Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Absolutamente brillante, esta banda tiene que ser una de las bandas más subestimadas de los años sesenta. Solo tuvieron un par de éxitos menores en los años sesenta, principalmente debido a la mala gestión y la mala suerte, pero se reformaron para hacer este álbum, que luego fue inexplicablemente archivado hasta su lanzamiento en 2004. Lay The Ghost y la canción principal Psychedelic Rose son nada menos que un genialidad y solo muestran lo grande que podría haber sido esta banda.
Nadie duda de que Zappa es uno de esos músicos excéntricos y únicos que aparecen muy de vez en cuando y este Absolutely Free no hace más que confirmar su reputación, sonando absolutamente aislado en el panorama musical de 1967, con sus collages sonoros en los que se puede encontrar desde el pop más simple hasta experimentos vanguardistas, nunca tomándose las cosas en serio y con una irreverencia e imaginación desbordante. Pero otra cosa es llegar a disfrutar esta música que resulta tan fragmentada, poco convencional y carente de sentido que me termina dejando irremediablemente perdido. La única canción que mantiene una estructura constante es “Invocation and Ritual…”, la que con sus incesantes pasajes instrumentales es por lejos lo mejor del álbum.
¡Esta música es absolutamente GRANDE, PROFUNDA, MAJESTUOSA e INOLVIDABLE! Es mi álbum favorito de Vangelis. ¡Incluso una de las mejores canciones de la New Age jamás hecha!
En primer lugar, la música está orientada a los teclados flotantes sinfónicos y las voces (opera+coro): esos ingredientes se reúnen en un estado de ánimo increíblemente intenso, ritual y melodramático.
Lo importante que hay que mencionar es que esta música te traerá emociones increíbles: pasión, amor, asombro, sueño, recuerdo y romance. No sé por qué este no es un disco de banda sonora.
Todo es extremadamente eco y ruidoso, sorprendentemente sostenido, dando una atmósfera poderosa, mítica y legendaria: suena como si celebraras la llegada de un héroe triunfante y su heroína de la mitología griega.
Para aquellos que ya conocen a Vangelis, digamos que el ambiente se acerca ligeramente al de Jerusalén (Carros de fuego).
Las voces misceláneas suenan un poco como el artista pop de la New Age. Además, esas voces y coros omnipresentes te recordarán una ceremonia religiosa en una vasta catedral.
También hay algunos secuenciadores de percusión y bajo, que le dan una dimensión mágica al conjunto.
¡Extremadamente recomendado!
On Stage fue un seguimiento inmediato de From Memphis to Vegas / From Vegas to Memphis , que también contó con grabaciones en vivo.
Sin embargo, a diferencia del lanzamiento anterior, este álbum se centró en canciones que, en ese momento, no estaban asociadas con Elvis.
El álbum incluye el sencillo número uno en todo el mundo " The Wonder of You ", que encabezó tanto la lista de canciones de adultos contemporáneos de Estados Unidos como la lista de música británica.
Otras selecciones incluyen " See See Rider ", " Yesterday ", " Polk Salad Annie " de Tony Joe White , " Runaway " de Del Shannon y una versión de " Let It Be Me ". "See See Rider" se convertiría en el número de presentación frecuente de Elvis en sus conciertos hasta su última actuación en el (ahora desaparecido) Market Square Arena en Indianápolis, Indiana, el 26 de junio de 1977, mientras que "Polk Salad Annie" también se convirtió en un parte regular de su repertorio. El álbum se destaca por no mostrar el nombre de Elvis en ninguna parte de la portada.
No me malinterpretes, el estilo de guitarra vocal murmurante y relajado y sin esfuerzo de Hooker me ha enganchado, pero tenía que haber algo mal para que él fuera el único representante en su campo en mi colección durante muchos años. De hecho, era visible por su presencia.
Hooker se ha convertido en algo así como un icono y un estadista mayor. Ha sido redescubierto por una generación destetada en bocados de sonido musical para anuncios y de repente, como B.B. King, es el hombre con el que a otros les gustaría que los vieran tocando en el escenario. Para acomodar a esta nueva celebridad, Hooker lanzó una serie de álbumes que consisten en nuevo material y versiones regrabadas de canciones de la primera parte de su carrera. El sanador lo ve compartiendo el escenario con Carlos Santana, Bonnie Raitt, George Thorogood, Los Lobos, Robert Cray, Canned Heat y Charlie Musselwhite. Es un esfuerzo realizado, pero son los arreglos más simples - "Baby Lee", "My Dream", "Sally Mae" - los que conservan el mayor poder.
Melodía, melodía, melodía. Armonía. Pop elegante, grandes arreglos y producción de George Martin, todos los fans de los Beatles saben quién es. Una bienvenida aparición como invitado de Michael Jackson en dos pistas, "Say Say Say", un éxito digno. El bajo de jazz es Stanley Clarke un invitado, por supuesto que Paul toca la mayor parte del bajo en Pipes of Peace y muchos otros instrumentos como le encanta hacer. Muy buenas voces de fondo (comprueba los créditos para los muchos diferentes).
