50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Una mejora considerable con respecto a su último álbum. George Wadenius, Larry Wallis y "Blue" Lou Marini (sí, el mismo de la película de Blues Brothers) realmente brillan en este álbum y devuelven a B, S&T al nivel de ser al menos algo respetable. "Inner Crisis" y su interpretación del "Django" son números respetables de fusión de jazz, mientras que "Roller Coaster", "Save Our Ship" y "My Old Lady" son números de rock decentes. Desafortunadamente, al ser un álbum de B, S&T, tiene que contener algunas portadas horribles. "Empty Pages" es la tercera canción de Traffic que esta banda ha arruinado ("Smiling Phases" y "40,000 Headmen" de su segundo y tercer álbum fueron los otros dos) y Jerry Fisher muestra a su banda de bar "charm" en canciones como "Back Up Against The Wall", "Rosemary" y "Almost Sorry". Está bien, solo un álbum más con Fisher antes de que Clayton-Thomas los lleve de vuelta a Las Vegas y los convierta de nuevo en Murph and the Magic Tones. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El primer álbum precoz de los New York Dolls recibe justificadamente todo el crédito como pionero, pero su segundo (y último) álbum “Too Much Too Soon”, podría ser una imagen más verdadera de una banda a menudo mal entendida.

Por un lado, las profundas raíces de rhythm'n'blues de los Dolls se desnudan aquí en las portadas de "Don't Start Me Talkin'", "(There's Gonna Be a) Showdown" y "Stranded in the Jungle".

Ese amor por el viejo Stax/Volt r'n'b sugiere que tal vez los Dolls no eran tanto una amenaza de segunda generación para el status quo de la industria del rock, sino que eran simplemente una versión de niño blanco alimentada por hormonas y drogas de Wilson Pickett (o Otis Redding).

Las raíces de r'n'b también muestran la gran banda que eran.

Sus portadas no parecían sosas como una banda de bar, ni sonaban como estudios demasiado reverentes en teoría musical.

Los Dolls los hicieron suyos, los reconstruyeron desde cero, comenzando con la perfección de la batería de Jerry Nolan y la sección rítmica de guitarra y bajo de Sylvain Sylvain y Arther Kane, respectivamente.

La guinda del pastel fue la locura de la guitarra principal de Johnny Thunders, cuyo tono de guitarra por sí solo lanzó mil bandas de punk.

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2015)

La banda sonora que ganó el premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original de 2015 fue la de la película "The Hateful Eight", compuesta por el legendario músico y compositor italiano Ennio Morricone.

"The Hateful Eight" es una película de suspense y western dirigida por Quentin Tarantino, que cuenta la historia de un grupo de extraños que quedan atrapados en una cabaña durante una tormenta de nieve. La música de Morricone, quien ha trabajado anteriormente en películas como "El bueno, el malo y el feo" y "Cinema Paradiso", complementa perfectamente la tensión y el drama de la película.

La banda sonora presenta una mezcla de temas orquestales y piezas de música ambiental, que son típicas de la música de Morricone. También incluye una canción original titulada "There Won't Be Many Coming Home", que es interpretada por la banda de rock australiana The Hilltop Hoods.

La música de "The Hateful Eight" fue muy bien recibida por la crítica y es considerada una de las mejores bandas sonoras de la carrera de Morricone. Además de ganar el premio de la Academia, también ganó el Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora Original y el Premio BAFTA a la Mejor Música Original.

Ennio Morricone es una leyenda en la industria cinematográfica, habiendo compuesto música para más de 500 películas y programas de televisión. Con su música para "The Hateful Eight", Morricone demostró una vez más su habilidad para crear música emocionante y memorable que complementa perfectamente la visión del director.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Me llevó algún tiempo finalmente obligarme a escuchar este álbum.

Y lo que tengo que decir es que el álbum está bien producido; un sonido pop-jazz de los años 70 hace un favor innegable a los clásicos de la música pop y soul. La voz de Seal también suena bien en este arreglo.

Lo único que desafortunadamente destruye la atmósfera de relajación es el comienzo sobreemocional por el que es difícil pasar debido al sufrimiento emocional del Seal en cada una de las tres primeras pistas.

El resto es mucho mejor con "I'm Still In Love With You" y "Free" como las mejores canciones de este álbum. Otro inconveniente del proyecto es el clima navideño de algunas pistas (p. ej. "Stand By Me" o "La gente se prepara").

Después de escucharlo un par de veces, todavía no estoy convencido de si Seal debería cantar soul. Aunque suena decente, su actuación probablemente no sea la que me gustaría escuchar si tuviera otra opción. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un interesante proyecto paralelo que Petty hizo para la película junto con The Heartbreakers. Muchas de las canciones eran de las sesiones de "Wildflowers" y algunas más fueron escritas específicamente para la banda sonora. Walls es una gran canción pop y fue un éxito menor. Este álbum es una diversión interesante de un álbum estándar de Petty/Heartbreaker en el sentido de que hay más experimentación, las canciones se extienden por más tiempo, hay piezas instrumentales y versiones alternativas de dos de las canciones. Es una buena escucha.

