domingo, 26 de marzo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2018)

La banda sonora de Black Panther fue compuesta por Ludwig Göransson, un reconocido compositor sueco. La banda sonora incluye música de orquesta, tambores africanos y una mezcla de hip hop y música popular africana.

También cuenta con colaboraciones de artistas como Kendrick Lamar, The Weeknd y SZA, entre otros.

El álbum de la banda sonora fue lanzado el 9 de febrero de 2018 y recibió el premio Grammy por Mejor Álbum de Compilación de Banda Sonora para Medios Visuales. 


Goransson combinó música sinfónica, así como música africana llena de instrumentos exóticos y, algo más moderno, trap.

Combina todos estos componentes en diferentes combinaciones, tocando las leitmotivas más importantes con mucha habilidad.

La banda sonora es bastante larga, no aburrida ni agotadora, y cada agente utilizado se utiliza con mucha habilidad y para diferentes propósitos.

Es una banda sonora extremadamente reflexiva, adaptada uno a uno a los eventos en pantalla.

Y lo más importante, es música animada, en la que pasan muchas cosas, y a menudo es épica.

El Oscar era obligatorio.

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sábado, 25 de marzo de 2023

MIRANDO LAS ESTRELLAS 14. David Bowie

Miramos hoy al universo y nos deslumbra una constelación formada por 7 estrellas con forma de rayo. Su nombre, David Bowie. Así homenajearon un grupo de astrónomos al músico por considerarlo  "un artista de fuera de este mundo". En bastantes ocasiones se inspiró en el universo. A un artista que no fue uno solo sino múltiples personajes le correspondían varias estrellas.


David Bowie fue uno de los músicos y artistas más influyentes e innovadores del siglo XX. Nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Comenzó a tocar la guitarra y a escribir canciones desde una edad temprana.


En 1969 lanzó su primer gran éxito, el sencillo "Space Oddity". A partir de ahí, Bowie continuó evolucionando su sonido y estilo a lo largo de su carrera, adoptando una amplia variedad de influencias musicales y experimentando con diferentes géneros y estilos.


A lo largo de su carrera, publicó una serie de álbumes aclamados por la crítica y muy influyentes, como "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", "Heroes" y "Scary Monsters (and Super Creeps)". Su sello personal fue siempre reinventarse a sí mismo, adoptando diferentes personajes y alter egos en sus actuaciones y vídeos musicales.


 Tuvo una exitosa carrera como actor, apareciendo en películas como "The Man Who Fell to Earth", "Labyrinth" y "The Prestige".


Murió el 10 de enero de 2016 a los 69 años. Su legado musical e impacto en la cultura popular continúan siendo enormes, y su música sigue siendo muy influyente en la actualidad.


Fue un artista innovador y visionario, que combinó elementos de rock, pop, electrónica, jazz, soul y otros géneros para crear su propio sonido distintivo. Su álbum "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (1972) fue un gran éxito y se considera uno de los discos más influyentes de la historia del rock.


Pocos artistas cultivaron la imagen y la personalidad escénica como él. Su estilo andrógino y sus extravagantes trajes y peinados inspiraron a toda una generación de artistas y tuvieron un impacto significativo en la moda y la cultura popular.


La revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En su espectáculo podemos encontrarnos versiones de TRIANA y otros grupos de rock andaluz, y sus propios temas que corresponden a su primer disco llamado NUESTRO TIEMPO 

Sus canciones se mueven en diversos terrenos, desde temas netamente rock, baladas melódicas de estribillos poderosos, a temas que dejan percibir influencias más étnicas. Viajan desde atmósferas lentas y melódicas a potentes desarrollos de rock, pasando por paisajes de marcado aire andaluz.

Anairt es Triana al revés, porque la música del grupo está inspirada en la que hacía Triana.

Su estilo es rock pero con raíces de la tierra a la que pertenece. Construyen sobre bases rítmicas en clave de pop-rock, sonidos de teclado con atmósfera setenteras, pianos cuasi clásicos, guitarras eléctricas (unas veces armoniosas y otras cargadas de fuerza), desarrollan melodías vocales con un gran arraigo y acento, jugando muchas veces con dobles voces que enfatizan el aire andaluz que les caracteriza. Rock Andaluz fresquito y renovado. 

