jueves, 11 de mayo de 2023

DIRECTISIMO 87

"I'm a Woman" es un álbum en vivo de la cantante de blues Koko Taylor, lanzado en 1995 por Alligator Records. El álbum fue grabado en varios conciertos en vivo de Koko Taylor en diferentes lugares, incluyendo el Chicago Blues Festival y el Queen Mary Blues Festival.


El álbum cuenta con algunas de las canciones más conocidas de Koko Taylor, como "Wang Dang Doodle" y "I'm a Woman", así como otras canciones de blues tradicionales. También incluye apariciones especiales de otros artistas de blues, como Kenny Wayne Shepherd, Keb' Mo' y Carey Bell.


La crítica recibió el álbum con muy buenas críticas, elogiando la poderosa voz y la energía de Koko Taylor en vivo, así como la calidad de las canciones y la producción del álbum. "I'm a Woman" se convirtió en uno de los álbumes en vivo más populares de Koko Taylor y es considerado por muchos como uno de los mejores discos de blues en vivo de todos los tiempos.

Pulsa aquí 



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum no era una gran cosa de jazz-rock, es el concepto de "tres hombres rockeando en  un bar en el estilo inusual" que hace que Back Door sea tan especial. No es una banda de jazz libre (afortunadamente), ¡es una cosa de rockin´jazz!.

Este álbum es diferente al primer LP de Back Doors, es realmente mucho más crudo de blues-rock, y un buen intento de llevar las viejas cosas de blues a una forma un poco de jazz sin olvidar las raíces del blues. Así que ese es el objetivo. Crudo, sin pulir, directo y profundo desde los adentros Escucha esta interpretación perfecta de "32-20 Blues" de Johnson,


El álbum ofrece un sonido de jazz rock progresivo y fusionado con elementos funk y blues. Los miembros de la banda son virtuosos en sus respectivos instrumentos, lo que se escucha en las complejas armonías y solos que se encuentran en todas las pistas


No puedes comparar este álbum con el primero, ¡pero sigue siendo brillante y precioso! 

Pulsa aquí



miércoles, 10 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

"Nutbush City Limits" es el decimoquinto álbum de estudio de la pareja de artistas de soul Ike & Tina Turner, lanzado en 1973 por United Artists Records. El álbum lleva el nombre de la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee.


El álbum contiene diez canciones, incluyendo el éxito del mismo nombre "Nutbush City Limits", que se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de R&B y pop. También se destacan las canciones "Get It Out of Your Mind" y "The Way You Love Me".


El estilo musical del álbum es una mezcla de rock, soul y funk, con la característica voz potente de Tina Turner y los arreglos musicales de Ike Turner. Muchas de las canciones del álbum fueron escritas por la pareja, incluyendo "Nutbush City Limits".


A lo largo de su carrera, Ike & Tina Turner fueron conocidos por su energética presentación en vivo y su estilo de soul y rock. "Nutbush City Limits" es un ejemplo de su estilo y su capacidad para crear canciones pegajosas y llenas de energía.

 

Este álbum vale la pena solo por la canción principal, que es una de las mejores canciones de TINA. Además de esas canciónes , está Make Me Over, Drift Away,

Pulsa aquí



AYER VÍ 30

Otra película con una gran banda sonora es "Baby Driver" (2017), dirigida por Edgar Wright. La película cuenta la historia de un joven conductor de robos que escucha música para ahogar el zumbido en sus oídos y conducir con precisión durante los robos. La música en la película es una parte importante de la trama, con la mayoría de las escenas coreografiadas para sincronizarse con la música. La banda sonora incluye una mezcla de canciones populares de diferentes géneros y épocas, desde "Bellbottoms" de Jon Spencer Blues Explosion hasta "Hocus Pocus" de Focus. La música en "Baby Driver" es emocionante y energética, y agrega una dimensión adicional a la película que la hace aún más emocionante y divertida de ver.


Ladrones de bancos; tiros; persecuciones a todo gas; clásicos del rock, del funky o del pop... Y sí, un reparto en estado de gracia


Así pues, con este calor asfixiante y casi en pleno verano, qué más se le puede pedir a una película que entretiene y te hace olvidar el infernal fuego que te atrapa entre el cielo plomizo y el agrietado asfalto. Pues nada más que lo que 'Baby Driver' ofrece: dos horas de puro espectáculo cinematográfico.


