viernes, 24 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Visage fue una banda británica de new wave y synthpop que se formó en Londres en 1978 y desempeñó un papel importante en el desarrollo de la música electrónica y la moda en la década de 1980.  La banda fue fundada por Steve Strange, quien era una figura muy conocida en la escena de clubes londinenses de fines de la década de 1970, y Rusty Egan, quien era el baterista de Rich Kids, una banda de punk rock que incluía al futuro bajista de Sex Pistols, Glen Matlock. .


Visage se estableció rápidamente como una banda poco convencional con una estética musical y visual única.  Combinaron instrumentos electrónicos y acústicos para crear un nuevo sonido fuertemente influenciado por los pioneros alemanes de la música electrónica, como Kraftwerk y Neu!.  La música de Visage se caracterizó por el uso de sintetizadores, cajas de ritmos, riffs de guitarra y arreglos orquestales, que a menudo se yuxtaponían con el estilo de canto distintivo de Strange.


 La banda ganó popularidad con su sencillo debut, "Tar", que fue lanzado en 1979 y se convirtió en un éxito de club en el Reino Unido.  Siguieron eso con su primer avance, "Fade to Grey", que fue lanzado en 1980 y se convirtió en un éxito internacional.  La canción fue un ejemplo por excelencia de los géneros new wave y synthpop, y todavía se considera una de las canciones más icónicas de la década de 1980.


 Visage lanzó su álbum debut homónimo en 1980, que incluía "Fade to Grey", así como otras pistas populares como "Mind of a Toy" y "Visage".  El álbum fue bien recibido tanto por la crítica como por el público, y ayudó a establecer a Visage como una banda líder en las escenas new wave y synthpop.


 El segundo álbum de la banda, "The Anvil", se lanzó en 1982 y contó con colaboraciones de músicos de renombre como Midge Ure y Billy Currie de Ultravox, John McGeoch de Siouxsie and the Banshees y Dave Formula de Magazine.  El álbum fue otro éxito comercial y de crítica, e incluyó éxitos como "The Damned Don't Cry" y "Night Train".


 A pesar de su éxito, Visage se disolvió en 1985, y Steve Strange y Rusty Egan siguieron carreras en solitario.  Sin embargo, su música e influencia continuaron sintiéndose mucho después de su ruptura, y muchos artistas citaron a Face como una influencia importante en su propio trabajo.  Hoy en día, Visage es recordado como pionero de la música y la moda electrónicas, y como una banda fundamental que ayudó a definir la década de 1980. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Toto es una banda de rock estadounidense que ha cautivado al público con su combinación única de varios estilos musicales durante más de cuatro décadas.  La banda se formó en Los Ángeles en 1977 y rápidamente ganó popularidad con sus ritmos infecciosos, asombrosas armonías vocales e increíbles interpretaciones instrumentales.


 Al principio de su carrera, Toto fue reconocido por su maestría musical excepcional, y sus miembros habían establecido carreras exitosas como músicos de sesión, tocando algunos de los mayores éxitos de la época.  Los miembros fundadores Steve Lukather, David Paich y Jeff Porcaro eran músicos de estudio muy solicitados y unieron sus talentos colectivos para crear Toto.  La incorporación de otros músicos talentosos como Mike Porcaro, Steve Porcaro y el vocalista Bobby Kimball completó el sonido que se convertiría en el estilo característico de Toto.


 Una de las canciones más perdurables de la carrera de Toto es "Africa", con su introducción reconocible al instante y su estribillo pegadizo que sigue siendo muy querido por el público de hoy.  Otro tema famoso de la banda es "Hold the Line", con su ritmo de conducción y riffs de guitarra electrizantes.  La música de Toto se caracteriza por su fusión de rock, funk, jazz y pop, lo que lo convierte en un sonido único que ha seguido entreteniendo a los fanáticos durante generaciones.