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viernes, 24 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Visage fue una banda británica de new wave y synthpop que se formó en Londres en 1978 y desempeñó un papel importante en el desarrollo de la música electrónica y la moda en la década de 1980.  La banda fue fundada por Steve Strange, quien era una figura muy conocida en la escena de clubes londinenses de fines de la década de 1970, y Rusty Egan, quien era el baterista de Rich Kids, una banda de punk rock que incluía al futuro bajista de Sex Pistols, Glen Matlock. .


Visage se estableció rápidamente como una banda poco convencional con una estética musical y visual única.  Combinaron instrumentos electrónicos y acústicos para crear un nuevo sonido fuertemente influenciado por los pioneros alemanes de la música electrónica, como Kraftwerk y Neu!.  La música de Visage se caracterizó por el uso de sintetizadores, cajas de ritmos, riffs de guitarra y arreglos orquestales, que a menudo se yuxtaponían con el estilo de canto distintivo de Strange.


 La banda ganó popularidad con su sencillo debut, "Tar", que fue lanzado en 1979 y se convirtió en un éxito de club en el Reino Unido.  Siguieron eso con su primer avance, "Fade to Grey", que fue lanzado en 1980 y se convirtió en un éxito internacional.  La canción fue un ejemplo por excelencia de los géneros new wave y synthpop, y todavía se considera una de las canciones más icónicas de la década de 1980.


 Visage lanzó su álbum debut homónimo en 1980, que incluía "Fade to Grey", así como otras pistas populares como "Mind of a Toy" y "Visage".  El álbum fue bien recibido tanto por la crítica como por el público, y ayudó a establecer a Visage como una banda líder en las escenas new wave y synthpop.


 El segundo álbum de la banda, "The Anvil", se lanzó en 1982 y contó con colaboraciones de músicos de renombre como Midge Ure y Billy Currie de Ultravox, John McGeoch de Siouxsie and the Banshees y Dave Formula de Magazine.  El álbum fue otro éxito comercial y de crítica, e incluyó éxitos como "The Damned Don't Cry" y "Night Train".


 A pesar de su éxito, Visage se disolvió en 1985, y Steve Strange y Rusty Egan siguieron carreras en solitario.  Sin embargo, su música e influencia continuaron sintiéndose mucho después de su ruptura, y muchos artistas citaron a Face como una influencia importante en su propio trabajo.  Hoy en día, Visage es recordado como pionero de la música y la moda electrónicas, y como una banda fundamental que ayudó a definir la década de 1980. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Toto es una banda de rock estadounidense que ha cautivado al público con su combinación única de varios estilos musicales durante más de cuatro décadas.  La banda se formó en Los Ángeles en 1977 y rápidamente ganó popularidad con sus ritmos infecciosos, asombrosas armonías vocales e increíbles interpretaciones instrumentales.


 Al principio de su carrera, Toto fue reconocido por su maestría musical excepcional, y sus miembros habían establecido carreras exitosas como músicos de sesión, tocando algunos de los mayores éxitos de la época.  Los miembros fundadores Steve Lukather, David Paich y Jeff Porcaro eran músicos de estudio muy solicitados y unieron sus talentos colectivos para crear Toto.  La incorporación de otros músicos talentosos como Mike Porcaro, Steve Porcaro y el vocalista Bobby Kimball completó el sonido que se convertiría en el estilo característico de Toto.


 Una de las canciones más perdurables de la carrera de Toto es "Africa", con su introducción reconocible al instante y su estribillo pegadizo que sigue siendo muy querido por el público de hoy.  Otro tema famoso de la banda es "Hold the Line", con su ritmo de conducción y riffs de guitarra electrizantes.  La música de Toto se caracteriza por su fusión de rock, funk, jazz y pop, lo que lo convierte en un sonido único que ha seguido entreteniendo a los fanáticos durante generaciones.


