DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una obra de profunda ternura y crudeza emocional. El extenso Ghosteen, parecido al trance, no juega como ninguna otra cosa, y eso también incluye el catálogo de Nick Cave. Skeleton Tree, que subestimé un poco en ese momento, disculpas, tal vez se debió a que se registró en gran medida antes del fallecimiento de su hijo, bastante diferente a esto (nada aquí es tan espeluznante como lo fue "Jesús solo", por ejemplo). En composición, esto es más capaz que espectacular. Sin embargo, Ghosteen es convincente; una meditación prolongada sobre la pérdida y el dolor. En el tremendamente magnífico "Galleon Ship", una de las mejores canciones de su larga carrera, asciende a la verdadera grandeza. Sigue flotando cerca para "Ghosted Speaks" y la pista más corta, "Fireflies". 

Y continua la desgracia…..

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SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 99

Elvis Presley y Escarlata OHara, Louis Armstrong y William Faulkner, Tina Turner y el general Lee, Truman Capote y Martin Luther King, presentan algo en común: todos ellos nacieron en alguno de los estados del Sur de los Estados Unidos. Lo mismo puede decirse de Lo que el viento se llevó, o de la música country, del blues, del rockabilly y del rock. Todos ellos son tan sureños como el julepe de menta, los tomates verdes fritos o el pollo frito estilo Kentucky. El dar a conocer tan sugestiva y peculiar parte del planeta fue lo que me impulsó hace mas de un año  a comenzar a publicar una playlist semanal (hace poco pasó a quincenal)titulado Sureños de Norte al Sur, un espacio en el que la gente puede escuchar la música del sur, conocer la historia de los distintos estilos de la musica del sur de los EEUU y paladear otras historias del sur.

La presente  publicación constituye un viaje por ese sur de los Estados Unidos de la mano de su música, pero también de su geografía, de su cultura y de su Historia. Olvídese de sus problemas y prepárese para disfrutar. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Al igual que se dice que del cerdo son bonitos hasta los andares. De este álbum, es bonita hasta la cara del jinete, y eso que no se ve.

Sin duda estamos ante una de las obras maestras no solo del género, si no de la música en general. Y todo ello gracias a Chick Corea y la superbanda Return To Forever.

De una banda formada por los mejores en su posición no cabe esperar otra cosa que un gran trabajo. Me estoy refiriendo a músicos de la categoría de Stanley Clarcke al bajo, Lenny White a la batería y el sensacional, y joven en aquel momento, Al Di Meola. Y ya no digo nada de Chick Corea.

A nivel musical y compositivo es perfecto. Con la entrada de Al Di Meola, la banda fue capaz de canalizar y mezclar ese toque virtuoso y complejo del Jazz-fusión con un toque más comercial y "escuchable". Este joven americano sabía lo que hacía.

El álbum es ameno, frenético, y en ciertos tramos aventurero. Una obra clave del género. Sería absurdo comentar temas en concreto, ya que deberíamos de tomar este álbum como una obra en sí.

Y la producción es magnífica. Producido en su totalidad por Chick Corea y el resto de miembros de la banda. Esto es de vital importancia ya que les permite a los músicos dirigir el álbum por el camino correcto. Enfocar bien su trabajo.

A modo de resumen, es un álbum perfecto con el que iniciarse en el mundo del Jazz-Fusión. Es ameno, pero con partes musicalmente más complejas. Y permite disfrutar del virtuosismo y calidad de los miembros de la banda. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

¡Otro álbum clásico de rock'n'roll del MC5!

La pequeña producción lo hace más cerca del power pop que del proto-punk, pero como lo llames, ¡se mece con venganza!

Guitarras de buena calidad, energía y ganchos para matar, 11 canciones en menos de media hora, se puede argumentar de manera convincente que The Ramones (y Saints and Damned y Pistols) no existirían sin este disco.

Las pistas más esenciales: "Tonight", "Shakin' Street" y especialmente "Looking At You", ¡uno de los tres minutos más vitales de pura angustia de rock'n'roll jamás grabados por nadie, en cualquier momento! 

Obra maestra del proto-punk-rock. Impresionantes temas, tocados con una crudeza envidiable, que ya quisieran para sí mucho grupitos que iban de duros.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

A pesar de cumplir 85 años en 2018, Willie tenia la energía para hacer una gira con Beto O'Rourke, el joven demócrata tejano que hace campaña para senador. Por lo que sabemos, el consumado cantante/compositor podría estar presente durante mucho tiempo. Pero, al menos a veces, su álbum Last Man Standing cuenta la mortalidad con humor y gracia. "No quiero ser el último hombre en pie", dice, pensando en su envejecido círculo de amigos, antes de añadir: "Espera un minuto, tal vez lo haga".