 A lo largo de su carrera, Toto ha sufrido cambios en la formación, pero su música se ha mantenido imperecedera, con la banda vendiendo más de 40 millones de discos en todo el mundo.  Además de sus ventas de discos, Toto ha obtenido numerosos elogios, incluidos varios premios Grammy, consolidando su lugar como una de las bandas más respetadas e influyentes en la historia del rock.  Aunque la banda ha enfrentado desafíos y tragedias a lo largo de su viaje, incluida la pérdida del miembro fundador Jeff Porcaro, Toto se ha mantenido dedicado a su oficio y continúa de gira y lanzando nueva música para sus fanáticos. 

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jueves, 23 de marzo de 2023

DIRECTISIMO 80

La banda de rock Reef se formó en Glastonbury, Inglaterra, en 1993. Dirigido por el aullido blues y grave del guitarrista/vocalista Gary Stringer, Reef inyectó una rebanada de rock 'n' roll alegre y de buen tiempo en la escena del Britpop de mediados de la década de 1990. Originalmente con el nombre de Naked, echaron los dientes  sirviendo de apoyo para Paul Weller, los Rolling Stones y Soundgarden antes de que el álbum debut Replenish (1995) fuera nombrado por Kerrang! Revista como el décimo mejor álbum del año. 

Aquí una muestra de su potente directo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ocean Rain es un álbum increíblemente hermoso, tiene todos los tonos de la medianoche . Se rompe con su irregular sonido post-punk, añadiendo una sección de cuerdas vibrante y cinematográfica. "Lo que sea que se queme, se quema eternamente", canta McCulloch en "Nocturnal Me" autoexaprobando las tendencias góticas de la banda, los temas de la oscuridad, el fuego, el hielo, la religión y el romance condenado, las canciones de amor vampíricas. Esa portada, de la banda remando un bote a través de cuevas de agua de color azul profundo, McCulloch probando las aguas por delante, es precioso y evocador. Al igual que la mayoría de las portadas de sus álbumes, tiene un cierto peso mítico, una sensación de algo atemporal y vasto, oceánico. Sintieron que lo que estaban haciendo era el mejor álbum jamás hecho, y esa confianza satura la música, incluso cuando la banda estaba empezando a romperse y a romperse. 

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miércoles, 22 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

¿Alguna vez te has preguntado por qué los únicos éxitos que han tenido han sido versiones de canciones de otras personas?

Escucha este álbum de UB40 para obtener más detalles.

Tampoco disfruto específicamente de sus remakes, principalmente debido al hecho de que Buddy tiene una de las voces más lloriqueantes conocidas por la humanidad.

Creo que vi la película  Sliver y escuché su remake de "Can't Help Falling In Love" y compré este álbum. Algunas cosas que puedes mirar hacia atrás y ver qué mierda eran, pero esta la compré y me arrepentí al instante. 

PNo me malinterpretes, el verdadero reggae está bien para mí, pero bueno, llamémoslo como es, es música contemporánea para adultos con un poco de sensación de reggae. Aparte de "Can't Help Falling In Love", "Promises And Lies" y "Higher Ground" apenas eran tolerables, puedo pensar en cosas peores que ser obligado a escuchar este álbum de nuevo, pero no muchas. 

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AYER VÍ (23)

Harriet Tubman es uno de esos personajes sobre los que escribir una gran historia. Habiendo nacido como esclava en el estado de Maryland, su fuga a Filadelfia para encontrar la libertad, su posterior papel ayudando a afroamericanos en su huida hacia el norte y su participación en la guerra civil, sitúan su trayectoria vital en ese marco épico tan del gusto de Hollywood. Una heroína en toda regla, cuyo periplo confluye con ese idealismo americano de lucha por la libertad. Viendo ‘Harriet’, último trabajo de la directora Kasi Lemmons, tengo la impresión que este no será el biopic conclusivo sobre su figura.


Lemmons ofrece un tratamiento lineal a la epopeya emprendida por esta mujer. Las escenas de acción, acompañadas de reiteradas elipsis, reflejan el naufragio de su autora a la hora de entroncar las proezas de Harriet (Cynthia Erivo) con el cine de aventuras. Prefiere explotar los sentimientos de los protagonistas. Introducirnos en el sufrimiento derivado de la barbarie esclavista y lo enfermizo de las relaciones humanas a las que da lugar, pero sucumbiendo ante el melodrama de características más tradicionales.


