DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Crown Of Creation" es sin duda el álbum más subestimado por el grupo, pero la mayoría de los verdaderos fans tendrán este en alta estima, aunque no recibe tanta atención, definitivamente es tan bueno como el de "Baxter" a su manera. Aquí la banda definitivamente tiene un sonido más oscuro y puedes escuchar una frustración enojada y toques de revolución tanto en el sonido como en la letra, hay mucho bocado aquí, aunque eso no quiere decir que tampoco haya algunos momentos serenos bellamente suaves aquí porque con frecuencia lo hay, pero este es definitivamente más un álbum de 1968 que uno de 1967, tal fue la evolución social increíblemente rápida de los 60 

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SALÓN DE LA FAMA 36(2021)

Antonio Martínez y Jose Sanchez

Haciendo gala del necesario eclecticismo que rodea este galardón, entraron en 2021 los nombres de Kraftwerk, Charley Patton, Gil Scott-Heron como creadores de estilos influyentes; como ejecutantes *Tina Turner, Carole King, The Go-Go’s, JAY-Z, Foo Fighters, Todd Rundgren*; por su excelencia musical LL Cool J, Billy Preston, Randy Rhoads; y el premio Ahmet Ertegun, relativo a profesionales que no son creadores/ejecutantes de música, a Clarence Avant.

Todos ellos cumplen el requisito de haber publicado su primer disco hace más de 25 años. Una muestra diversa de estilos mucho más allá de un 'rock and roll' que hace tiempo no representa como única etiqueta la variedad enorme de músicas que se crean en el panorama de las músicas 'jóvenes', por poner algún término tampoco muy afortunado, especialmente cuando han pasado tantos años. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una obra maestra lanzada en 1970 que muestra a una auténtica banda de boogie blues que acompaña al guitarrista y cantante de blues John Lee Hooker.

Es un álbum doble . Muestra perfectamente el estilo agresivo e hipnótico de la leyenda del blues.

John Lee es uno de los primeros bluesman en usar guitarras eléctricas y que logró explotar la energía musical de la electricidad.

Su enfoque rudimentario se puede escuchar e no n el primer disco. Nos recuerda sus primeros años en la carretera, jugando sin acompañantes y golpeando el ritmo con una botella de tapa clavada debajo de sus zapatos.

El segundo disco fue grabado con Canned Heat y saca a la luz la habilidad de Alan Wilson con la armónica y, desafortunadamente, su última aparición musical.

Alan era un verdadero amante del blues, un musicólogo que tocó en Son House Records en 1965: su estilo sutil y melódico fue el elemento importante de Canned Heat.

Por lo tanto, es un disco histórico porque es la última vez que podemos escuchar a esa importante banda de blues-boogie-country con esa alineación.

Después de ese disco, algunos miembros de Canned Heat y John Lee Hooker se conocieron de nuevo y tocaron en sus últimos discos y fueron miembros de la "banda Coast to Coast", como John Lee llamó a su banda de gira.

Fue el primer álbum de la carrera de Hooker en llegar a las listas, alcanzando el número 73 y lo lanzó para hacer una carrera internacional después. Una banda y un artista de blues que forman parte de la misma familia 

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 12. FREDDIE MERCURY (QUEEN)

Mirando las estrellas de la música de nuestro tiempo, hay una que emite destellos especiales.

Cuesta creer que un artista al que han calificado como extravagante, provocador, hedonista, camaleónico... fuese un ser generoso, reservado, un tímido celoso de su intimidad.

 En el escenario se transformaba en un derroche de energía donde sobresalía su voz poderosa. Su personalidad transgresora no dejaba a nadie indiferente. La muerte prematura por el SIDA añade un elemento que amplificó su leyenda. Han pasado 31 años y  parece haber calado también en las nuevas generaciones en parte gracias al estreno en  2018 de 'Bohemian rhapsody', la película sobre Queen que supuso un éxito mundial. 