 A lo largo de su carrera, Toto ha sufrido cambios en la formación, pero su música se ha mantenido imperecedera, con la banda vendiendo más de 40 millones de discos en todo el mundo.  Además de sus ventas de discos, Toto ha obtenido numerosos elogios, incluidos varios premios Grammy, consolidando su lugar como una de las bandas más respetadas e influyentes en la historia del rock.  Aunque la banda ha enfrentado desafíos y tragedias a lo largo de su viaje, incluida la pérdida del miembro fundador Jeff Porcaro, Toto se ha mantenido dedicado a su oficio y continúa de gira y lanzando nueva música para sus fanáticos. 

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jueves, 23 de marzo de 2023

DIRECTISIMO 80

La banda de rock Reef se formó en Glastonbury, Inglaterra, en 1993. Dirigido por el aullido blues y grave del guitarrista/vocalista Gary Stringer, Reef inyectó una rebanada de rock 'n' roll alegre y de buen tiempo en la escena del Britpop de mediados de la década de 1990. Originalmente con el nombre de Naked, echaron los dientes  sirviendo de apoyo para Paul Weller, los Rolling Stones y Soundgarden antes de que el álbum debut Replenish (1995) fuera nombrado por Kerrang! Revista como el décimo mejor álbum del año. 

Aquí una muestra de su potente directo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ocean Rain es un álbum increíblemente hermoso, tiene todos los tonos de la medianoche . Se rompe con su irregular sonido post-punk, añadiendo una sección de cuerdas vibrante y cinematográfica. "Lo que sea que se queme, se quema eternamente", canta McCulloch en "Nocturnal Me" autoexaprobando las tendencias góticas de la banda, los temas de la oscuridad, el fuego, el hielo, la religión y el romance condenado, las canciones de amor vampíricas. Esa portada, de la banda remando un bote a través de cuevas de agua de color azul profundo, McCulloch probando las aguas por delante, es precioso y evocador. Al igual que la mayoría de las portadas de sus álbumes, tiene un cierto peso mítico, una sensación de algo atemporal y vasto, oceánico. Sintieron que lo que estaban haciendo era el mejor álbum jamás hecho, y esa confianza satura la música, incluso cuando la banda estaba empezando a romperse y a romperse. 

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miércoles, 22 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

¿Alguna vez te has preguntado por qué los únicos éxitos que han tenido han sido versiones de canciones de otras personas?

Escucha este álbum de UB40 para obtener más detalles.

Tampoco disfruto específicamente de sus remakes, principalmente debido al hecho de que Buddy tiene una de las voces más lloriqueantes conocidas por la humanidad.

Creo que vi la película  Sliver y escuché su remake de "Can't Help Falling In Love" y compré este álbum. Algunas cosas que puedes mirar hacia atrás y ver qué mierda eran, pero esta la compré y me arrepentí al instante. 

PNo me malinterpretes, el verdadero reggae está bien para mí, pero bueno, llamémoslo como es, es música contemporánea para adultos con un poco de sensación de reggae. Aparte de "Can't Help Falling In Love", "Promises And Lies" y "Higher Ground" apenas eran tolerables, puedo pensar en cosas peores que ser obligado a escuchar este álbum de nuevo, pero no muchas. 

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AYER VÍ (23)

Harriet Tubman es uno de esos personajes sobre los que escribir una gran historia. Habiendo nacido como esclava en el estado de Maryland, su fuga a Filadelfia para encontrar la libertad, su posterior papel ayudando a afroamericanos en su huida hacia el norte y su participación en la guerra civil, sitúan su trayectoria vital en ese marco épico tan del gusto de Hollywood. Una heroína en toda regla, cuyo periplo confluye con ese idealismo americano de lucha por la libertad. Viendo ‘Harriet’, último trabajo de la directora Kasi Lemmons, tengo la impresión que este no será el biopic conclusivo sobre su figura.