Contando una tragedia durísima, nunca provoca el sobresalto. Se impone una narración acomodaticia, ajustada a esos cánones, muy en uso de un tiempo a esta parte, de no arriesgar. No aportando nada nuevo al subgénero, ‘Harriet’ es el tipo de obras desperdiciadas por su conformismo.


Negros esclavizados y libres; hacendados sureños venidos a menos cuyo patrimonio se expresa en número de siervos; algún negro traidor a su raza que actúa como cazarrecompensas; la figura del pastor haciendo equilibrismos imposibles, ofreciendo una religiosidad ad hoc, que igual vale para un roto que para un descosido; y gente anónima comprometida con la causa del abolicionismo, constituyen un elenco en el que ningún secundario desentona.


En este aspecto destaca el papel estelar de Cynthia Erivo. Sus variados semblantes para secundar los avatares a los que es sometida, componen la carta de presentación de una actriz mayúscula, aunque no le ayude el guión. El cara a cara entre Harriet y su dueño Gideon (Joe Alwyn), se hace esperar, aunque se divisa desde lejos. Y resulta tan superficial como la mayor parte de la película.

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martes, 21 de marzo de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM

Los lanzamientos de Deep Purple en 1971 y 1972 fueron un verdadero golpe de la fuerza metálica de Deep Purple en el apogeo de su destreza.

El primero, Fireball de 1971, fue, aparte de los tres primeros álbumes de Black Sabbath, lo más pesado del planeta en ese momento.

Las canciones de Fireball son imponentes, monstruos Proto-Metal del más alto nivel.

El álbum está construido en torno a una de las mejores canciones de la Era original del Heavy Metal, el invencible Demon's Eye.

Es un poco difícil discutir la interpretación musical individual de Fireball porque todos son muy buenos. Deep Purple Mark II era una unidad súper cohesiva en este momento, y todos en la banda están en su cúspide individual.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Don es el peor artista del mundo”.  Todos le habrían pagado para sacarlo del escenario.  El cumplido es de Wilson Pickett y, con el debido respeto, lo entendió todo mal.  Así que déjalo escuchar "Precious You" y esa voz quebrada susurrando palabras de amor.  Déjese llevar por “El lugar de siempre”, donde Covay encarna de lleno una balada donde la falta nunca se expresa con claridad sino que resuena por doquier.  Sin ofender a Pickett, Don Covay es un cantante sólido, pero es sobre todo como autor que se destaca al comienzo de su carrera.  Gravitando alrededor del Brill Building en Nueva York, aprendió el oficio de los expertos del sector: Otis Blackwell, Jesse Stone y Jerry Wexler en particular, quienes le permitieron componer algunos éxitos para Solomon Burke durante su etapa en Atlantic.  Fue en este sello donde publicó See-Saw, y el título "Mercy, Mercy" en 1964, y popularizó un soul donde la guitarra es omnipresente, influyendo así en artistas como Peter Wolf o Mick Jagger.  Esta canción, en la que un joven desconocido llamado Jimi Hendrix toca su guitarra, es un puente entre el country soul “y el rock de las siguientes décadas.  Una conexión lógica teniendo en cuenta que Don Covay se curtió con Little Richard, cuyas influencias se pueden sentir en "See-Saw".  Escrito por Steve Cropper y grabado en Stax, el título se distingue por su estribillo embriagador y su percusión metálica, como una sierra cavando un surco entre los metales.  Sensación prolongada en "Sookie Sookie", compuesta por el mismo Cropper donde las palabras de Covay suenan como un bajo y todo parece caer hacia un suelo pisado por bailarines en trance.  "Iron Out The Rough Spots", también escrita en Stax con Booker T. Jones y David Porter, sacude el otro lado de la fiesta, con sus ritmos de bossa nova y trompas perezosas, antes de que "I Never Get Enough Of Your Love" no lo haga. se inclina hacia el gospel, siendo aquí más discreta la guitarra.  Poco después, Don Covay será uno de los impulsores del Soul Clan, un supergrupo de soulmen que reúne en torno a él a Burke, Pickett, Joe Tex y Otis Redding, que no irá más allá de una sola canción y unos cuantos conciertos.  Un fracaso relativo para aquellos que, como si el alma tuviera nada más que ofrecerle, se vuelve al blues en su siguiente álbum, The House Of Blue Lights. Un regreso a los orígenes para el hombre que compartiría con gusto el título de “Rey del rock’n’soul” con Solomon Burke.