El guión, repleto de diálogos sólidos y escenas vertiginosas, desborda dinamismo hasta completar dos horas de metraje sin perder frescura. Mezcla acción, comedia negra e, incluso, ciertas gotas de drama, en un abrir y cerrar de ojos. Casi sin enterarte, como Baby al volante, te mueve de un lado a otro de la pantalla. Y utiliza algo tan trillado como la nostalgia por los clásicos del rock, del funky o del pop, de una forma muy sutil y a la vez tan evidente como un golpe en la cara, para agrandar más su estela de entretenimiento y espectáculo. Dos cometidos que cumple y para los que está hecha. 


Y ello porque esa banda sonora, que llena cada fotograma y se funde con las balas de los tiroteos o las ruedas quemadas en el asfalto, es gloria para los oídos. El oído y la vista convergen en uno solo gracias al pulso de Wright -la música es vital en su filmografía-, que sabe llevar en todo momento y por buen camino el ritmo de la película.

Pulsa aquí 



martes, 9 de mayo de 2023

1972’s # 1 UK ALBUM

La década de los 70 fue para Neil Young una cima creativa que nadie ha podido igualar. Por la altura que alcanzó y por lo mucho que le duró esa fiebre. Harvest nacía con el difícil sambenito de ser secuela de ese maravilloso After the Gold Rush (1970). Esa dificultad había que unirla a la tragedia que se iba a cebar con el entorno del canadiense. Su guitarrista Danny Whitten moriría meses después de la grabación del disco que nos ocupa, un disco en el que no había participado por sus adicciones. 

  

Este suceso convirtió a la canción "The Needle and the Damage Done" en premonitoria y su ominosa presencia ha acabado aumentando la leyenda del álbum. Máxime cuando Young llamó a Whitten para que participara en la gira y tuvo que despedirlo porque no daba una a derechas. Horas después de esto moriría de una combinación fatal de medicamentos y alcohol. 

  

No obstante esta grabación tiene muchas otras virtudes para alzarse por encima del desastre. No es un disco de mal agüero, muy al contrario es una obra de country-rock profunda y emocionante construida alrededor de la exitosa y eterna "Heart of Gold", uno de los temas más famosos del canadiense y el estandarte de un trabajo lleno de gemas acústicas como "Harvest" (mi favorita), "Out on the Weekend", "A Man Needs a Maid" o "Old Man". También se atreve con los arreglos orquestales, aunque con resultados muy dudosos ("There's a World"). Y por supuesto, también se remanga para un par de cabalgadas eléctricas de enjundia. "Alabama" y "Words (Between the Lines of Age)" cumplen sobradamente aun no teniendo el empaque ni la fuerza de un "Southern Man" o de alguna de las barbaridades que grabara en Everybody Knows This Is Nowhere (1969). 

Pulsa aquí




 

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum de los Rolling Stones que nadie haya hablado de él 

Todavía no he entendido por qué este álbum no está en las filas de Sticky Fingers and Co, es realmente una pena que nunca se haya hablado 

El álbum comienza muy fuerte con "If You Can't Rock Me" y no empeora a partir de entonces, ¡no, está en el mismo nivel todo el tiempo y lo digo completamente en serio! Cada canción es un éxito potencial, todas tienen melodías y letras pegadizas. ¡Cada canción es increíble!

Este álbum debería ser propiedad de todos los fanáticos de los Stones, pero también de los fanáticos del hard rock, el glam rock y el blues rock. La increíble portada también habla por sí sola.

Y le pido a cualquiera que haya llamado a este álbum normal o incluso basura que lo escuche de nuevo y le dé una oportunidad, es realmente bueno o simplemente tengo un gusto tonto por la música. 

Pulsa aquí



lunes, 8 de mayo de 2023

1969’s # 1 USA ALBUM

26.4.1969-25.7.1969 

La era hippie era rara.

Entré en este proyecto pensando que solo estaría escribiendo sobre Rock Soul ,Blues o lo que sea, pero ahora estoy escribiendo sobre este musical de flores que logró tomar a Estados Unidos por asalto a finales de los años 60. Siempre es un poco interesante considerar por qué ciertos musicales se vuelven tan populares, ya sea sobre gatos antropomórficos o sobre otro tipo de cosas, pero Hair parece especialmente interesante. Es un musical escrito por Gerome Ragni y James Rado, hippies genuinos y teñidos de lana, sobre todo el movimiento hippie, mientras ese movimiento todavía estaba en marcha. Ragni y Rado basaron vagamente la obra en sus propias vidas y experiencias, y toca un montón de temas candentes, como el racismo, el reclutamiento de Vietnam, la libertad y la expresión sexual y el uso de drogas psicodélicas.

Según todos los informes, la obra fue genuinamente subversiva para su época, teniendo el uso de música rock, un formato poco convencional, blasfemia e incluso desnudez. Sobre el papel, todo esto suena genial. Cuando realmente lo estoy escuchando, por razones que probablemente tengan más que ver las circunstancias que lo rodearon véase la influencia de la política,sexo etc.. más que el musical, no lo es. 