Freddie Mercury nació el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, de familia parsi. Se establecieron en 1964 en Feltham, un suburbio londinense, atrás quedó una vida acomodada pasando a formar parte de la clase trabajadora, lo que no supuso ningún problema para el joven Freddie. Estudió moda y diseño gráfico, aunque tuvo que trabajar como mozo de almacén y en otras ocupaciones para sostener la familia.

En 1970  Brian May (guitarrista), Roger Taylor (batería) y Freddy Mercury (líder y vocalista) forman Queen, un grupo que alcanza su cima en la segunda mitad de los setenta , mezclando con atrevimiento pop, hard-rock, música disco, funk y ópera.

A principios de los setenta sacan sus dos primeros discos muy influenciados por el rock progresivo y el hard-rock de bandas como Led Zeppelin. Con el tercero, Sheer heart attack (1974) empieza a tener mayor relevancia.A night at the opera (1975) alcanza el número uno en Reino Unido y Australia y gran repercusión en todo el mundo. Incluía el single "Bohemian rhapsody". Grabación  imprescindible en la historia de la música pop, llevando a Queen a la primera división del rock mundial. Filmaron un corto interpretando el tema que está considerado como el primer videoclip de la historia.

Siguieron discos importantes como A day at the races (1976), News of the world (1977) o Jazz (1978), con éxitos como "Somebody to love", "We are the champions", "We will rock you", "Bicycle race" o "Don't stop me now".

Alcanzaron el número uno en Norteamérica con "Crazy little thing called love", un rockabilly homenaje a Elvis Presley que arrasó a ambos lados del Atlántico a finales de 1979. "Another one bite the dust" también logró el primer puesto en las listas.

The works (1984), incluía el tema "I want to break free", en cuyo videoclip, que censuró la MTV, aparecían vestidos de mujer.

Sus giras tuvieron momentos culminantes: sus dos conciertos en la primera edición de Rock in Rio, ante más de 350.000 personas; y sobre todo, su presencia en el Live Aid que se celebró de forma paralela en los estadios de Wembley (Londres, Reino Unido) y John F. Kennedy (Filadelfia, Estados Unidos) el 13 de julio de 1985. Queen fue una de las grandes atracciones de este festival benéfico en el que participaron las mayores estrellas del momento: Bob Dylan, Pretenders, Madonna, Eric Clapton, Neil Young, Led Zeppelin -que se reunieron exclusivamente para la ocasión-, U2, Sting, Santana o Elton John.

Sus directos terminan con una breve gira europea de una veintena de conciertos, tres en ciudades españolas: Madrid, Barcelona y Marbella. Ante más de 120.000 personas, el grupo ofreció en Knebworth Park, al norte de Londres, el último concierto de la gira y también el último con su formación clásica."Solo quiero hacer música hasta que muera", declaró. Antes cumplió su sueño de colaborar con la soprano española Montserrat Caballé, de la que era una admirador confeso, y con quien grabó el disco Barcelona (1987). Un año después, el 8 de octubre de 1988, Caballé y Mercury ofrecieron una breve show frente a la fuente de Montjuic, con motivo de la llegada a Barcelona de la antorcha olímpica. Fue la última actuación pública del artista. 

En 2016, en el 70 aniversario del nacimiento del cantante, la Unión Astronómica Internacional decidió llamar 'Freddiemercury 17473' a un asteroide descubierto en 1991 en el cinturón que orbita entre Marte y Júpiter.

 Una estrella con nombre propio.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

James Hillier Blount, conocido artísticamente como James Blunt, nació el 22 de febrero de 1974 en Tidworth (Wiltshire). Cantautor británico de música pop/rock.

Su segundo álbum se titula All the lost souls. Muchas de las canciones de este disco fueron compuestas y escritas en la isla de Ibiza, donde Blunt reside desde el año 2006. El disco fue publicado el 18 de septiembre de 2007 y suena con más instrumentos ya que fue grabado con su banda, bajo la producción de Tom Rothrock y Mike Tarantino.

All the lost souls obtuvo el Disco de Oro en la primera semana de su lanzamiento. 1973 (#4, UK) es su primer sencillo.

