OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1991)

La banda sonora de la película "La Bella y la Bestia" de Disney, lanzada en 1991, fue compuesta por Alan Menken, con letras escritas por Howard Ashman. Esta banda sonora es ampliamente reconocida y ha ganado varios premios, incluyendo dos Premios de la Academia a la Mejor Canción Original y la Mejor Banda Sonora Original.

Algunas de las canciones más icónicas son:

"Belle": Esta es la canción de apertura de la película e introduce al personaje de Belle mientras canta sobre su deseo de una vida más emocionante.

"Beauty and the Beast": Esta balada romántica es cantada por Angela Lansbury, quien da voz a la Sra. Potts. La canción juega un papel central en la historia de amor entre Belle y la Bestia.

"Gaston": Una canción animada y humorística que celebra la vanidad de Gaston y su deseo de casarse con Belle.

La música de Alan Menken y las letras de Howard Ashman desempeñaron un papel fundamental en el éxito de "La Bella y la Bestia" y han dejado una huella indeleble en la historia de la música cinematográfica. La película y su banda sonora han sido adaptadas en numerosas ocasiones, incluyendo una exitosa versión de personajes reales en 2017. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Por suerte, Sonic Youth no terminó su fantástico viaje con el mediocre Rather Ripped.

Su álbum de regreso a casa independiente The Eternal los ve funcionando como un quinteto de nuevo, con el ex bajista de Pavement Mark Ibold formando una sección rítmica de alta clase con el siempre perfecto Steve Shelley, en la que los otros tres son libres de superponer capas complementarias de imaginación guitarística.

Da como resultado una nueva dinámica y un sonido más completo que nunca, y podría haber sido el comienzo de otra carrera de creatividad para la banda y el preludio de una cuarta década que se desliza por encima del panorama del rock alternativo.

 Sonic Youth está muerto, larga vida a Sonic Youth... 

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ROCK&ARTE 5

Dentro de 2 años se cumplirán 50 años de la publicación del primer elepé de Triana , un disco sin título que acabó siendo conocido por El Patio -como rezaba el cartel que figuraba en la esquina de la contraportada- y que no alcanzó el éxito hasta que uno de sus temas, hoy mítico, Abre la puerta lo consiguió.

El disco tuvo tan poco apoyo de radios y medios de comunicación que solo en el primer trimestre vendieron 19 ejemplares… Por suerte se abrió paso gracias al boca a boca de los que vivieron la magia de los primeros conciertos del grupo sevillano hasta llegar a convertirse en un disco histórico.

Hoy vamos a centrarnos en la histórica portada de Máximo Moreno, un fotógrafo y pintor sevillano que realizó varias/ portadas memorables; Triana, Alameda, incluso una de Miguel Ríos…

Máximo era hermano de Josele (Los Payos) y de Benito Moreno, un cantautor(sintonia del larguero ra ra ra)

Curiosidad el trío fueron a echar una mano a Benito Moreno en Romance de Lute y otras Canciones antes de editar su primer Album

Romance de Lute fue uno de los discos más interesantes de los setenta, pero gracias a la censura pasó casi sin pena ni gloria.

Volviendo al álbum trianero y a su portada costumbrista, meses antes de publicar Benito su primer disco, Máximo Moreno ya había pasado por el corral sevillano de la Plaza Cristo de Burgos donde pudo fotografiar la decadencia de un típico patio andaluz y a Dolorcitas  una señora de setenta y tantos años que estaba cocinando un potaje sin ser consciente del protagonismo que iba a tener en una de las portadas más míticas del rock andaluz.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Un álbum complementario de One Quiet Night, este también es un álbum de guitarra barítono en solitario, pero esta vez la lista de canciones se ha hecho de interpretaciones de AM Classics de los años 60 y 70. Al igual que One Quiet Night, es encantador y hermoso escucharlos durante días y noches suaves en casa. Metheny es un maestro de música que nunca toca para presumir.

Me alegró especialmente escuchar su excelente versión de And I Love Her, ya que Paul McCartney es otro de mis músicos favoritos.

Ambos álbumes ganaron el Grammy al mejor álbum de la Nueva Era, lo cual es interesante. Me gusta bastante New Age y este no es el tipo de música que suele tener ese sello. 