A Micheal Jackson le debe haber encantado la forma en que Paul McCartney escribe música, con todos los ganchos pop bien colocados. Este álbum está lleno de ellos. Creo que Jeff Lynne de ELO debe tener cada pequeña pieza musical que Paul haya escrito. Este es un álbum pop agradable de Sir Paul.
Dirige Respect una cineasta poco conocida, Liesl Tommy, responsable hasta el momento de algunos capítulos en series como Jessica Jones o La señora Fletcher.
El resultado es más que correcto aunque pesa sobre el desarrollo cierto convencionalismo que se repite en demasiadas biografías de artistas –los sufrimientos infantiles, las dificultades maritales, el éxito y la degradación, la redención– y aquí ese hilo conductor carece, digamos, de momentos de impactantes que queden impresos en la memoria. Quizá falta identificación con los personajes y también se resiente algo el conjunto debido a los abruptos y extensos saltos en el tiempo.
Liesl resalta la reivindicación personal de Aretha para superar las circunstancias que le tocó vivir, con cierto toque feminista, en donde los principales hombres de su vida quedan bastante mal (padre estricto y manipulador, marido violento) y que se apuntala con la estudiada y oportuna presentación de algunas de sus canciones célebres, como “Respect”, “Sweet Sweet Baby”, “Ain’t No Way”, “Chain of Fools” o “Think”. Por el contrario, otros aspectos más íntimos de su vida, como el cuidado de sus hijos, queda completamente olvidados.
Sin embargo, funciona su personalísimo ofrecimiento de su dolor a Dios en esa mítica grabación de 1972 recogida en la película Amazing Grace, estrenada en las pantallas casi cincuenta años después.
Aquellos dos días de canciones espirituales dieron como resultado el disco de góspel más vendido de la historia y supone un digno colofón de la película.
De cualquier forma, aun con sus defectos, los amantes de la música no pueden perderse Respect.
31.10.1970-6.11.1970
Cuando el volumen 4 surgió en octubre de 1970, la preeminencia de Motown era inquebrantable, con una impresionante variedad de grandes éxitos con los que almacenar cada nueva colección. Los clásicos de Tamla de todos los tiempos que estaban en el álbum incluían "I Want You Back", "I Can't Get Next To You", "Someday We'll Be Together" y "Cloud Nine".
El resultado fue el numero 1, una carrera de 40 semanas y la continuación de una serie que produjo otro número 1 con el volumen 5. Los volúmenes originales continuaron hasta la novena edición en 1974, con tres más añadidos a principios de la década de 1980. Estos recuerdos muy británicos de la popularidad transatlántica de Motown fueron recordados con tanto cariño que fueron reeditados por la etiqueta Spectrum de Universal en 1997.
Uno de los grandes LP de los años 70 y, de hecho, de cualquier época. Una mezcla perfecta de soul, funk y jazz, todo producido con amor por los maestros,namley Maurice White y Charles Stepney.
Como si eso no fuera suficiente, la composición de canciones es del más alto nivel sin un solo punto débil. Este disco todavía suena tan fresco como cuando se lanzó en 1975.
Se estrena con dos de las mejores canciones de todos los tiempos del género, siendo la canción principal un máximo especial.
La banda también está apretada como el infierno y suena como si hubieran tocado juntos para siempre.
Al igual que con todo el trabajo que cuenta con Charles Stepney, hay muchos arreglos de cuerda maravillosos (así como intrincados trabajos de coro) en el fondo que llenan el sonido y agregan una dimensión adicional.
Esta es realmente una escucha esencial para cualquiera que tenga un interés pasajero en el soul o funk.
24.6.1967-30.6.1967
Headquarters fue el primer álbum de su discografía donde tocaron la mayoría de los instrumentos del disco y escribieron la mitad de las canciones. Desde el combo country/rock de "You Told Me" hasta el fenómeno psicodélico de "Randy Scouse Git", Headquarters se enorgullece de ser diverso.
El disco es extremadamente pegadizo y fascinante sin tener miedo de experimentar. Me di cuenta de lo único que es el disco en comparación con sus contemporáneos.
Claro, el disco toma influencia de otros grupos en ese momento, pero el álbum decide sabiamente combinar country, rock, power pop y psicología a veces en una canción para crear una paleta sónica única. "Sunny Girlfriend" es un ejemplo de todos estos elementos que se unen en una sola canción.
La canción cuenta con un hi-hat abierto inverso, un riff de guitarra inspirado en el country, una batería apretada y una línea de bajo que le da a la canción su fuerte potencia.
Esta es mi primera experiencia con Huey Lewis y The News, y definitivamente fue una primera impresión increíble.
La forma en que Huey y los chicos logran mezclar blues, pop rock e instrumentales funk con las voces pop de Huey crea un sonido muy satisfactorio.