En noviembre de 2008 el británico reedita su último trabajo bajo el nombre de "All the lost souls - Deluxe Edition". En este álbum se incluye un dueto junto a Laura Pausini Primavera in anticipo y tiene como extras el single presentación Love love love producido por Eg White y Tom Rothrock; y tres temas en directo "Cuz I love you", "Young folks" y "Breakfast In America". 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Jimmy Castor Bunch obtuvo  algunos éxitos novedosos y trató de continuar la tendencia con este LP completo, pero la tendencia había pasado y esta buena producción no logró alcanzar sus ventas proyectadas.

La novedad especial de este, "Drácula", no está a la altura de los estándares de los esfuerzos sin sentido del pasado como "¡Leroy! Your Mama's Calling!".

Esto es desafortunado porque los otros jams, en particular las baladas y los números de midtempo, son maravillosas ejecuciones de funk/jazz. Una nueva versión de "I Don't Want to Lose You" de los Spinners cuenta con un saxofón llanto y voces emotivas; los números de midtempo - "Space Age", "Mellow Groove" y "Everything Is Beautiful" - son acreditables e instantáneamente agradables. Cosas maravillosas 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con Starfish, los chicos de The Church se convirtieron en médicos de rock.

Un  amigo mío me recomendó este álbum y yo le recomendé Voyager de Mike Oldfield, tal vez el mejor trato de mi vida.

Es difícil explicar los sentimientos que surgen cuando lo escucho. La estrella de mar es simple y compleja al mismo tiempo. Simple, debido a su diseño minimalista, gracias a la producción que permite que cada uno de los pocos instrumentos tenga su propio espacio para respirar.

Complejo porque está claro que los chicos dominan sus "herramientas". Hay increíbles solos de guitarra, un uso sabio (no abuso) del eco, una gran interacción entre Peter y Marty, la voz mejorada de Steve como nunca había cantado y nunca volvería a cantar y su forma encriptada de crear poesía. 

Aun hay gente a la que hay que explicarle que los Church no fueron "one hit wonder" por Under the Milky Way. Dentro de una carrera impresionantemente sólida, "starfish" es una de sus cotas más elevadas, todo el disco entero es un ejercicio impresionante de rock de guitarras, verdaderos herederos de los mejores Television.

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DIRECTISIMO 71

Esto no es una tontería de renacimiento de la nostalgia de los ochenta.

Pero Echo & The Bunnymen son una banda en pleno funcionamiento, habiendo lanzado también su tercer nuevo álbum de estudio en cuatro años con Flowers de 2001 .

Y como indican sus espectáculos en directo, suenan mejor que nunca. Documentada para la posteridad es su actuación en el Instituto de Artes Escénicas de Liverpool. Aunque todavía se echa de menos al baterista trinitense Pete de Freitas, la voz de Ian McCulloch apenas ha cambiado en veinte años, y las pistas cortantes y serpenteantes de Will Sergeant son tan agudas como siempre.

La mayoría de los clásicos están allí, desde el deslumbrante sencillo post-punk de 1980 "Rescue" (dado un arreglo extra impulsado por el teclado de Doors), el amenazante "All That Jazz", "Back Of Love" de 1983 y una interpretación absolutamente impresionante del sonido de Oriente Medio "The Cutter" y, por supuesto, la suite asesina del lado dos de Ocean Rain de 1984.

Sorprendentemente, canciones más nuevas como "King Of Kings", "Buried Alive", "An Eternity Turns" y la épica "Nothing Lasts Forever" se mezclan perfectamente. Aquellos que pensaron que, junto con The Teardrop Explodes, Wah!, The Sound y Comsat Angels deberían haber sido la verdadera explosión de Britpop, estos Liverpurdienses han probado la vieja corona por su tamaño y todavía encaja. U2 puede haber ganado el concurso de popularidad, pero los Bunnies tienen mi respeto. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El primer álbum de la banda española Bloque fue un disco bastante sólido en términos de rock melódico dominado por la guitarra, pero no para ser comparado con el segundo, por ejemplo, exhibiendo mucho más parecido con los artistas de rock progresivo italiano de los años 70 como PFM.