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lunes, 20 de marzo de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

28.9.1968-4.10.1968


Este ha sido uno de mis álbumes más reproducdos casi siempre. Después de los Beatles y los Stones, creo que los Rascals fueron la mejor banda de los años 60.

Lo único que te hace no pensar en ellos de esa manera es la cantidad y no la calidad.

Su catálogo es un poco delgado y no tienen la gran cantidad de cosas geniales como todas las otras bandas de primer nivel de los años 60, pero la calidad y la variedad son increíbles. No puedo pensar en nadie más que haya sobresalido en una variedad tan grande de música.

Sus primeros éxitos fueron más o menos garage rock y versiones de clásicos de RnB o Rock, pero pronto se hicieron conocidos por sus canciones autoescritas que iban desde el pop directo hasta el soul suave y el rock psicodélico.

Y sobresalieron en todos ellos, mientras que al mismo tiempo siempre sonaban como ellos mismos, por lo que ni siquiera te diste cuenta de cómo se movían sin problemas y sin esfuerzo entre los diferentes estilos.

Pero de todos modos, esta compilación suena como un álbum de lanzamiento regular y nunca suena como un álbum de grandes éxitos que está tratando de pegar material de relleno entre los éxitos para completar la duración del álbum.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Esta es sin duda una mejora con respecto a su álbum anterior , que era un poco demasiado ligero para mis gustos.

La voz de Paula Cole está más en plena exhibición aquí y es capaz de cambiar de una cantante y compositora ultra accesible a una más confesional.

Las melodías también son inmediatas y, aunque algunas de las canciones tienen letras que podrían haberse sacado de una serie de comerciales de Dove (Strong Beautiful Woman), la mayoría de las veces puede equilibrar el optimismo con la sincera verdad. Esta es tal vez su colección más fuerte desde su álbum de revelación, Amen. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Grupo alicantino formado a mediados de los 70, que firmó  por el sello Chapa, con influencias latinas y toques de funk, no estaba muy cercano al estilo predominante en el sello. Posteriormente, pasar a Zafiro, y lograron algunos éxitos menores, como Orgía de Neptuno, lo que garantizó durante varios años que el grupo tuviera una más que aceptable agenda veraniega de directos. Sin embargo, su legado discográfico no es muy recordado, pese al buen  sonido que conseguían sacar a sus temas.

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domingo, 19 de marzo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2019)

Los Premios Óscar 2019 a la mejor canción original tuvieron los siguientes nominados:


"I Can't Let You Throw Yourself Away" de Toy Story 4 - Música y letra de Randy Newman.


"(I'm Gonna) Love Me Again" de Rocketman - Música de Elton John y letra de Bernie Taupin.


"I'm Standing With You" de Breakthrough - Música y letra de Diane Warren.


"Into the Unknown" de Frozen 2 - Música y letra de Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez.


"Stand Up" de Harriet - Música y letra de Joshuah Brian Campbell y Cynthia Erivo.


El ganador del Premio Óscar a la mejor canción original fue "(I'm Gonna) Love Me Again" de Rocketman. 


La canción, escrita por Elton John y Bernie Taupin, cuenta la historia del famoso cantante y compositor británico, Elton John. La canción se destacó por su estilo retro y su energía contagiosa, que capturó perfectamente el espíritu del biopic musical de Elton John.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA


Lo primero que se oye de los Electric Prunes es la guitarra pulsante y zumbando. Debería convertirse en la marca registrada de la banda. El álbum se inaugura con "I Had Too Much to Dream (Last Night)", el mayor éxito de Prunes. Las 11 canciones restantes del LP subrayan que la banda pertenece a la crème de la crème de la escena musical de garaje estadounidense en 1967. Casi todas las pistas alcanzan con dificultad la marca de los 2:30 minutos, hacen lo que se necesita y transmiten exactamente la atmósfera un poco sombría y loca que se espera de un álbum de este género.