Aunque este es notablemente un álbum pop, no se vuelve molesto, cada pista suena lo suficientemente diferente de la última como para no parecer repetitiva.
Este álbum también tiene una mezcla increíble, todas las partes individuales están en el nivel correcto para que puedas escucharlas todas claramente, pero no eclipsan los aspectos más importantes.
Algo que disfruto mucho de Sports es que, aunque cada pista tiene uno o dos momentos en los que la pista de acompañamiento se queda en silencio y es solo la voz áspera pero suave de Huey, no es exagerada, por lo que cada momento todavía se siente especial.
El primero de los seis álbumes publicados por el duelo folclórico se cubre en absoluto misterio.
Solo intenta escribirlo en cualquier motor de búsqueda de Internet y descubre que no hay mucho al respecto.
Las circunstancias que motivan este acertijo me parecen variadas. No intentaré dar ninguna explicación seria a la pregunta.
Solo señalaría que su sonido, sus canciones no invitan a la popularidad. Su sonido es quebradizo, la sensación, sucia y oscura como la portada. ¿Esa sangre está ahí?
Podría ser fácilmente. Y todo lo que tiene dentro también podría. No es un álbum folk típico.
Tampoco es rockero.
Es más bien un disco para ser absorbido por esa Escocia oculta y que perdió Inglaterra.
Los que no aparecen en el catálogo o mapa de ninguna agencia de viajes. Y para invocar el páramo hacen uso de antiguas sonoridades eléctricas y letras amargas y desencantadas.
Solo echa un vistazo al evangelio de la abadía nórdica de "La Cruz del Calvario", para tomar un ejemplo obvio.
En la Navidad suenan los villancicos de toda la vida, pero proponemos que sea el rock con sus diferentes versiones quien suene en las calles, se cuele en las fiestas, en las casas o en los bares.
Algunos son originales, otros muy poco respetuosos con la tradición, hay una gran variedad, pero todos tienen algo que los hace peculiares.
Para no llegar a aburrirnos con esas canciones repetidas una y otra vez cada año, aquí hay una amplia selección.
¡FELICES FIESTAS!
🎼🍾🥂🎼
Antonio Martínez y José Sanchez
El Salón de la Fama del Rock and Roll anunció sus elegidos en 2019, y la clase entrante incluye a Radiohead, Janet Jackson y Stevie Nicks, que serán incluidos como artista en solitario por primera vez. Nicks fue inducido anteriormente en 1998 como miembro de Fleetwood Mac. "Por ahora solo diré que he estado en una banda desde 1968", dijo en un comunicado
Jackson, aclamada por haber "construido una carrera tan innovadora que es inmediatamente identificable por su nombre", dijo en su propia declaración que está feliz de unirse a sus hermanos. Los Jackson 5, Jackie, Jermaine, Marlon, Michael y Tito, fueron reconocidos por el Salón de la Fama en 1997, y Michael Jackson fue incluido de nuevo como artista en solitario en 2001.
Los artistas son elegibles para ser nominados para el Salón de la Fama del Rock and Roll 25 años después de lanzar su primer sencillo o álbum. Los Zombies, también en la lista de este año, han estado esperando el honor desde 1989 y han sido nominados en otras tres ocasiones. Parece que en la cuarta vez sono la flauta.
Aquí está la lista de elegidos de 2019:
• The Cure• Def Leppard• Janet Jackson• Stevie Nicks• Radiohead• Roxy Music• The Zombies
Bueno, un seguimiento de Bat Out of Hell tiene que palidecer en comparación, pero no me gusta descartar esto como decepcionante solo porque esto no es un "Bat Out of Hell II", de hecho, sería casi imposible hacer un "Bat Out of Hell II" (oh, bueno...).
Este es un álbum fuerte por sí solo. Me doy cuenta de que tiene una sensación general más oscura y algo de amargura, también me doy cuenta de que Todd Rundgren ya no está produciendo, pero afortunadamente Jim Steinman sigue siendo el principal a cargo de las canciones y la ejecución. "Dead Ringer for Love" es una canción increíble, con Cher haciendo voces a dúo, un diddy de Rock'n'Roll de los años 50 que ilumina las cosas en el estado de ánimo oscuro general que mencioné. "Read 'Em and Weep" es mi otro favorito, Barry Manilow también lo grabó más tarde y "Everything Is Permitted" es un cierre épico que tampoco habría estado fuera de lugar en el debut.
Luego también hay algunas letras extrañas de nuevo, especialmente en "More Than You Deserve" y un espeluznante interludio de Steinman hablado.
Parece que la mayoría de las canciones tratan de amor y relaciones y se lleva a la cima de nuevo, pero, por supuesto, no tan redonda como en el debut. Si esto hubiera aparecido antes de Bat Out of Hell, la gente diría que está entrenando para la perfección, pero ahora solo se considera un seguimiento indigno.
Si le das una oportunidad, hay muchas cosas buenas que encontrar aquí...
