viernes, 19 de mayo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Slanted y Enchanted puede ser uno de los resultados más interesantes de principios de los 90, como uno como uno si es el más subestimado.


Lo llamaron "Lo-fi". Tonalidades de guitarra borrosas y ruidosas, producción distorsionada, pero con melodía honesta en lugar de reconocible.


No todo es perfecto, pero eso es lo que añade encanto. Es la robustez, el hecho de que estés escuchando a una banda tocando en un garaje, que ha puesto una cinta, en lugar del estante del cd de MTV lo que es lo mejor. Es la belleza en el potencial más que la producción.


Y en medio de la selección de canciones, hay una serie de momentos estelares: los contagiosos riffs exagerados en una simple línea de bajo de Summer Babe.


Todo es bueno, muy escuchable, muy melódico y, sin embargo, serio. Está lleno de ideas y mora a la vez en un amargo nihilismo, así como en una vida optimista y sin preocupaciones en la realidad del momento. Simple pero complejo, Slanted and Enchanted no hace falta decir, como su título, una bestia encantadora. 

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jueves, 18 de mayo de 2023

DIRECTISIMO 88

Emerson, Lake & Palmer es una de las bandas más influyentes y reconocidas del rock progresivo, y su álbum "Works Live" es un testimonio impresionante de la habilidad musical de la banda.

Este álbum en vivo fue grabado durante su gira "Works", una gira en la que la banda se enfocó en tocar material de su álbum doble "Works, Volume 1" y "Works, Volume 2". También se incluyen en el álbum algunas de sus canciones más populares, como "Lucky Man", "From the Beginning" y "Karn Evil 9".

El álbum "Works Live" es un ejemplo impresionante del virtuosismo de la banda, con las habilidades instrumentales de Keith Emerson en los teclados, Greg Lake en la guitarra y el bajo, y Carl Palmer en la batería. También demuestra la capacidad de la banda para fusionar diferentes géneros musicales, como el rock, el jazz y la música clásica.

Aunque el álbum recibió críticas mixtas en su lanzamiento, sigue siendo popular entre los fanáticos de ELP y de la música progresiva en general. Además, el álbum incluye una versión extendida de "Fanfare for the Common Man", una de las canciones más emblemáticas de la banda, que presenta una orquesta completa y un coro en vivo.

En resumen, el álbum "Works Live" de Emerson, Lake & Palmer es un testimonio impresionante de la habilidad musical de la banda y su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales. Si eres fanático de ELP o del rock progresivo en general, definitivamente deberías darle una oportunidad a este álbum en vivo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ra es una obra maestra progresiva. Los cuatro miembros de Utopía aparecen vocalmente, lo que crea capas de armonías exuberantes.

De hecho, Ra podría presentar el mejor uso de las armonías en cualquier disco de rock. Todos los miembros tienen mucho talento en su instrumento, ninguno más talentoso que Todd Rundgren en la guitarra.

En mi opinión, el trabajo de Todd en este disco es el mejor trabajo de guitarra que he escuchado. Todd y el teclista Roger Powell hacen un dúo en cierto sentido a lo largo de todo el álbum.

Esto le da a las canciones una calidad casi jazzística. Además, Ra es uno de los discos más cinematográficos que existen. Apaga las luces y cierra los ojos cuando escuches. Deja que el álbum te lleve en su viaje.

El álbum tiene una producción de primera clase. El crédito es de Todd Rundgren, que produjo artistas como XTC, Patti Smith, Meat Loaf, The Band y The Psychedelic Furs. Es un gran álbum de auriculares. Todas las canciones son apretadas, pero libres de respirar. Una joya total en los días de rock progresivo. 

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miércoles, 17 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Si "Destroyer" fue el primer (y exitoso) intento de hacer un álbum "épico" de Kiss, "Rock ´n´roll over" podría verse como una antítesis de su predecesor. Eddie Kramer entra, y con él un enfoque "de vuelta a las raíces" para el sonido de Kiss. ¡Y funciona perfectamente! Muchos consideran a "Destroyer" como uno de los mejores álbumes, si no el mejor, y puedo estar de acuerdo en que es un gran álbum, ¡pero este álbum es definitivamente igual de bueno!


En realidad, este álbum es un poco como "Dressed to kill" - Me encantan todas las canciones, con la posible excepción de "Love ´em and leave ´em", que es un poco más débil que el resto. Pero algunos de mis favoritos de todos los tiempos se pueden encontrar aquí: "Te quiero", "Baby Driver", "Mr Speed" (¡el riff del coro es uno de los mejores jamás escritos!) Y "Makin´ Love". Las otras canciones también son geniales. Uno de los álbumes de Kiss más consistentes y el sonido crudo sin pulir realmente encaja como un guante. 