Me alegró especialmente escuchar su excelente versión de And I Love Her, ya que Paul McCartney es otro de mis músicos favoritos.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Michael Rother es uno de mis músicos de referencia. 

¡Mientras tanto, los NEU! Son definitivamente uno de mis grupos favoritos de tout-court. Harmonia son prácticamente fundamentales y él es un guitarrista que ha sido increíblemente innovador y un músico y compositor y pionero del sonido que aún hoy consigue demostrar su vanguardia.

Hace muchos años que no lanzaba un disco en solitario y este álbum llegó de alguna manera inesperada.

Lo publica en Groenlad Records, que recientemente ya ha reedeado otros de sus trabajos, sello de Herbert Gronemeyer, que también colaboró con él en los discos lanzados a principios de este milenio. 

Michael Rother se acompaña aquí a la muy talentosa vocalista Sophie Williams conocida como Sophie Joiner. 

El disco es a todos los efectos un álbum de música electrónica ambient y cuya voz de Sophie se presta para dar a estas pistas un carácter etéreo que impregna toda la atmósfera a partir de la canción homónima al nombre del disco que abre el disco y con un sonido experimental y progresivo minimalista de estilo Harmonia. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Abrimos con Rain in Soho, con tambores y un coro que gime. Esta canción lamenta el cierre de un famoso club gótico con un gran melodrama,demasiado dramático, y no me gustó en mi primera escucha, pero Rain in Soho tendrá sentido con el tiempo si confías en él.

Después de la lluvia en el Soho, cambiamos de marcha drásticamente. El resto del álbum se sumerge en el pasado y explora diferentes aspectos de la escena gótica con canciones pop suaves y suaves. Estas son buenas canciones pop estándar: magníficamente orquestadas y producidas y muy cómodas de escuchar. Estamos muy lejos de Rain in Soho, o realmente de cualquier otra cosa hecha por los Mountain Goats. ¡Pero oye! ¡Funciona! ¡Funciona muy bien! 

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DIRECTISIMO 112

Este lanzamiento de 2 DVD (y 4 CD) del concierto de The Brothers el 10 de marzo de 2020 en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York evoca algunos "qué pasaría si". 

El primero: ¿Qué pasa si un conjunto compuesto por antiguos miembros de, o adyacentes a, The Allman Brothers Band, celebrara el 50 aniversario del icónico grupo del Salón de la Fama del Rock and Roll con una sola actuación agotada, de casi cuatro horas?

Sin las dos voces más destacadas de la banda; ¿el difunto, el gran cantante y teclista Gregg Allman o el maestro de guitarra y cantante fundador Dickey Betts? ¿Podría funcionar?

Como detalla el archivista de Allman Brothers Band, John Lynskey, en las notas, por invitación del baterista fundador, Jaimoe, los miembros de los últimos tiempos, los guitarristas Derek Trucks y Warren Haynes, el bajista Oteil Burbridge, y el percusionista Marc Quinones, además del hermano de Allman de los años 70, Chuck Leavell, como invitado en el piano y la voz, el teclista de ensayo original de 1969, Reese Wynans, y el baterista Duane Trucks, hermano de Derek y sobrino del fallecido baterista de ABB, Butch Trucks, formaron The Brothers.

El talento, por decir lo menos, no es un problema. Y, tal vez sintiendo la importancia musicalmente histórica de la noche (sin mencionar que el espectáculo es lo que terminó siendo el último gran concierto en interiores durante más de un año debido a la COVID-19), el octeto ensamblado prestó una atención y reverencia particularmente a la disposición y al ritmo.

Como un escuadrón de aviones de combate, estos ocho parecen estar en una misión, ejecutando con casi perfección algunas de las interpretaciones más apasionadas y meticulosas de la historia del magnífico catálogo de The Allman Brothers Band 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Siempre he tendido a pensar que las colaboraciones y bandas sonoras de Cooder eran mejores que sus álbumes reales. Pero "retirar un poco de polvo" fue un regreso fantástico.

El "hijo pródigo" sigue a eso en términos de lanzar una mezcla de humor y rectitud evangélica contra los acontecimientos políticos en el mundo, incluida la pobreza y el racismo.