Pulsa aquí



50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Una mejora considerable con respecto a su último álbum. George Wadenius, Larry Wallis y "Blue" Lou Marini (sí, el mismo de la película de Blues Brothers) realmente brillan en este álbum y devuelven a B, S&T al nivel de ser al menos algo respetable. "Inner Crisis" y su interpretación del "Django" son números respetables de fusión de jazz, mientras que "Roller Coaster", "Save Our Ship" y "My Old Lady" son números de rock decentes. Desafortunadamente, al ser un álbum de B, S&T, tiene que contener algunas portadas horribles. "Empty Pages" es la tercera canción de Traffic que esta banda ha arruinado ("Smiling Phases" y "40,000 Headmen" de su segundo y tercer álbum fueron los otros dos) y Jerry Fisher muestra a su banda de bar "charm" en canciones como "Back Up Against The Wall", "Rosemary" y "Almost Sorry". Está bien, solo un álbum más con Fisher antes de que Clayton-Thomas los lleve de vuelta a Las Vegas y los convierta de nuevo en Murph and the Magic Tones. 

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El primer álbum precoz de los New York Dolls recibe justificadamente todo el crédito como pionero, pero su segundo (y último) álbum “Too Much Too Soon”, podría ser una imagen más verdadera de una banda a menudo mal entendida.

Por un lado, las profundas raíces de rhythm'n'blues de los Dolls se desnudan aquí en las portadas de "Don't Start Me Talkin'", "(There's Gonna Be a) Showdown" y "Stranded in the Jungle".

Ese amor por el viejo Stax/Volt r'n'b sugiere que tal vez los Dolls no eran tanto una amenaza de segunda generación para el status quo de la industria del rock, sino que eran simplemente una versión de niño blanco alimentada por hormonas y drogas de Wilson Pickett (o Otis Redding).


Las raíces de r'n'b también muestran la gran banda que eran.

Sus portadas no parecían sosas como una banda de bar, ni sonaban como estudios demasiado reverentes en teoría musical.

Los Dolls los hicieron suyos, los reconstruyeron desde cero, comenzando con la perfección de la batería de Jerry Nolan y la sección rítmica de guitarra y bajo de Sylvain Sylvain y Arther Kane, respectivamente.

La guinda del pastel fue la locura de la guitarra principal de Johnny Thunders, cuyo tono de guitarra por sí solo lanzó mil bandas de punk.

Pulsa aquí



domingo, 7 de mayo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2015)

La banda sonora que ganó el premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original de 2015 fue la de la película "The Hateful Eight", compuesta por el legendario músico y compositor italiano Ennio Morricone.


"The Hateful Eight" es una película de suspense y western dirigida por Quentin Tarantino, que cuenta la historia de un grupo de extraños que quedan atrapados en una cabaña durante una tormenta de nieve. La música de Morricone, quien ha trabajado anteriormente en películas como "El bueno, el malo y el feo" y "Cinema Paradiso", complementa perfectamente la tensión y el drama de la película.


La banda sonora presenta una mezcla de temas orquestales y piezas de música ambiental, que son típicas de la música de Morricone. También incluye una canción original titulada "There Won't Be Many Coming Home", que es interpretada por la banda de rock australiana The Hilltop Hoods.


La música de "The Hateful Eight" fue muy bien recibida por la crítica y es considerada una de las mejores bandas sonoras de la carrera de Morricone. Además de ganar el premio de la Academia, también ganó el Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora Original y el Premio BAFTA a la Mejor Música Original.


Ennio Morricone es una leyenda en la industria cinematográfica, habiendo compuesto música para más de 500 películas y programas de televisión. Con su música para "The Hateful Eight", Morricone demostró una vez más su habilidad para crear música emocionante y memorable que complementa perfectamente la visión del director.

Pulsa aquí 



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Me llevó algún tiempo finalmente obligarme a escuchar este álbum.

Y lo que tengo que decir es que el álbum está bien producido; un sonido pop-jazz de los años 70 hace un favor innegable a los clásicos de la música pop y soul. La voz de Seal también suena bien en este arreglo.

Lo único que desafortunadamente destruye la atmósfera de relajación es el comienzo sobreemocional por el que es difícil pasar debido al sufrimiento emocional del Seal en cada una de las tres primeras pistas.

El resto es mucho mejor con "I'm Still In Love With You" y "Free" como las mejores canciones de este álbum. Otro inconveniente del proyecto es el clima navideño de algunas pistas (p. ej. "Stand By Me" o "La gente se prepara").