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AYER VÍ 31

Los sociólogos llaman ‘anomia’ a la situación en que se encuentra una sociedad carente de leyes y en proceso de degradación.

Así es el Nueva York al que regresa de Vietnam Travis Bickle, joven veterano, tocado. Se apunta al turno de noche como taxista, para estar ocupado durante el insomnio crónico.

Está llamado a ser la respuesta visceral a la anomia.

Entre parrafadas de un saxo envolvente (música a cargo del gran Herrmann, muerto nada más terminar), suena en off el lacónico diario de Travis. Patrulla entre lluvia, fumarolas de alcantarillas, semáforos, neones de clubs y locales, luminosos multicolores de Broadway y Times Square. Observa en silencio el trasiego de putas y macarras en las aceras, se mosquea instintivamente con los negros, estudia por el retrovisor a los pasajeros, limpia luego estoicamente del asiento trasero los flujos corporales.


Maneja una elemental decencia de cowboy que va por costumbre a los cines porno con las botas lustradas. No bebe alcohol. Toma muchas pastillas sin determinar. Trata a fría distancia a sus colegas.

Su soledad es absoluta. La ciudad superpoblada la multiplica.

Pretende torpemente a una chica con clase que le retrata como contradictorio. Lo que en realidad ha notado es desequilibrio mental, patente.

La incógnita sobre el alcance de ese desequilibrio, hasta dónde llevará a Travis, cada noche más crispado a bordo del taxi, será el potente motor de la película, que apenas sale de su cabeza, en aturdido e incesante rodar entre Harlem y Manhattan, Brooklyn y el Bronx.

A través de un personaje a quien encarna, un pasajero exaltado, Scorsese en persona atizará el proceso al introducir la idea de las armas en la coctelera que es la cabeza de Travis.

Con la densidad de las imágenes filmadas en el Nueva York nocturno, un selvático microcosmos de asfalto, la dirección de Scorsese logra una perfecta conversión a cine del soberbio guión. 

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martes, 16 de mayo de 2023

1972’s # 1 UK ALBUM

18.3.1972-24.3.1972 


Fácilmente uno de los mejores álbumes de principios de los 70. Tiene un sonido discreto, casero e introspectivo que me encanta, sin embargo, está lleno de toneladas de grandes melodías, algunas canciones increíblemente pegadizas y que se sienten bien a pesar de algunas letras oprimidos (especialmente "Mother & Child Reunion").

Canciones como "Duncan", "Congratulations" y "Run That Body Down" son cosas de absoluta belleza, como caminar por una hermosa calle cubierta de nieve solo y sentirse en paz, tal vez incluso usando un abrigo como el que Paul lleva en la portada. "Día del Armisticio" y "Peace Like A River" deberían ser clásicos, además de los 2 sencillos de éxito que también son fantásticos. "Hobo Blues" es una pieza de relleno corta, pero además de eso, cada canción es de oro, y para un álbum de este tipo dominado principalmente por guitarras acústicas, hay una cantidad bastante sorprendente de variedad para un álbum de "cantante/compositor", ya que ninguna canción suena como ninguna de las otras.

Paul fue realmente uno de los mejores compositores de esta época.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 


La obra maestra conceptual de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" comienza con la suntuosa, pero lúgubre, canción del título con arreglos de metal, una invitación perfecta para este inquietante y glamoroso viaje a través de la noche.

"Devil's Food / The Black Widow" sigue, una magnífica secuencia comisariada por el propio Sr. Campy Horror: Vincent Price, que se ha escuchado que representa las características letales de la araña viuda negra con deleite morboso.

La siguiente parada es el estilo vaudeville "Some Folks", que se convirtió en "Only Women Bleed", una balada de Neil Diamond con letras interesantes que resultó ser uno de los mayores éxitos de Alice.

El segundo lado comienza con los brillantes rockeros "Department of Youth" y "Cold Ethyl", marcando un profundo contraste con el segmento "Years Ago / Steven", con una orquestación épica, cortesía del productor Bob Ezrin y el arreglista A. Macmillan.

A medida que "The Awakening" fluye hacia "Escape", el oyente llega para presenciar el desenlace de esta horrible ópera de rock convertida en un sueño, o viceversa...