Lemmons ofrece un tratamiento lineal a la epopeya emprendida por esta mujer. Las escenas de acción, acompañadas de reiteradas elipsis, reflejan el naufragio de su autora a la hora de entroncar las proezas de Harriet (Cynthia Erivo) con el cine de aventuras. Prefiere explotar los sentimientos de los protagonistas. Introducirnos en el sufrimiento derivado de la barbarie esclavista y lo enfermizo de las relaciones humanas a las que da lugar, pero sucumbiendo ante el melodrama de características más tradicionales.


Contando una tragedia durísima, nunca provoca el sobresalto. Se impone una narración acomodaticia, ajustada a esos cánones, muy en uso de un tiempo a esta parte, de no arriesgar. No aportando nada nuevo al subgénero, ‘Harriet’ es el tipo de obras desperdiciadas por su conformismo.


Negros esclavizados y libres; hacendados sureños venidos a menos cuyo patrimonio se expresa en número de siervos; algún negro traidor a su raza que actúa como cazarrecompensas; la figura del pastor haciendo equilibrismos imposibles, ofreciendo una religiosidad ad hoc, que igual vale para un roto que para un descosido; y gente anónima comprometida con la causa del abolicionismo, constituyen un elenco en el que ningún secundario desentona.


En este aspecto destaca el papel estelar de Cynthia Erivo. Sus variados semblantes para secundar los avatares a los que es sometida, componen la carta de presentación de una actriz mayúscula, aunque no le ayude el guión. El cara a cara entre Harriet y su dueño Gideon (Joe Alwyn), se hace esperar, aunque se divisa desde lejos. Y resulta tan superficial como la mayor parte de la película.

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martes, 21 de marzo de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM

Los lanzamientos de Deep Purple en 1971 y 1972 fueron un verdadero golpe de la fuerza metálica de Deep Purple en el apogeo de su destreza.

El primero, Fireball de 1971, fue, aparte de los tres primeros álbumes de Black Sabbath, lo más pesado del planeta en ese momento.

Las canciones de Fireball son imponentes, monstruos Proto-Metal del más alto nivel.

El álbum está construido en torno a una de las mejores canciones de la Era original del Heavy Metal, el invencible Demon's Eye.

Es un poco difícil discutir la interpretación musical individual de Fireball porque todos son muy buenos. Deep Purple Mark II era una unidad súper cohesiva en este momento, y todos en la banda están en su cúspide individual.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Don es el peor artista del mundo”.  Todos le habrían pagado para sacarlo del escenario.  El cumplido es de Wilson Pickett y, con el debido respeto, lo entendió todo mal.  Así que déjalo escuchar "Precious You" y esa voz quebrada susurrando palabras de amor.  Déjese llevar por “El lugar de siempre”, donde Covay encarna de lleno una balada donde la falta nunca se expresa con claridad sino que resuena por doquier.  Sin ofender a Pickett, Don Covay es un cantante sólido, pero es sobre todo como autor que se destaca al comienzo de su carrera.  Gravitando alrededor del Brill Building en Nueva York, aprendió el oficio de los expertos del sector: Otis Blackwell, Jesse Stone y Jerry Wexler en particular, quienes le permitieron componer algunos éxitos para Solomon Burke durante su etapa en Atlantic.  Fue en este sello donde publicó See-Saw, y el título "Mercy, Mercy" en 1964, y popularizó un soul donde la guitarra es omnipresente, influyendo así en artistas como Peter Wolf o Mick Jagger.  Esta canción, en la que un joven desconocido llamado Jimi Hendrix toca su guitarra, es un puente entre el country soul “y el rock de las siguientes décadas.  Una conexión lógica teniendo en cuenta que Don Covay se curtió con Little Richard, cuyas influencias se pueden sentir en "See-Saw".  Escrito por Steve Cropper y grabado en Stax, el título se distingue por su estribillo embriagador y su percusión metálica, como una sierra cavando un surco entre los metales.  Sensación prolongada en "Sookie Sookie", compuesta por el mismo Cropper donde las palabras de Covay suenan como un bajo y todo parece caer hacia un suelo pisado por bailarines en trance.  "Iron Out The Rough Spots", también escrita en Stax con Booker T. Jones y David Porter, sacude el otro lado de la fiesta, con sus ritmos de bossa nova y trompas perezosas, antes de que "I Never Get Enough Of Your Love" no lo haga. se inclina hacia el gospel, siendo aquí más discreta la guitarra.  Poco después, Don Covay será uno de los impulsores del Soul Clan, un supergrupo de soulmen que reúne en torno a él a Burke, Pickett, Joe Tex y Otis Redding, que no irá más allá de una sola canción y unos cuantos conciertos.  Un fracaso relativo para aquellos que, como si el alma tuviera nada más que ofrecerle, se vuelve al blues en su siguiente álbum, The House Of Blue Lights. Un regreso a los orígenes para el hombre que compartiría con gusto el título de “Rey del rock’n’soul” con Solomon Burke.