La primera pista "Undecimo poder" podría describirse más o menos como un simple hard rock energético dominado por la guitarra, aunque también tiene un buen sonido de órgano Hammond. "Albelardo y Eloisa" se mantiene en su mayoría en una vena suave y romántica con teclas atmosféricas y una guitarra teñida de blues antes de que comience a oscilar hacia su final.

Se podría pensar en algún trabajo anterior de Floyd más inspirado en el blues como punto de referencia. "Salvacion por la musica" es una pieza instrumental bastante corta dominada principalmente por tocar el teclado que recuerda a algunas de las obras en solitario de Emerson.

"Joven levantate" es en realidad la primera canción realmente interesante en términos de Prog aquí y una canción agradable muy bien hecha con una excelente interacción de guitarra, bajo, teclas y batería.

Las voces que obviamente son presentadas por varios cantantes y en español a lo largo del álbum son, por cierto, muy atractivas. "Consultando el tarot", la pista más larga y un todo instrumental es después del anterior otro punto culminante de este álbum en general bastante débil.

Ofrece excelentes teclados con muchos cambios de ritmo y buenos efectos de sonido.

Después de tres pistas muy cortas y poco espectaculares, dos de ellas instrumentales, podemos escuchar "La noche del alquimista" que ofrece una excelente guitarra eléctrica y bajo que recuerdan ligeramente a la banda de TRIANA.

El último "Conociendo a Abraxas" es el más caótico y extraño con algunos efectos de sintetizador extraños, órgano de boca, increíble guitarra/bajo y algunas voces furiosas.

Este es sin duda otro punto culminante y que salva a este álbum de ser considerado como uno solo "para discos de culto".

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El consenso de opinión entre los fans de U2 que han existido desde el lanzamiento de Boy es que Achtung Baby es el último álbum de la banda. Esto es para ignorar por completo la progresión musical y personal. Hay pocas bandas capaces de cambiar con los gustos musicales del día y todavía hay menos capaces de introducir e impulsar esos cambios - U2 es uno de los últimos.

Achtung Baby fue un salto aparentemente precipitado hacia lo desconocido. Ignoró por completo la revolución del grunge y, en su lugar, interconectaba los ritmos electrónicos y de baile con un sonido tradicional impulsado por la guitarra, aunque The Edge experimenta con la distorsión de la guitarra. Resultó ser un puente entre lo viejo y lo nuevo y, como tal, es visto con cariño por esos fanáticos de larga duración como su conexión con los días de halcyon. Examinado con un ojo menos perjudicial, este álbum fue un paso evolutivo. 

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AYER VÍ 14

No adelanto nada cuando digo que el film comienza en 1987 pero rápidamente se sitúa en 1937.

La historia repasa las adversidades que encuentran una pareja de dos adolescentes afroamericanos en su lucha por estar juntos; encuentros furtivos, trabas familiares y sociales…La película es visualmente preciosa en todos los aspectos, en ocasiones puede parecer demasiado edulcorada, pero nada que una dosis extra de insulina pueda remediar.

El guion camina firme y sin fisuras a ritmo de una excelente banda sonora El arco evolutivo de los personajes no es muy acentuado porque la historia así lo pide y la atmósfera que rodea la trama está muy bien lograda.

Hay ciertos aspectos en los personajes que pueden llegar a confundir, pero nada que otros aspectos de la historia no puedan corregir con creces. Aunque en ocasiones la trama pueda parecer previsible, la historia así lo pide, no tiene ningún giro de guion espectacular ni nada que se salga de lo habitual, no ofrece nada nuevo, ni nada que no hayamos visto en anteriores ocasiones, pero la buena ambientación, el buen trabajo de los actores y la buena fotografía, hacen los primeros planos nos digan que vamos a pasar un rato agradable. 

En Netflix esta como”Secretos, pasiones, mentiras y jazz”

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1970’s #1 UK ALBUM

19.12.1970-15.1.1971

Greatest Hits de Andy Williams es un álbum recopilatorio del cantante pop estadounidense Andy Williams que fue lanzado a principios de 1970 por Columbia Records. 