No es el rock psicodélico como The Doors. Más bien como Forever Changes de Love


Pudo haber sido algo monumental y sólo se quedó en muy bueno. La primera mitad del disco contiene 3 verdaderas joyas sicodélicas, comenzando obviamente por el sueño en ácido de “I Had Too Much To Dream”, siguiendo con la floydiana “Are You Lovin’ Me More” y terminando con los aires exóticos de la bizarra “Sold To The Highest Bidder”.

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sábado, 18 de marzo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sigue sorprendiéndome cuántas gemas ocultas hay por ahí de las que de repente escuchas hablar y luego las escuchas y te juro que tenías una opinión completamente diferente sobre su estilo de música.


Conocía el nombre de la banda Earth de Manfred Mann y siempre pensé que era una especie de blues basado en el piano. Sin embargo, después de escuchar este álbum, me sorprendió gratamente que al menos este álbum esté muy orientado al rock/prog con una guitarra asesina tocando en varias canciones. y nunca he oído hablar de David Flett, cuyo estilo parecía similar a Snowy White y Brian Robertson de Thin Lizzy.


Lo más destacado: Casi todo el álbum, el único al que aún no me he convencido es Matha’s Madman 


Con la gran voz, sintetizador y teclados de Chris Thompson, la Earthband de Manfred Mann es fácilmente reconocible. Sus canciones son abstractas pero memorables. Este es uno de sus mejores álbumes. Me encanta "Davey's on the Road again".

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viernes, 17 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cuando se trata del Soul profundo, no hay ningún argumento de que Otis Clay era el rey. Junto con Otis Redding, Tyrone Davis, Wilson Pickett, Johnnie Taylor y Sam y Dave, ayudó a dar forma al sonido de la Nueva Generación en los años 60 con su actuación incendiaria, desgarradora, llena de vientos y teñida de gospel.


Hoy, a los 80 años que hubiera cumplido de no morir en 2016, la leyenda del West Side de Chicago lleva firmemente la antorcha, entregando la música a una nueva audiencia mucho después de que la mayoría de sus primeros contemporáneos conocieran su reposo. Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Blues y fue nominado en dos categorías para los Blues Music Awards 2014, pero no muestra la más mínima señal de desaceleración.


Cada vez que Clay subía al escenario, los ángeles se detenían a escuchar. Es a partes iguales de arena, gruñido y alegría celestial, fusionando a la perfección los mundos del blues y el gospel en uno con un toque de otros estilos musicales lanzados en buena medida. Otras personas hacen lo mismo, pero Otis ha construido un gran número de seguidores tanto en el lado secular como en el espiritual de la calle. Sus lanzamientos de soul han sido frecuentes, consistentemente frescos y bien recibidos, y un álbum de gospel en particular sigue siendo un vendedor constante 20 años después de salir a la calle.


No es de extrañar que pueda hacer malabares con ambos mundos tan bien cuando se considera su educación. Muchos artistas nacidos cuando fue mal visto por los miembros de la sociedad "adecuada" por elegir un camino en el blues, pero la dualidad es su derecho de nacimiento. El más joven de diez hijos, es el hijo de Anthony y Elizabeth Clay, y vino al mundo el 11 de febrero de 1942, en la zona rural de Waxhaw, no lejos del río en el noroeste de Mississippi.


"Realmente solo había un tipo de música en la casa", recuerda Otis, "y ese era el evangelio. Pero mi padre ahora era un granjero; era un inquilino; y un empresario. Tenía un juke joint, y en la habitación de atrás, ya sabes lo que estaban haciendo... estaba jugando y todo eso. Mi madre era una señora de la iglesia. Pero en la casa, dijera lo que dijera mi madre, esa era la ley.

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