Como de costumbre, Willie toca con una banda de estudio experta, profesional a cada paso. Estos chicos son simplemente buenos. Y teniendo en cuenta alguna tontería como "Don't Tell Noah", que tienes que esperar con él (quiero decir, piensa en "Shotgun Willie"), la composición es tan sólida como siempre lo fue. Nunca sombrío y a menudo divertido, sus letras todavía logran tocar la pérdida de amigos, sentirse ambivalente hacia tu propia muerte inminente, soportar el dolor, aceptar que podrías haberlo hecho mejor en esta vida.

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DIRECTISIMO 35

Cualquiera que decida escuchar esto y esperar un álbum lleno de clásicos de la guitarra surf está terriblemente equivocado. En lo que en realidad consiste el engañosamente titulado King of the Surf Guitar es en tres asaltos salvajes a la guitarra de surf (Hava Nagila, México y Riders in the Sky), el resto son instrumentales aburridos de boogie-blues o pistas vocales deficientes. Quien le dijera a Dick Dale que debería cantar en algunas de las pistas claramente no estaba pensando sabiamente, ya que Dale es un cantante increíblemente poco carismático que no añade absolutamente nada. Es una pena, ya que algunas de estas pistas serían geniales si se dejaran como instrumentales. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum tiene muchos buenos momentos, sin embargo, lo mucho que te guste depende de lo diverso que sea tu gusto musical. Considerándome un fanático de la música de mente bastante abierta, pude disfrutar de todo, excepto de las piezas vocales. Eso todavía me dejó con mermeladas de fusión salvajes, fanáticos de la guitarra Hendrix, interludios acústicos, música del mundo y me olvido de qué más. Agradable seguro, pero lamentablemente un fracaso como "álbum". Sin embargo, eso no me impidió escuchar otro álbum de Mahavishnu Orchestra 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El Album American Woman (1970) fue concebido para ser recordado. Su Mega hit American Woman esta presente en toda recopilacion de temas de los 70s que se respete. The Guess Who el grupo Canadiense y su 7mo album en su discografia va de la mano estre el Rock y el Pop en temas somo No Time , No Sugar Tonight o 8.15 , con grandes arreglos vocales y mucho oficio. 

La mistica "Talisman" de liricas fantasticas y magicas es hermosa, pero lo mejor del album a mi juicio esta en el tema instrumental 969 (the oldest man) y el Blues Humptys Blues / American Woman que cierra el album y que muestra una desgarrada voz de Randy Batchman quemandose en vida, quien junto al gran Burton Cummings pianista energetico y brillante letrista , ya son parte de los Clasicos de comienzos de los 70s.

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CLÁSICOS DEL ROCK 95

Al diablo la evolución: retro y sensual soul-funk al mejor estilo de los 70's y eso está bien. En cierto modo soy mucho más indulgente con el reciclaje musical hecho con los géneros afro-americanos que con el que a menudo se hace en el rock, quizá sea porque aquel normalmente es recreado en estos tiempos con mucho mejor gusto y espíritu que este: El reverendo Al Green debería estar orgulloso de un disco como Faithful Man, que presenta una interpretación apasionada, precisos arreglos de viento y cuerdas y muy buenos temas (hay un cover de "Moonlight Mile" de The Rolling Stones). De acuerdo, alguien podría decir que no es nada que no se haya oído antes y mejor, pero el resultado suena cálido, honesto y acompaña muy bien. Pulgar arriba.

First Take de Roberta Flack parece un debut prometedor desde el punto de vista de sus créditos. Con su alineación estelar de músicos de acompañamiento, siempre imaginé que grabar este álbum debe haber sido una experiencia un poco nerviosa para Roberta. Sin embargo, tocar el piano es fantástico y las voces son fuertes. Mi problema es más con la música, que a veces me suena muy anticuada. First Take incluye , Compared tp What, Tryin' Time, etc., pero estas versiones son demasiado relajadas para incendiarse y demasiado largas.

Probablemente el disco más psicodélico de la banda Echo and Bunnymen, pistas de sonido pesadas e intensas aquí con mcculloch haciendo su mejor estilo vocal jim morrison/david bowie, mientras que el increíble sargento de voluntad continúa recibiendo un nuevo kilometraje del trabajo de guitarra de lou reed y george harrison alrededor del 66.

"The cutter" y "back of love" fueron 2 grandes sencillos, pero no te puedes perder "heads will roll", "gods will be gods" y "clay" también.

Sin embargo, en mi opinión, la sección de ritmo no es tan buena aquí como en discos anteriores, pero pasaré por alto eso, ya que sigo siendo un fan.

