viernes, 26 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este disco sigue siendo su mejor hasta la fecha; The Facts of  life tuvo momentos magníficos, tal vez más "obvios" grandes momentos pop que England Made Me pero el debut es una creación mucho más consistente.


No se detiene como lo hace el seguimiento; desde la disección juguetona y discreta del mundano tema que lo abre, "Girl Singing in the Wreckage", hasta el evocador "Hated Sunday" más cercano, este es un álbum cohesivo y fino. El estado de ánimo es silenciado, contemplativo y bastante lejos de los siguientes discos de la banda, que añaden producción pop y cierta descarada. Aquí, la instrumentación tiende hacia un uso limpio de guitarras ligeras y sonantes con algunos adornos, como el siniestro piano de "Ideal Home". Las letras se refieren al desajuste y la mundanidad en los suburbios de la Gran Bretaña moderna.


Sarah Nixey es un excelente hallazgo aquí; la suya es una voz con un toque ligero.

Lo más destacado para mí es "Es solo el fin del mundo"; que tiene un sonido absolutamente majestuoso, perfectamente sereno para complementar las palabras maravillosamente melancólicas. Un punto culminante en un álbum muy elegante. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 El mayor regreso del Rock desde Elvis en 1968

El regreso de Tina Turner al centro de atención ha sido aclamado como uno de los mejores regresos del rock 'n' roll. No es una hipérbole comparar a Tina en 1984 con Elvis en 1968.

Su resurgimiento comenzó cuando el dúo británico de la Nueva Ola de Martyn Ware y Greg Walsh (Heaven 17) persuadió a Tina para rehacer "Let's Stay Together" de Al Green. Lo sumergieron en un arreglo post-discoteca basado en sintetizadores mucho más elegante que cualquier cosa que ella hubiera grabado con su ex marido Ike. Sin embargo, se ajustaba a su look la garganta áspera incluso  sus vestidos.

El sencillo resultante alcanzó el puesto #26 en el Billboard Hot 100 y preparó el escenario para la triunfante carrera en solitario de Tina.

Ella interpreta estas diez canciones como una mujer de 45 años sin tiempo ni deseo de mirar hacia atrás en los errores del pasado. El corte de plomo, "I Might Have Been Queen", fue tristemente irónico a pesar de la ausencia de melancolía en la actuación de Tina. "What Love Got to Do With It" le dio a Tina su primer y único single #1, aunque "Better Be Good to Me" estuvo entre los cinco primeros. La canción principal es un tratado creíble y triste sobre la vida desolada de un bailarines de regazo. Turner también ofrece impresionantes interpretaciones de "I Can't Stand the Rain" de Ann Peebles y "1984" de David Bowie.

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jueves, 25 de mayo de 2023

DIRECTISIMO 89

“Live at the Fillmore" es un álbum en vivo de Tom Petty and The Heartbreakers, lanzado en 1999.

El álbum fue grabado en marzo de 1997 durante una serie de conciertos en el famoso Fillmore de San Francisco. 


El álbum incluye versiones en vivo de algunas de las canciones más populares de la banda, como "Mary Jane's Last Dance", "American Girl" y "Runnin' Down a Dream", así como algunas canciones menos conocidas como "County Farm" y "You Don't Know How It Feels". 


El álbum fue muy bien recibido por la crítica y los fanáticos de la banda, y se considera como uno de los mejores álbumes en vivo de Tom Petty and The Heartbreakers. La energía y la pasión de la banda en el escenario es evidente en cada canción del álbum. 


"Live at the Fillmore" también incluye algunas colaboraciones especiales, como la participación del guitarrista Bo Diddley  y la aparición del cantante y guitarrista Johnny "Guitar" Watson en la canción "You Don't Know How It Feels". 


En resumen, "Live at the Fillmore" es un álbum en vivo imprescindible para cualquier fanático de Tom Petty and The Heartbreakers, y un excelente ejemplo de la energía y el talento de la banda en el escenario

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mi álbum favorito de Traffic es generalmente el más universalmente despreciado. Es una pena, ya que este es un álbum fantástico. Este es un asunto bastante jazz, pero no de la manera "Low Spark...". Suena como si Little Stevie estuviera escuchando muchos de los álbumes de la era Mwandishi de Herbie Hancock. Hay un uso excelente de Moog Synth, Mellotron y piano. El Hammond B-3 parece estar menos a la derecha, pero todavía está acostumbrado a un buen efecto.