También es un álbum en solitario, con cooder tocando casi todo, su hijo en percusión y sus antiguos coristas Terry Evans y Bobby King pasando por aquí para agregar algunos coros conmovedores como solían hacer en su trabajo en los años 70/80.

Sobre todo esto es bastante bueno: 'Straight Street' es un tema que abre el álbum ,encantador con la voz de Ry realmente brillante (se destaca sobre todo muy bien en este álbum), 'Gentrification' es lilting y divertido, 'Shrinking man' y el swing caliente de la pista del título  destacando el trabajo de guitarra deslizante de marca registrada de Cooder.

Sin embargo, la segunda mitad del álbum no es tan buena con demasiadas baladas, la versión minimalista de la "Nobodies fault but mine" espiritual se arrastra en particular antes de que el álbum se incline con un poco de blues  "a su cuidado".

Dicho esto, es difícil quejarse demasiado cuando los temas sociopolíticos aquí se responden con tanta honestidad y la música es tan lograda que su antepasado musical Woody Guthrie seguramente habría estado orgulloso...

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LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 8

Finales de los 70´s, Englewood, New Jersey. La productora Sylvia Robinson y su marido, Joe Robinson, fundaron Sugar Hill Records y juntaron a tres seguidores del hasta entonces subterráneo arte musical del hip hop: Wonder Mike (Michael Anthony Wright, Big Bank Hank y Master Gee...el trío fue bautizado como The Sugarhill Gang y, para su primer sencillo, tomaron un trozo de un tema de la banda Positive Force y, además, samplearon el tema del grupo Chic llamado Good Times. Así fue como nació el tema Rapper´s Delight.

Sin embargo, los problemas no estuvieron ausentes...las primeras versiones surgieron desde un estilo libre cuando, en Septiembre de 1979 y durante una presentación de Chic teloneando a The Clash en New York, comenzaron a interpretar Good Times y, en un momento, los que serían The Sugarhill Gang junto al rapero Fab Five Freddy empezaron a improvisar. Fue la génesis de esa melodía pero, como la mayoría de los raperos se negaban a grabar en disqueras, la productora Sylvia Robinson tuvo que lidiar mucho para conseguir unos músicos de sesión que ayudasen con el bajo (Chip Shearin) y la guitarra (Brian Morgan).

De todos modos, el 9 de Noviembre de 1979 se lanzó el sencillo Rapper´s Delight como adelanto del disco debut del grupo (llamado Sugarhill Gang) casi tres meses después; como la base era algo conocida y las letras de los integrantes del trío eran bastante contagiosas y prendieron, la canción fue trascendiendo las fronteras del hip hop y logró el mérito de ser la primera canción de su género en meterse dentro del Top 40 de la revista Billboard...

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Cuando Noel Gallagher dijo que eras la mejor banda nueva de Gran Bretaña, la gente le hizo mucha caso.

Tal fue el caso de los Temples. Formado en 2012 y todavía en una infancia relativa, el cuarteto psicodélico inglés habia mantenido a todos ansiosos por el lanzamiento de un álbum de larga duración con un goteo de sencillos como "Shelter Song", "Colours to Life" y, más recientemente, "Mesmerise".

Dirigido por James Edward Bagshaw (voz, guitarra principal) y Thomas Edison Warmsley, (bajo) Temples es un retroceso a la psicodelia de los años sesenta.

Puede que los años 60 se hayan ido hace mucho tiempo, pero los Temples están exudando gemas del caleidoscopio como la mejor de ellas. 

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1973’s # 1 UK ALBUM

27.10.1973-2.11.1973 

Cuando se lanzó "Hello", Status Quo estaba en un máximo absoluto, en Europa, varios álbumes y sencillos en el top 40 y los conciertos agotados. Así que Status Quo decidió en 1973 lanzar otro jugador largo con, como se esperaba, de alta calidad, pero esta vez más canciones comerciales que antes, lo cual no es directamente malo. El álbum comienza con una de las mejores y más famosas canciones de Status Quo de la historia. El riff principal es simple, pero al mismo tiempo tan memorable como el texto de la canción. Además, el resto del álbum es muy bueno, pero no es comparable a "Roll Over Lay Down", excepto por la última canción del álbum, a saber, la canción de casi diez minutos de duración con grandes inserciones de jam "Forty-Five Hundred Times", que durante años fue un estándar en los conciertos de Status Quo y el rockero corto de cuatro minutos "Caroline". A pesar de que fue el álbum más centrado hasta ahora, carece del cierto encanto de "Piledriver", ¡pero este cierto encanto debería volver, en el álbum de seguimiento "Quo"! El álbum continuó dando a Status Quo un lugar destacado en las listas de todos los países de Europa Occidental y de nuevo los colmó con altas cifras de ventas y discos de oro. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