Quincy Jones es un productor legendario conocido por su inmaculado trabajo con el Rey del Pop. Es un vitalicio de la industria de la música con un perfil increíblemente alto y una ética de trabajo rigurosa. Gran parte de su material existe como cortes profundos inmortales en la era del jazz o el R&B y su enfoque del diseño de sonido sigue guiando a los productores modernos hoy en día. Lo que mucha gente no se da cuenta es que él también era bastante compositor. Hizo sus propios discos con regularidad, y en 1989 decidió reunir a todos los que pudiera llamar en un espectáculo pop gigante. El resultado fue "Back on the Block" de 1989. Vendió más de 1 millón de copias en 1990 y ganó el álbum del año en los Grammy ese año. Se establece como un punto culminante tardío de su carrera con toneladas de elogios y elogios.

Este disco de PJ Harvey me suele gustar bastante. Tiene un ritmo tremendamente neurotico, de puro nervio y raramente desquiciado. Se sabe el gusto por la muchacha a las declaraciones descarnadas, al todo o nada, a sus letras repletas de confesiones. Sus discos suelen ser tensos en ese sentido, siempre con el propsito de poner los pelos de punta. Y justamente son todos esos elementos los que hacen que PJ Harvey sea una de mis artistas preferidas. 

Fusión en el sentido más completo de la palabra, Horses & Trees de Ginger Baker combina jazz, funk, música del mundo, electrónica, reggae, hip-hop y algo ruidoso todavía.

Publicado en 1986 en el sello de baile artístico Celluloid, con sede en Nueva York, este esfuerzo angular y profundamente desafiante fue producido por Bill Laswell, que también aparece en el bajo. La víctima tal vez de su propia complejidad, Horses & Trees, ha estado agotado en los EE. UU. desde al menos 1995. 

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1967’s # 1 UK ALBUM

La gloria del Sargento Pepper se explica más allá de su extraordinario contenido musical por los símbolos que emite. Por esta razón, goza de una reputación absolutamente unánime en el aspecto del "álbum", aunque puede que no se considere uno de los mejores de todos los tiempos, ni siquiera lo mejor de la discografía de los Beatles. La importancia radica en entender la idea de lo que estoy diciendo. En primer lugar, el sargento Pepper es el símbolo de la cima de la música psicodélica, articulada socialmente como una de las figuras clave de la contracultura, de la generación del baby boom en los albores del Verano del Amor 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

Ginger Baker me parecía grandioso cuando lo escuchaba en Cream y me imaginaba que debía tener discos en solitario bien rompedores . Este disco de los ochentas es el primero que escuché de su carrera solista y debo decir que si bien no cubrió mis expectativas y que de repente parece que el buen pecoso está como ensayando, el disco tiene un encanto tipo jazz pop que hace el disco no solo agradable a la escucha, sino también interesante. Ginger se rodea de músicos muy capaces (desconozco quienes sean, pero no me extrañaría algún nombre de calidad por ahí) y que hacen que su música suene cada vez, conforme avanza el disco, menos convencional. 

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1962’s # 1 USA ALBUM

Aunque los musicales no es mi estilo favorito en la música , creo que hay un valor innegable en este disco. La instrumentación es increíble y me gustan mucho sus partes instrumentales. Un amigo mío dice que es un poco triste ver a Bernstein dirigiendo una sinfonía de Beethoven después de componer y dirigir esto. Estoy seguro de que Beethoven es mucho más aburrido.

Lo único que todavía no capto del todo son las voces. Supongo que tienen que reflejar la atmósfera de las "calles", pero a veces parecen demasiado forzadas. Sin embargo, después de ver el programa y volver a visitar la película, entiendo por qué la bandeja para alinear a los personajes con los diferentes enfoques vocales. Sin embargo, todavía no lo alineo. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Patti Smith nació en Chicago y creció en Nueva Jersey, expuesta a la influencia de poetas como Arthur Rimbaud y cantautores como Bob Dylan. Su carrera, a caballo entre la poesía y la música, se ha desarrollado siempre al margen del éxito comercial; sin embargo, su estilo descarnado se ha convertido en referencia imprescindible para artistas posteriores. Patti Smith se inició en el rock a través de su novio, Allen Lanier, de Blue Oyster Cult. Enseguida fue descubierta por el crítico de rock-guitarrista Lenny Kaye, que la animó a grabar y la rodeó de una banda formada por el mismo, el pianista Richard Sohl, el bajista Ivan Kral y el batería Dee Dau gherty. Su debut, Horses, apareció además con la garantía de John Cale (ex Velvet Un derground), que hizo de productor. El álbum incluía versiones y temas propios, a los que, en cualquier caso, aportaba su voz escalofriante y conmovedora. Entre las versiones, Gloria (Them) y el clásico Land of a thousand dances. En sus textos, referencias a ídolos como Jim Morrison y Jimi Hendrix. No fue un disco muy vendido, pero su influencia en la música rock posterior fue enorme. En las listas no pasó del cuarenta y siete, aunque su tercer y cuarto discos sí entraron en el top 20 de Esta dos Unidos. Pero sin medir la categoría por el dinero, éste es el gran álbum de Patti Smith y uno de los mejores trabajos dentro de la filosofía punky de la época. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Encabezados por la cantante, guitarrista y gran compositora Polly Jean Harvey, el trío PJ Harvey se formó en 1991, y muy poco después tenían su álbum de debut en la calle. Dry, que fue publicado por la independiente Too Pure en Inglaterra y por Island en Estados Unidos, fascinó tanto a la prensa como al público underground. Su rock dinámico, crudo, austero y sus letras provocativas centradas en la mujer fueron un revulsivo necesario en la escena musical del momento y todo un reto para los oídos acostumbrados a canciones accesibles. El descontento de Harvey con su cuerpo y su feminidad se convirtió en combustible inagotable para sus letras, exposiciones brutales y llenas de humor negro so bre sexo, amor y odio. Y a la vez, sus temas difíciles, estructurados como si fueran blues pero interpretados con la agresividad del punk, siguieron ganando adeptos con el segundo elepé del trío, Rid of me. A pesar de su relativo éxito, es difícil que una música tan cruda y que exige tanto del oyente llegue alguna vez a triunfar en los circuitos comerciales 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 62 (Quincenal)