Entre los temas de canciones se encuentran algunos de mis favoritos personales. El álbum comienza con "Something New" que comienza el álbum con una nota divertida. "Dream Gerrard" y "Graveyard People" nos llevan al reino del jazz espacial. Ambos son excelentes. El sombrío "Walking in the Wind" es un tour-de-force, comenzando con el bajo de Rosko Gee y luego con el piano de Winwood. ¡Muy encantador! 

El coro de doble tiempo proporciona momentos de gran felicidad. "Love" es un pequeño y agradable atasco de jazz, con la flauta de Chris Wood. ¡Un solo que desearía que fuera más largo!


Una joya que a menudo se ha pasado por alto. Un espléndido canto del cisne.

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miércoles, 24 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tío, ¡este álbum solía asustarme! Creo que fue la asociación que hice con las pinturas horribles pero extrañamente hermosas del folleto.


Pero ahora, a la edad de 65. años, ¡me encanta! Este es uno de mis álbumes favoritos. Simplemente no puedes vencer a la voz de Richard Burton que conduce a las puñaladas orquestales de apertura de "Eve of the War" y simplemente mejora a partir de ahí. La gente siempre dice que la primera mitad es la mejor, pero yo diría que la segunda mitad es igual de buena, si no mejor. En lugar de ser francamente aterrador, es silenciosamente espeluznante e hipnótico. "The Red Weed" y "Dead London" son realmente bastante hermosos de una manera extraña. "Brave New World" podría haber sido una mierda si no hubiera sido casi irónico debido a que era el sueño de un loco. 

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AYER VÍ 32

"El silencio de los corderos" es una película estadounidense de thriller psicológico lanzada en 1991, dirigida por Jonathan Demme y protagonizada por Jodie Foster y Anthony Hopkins. La trama gira en torno a la agente del FBI Clarice Starling y su búsqueda de un asesino en serie apodado "Buffalo Bill". Clarice debe entrevistar al famoso psiquiatra forense, el Dr. Hannibal Lecter, quien se encuentra encarcelado en un hospital psiquiátrico de máxima seguridad, para poder obtener información sobre la mente del asesino y así poder detenerlo.


La banda sonora de la película fue compuesta por Howard Shore y es considerada una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Sus temas musicales oscuros y emotivos complementan perfectamente la atmósfera tensa y psicológica de la película.


Howard Shore, creó una partitura inquietante y tensa que complementa perfectamente la atmósfera oscura y aterradora de la película.


La música es reconocida por su uso de coros masculinos y femeninos, así como por su uso repetitivo de ciertos fragmentos en momentos clave de la trama. De hecho, la música se ha convertido en un icono en sí misma, y la pieza principal, "Clarice", es reconocida en todo el mundo como un tema asociado con el suspense y el misterio.


Shore ganó un Premio Oscar por la banda sonora, y es considerada como una de las más icónicas en la historia del cine. Personalmente, creo que la música es una parte esencial de la película y contribuye enormemente a su atmósfera aterradora.

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martes, 23 de mayo de 2023

1972’s # 1 UK ALBUM

25.3.1972-21.4.1972 

Como recién llegado a Lindisfarne, realmente no estaba seguro de qué esperar. La mayor parte de mi colección son sonidos underground de los años 60 y 70, y como Lindisfarne no es exactamente un nombre familiar, pensé en probar este álbum.

Aunque no estaba exactamente en mi onda, tampoco me decepcionó. Por el contrario, este álbum es una sorpresa muy agradable, ya que es casi en su totalidad folk/rock impulsado por la guitarra acústica con una calidad extremadamente consistente de composición de principio a fin.

Sentí que casi todos los cortes eran solo "bastante buenos", ya que cada canción parecía carecer de algún u otro elemento que impulsaría la canción a una sólida calificación "buena".