Después de escucharlo un par de veces, todavía no estoy convencido de si Seal debería cantar soul. Aunque suena decente, su actuación probablemente no sea la que me gustaría escuchar si tuviera otra opción. 

Pulsa aquí



sábado, 6 de mayo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un interesante proyecto paralelo que Petty hizo para la película junto con The Heartbreakers. Muchas de las canciones eran de las sesiones de "Wildflowers" y algunas más fueron escritas específicamente para la banda sonora. Walls es una gran canción pop y fue un éxito menor. Este álbum es una diversión interesante de un álbum estándar de Petty/Heartbreaker en el sentido de que hay más experimentación, las canciones se extienden por más tiempo, hay piezas instrumentales y versiones alternativas de dos de las canciones. Es una buena escucha.

No compres esto hasta que tengas primero todos los Heartbreakers y los discos en solitario. 


Cuando todo está dicho y hecho, suele ser bastante fácil distinguir una banda sonora de un álbum formal, aunque no en el caso de She's The One. Petty y su equipo de caminantes ofrecen una sólida colección cohesiva que muestra todo el material nuevo (un aspecto que rara vez se hace, pero solo se hace bien) ... donde sin duda el disco puede estar fácilmente al lado de su anterior salida Wildflowers.

Pulsa aquí



viernes, 5 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

"Child Is Father to the Man" es el álbum debut de la banda de jazz rock Blood, Sweat & Tears, lanzado en 1968. La banda estaba liderada por el vocalista y tecladista Al Kooper y también incluía a músicos como Randy Brecker en la trompeta, Jerry Weiss en la trompeta, Fred Lipsius en el saxofón alto, y Steve Katz en la guitarra.


El álbum es conocido por su fusión de jazz, rock, blues y música clásica, así como por su complejidad musical y su sofisticado arreglo orquestal. El título del álbum se inspiró en una línea del poema de William Butler Yeats, "The Second Coming".


El álbum incluye temas como "I Love You More Than You'll Ever Know", "I Can't Quit Her", "Just One Smile" y "Sometimes in Winter". La mayoría de los temas fueron escritos por Al Kooper, con la excepción de algunas versiones de canciones de otros artistas.


"Child Is Father to the Man" recibió críticas positivas y se considera un clásico del jazz rock. Ganó el Grammy al Mejor Álbum de Jazz en 1969 y ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de la historia. El álbum también fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 47 en la lista de álbumes de Billboard en Estados Unidos.

 Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Birds of Fire" es el segundo álbum de estudio de la banda de jazz rock Mahavishnu Orchestra, lanzado en 1973. La banda estaba liderada por el guitarrista John McLaughlin y también incluía al violinista Jerry Goodman, al tecladista Jan Hammer, al bajista Rick Laird y al baterista Billy Cobham.


El álbum es conocido por su fusión de jazz, rock y música clásica, así como por su complejidad técnica y su energía explosiva. El título del álbum se inspiró en el poema "To a Flame" de la escritora estadounidense Denise Levertov.


El álbum incluye temas como "Birds of Fire", "Miles Beyond (Miles Davis)", "Celestial Terrestrial Commuters" y "One Word". La mayoría de los temas fueron escritos por John McLaughlin, excepto "Miles Beyond", que es una composición de la banda inspirada en la música de Miles Davis.


"Birds of Fire" ha sido aclamado por la crítica y se considera un clásico del jazz rock. Fue incluido en la lista de los 100 mejores álbumes de jazz de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y ha influido en muchos músicos de jazz y rock desde su lanzamiento.

Pulsa aquí 



jueves, 4 de mayo de 2023

DIRECTISIMO 86

Hacía calor. En más de un sentido, hacía calor. El concierto de Fairport Convention en el 2022 en Cropredy fue la más caliente registrada y, muchos dirían, la mejor de la historia. Fairport Convention celebró el 52 aniversario de su álbum Full House de 1970, el álbum que algunos, yo incluido, identifico como el logro definitorio de la banda.


Y, afortunadamente, Fairport ha tenido el buen sentido de preservar ese magnífico rendimiento  en el formato de almacenamiento de información óptica digital que conocemos como un disco compacto. Y, gracias a Dios que lo hicieron, porque Full House For Sale está destinado a convertirse en un recuerdo preciado de una actuación histórica de Fairport. Ya tengo la sospecha de que este nuevo álbum puede ser el mejor y más duradero álbum "Live" de la historia de Fairport.


Full House fue un álbum que surgió después de quizás el más significativo de los períodos ocasionales de agitación de la banda. 

Pulsa aquí