Sorprenden estos britanicos cantando como si fueran de los páramos del centro de Norteamerica. Incluso Crosby, Stills and Nash debieron palidecer en su dia al escucharlos. Imagino que era la tendencia de la epoca, aunque suenan muy bien. Los mejores cortes, Sandman (Excelentes voces y acordes) A Horse With No Name (una obra de arte por el calor de la canción) y I Need You (balada interesante). Buen trabajo con guitarras acusticas.

Definitivamente, una edición más bien pasteurizada de CSN&Y. Agradable, algo tópico  y más bien inofensivo. Chicos sanotes, letras a veces de sonrojante "poesía", olor a campo abierto, bonito entramado de acústicas.

El desproporcionado e inmerecido éxito de Bad Company resulta sencillo de explicar en 1974, cuando el rock en general atravesaba un oscuro período creativo y la aparición de este supergrupo no hace más que reafirmar esa tendencia. Con su hard rock complaciente, pocas ganas de innovar y canciones francamente insulsas, es uno de los álbumes más sobrevalorados de su tiempo. 

Resulta difícil creer que la mitad de Free y la guitarra de Mick Ralphs estén detrás de todo esto. Al parecer la famosa “Can’t Get Enough” fue suficiente para convencer y es por lejos lo más destacado

Muy pocos podían presagiar que parte de los sonidos más innovadores y sicodélicos de 1966 iban a ser creación de una banda de blues eléctrico, y todavía es más sorprendente que en los 10 meses que pasaron desde su debut el grupo expandiera su música de forma tan radical. Pese a ello esa marca registrada que es el blues de Chicago todavía está presente en buena parte del álbum, destacando sobre todo la furiosa toma de “Two Trains Running” y el slow blues “I Got A Mind To Give Up Living”, una magnífica muestra de cómo se debe hacer blues, con un cautivante solo y un Paul Butterfield entregando una de sus mejores interpretaciones.

Puedo entender que este álbum no tenga una calificación tan alta,

Pero tengo que decir que, a pesar de toda su producción y sonidos anticuados, me gusta bastante, y hay una razón:

Es la artesanía superior a la media detrás de las canciones.

Aunque, en términos comerciales, este "regreso" no funcionó,

Esos chicos todavía sabían cómo escribir buenas canciones con buenas letras.

Si alguna vez pensaste que a la salsa le faltaban largos solos de guitarra entonces esto es para ti, por que es lo que es, música de salsa con solos de guitarra. No intento ser malo (jeje) con el grupo pero así lo percibí, aunque en su defensa, esas percusiones y la batería se escuchan algo mas alocadas para de lo que suelen ser en la salsa común, además de que los solos de guitarra son muy buenos.

Sería prácticamente imposible revisar este álbum sin mencionar a otra banda de rock de influencia latina, así que ni siquiera intentaré no... ¡Santana! ¡Santana! ¡Santana! Si te gusta ese sonido (primeros años), entonces te va a gustar esto. Si no es así... evítalos 

Hair, subtitulado The American Tribal Love/Rock Musical, es una ópera beat sobre la cultura hippie de los años 1960 en los Estados Unidos, incluyendo el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual produjo cierto impacto en la época, incluidos los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas. Más allá de todo esto, el musical Hair ha dejado algunas de las canciones más conocidas en todo el mundo hasta hoy en día, como «Aquarius» o «Let the Sunshine in», a pesar de que mucha gente no conoce el musical al que pertenecen. 

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