reseña como medio para medir el álbum.

En su lugar, prefiero revisar los álbumes de Rush entre sí, e incluso entonces es muy difícil de hacer, ya que su estilo y gama de música son tan amplios a lo largo de sus casi 40 años de carrera.

Con todo lo dicho, estaba en "Angels" desde el momento en que se lanzó y me enamoré de él de inmediato. ¡Creo que se clasifica fácilmente como uno de sus 2 o 3 mejores álbumes de todos los tiempos! Está tan bien orquestado y, sin embargo, es un rock tan simple y directo para un grupo que lo ha hecho todo. En primer lugar, las dos primeras pistas del álbum (Caravan y BU2B) que se lanzaron como sencillos el año anterior se remezclaron tan ligeramente que el oído convencional puede no ser capaz de notar la diferencia.

Sin embargo, creo que los remixes del álbum se han añadido lo suficiente como para hacerlos mucho mejores. La canción principal es una de mis canciones favoritas de Rush de todos los tiempos. Tantos sabores diferentes en este álbum conceptual que se mezclan tan bien que es casi imposible escucharlos individualmente. No sé si alguna vez volverán a conseguir un álbum tan bien como hicieron Clockwork Angels.

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sábado, 3 de junio de 2023

AYER VÍ 33

Me producía extrañeza ver a Clint Eastwood dirigiendo este musical. ¿Qué hace un hombre de acción involucrado en un género tan escapista y bullanguero? ¿Qué ha podido ver en esta historia de ascenso y perseverancia en los sinsabores del pop un hombre taciturno y esquinado como él? Pero queda claro que hay más puntos de unión de lo que a simple vista pudiera parecer.


Por una parte es casi riguroso coetáneo del cantante Frankie Valli (tan sólo cuatro años más joven que el vaquero imperturbable) y además está su contrastada formación y dedicación a la música (no en balde, ha puesto música e interpretado alguna de sus propias bandas sonoras).


Porque más allá del amor a la música como aliento vital – que queda patente durante todo el metraje – es sobre todo un primoroso estudio de caracteres de barriada en circunstancias nada sencillas, con unos suburbios gansteriles al acecho, donde la solidaridad, los vínculos de sangre y la camaradería son ley de vida e impregnan la toma de decisiones hasta límites casi inconcebibles y desastrosos. Es un mundo de hombres donde las mujeres sólo son las madres de la progenie, relegadas al margen y utilizadas como mero entretenimiento o señal de un éxito que parece medirse en juergas y desenfrenos nada edificantes. Un machismo de alcoba que apenas queda bosquejado y poco aporta a la trama.


Los vínculos entre los cuatro músicos protagonistas quedan reflejados con detalle y precisión. Y en un momento dado incluso uno de ellos muestra su despecho por el incívico comportamiento de su compañero como si de una ruptura de pareja se tratase, no exenta de humor, pero dejando de manifiesto las miserias cotidianas de una fama que apenas vale nada cuando te bajas del escenario y toca comportarse como el patán que uno es en verdad, más allá del foco y los micrófonos. Y los problemas de dinero – ya sea debido el juego, las juergas o jaranas, tal vez las drogas o la mafia – acaban opacándolo todo.


Se queda algo corta pero se ve con simpatía.

Pero queda la buena banda sonora 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Highwayman tiene ese elegante sonido de Nashville de los 80, producción limpia, que a algunos no les gusta. Pero no puedes negar las cuatro voces de Johnny Cash, Willie Nelson, Waylon Jennings y Kris Kristofferson, a veces cantando solos, a veces juntos. Este álbum es una versión country superestrella de Travelling Wilbury. 


Tantas canciones geniales, incluyendo una versión de Seger's Against The Wind, Cash's Big River, la canción principal y la increíble versión del clásico de todos los tiempos de Guy Clark, Desperados Waiting For A Train...


Supongo que solo Willie Nelson fue realmente un artista exitoso en ese momento, pero los 4 cantantes suenan fantásticos, la química entre ellos a medida que toman su turno de voz es palpable y el disco es entretenido como resultado final.