El camino de redención para Joan Wasser lo marca el tema que abre y da título al álbum: simplicidad en el acompañamiento, una sana desmesura interpretativa, emotividad y, claro, el beneficio de saber ajustarse a una canción enorme.

Tan altas expectativas no es que acaben naufragando, porque el resto del álbum no se apea de la dignidad.

El problema, tal vez, es que desde la cumbre se descienda a una amena pero demasiado plana meseta. Que acaba pesando.

Hubieramos preferido una Joan menos cauta, menos encadenada a un concepto de producción bastante conservador: el disco no deja de sonar agradable en todo su recorrido, pero sólo se atreve a coquetear con el exceso en sus primeros 278 segundos. 

Queda claro que, para su próxima salida, Joan necesita, aparte de tres o cuatro canciones de las que quitan la respiración, un sonido con menos florituras y acolchamientos. 

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1973’s # 2 USA ALBUM

18.12.1971-31.12.1971

Sly & The Family Stone rompió conscientemente las barreras limitantes y arbitrarias que dominaban la música antes de mediados de la década de 1960.

La banda era en blanco y negro, hombres y mujeres, tocando una marca delirantemente contagiosa de rock, soul, pop y funk.

Esto fue en gran medida un producto de su tiempo.

El éxito embrionario del movimiento de derechos civiles, que surgió contra todo pronóstico en el Sur Profundo a mediados de la década de 1950, había alimentado las esperanzas afroamericanas de que tal vez la justicia social sería posible en Estados Unidos después de todo.

La banda y su música fueron innovadoras, celebrando la posibilidad de ese brillante futuro. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

El músico y bluesman acústico y eléctrico con sede en Austria, Hans Theessink, aporta una frescura de aprecio al lenguaje del blues estadounidense, ya sea el blues clásico de los años 20 y 30 o el blues urbano más moderno de Chicago de los años 50 y 60. La discografía de Theessink de más de 20 álbumes, todos lanzados en Europa, incluye sus nuevas versiones de canciones de Chuck Berry, John Fogerty y Jimmy Cliff, así como música blues más familiar de Rufus Thomas, Willie Dixon, Leadbelly e incluso el icono del country Hank Williams. Además de cantar bien canciones de blues, country y rock & roll pioneras, también incluye melodías de gospel en muchos de sus espectáculos en vivo y en sus álbumes, que van desde Slow & Easy de 1978y Johnnv & the Devil de 1989 hasta  1994's Hard Road Blues, 2003's Songs from the Southland, and 2008's Visions, co-billed to Theessink and Terry Evans.

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1992)

Aladdin tiene quizás la banda sonora más fuerte de cualquier película de Disney.

Tiene la sensación característica de Disney, pero también incorpora sonidos de Oriente Medio, y el producto final encaja perfectamente en la película.

¿Es necesario mencionar lo buenas que son las canciones? Canciones como One Jump Ahead y Arabian Nights añadieron mucho a la película, al igual que Friend Like Me y Prince Ali, que son fantásticamente hechas por Robin Williams.

Incluso una canción de amor cursi como A Whole New World es algo así como un clásico, y las escenas en las que aparecen estas canciones son tan mágicas hoy como cuando vi la película por primera vez a los 6 años. 

Gran parte del álbum es la partitura real, y aunque no es tan emocionante como las canciones, eso es típico de una banda sonora de Disney, y todavía hay muchos temas memorables.

La nostalgia probablemente ayudeun poco a esto, pero Aladdin es una de mis películas favoritas de todos los tiempos, y la banda sonora es una gran parte de eso.

Recomendado para cualquiera que sea fan de Disney.

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