Pero son lo suficientemente buenos como para recibir mi sello de aprobación, así que también buscaré sus otros lanzamientos. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La culminación de la trilogía que completan Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995) y Machina/The Machines of God (2000) condensa la compleja historia musical de Smashing Pumpkins.

Pocos artistas tienen las ganas de ir más allá de Billy Corgan, quien se mueve como pez en el agua en los caminos de lo grandilocuente.

El resultado de su ambición es ATUM, una obra épica con tres actos y 33 canciones.

La perfección de esta obra puede parecer un trabajo rutinario para el talento de Corgan aunque resulta impensable en la discografía de muchos de sus contemporáneos. 


Este majestuoso proyecto de ópera rock se ha cocinado a fuego lento. Empezó a ensamblarse en 2018, con la vuelta del guitarrista James 

Iha supuso un paso decisivo a la hora de solidificar el universo del álbum. 


Durante casi dos horas y media, ATUM despliega un complejo mosaico de distopías, desde los peligros de la tecnocracia y el fatalismo a los ataques consentidos contra la libertad de expresión. Aunque, su significado queda abierto a interpretaciones. 

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lunes, 22 de mayo de 2023

1969’s # 1 USA ALBUM

20.9.1969-3.10.1969 

Los supergrupos a menudo son machacados y anulados , algunos implosionan incluso antes de despegar (como XYZ, un intento de proyecto de ex miembros de Yes y Led Zeppelin), algunos son un acto único (hacer un espectáculo/single antes de disolverse rápidamente, como Automatic Baby, compuesto por miembros de R.E.M. y U2).

Blind Faith es un ejemplo de la marca de supergrupo "trabajar y prosperar, pero caer". Los miembros de la banda no necesitan presentación, bueno, tal vez el bajista Ric Grech, anteriormentr de Family, sí, pero Steve Winwood, Eric Clapton y Ginger Baker no.


No mucho después de que Cream se separara a finales de 1968, Clapton había comenzado a improvisar con frecuencia con Winwood, anteriormente de Traffic (que se disolvió poco después de Cream), y pronto la idea de formar su propia banda fue tentadora. De alguna manera, el ex baterista de Cream Baker se dio cuenta de esto y estaba ansioso por participar. En resumen, se une a la banda, invitan a Grech a convertirse en bajista, y el grupo se forma oficialmente.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Escuché este disco de Jethro Tull hace algunos años y en ese entonces, quienes sabían de él (porque lo habían escuchado) decían que era un disco complicado y a la sombra de su predecesor (Thick as a Brick). Ni lo uno ni lo otro me parece a mí, más bien creo que tiene su propio entorno, dosis adecuada de humor, letras inteligentes, pasajes musicales excelentes a sublimes y que no se vale por tanto, la comparación con el citado Thick as a Brick. Ahora que es distinto ver cuál de los dos te gusta más, pero en su momento se sabrá. 


Este disco a pesar de contener el exceso del rock progresivo en todo su esplendor, se defiende con temas bien armados, principalmente están separados, solo que el exceso de poner un tema gigante de un lado y otro del vinilo era atractivo en los setentas. Finalmente es un disco muy valioso que implica las capacidades de cada miembro de la banda en un verdadero trabajo de equipo y extraordinaria composición. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

There's The Rub de 1974 es otro de los mejores álbumes de Twin Guitar Hard Rock de la historia de Wishbone Ash. Es, además de Argus, su único álbum Masterpiece (aunque Pilgrimage está cerca). Sin embargo, a estas alturas su alineación había cambiado y el guitarrista Ted Turner había sido reemplazado por Laurie Wisenfeld. Esto permitió al bajista Martin Turner llevar su inmenso talento y dar un paso un poco más al frente, lo que hizo con buen estilo en la increíble pista F.U.B.B., que tiene una de las mejores líneas de bajo de cualquier canción de Hard Rock de la historia. There's The Rub también es notable por un par de las canciones más conmovedoras que Wishbone Ash jamás haya lanzado, el dolorosamente elegíaco Persephone, y “Bittersweet Silver Shoes”. Luego están los ardientes Rockers Don't Come Back y su ciudad natal. Este es uno de mis álbumes favoritos de Wishbone Ash, y es definitivamente uno de sus álbumes de mayor calidad. 