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lunes, 15 de mayo de 2023

1969’s # 1 USA ALBUM

23.8.1969-19.9.1969 


No creo que nadie en la historia de la música haya ofrecido dos álbumes en vivo con solo un año de diferencia que fueran esenciales para la colección de discos de nadie. Pero el Hombre de Negro lanzó "Live in Folsom Prison" en 1968 y se dio la vuelta y lanzó "Live in San Quentin" en 1969. ¡Extraordinario! Las canciones "I Walk the Line", "A Boy Named Sue" y una repetición de "Folsom Prison Blues" valen solo el precio de la entrada. Johnny Cash fue un icono único en la música y la cultura estadounidenses, un rebelde rockabilly, una superestrella del country y un hombre perseguido por demonios la mayor parte de su vida. Si solo deseas tener dos álbumes de Cash en tu colección, entonces "Live at Folsom Prison" y "Live at San Quentin" son todo lo que realmente necesitas. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar el extraordinario ingenio de Cash, y su fácil respuesta con los reclusos muy agradecidos solo podría ser obtenida por un hombre que ha estado allí y ha hecho eso.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Grabado durante el verano de 1973 en el Château d'Hérouville en Francia para evitar impuestos considerados demasiado altos en UK.

Uriah Heep, en la cima de su arte, vuelve a entregar un álbum impresionante.

Con composiciones más concisas y más “rock” por regla general, la banda continúa su evolución musical fusionando esta vez el lirismo desarrollado en Demons & Wizards y Magician's Birthday con una cierta idea de un hard rock “inteligente”, digamos.

Todos los ingredientes están reunidos:  Hammond omnipresente, guitarra incisiva, a veces saturada pero siempre perfectamente dominada, rítmica apoyada en una línea de bajo hiper-melodica.

Más que estos 2 predecesores de 1972, este álbum se escucha a gran volumen. Energía a tope.

No es realmente una balada aquí, sino más bien una espléndida pieza acústica “Circo”, guitarra acústica, percusión, voz flexible y relajada de Byron... una delicia sin límites.

El título que cierra el álbum original, “Peri Pilgrim” es un vértice de lirismo psicodélico casi barroco: la quintaesencia del estilo de Uriah Heep empujado a su último atrincheramiento.

Casi íbamos a olvidar que este álbum contiene quizás el mejor título de la banda, a saber, “Stealin”. ¿Y si este álbum fuera simplemente el mejor? 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Pop Después del mediocre Indelibly Stamped, la alineación de Supertramp se desintegró por segunda vez, dejando a Davies y Hodgson con la poco envidiable tarea de reconstruir la banda desde cero por segunda vez en tantos años. Al hacerlo, la pareja claramente parece haber pensado un poco en la dirección musical de la banda, y después de unos años perfeccionando su oficio y cocinando no menos de 42 canciones, cuya crema fue seleccionada para el álbum, salieron con el brillante Crimen del Siglo.


Lo más importante para el éxito del álbum es el valiente paso dado por el dúo al decidir no ir por un enfoque total de rock progresivo ; tomarían lecciones de progresivo , pero en lugar de tratar de imitar a sus héroes, crearían su propio sonido amigable con la corriente principal y traían instrumentación y complejidad similar al progresivo solo cuando sentían que el material realmente lo exigía como resultado, cada una de las canciones de Crime es una joya pop-progresivo reperfectamente elaborada, innegablemente pegadablemente pegadiza pero al mismo tiempo con suficientes giros de art rock para ser de interés para los fanáticos del progresivo. 

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domingo, 14 de mayo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2014)

La banda sonora ganadora del Óscar en 2014  la película "The Grand Budapest Hotel" es una comedia dramática, dirigida por Wes Anderson y protagonizada por Ralph Fiennes, que sigue las aventuras de Gustave H, un conserje legendario de un famoso hotel europeo, y su joven amigo y protegido, Zero Moustafa, mientras intentan recuperar un valioso cuadro robado y limpiar el nombre de Gustave.


La banda sonora de la película fue compuesta por Alexandre Desplat, quien también ha trabajado en otras películas como "La forma del agua" y "El discurso del rey", y recibió el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original en la ceremonia de premiación de 2014. La música es una mezcla de estilos, con elementos de música clásica, jazz y folk, y ayuda a crear la atmósfera mágica y peculiar de la película. 


En resumen, la banda sonora de "The Grand Budapest Hotel" es una parte fundamental de la experiencia cinematográfica, y su victoria en los Óscar es un reconocimiento a la habilidad de Desplat para crear música que se integra perfectamente en la trama y el estilo visual de la película.