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viernes, 2 de junio de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Cult ahora deja atrás la mayor parte de su sonido gótico, abrazando un sonido de blues rock psicodélico, despojado y golpeado por cortesía del productor de prodigio Rick Rubin. Otro clásico del rock este álbum , absolutamente impresionante de arriba a abajo, excepto por la horrible versión de Born To Be Wild.

Más basado en riffs que su primer álbum de larga longitud llamado Love. En mi opinión, una de las mejores bandas que se levantó en los 80

Astbury fue uno de los líderes más dominantes de su época, y la guitarra de Duffy es perfecta, a partes iguales el rock clásico Page/Young y la innovación de estilo Edge.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

02/06/23


Mick Ronson se sepaó de David Bowie, así que ¿cómo esperarías que sonara un álbum en solitario de Ronson? No es de extrañar que suene un poco como "Epiders from Mars" de principios de los años setenta. Diablos, el estilo vocal de Ronson incluso se parece un poco al estilo vocal temprano de Bowie. A pesar de abrir el álbum con el sonido pop "Billy Porter" para cuando "Angel No. 9" comience, está claro que Ronson tocará una buena guitarra en este álbum. Sin embargo, lo más destacado son las canciones de la portada. La vertiginosa versión de KFA de "White Light / White Heat" vale solo el precio de la entrada; pero "The Girl Can't Help It" (con coros de Ian Hunter) y "Woman" también son geniales. Si te gusta Bowie de principios de los setenta, deberías echar un vistazo a este. 

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jueves, 1 de junio de 2023

DIRECTISIMO 90

Cat Stevens pasó a la historia como icono Hippie y uno de los mayores representantes del pop-folk de los 70. Más de 50 millones de discos vendidos y numerosos temas clásicos todavía irradiados por todo el mundo.

Más de 30 años después de retirarse aún tiene muchos fans (yo uno de ellos) que vibran y se emocionan con sus temas.

El DVD "Majikat" me encantó y entre otras cosas contaba con una notable selección de temas. El punto negativo era que en este concierto en 1976 Cat no estuvo a nivel vocal especialmente sembrado (le he visto mejor en otros directos), pareciendo en ocasiones medio afónico, algo que se nota por ejemplo en Sad Lisa o Father & Son.

El CD "Majikat" me gusta un poco menos, aunque cuente con buenos hits como Wild World y Moonshadow, más otras un poco menos conocidas como Hard Headed Woman, King of Trees, Two Fine People y la preciosa How Can I Tell You (exclusiva del CD).

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Con la voz áspera del difunto cantante Gary Holton, los Heavy Metal Kids siempre han tenido mucho valor kitsch. Nunca fue realmente apreciada en ese momento, su marca de rock and roll de sala de bar (muy parecido a los Faces) ahora se ha vuelto muy de moda de nuevo. En retrospectiva, no eran ni la mitad de malos de lo que se suponía que eran, pero de alguna manera nunca fueron tomados en serio en su día, y fueron palmeados como mero glam rock. (Las similitudes con el más exitoso Mott The Hoople son claras y evidentes) Al escuchar este álbum una vez más después de todos estos años, estoy impresionado por su musicalidad 

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miércoles, 31 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este probablemente habría sido un álbum decente, pero Allan Holdsworth en la guitarra es quien hace sea tan bueno.

Incluso cuando el fondo no es interesante, la guitarra principal añade suficiente sabor para que funcione.

Algunos de los movimientos que hacen estos chicos son brillantes, como en "Bundles" y "Land of the Bag Snake". El protagonista se sintetiza impresionantemente bien con los cambios de acorde. Algunos de los mismos, como "The Man Who Waved at Trains" y "Peff", suenan muy parecidos a Soft Machine anterior a Haroldsworth. "Four Gongs Two Drums" es una extraña pero breve pista solo para batería. El largo y sinuoso "Hazard Profile" de 5 partes es efectivo para atraerte, y el soñador y etéreo "Floating World" es efectivo para enviarte a la luna.


No tengo ninguna queja sobre este álbum. Nunca alcanza las alturas que parece que debería alcanzar, pero tampoco se sumerge en un territorio inescuchable. Todas las canciones son al menos algo buenas. 

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