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lunes, 20 de marzo de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

28.9.1968-4.10.1968


Este ha sido uno de mis álbumes más reproducdos casi siempre. Después de los Beatles y los Stones, creo que los Rascals fueron la mejor banda de los años 60.

Lo único que te hace no pensar en ellos de esa manera es la cantidad y no la calidad.

Su catálogo es un poco delgado y no tienen la gran cantidad de cosas geniales como todas las otras bandas de primer nivel de los años 60, pero la calidad y la variedad son increíbles. No puedo pensar en nadie más que haya sobresalido en una variedad tan grande de música.

Sus primeros éxitos fueron más o menos garage rock y versiones de clásicos de RnB o Rock, pero pronto se hicieron conocidos por sus canciones autoescritas que iban desde el pop directo hasta el soul suave y el rock psicodélico.

Y sobresalieron en todos ellos, mientras que al mismo tiempo siempre sonaban como ellos mismos, por lo que ni siquiera te diste cuenta de cómo se movían sin problemas y sin esfuerzo entre los diferentes estilos.

Pero de todos modos, esta compilación suena como un álbum de lanzamiento regular y nunca suena como un álbum de grandes éxitos que está tratando de pegar material de relleno entre los éxitos para completar la duración del álbum.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Esta es sin duda una mejora con respecto a su álbum anterior , que era un poco demasiado ligero para mis gustos.

La voz de Paula Cole está más en plena exhibición aquí y es capaz de cambiar de una cantante y compositora ultra accesible a una más confesional.

Las melodías también son inmediatas y, aunque algunas de las canciones tienen letras que podrían haberse sacado de una serie de comerciales de Dove (Strong Beautiful Woman), la mayoría de las veces puede equilibrar el optimismo con la sincera verdad. Esta es tal vez su colección más fuerte desde su álbum de revelación, Amen. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Grupo alicantino formado a mediados de los 70, que firmó  por el sello Chapa, con influencias latinas y toques de funk, no estaba muy cercano al estilo predominante en el sello. Posteriormente, pasar a Zafiro, y lograron algunos éxitos menores, como Orgía de Neptuno, lo que garantizó durante varios años que el grupo tuviera una más que aceptable agenda veraniega de directos. Sin embargo, su legado discográfico no es muy recordado, pese al buen  sonido que conseguían sacar a sus temas.

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domingo, 19 de marzo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2019)

Los Premios Óscar 2019 a la mejor canción original tuvieron los siguientes nominados:


"I Can't Let You Throw Yourself Away" de Toy Story 4 - Música y letra de Randy Newman.


"(I'm Gonna) Love Me Again" de Rocketman - Música de Elton John y letra de Bernie Taupin.


"I'm Standing With You" de Breakthrough - Música y letra de Diane Warren.


"Into the Unknown" de Frozen 2 - Música y letra de Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez.


"Stand Up" de Harriet - Música y letra de Joshuah Brian Campbell y Cynthia Erivo.


El ganador del Premio Óscar a la mejor canción original fue "(I'm Gonna) Love Me Again" de Rocketman. 


La canción, escrita por Elton John y Bernie Taupin, cuenta la historia del famoso cantante y compositor británico, Elton John. La canción se destacó por su estilo retro y su energía contagiosa, que capturó perfectamente el espíritu del biopic musical de Elton John.

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