The Grand Budapest Hotel" fue muy aclamada por la crítica y el público. La película cuenta con un reparto de estrellas, que incluye a Ralph Fiennes, Edward Norton, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, entre otros. La banda sonora fue compuesta por Alexandre Desplat y fue muy bien recibida por la crítica, ganando varios premios y nominaciones. Además de ganar el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original, también ganó el BAFTA a la Mejor Música Original, y el Grammy a la Mejor Banda Sonora. La música de Desplat se destaca por su mezcla de elementos melancólicos y alegres, con instrumentación de viento y cuerdas que transmiten una sensación de viaje y aventura que combina perfectamente con la película. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Ham" de 1973 de Shocking Blues fue la continuación del excelente álbum "Attila" de diciembre de 1972. Después de un largo curso de enfermedad que había golpeado al guitarrista y compositor Robbie Van Leeuwen, estaba de nuevo listo con una caja de nuevas canciones y tuvo la idea de lanzar un álbum inspirado en JJ Cale. Cuando "Ham" estaba terminado y listo para su lanzamiento, Van Leeuwen no estaba completamente satisfecho con el resultado, y podría haber sentido que su composición no estaba totalmente a la par con los álbumes anteriores. Sin embargo, la compañía Dureco decidió lanzar el álbum en varios países europeos en mayo del 73. Una semana después, el álbum fue retirado por razones poco claras.


Esto le dio al grupo la oportunidad de añadir y remezclar las canciones, que en algunos casos pueden sonar un poco aburridas sin el sonido claro y distintivo de la mayoría de los lanzamientos anteriores del grupo. Se añadió reverberación adicional (un poco demasiado para algunos) y estas nuevas mezclas estaban destinadas a una nueva versión de "Ham". Sin embargo, aparte de los lanzamientos en Japón y Francia (todavía las mezclas originales) en octubre, "Ham" no se volvió a lanzar. Las grabaciones remezcladas se convirtieron en la mayor parte del álbum de 1974 "Dream on Dreamer". Solo tres títulos distinguen "Ham" y "Dream on Dreamer", que, sin embargo, tiene un sonido significativamente más claro y, por lo tanto, suena más como un álbum clásico de Shocking Blue. 

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sábado, 13 de mayo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lanzado en 1974, War Child encontró a Jethro Tull en una encrucijada en su carrera. Después de haber tenido su álbum anterior, el denso y generalmente gruñón A Passion Play, golpeado críticamente y un posterior paso en falso por parte de la gerencia que vio a la banda aparentemente anunciando su jubilación sin su conocimiento, War Child fue la oportunidad para que la banda eliminara sus pretensiones.


Sin embargo, las señales iniciales para War Child no eran prometedoras, ya que el álbum se concibió inicialmente como una banda sonora de una película de comedia demasiado complicada, que inicialmente tenía luminarias como Leonard Rossiter y John Cleese para la participación, así como coreógrafos de renombre. Tal vez, afortunadamente, la película en sí no progresó más allá de las etapas iniciales de planificación, por lo que los planes para War Child se redimensionaron con buen gusto a un álbum estándar de diez pistas.


Los dos álbumes anteriores de Jethro Tull habían sido un par de epopeyas de rock progresivo, ambos álbumes consistían en una sola pista que tomaba ambos lados del vinilo original. Thick as a Brick había sido elogiado por la crítica y se destaca hoy como un punto culminante en la carrera de Jethro Tull y en el rock en general, ya que era una síntesis perfecta de la musicalidad, la alegría lírica, el humor y los motivos musicales repetidos de Tull. 

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viernes, 12 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El álbum "The New Age" de Canned Heat fue lanzado en 1973 por el sello discográfico United Artists Records. Es el segundo álbum de la banda en presentar al cantante y guitarrista Bob "The Bear" Hite como líder de la banda, después de la muerte del guitarrista Alan Wilson en 1970. 


El álbum presenta una mezcla de blues, rock y country, con algunas canciones que tienen un enfoque más experimental.


Aunque no fue un gran éxito comercial, "New Age" recibió críticas favorables y es considerado por algunos fanáticos como uno de los álbumes más subestimados de Canned Heat. El álbum también marcó la última grabación de Harvey Mandel con la banda, quien dejó Canned Heat poco después de su lanzamiento. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una digna continuación del anterior disco que había publicado Traffic ,incluso en la portada troquelada,portada que en este caso no tiene ningún sentido.


Cada vez sonido más progresivo,y de nuevo preponderancia de teclados y percusión.Lo mejor el primer y último tema.En "Shoot out at the fantasy factory" hay un imparable "groove" dirigido por una tremenda base rítmica,y en "Uninspired" Winwood está más delicado y frágil que nunca,guiando una de las mejores canciones en la historia del grupo. 


No es una opinión popular, todo el mundo parece preferir los dos anteriores, pero este es mi álbum favorito de Traffic, el mejor. Una piscina profunda de ritmo tranquilo con la cantidad justa de tensión, SATFF es una escucha fascinante y gratificante. Con el percusionista ghanés Rebop Baah y la sección de rima de Muscle Shoals de David Hood en el bajo y Roger Hawkins en la batería, el sonido es desarrollado y rítmicamente interesante, pero nunca de una manera llamativa, siempre sofisticado. 

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