No compres esto hasta que tengas primero todos los Heartbreakers y los discos en solitario. 

Cuando todo está dicho y hecho, suele ser bastante fácil distinguir una banda sonora de un álbum formal, aunque no en el caso de She's The One. Petty y su equipo de caminantes ofrecen una sólida colección cohesiva que muestra todo el material nuevo (un aspecto que rara vez se hace, pero solo se hace bien) ... donde sin duda el disco puede estar fácilmente al lado de su anterior salida Wildflowers.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

"Child Is Father to the Man" es el álbum debut de la banda de jazz rock Blood, Sweat & Tears, lanzado en 1968. La banda estaba liderada por el vocalista y tecladista Al Kooper y también incluía a músicos como Randy Brecker en la trompeta, Jerry Weiss en la trompeta, Fred Lipsius en el saxofón alto, y Steve Katz en la guitarra.

El álbum es conocido por su fusión de jazz, rock, blues y música clásica, así como por su complejidad musical y su sofisticado arreglo orquestal. El título del álbum se inspiró en una línea del poema de William Butler Yeats, "The Second Coming".

El álbum incluye temas como "I Love You More Than You'll Ever Know", "I Can't Quit Her", "Just One Smile" y "Sometimes in Winter". La mayoría de los temas fueron escritos por Al Kooper, con la excepción de algunas versiones de canciones de otros artistas.

"Child Is Father to the Man" recibió críticas positivas y se considera un clásico del jazz rock. Ganó el Grammy al Mejor Álbum de Jazz en 1969 y ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de la historia. El álbum también fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 47 en la lista de álbumes de Billboard en Estados Unidos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Birds of Fire" es el segundo álbum de estudio de la banda de jazz rock Mahavishnu Orchestra, lanzado en 1973. La banda estaba liderada por el guitarrista John McLaughlin y también incluía al violinista Jerry Goodman, al tecladista Jan Hammer, al bajista Rick Laird y al baterista Billy Cobham.

El álbum es conocido por su fusión de jazz, rock y música clásica, así como por su complejidad técnica y su energía explosiva. El título del álbum se inspiró en el poema "To a Flame" de la escritora estadounidense Denise Levertov.

El álbum incluye temas como "Birds of Fire", "Miles Beyond (Miles Davis)", "Celestial Terrestrial Commuters" y "One Word". La mayoría de los temas fueron escritos por John McLaughlin, excepto "Miles Beyond", que es una composición de la banda inspirada en la música de Miles Davis.

"Birds of Fire" ha sido aclamado por la crítica y se considera un clásico del jazz rock. Fue incluido en la lista de los 100 mejores álbumes de jazz de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y ha influido en muchos músicos de jazz y rock desde su lanzamiento.

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DIRECTISIMO 86

Hacía calor. En más de un sentido, hacía calor. El concierto de Fairport Convention en el 2022 en Cropredy fue la más caliente registrada y, muchos dirían, la mejor de la historia. Fairport Convention celebró el 52 aniversario de su álbum Full House de 1970, el álbum que algunos, yo incluido, identifico como el logro definitorio de la banda.

Y, afortunadamente, Fairport ha tenido el buen sentido de preservar ese magnífico rendimiento  en el formato de almacenamiento de información óptica digital que conocemos como un disco compacto. Y, gracias a Dios que lo hicieron, porque Full House For Sale está destinado a convertirse en un recuerdo preciado de una actuación histórica de Fairport. Ya tengo la sospecha de que este nuevo álbum puede ser el mejor y más duradero álbum "Live" de la historia de Fairport.

Full House fue un álbum que surgió después de quizás el más significativo de los períodos ocasionales de agitación de la banda. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Car Wheels on a Gravel Road”seguirá siendo sin duda el mejor álbum de Lucinda Williams, y es una contendiente por el mejor álbum de la década de 1990.

Por una vez en su larga e infame carrera, todo se unió a la vez para hacer una obra maestra .

La producción fue ideal, afinada pero siempre terrosa, Gurf Morlix sirvió como el guitarrista secundario perfecto, sirviendo licks y acordes que coincidían con la tremenda voz de Lucinda, que también están en su punto culminante en este álbum.

Y las canciones, oh, las canciones. Si bien Lucinda siempre ha sido una gran escritora, ningún otro álbum suyo ha sido tan cohesivo y, lo que es más importante, tan fácil de relacionar.

Las historias simples de amor, muerte, arrepentimiento y frustración tienen prioridad sobre el feminismo militante y la miseria venenosa que caracterizarían sus próximos álbumes. Todo lo que tenemos es un grupo de retratos para rivalizar con el trabajo de cualquier compositor importante, el tipo de obra maestra que cualquiera puede entender, excepto tal vez Lucinda Williams.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

No suena como The Band. Los discos en solitario de Robertson nunca suenan como The Band. Al igual que Robert Plant y sus álbumes en solitario, que aunque no suenan como Led Zeppelin, encarna el espíritu de su antiguo grupo, Robertson hace lo mismo en Sinematic.