Sin embargo, no fue, como su título podría sugerir, estrictamente una compilación de sencillos de éxito, aunque se incluyeron algunas de sus canciones más grandes desde que se unió a Columbia (como el número uno de fácil escucha "Can't Get Used to Losing You" y "Happy Heart"). Un par de selecciones ("Born Free" y "More") nunca fueron lanzadas como singles por Williams, y su canción característica, "Moon River", fue lanzada en el formato de single de 7 pulgadas, pero solo para jukeboxes

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¿Un improbable guitar heroe para el final del milenio? Sin duda,Doug Martsch.

A olvidar solos apocalipticos de cinco minutos,lo de esta hombre esenredarse en bucles sonicos extensos,e ir desarrollando el tema poco a poco,creciendo y creciendo hasta conseguir un climax instrumental inenarrable,con muros cada vez mas densos de guitarras superpuestas,y asi hasta alcanzar el cenit.

Cualquier disco de Built to spill es superrecomendable,pero de elegir uno,sin duda es este,probablemente porque dada la extension de todos los temas da rienda suelta a mayor desarrollo y creativida.Y además resulta un salto de gigante en relación a sus anteriores (y discretas ) obras.

Una desconocida maravilla,y para mi gusto en el podio de los discos de esa década.

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1967’s # 1 USA ALBUM

28.10.1967-1.12.1967 

No siempre fue así. Las Supremes se formaron en un proyecto de convivencia en Detroit como un grupo hermano de lo que se convertiría en los Temptations.

Cuando comenzaron en Motown, ninguno de sus primeros singles pudo romper el Top 40, lo que les dio el apodo de "No Hit Supremes". Algunos de estos primeros singles eran geniales, y no estaban tan lejos de los grupos femeninos de Spector que estaban golpeando en ese momento, pero faltaba algo.

Ese algo era Holland-Dozier-Holland, un equipo de escritores que podía disparar monstruos de gancho apretados y bien construidos con una precisión similar a la de una máquina. La primera canción de HDH que obtuvo las Supremes fue el clásico "Where Did Our Love Go", e inmediatamente pasó al número 1. Muchos de los sencillos de las Supremes que siguieron honestamente sonaban mucho como "Where Did Our Love Go", pero todos son fantásticos.

HDH fue una clase magistral en la escritura de canciones pop; sus ganchos son llamativos, pegadizos e inmediatamente memorables, e capturan historias de amor y angustia en términos simples pero efectivos. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Sanford-Townsend Band fue una banda de rock and roll de Alabama , Estados Unidos . Consiguieron un sencillo de éxito en 1977 con " Smoke from a Distant Fire ".

The Sanford-Townsend Band contó con los teclistas Ed Sanford (de Montgomery, Alabama ) y Johnny Townsend (de Tuscaloosa, Alabama ), quienes anteriormente trabajaron juntos en una banda con sede en Tuscaloosa llamada Heart (que no debe confundirse con la banda del mismo nombre encabezada por Ann y Nancy Wilson de Seattle/Vancouver).

Después de reunirse en Los Ángeles , Sanford y Townsend firmaron un contrato de publicación con Chappell Music y comenzaron a escribir canciones, sobre todo "Peacemaker" para Loggins y Messina , que fue coescrita por Sanford y Townsend con Kenny Loggins .

Su álbum homónimo de 1976, grabado en el famoso Muscle Shoals Sound Studio en Alabama, comenzó a llamar la atención cuando "Smoke from a Distant Fire" alcanzó el número 9 en el Billboard Hot 100 , el número 9 en Cash Box y el número 13. en el Mundo Récord . El álbum fue retitulado con el nombre de la exitosa canción y relanzado. La banda apoyó la canción abriendo para Fleetwood Mac en su gira Rumors , así como conciertos con The Marshall Tucker Band , Charlie Daniels , Jimmy Buffett , Foreigner , Heart y otros. 

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