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domingo, 21 de mayo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2013)

Es delicado hablar de la banda sonora de una película cuya premisa invita a prescindir de todo tipo de fondo musical mientras que el profundo sentido del espectáculo que se intenta infundir en ella propicia el encuentro con la composición efectista tradicional.

En ese sentido, Gravity no huye de la posibilidad de construirse a sí misma como evento comercial para convertir en rentable un proyecto de magnitudes faraónicas, obligando a que la originalidad de sus planteamientos conviva con las más convencionales maniobras narrativas.


Pero no conviene tampoco condenar el producto con ligereza sólo por esa evidente vocación comercial: el trabajo que ha compuesto Steven Price, bajo ese prisma de la cultura del espectáculo, es tan impecable como adecuado.

El autor ha optado por otorgar protagonismo a la música electrónica como creadora de ambientes, al tiempo que le permite manipular los sonidos de la orquesta clásica para propiciar las sensaciones de angustia y caos que experimenta la protagonista del film.  


Entre los instrumentos que Price utilizó, se encuentran guitarras acústicas y eléctricas y armónicas de vidrio

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

America

Grupo de folk y soft rock de gran éxito comercial a comienzos los setenta. Compuesto por Dewey

Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley, en 1971 el trío alcanzó el número uno de las listas de venta con "A Horse with No Name", tema incluido en su álbum debut homónimo y que se transformaría en uno de los grandes clásicos de la época. Más allá de algún hit ocasional, como "Sister Golden Hair", la popularidad del grupo no se extendería mucho más allá de 1975.

Reducido a dúo tras la salida de Peek, durante las décadas sucesivas America continuó sin embargo realizando esporádicos discos y giras para la audiencia de pop adulto contemporáneo. En 2019 America celebró su 50. aniversario con una nueva gira y la recopilación America

50: Golden Hits. 

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sábado, 20 de mayo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La subestimación de Girogio Moroder de la película "Metropolis" ha sido tristemente ignorada y nunca volverá a ver la luz del día. La banda sonora en sí se eliminó después de su lanzamiento final.

Es una pena que probablemente nunca se vuelva a estrenar, ya que realmente resume la naturaleza de esta versión de la película y en realidad es una banda sonora bastante sólida.


El álbum comienza a la moda, con "Love Kills" de Freddie Mercury, una canción de asalto que está ambientada en una de las mejores escenas de la película. Desafortunadamente, esta es la mejor canción, y el resto del álbum no parece estar a la altura. A pesar de esto, hay varios números sólidos como la canción de amor de Pat Benatar "Here's My Heart" (tenga en cuenta que NO es la misma versión que en la película, donde Pat pone una voz más operística), la tensa y política "Cage of Freedom" de Jon Anderson, la sensual "Here She Comes" de Bonnie Tyler y el simplemente brillante "On Incluso las canciones menores también son buenas, con los instrumentales de Moroder realmente manteniendo el ritmo entre ambos lados del álbum y ayudando a que algunas de las mejores escenas de la película sean aún más emocionales.


Una buena banda sonora sólida para aquellos que están dispuestos a escuchar; ciertamente no es para aquellos que no pueden soportar la música de los 80. 

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viernes, 19 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tal vez el mayor obstáculo en la carrera en solitario de Cale es la dificultad que ha tenido para retener una buena banda de respaldo. Hasta 1973, se ocupó principalmente de oscuros proyectos clásicos con un solo colaborador. Incluso París 1919, una obra maestra, tuvo más éxito debido a la composición de canciones de Cale que a las actuaciones efectivas pero discretas de Little Feat.


En Fear, Cale cuenta con el apoyo de Roxy Music (Ferry excluido), una banda, como VU, cuyos primeros discos se definieron por la tensión entre un líder idiosincrásico y un atrevidamente instrumentista/genio que finalmente amenazó la autonomía del líder. Por supuesto, muchas bandas experimentaron conflictos creativos, pero lo que distinguió a Cale y Eno fue que no estaban interesados en escribir canciones mientras estaban en la banda, sino solo en la dirección creativa que la banda tomaría. 

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