Siempre hubo un alcance cinematográfico en gran parte de la música de The Band y es lo mismo aquí con el primer álbum en solitario de Robertson en 8 años.

Su uso de atmósferas, armónica melancólica, puñaladas escasas de guitarra y su medio canto sacan a la luz las texturas cinematográficas del álbum y también toca la parte del pecado. Un excelente disco.

Un buen álbum de Robbie Robertson con muchos músicos invitados. Hubiera sido agradable (y muy apropiado) incluir a Garth Hudson en la canción "Once Were Brothers", ya que esta también era la canción principal de la nueva película sobre "The Band". Garth es el único otro miembro vivo de The Band.

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AYER VÍ 29

Lamento disentir de toda la crítica que considera tan brillante esta obra. Ayer ví la película esperando encontrar una comedia ácida pero lo que es más bien un drama tedioso, incoherente y absurdo víctima de su propia ambición. No hay que nada que encaje en esa historia delirante, a la par que hiperrealista. Los personajes están desquiciados e inmersos en un mundo vil y extraño que sólo ha podido salir de la mente de un personaje con unas copas de más.

No obstante, el trabajo interpretativo de todo el elenco de actores es muy loable. La pena es que no existe un ápice de sensatez ni justificación en los argumentos del conjunto.

En definitiva, otra vez que crítica y público no van a estar de acuerdo...

El final es una apología del absurdo. Desde luego hay tantos finales como espectadores que vean la película porque es tan abierto que puede significar cualquier cosa. 

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1972’s # 1 UK ALBUM

19.2.1972-10.3.1972 

Neil Reid lanzó un álbum homónimo en 1972. Este álbum fue su álbum debut y fue lanzado bajo el sello discográfico EMI Columbia en elReino Unido.

El álbum Neil Reid incluye canciones como "Mother of Mine".

El estilo musical de Neil Reid en este álbum se puede describir como una mezcla de pop y folk, y su voz suave y melodiosa lo convirtió en un éxito popular en el Reino Unido en la década de 1970.

 

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Aunque no es tan fuerte como "I Love the Way You Love", el tercer álbum de Betty cuenta con un montón de gemas de funk descaradas y pepitas de soul

"I Am Woman" de Helen Reddy suena como si estuviera escrita para esta audaz hermana del soul , cantando las letras feministas con puro orgullo, apelando directamente a la comunidad de R&B de la década de 1970... en ese momento un mundo bastante dominado por el machismo exagerado y el chovinismo masculino. Esta canción es la portada del álbum con música. No te metas con Betty.

Bajando justo en un ritmo de soul de góspel , "Sweet Wonder" tiene a la señorita Wright en su justa y súper cruda bolsa de lamentos. El ambiente sureño también es evidente en el incesante batidor "The Experts", incluso si el arreglo insinúa más a Motown o al Chicago Sound. 

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1969’s # 1 USA ALBUM

29.3.1969-4.4.1969 

12.4.1969-25.4.1969 

26.7.1969-22.8.1969 

A finales de los 60 y principios de los 70, Blood Sweat & Tears era una gran banda que podía crear versiones muy creativas de grandes canciones con secciones de vientos pesados y voces conmovedoras.

Este, su segundo álbum, suele ser recordado por sus 3 sencillos de éxito. "You've Made Me So Very Happy" fue una gran canción de Motown de Branda Holloway, pero la versión de BS&T es mejor con sus preciosos toques de vientos y su interesante coda. "Spinning Wheel" es uno de los originales del álbum, escrito por el vocalista principal David Clayton Thomas. En realidad no es una gran canción, pero el arreglo de la trompa de Fred Lipsius hace que la canción sea interesante. El tercer sencillo de éxito es su versión de "And When I Die" de Laura Nyro, no es tan buena como la original, pero la banda añade algo especial a la canción y de todas las versiones de Laura Nyro que fueron éxitos a finales de los 60, esta es la única que me gusta. Los 3 sencillos de éxito todavía suenan bien más de 40 años después. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La exlíder de 10.000 Maniacs fue en los ochenta una anomalía en un mundo de poder masculino.

Ahora edita ‘Keep Your Courage’, su primer disco en una década.

De fondo, el milagro de haber escapado de la muerte tras una intervención quirúrgica que le impidió cantar y tocar 

De Natalie Merchant (Jamestown, Nueva York, 59 años) se dice que es una superviviente.

Que no debió de ser sencillo liderar una banda, la icónica 10.000 Maniacs, con tan solo 18 años, en una época, los ochenta, en la que todo lo que era respetado y admirado y escuchado en el pop —y el folk, y el rock, y cualquier cosa— era eminentemente masculino. Que tampoco debió de ser fácil dejar la banda en lo más alto, 14 años después, para lanzarse a una incierta c...

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