Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Look How Long es el nombre del álbum de Loose Ends. Esta banda británica que duró diez años puede no haber dejado un impacto duradero en el periodismo musical, pero durante los años ochenta, cuando Soul and Funk fue reemplazado por un R&B uniformado y dominado por los teclados creado por gadgets digitales de primera generación, Loose Ends era como un banco seguro con una sólida composición de canciones, arreglos sofisticados y ritmos gordos que garantizaban pistas de buena musica de baile
7.3.1970-15.5.1970
Es uno de los mejores álbumes pop jamás grabados y el mejor álbum de 1970. Soy un gran fan de la ola de sensibilidad y emoción que barrió los sencillos y álbumes en 1970/1971 y el nacimiento del movimiento de los cantantes y compositores. Paul Simon estaba a la vanguardia de eso. Su trabajo es fundamental. Están pasando muchas cosas aquí. Simon y Garfunkel estaban alcanzando su punto máximo como dúo justo en su último álbum. También estaban alcanzando su punto máximo al mismo tiempo que los Beatles se separaban. Fue uno de esos tiempos de cambio de mar en la cultura pop.
Cada canción es perfecta. Sí, incluyendo Why Don't You Write Me, que me encanta (y pienso en ella como una canción escrita desde la perspectiva de un soldado de Vietnam). Sí, incluida la versión de Bye Bye Love y la forma en que el estruendoso aplauso muere a favor de la fragilidad y la empatía de Song for the Asking.
Spirit debería haber sido una de las bandas más grandes de la década de 1960, el hecho de que no lo fueran probablemente se deba a la mala suerte. También el hecho de que la música cubriera tantos estilos diferentes y en ninguna parte es más evidente que esto - su "difícil" tercer álbum que fue lanzado en 1968. - Probablemente porque fue su tercer álbum en unos 18 meses y eso no incluye su banda sonora para la película "The Model Shop" - hay una dependencia de los instrumentales de jazz escritos por el teclista - Esto significa que "Clear" es increíblemente variado, lo que significa que fue menos popular que "The Family That Plays Together" su segundo álbum, ciertamente en este país. PERO "Clear" merece escuchas repetidas y, debido a esta diversidad, su reputación ha crecido a lo largo de los años y creo que es igual a su predecesor y del álbum que le siguió: "The Twelve Dreams Of Doctor Sardonicus".
Un álbum clásico, que nadie reconoció en ese momento
Este álbum no es aburrido y no es falso y no sé cuándo las mentes prodigiosas decidieron que las canciones con este nivel de emocionalidad sofisticada y matices compositivos no eran dignas, pero eso me molesta muchísimo. Mucha música soft salió de California en los años 70, pero Late for the Sky NO estába entre ellos. Esta es una extraordinaria clase magistral de composición de canciones con músicos maravillosos. El lirismo de Jackson Browne en este disco es uno de los mejores jamás escritos.
UP es una película de animación muy querida por muchos espectadores alrededor del mundo. Y la banda sonora compuesta por el galardonado Michael Giacchino, es una de las razones por las que esta película es tan especial.
La música de UP es una mezcla perfecta de una orquesta emotiva que refleja las emociones de los personajes, así como la sensación de aventura y asombro que se siente en la trama. La música comienza con una obertura que establece el tono de la película, que es alegre y aventurero. La música es rápida y está llena de aceleraciones emocionantes que encajan perfectamente con las imágenes de la película.
En el transcurso de la historia, la música se encarga de enfatizar los momentos más emotivos y tristes. En particular, las piezas como "Married Life" y "Ellie's Theme" son destacadamente emotivas. "Married Life" es una versión enriquecida de la música que se escucha en los primeros minutos de la película. Es una pieza nostálgica que aporta un fuerte contraste con la vida cotidiana real y el amor eterno que existe entre los protagonistas, Carl y Ellie. "Ellie's Theme" se reproduce varias veces a lo largo de la película, cada vez que Carl se siente abrumado por la pérdida de Ellie. La pieza es muy emotiva y, a pesar de su simplicidad, evoca una sensación de nostalgia y pérdida que es desgarradora y conmovedora.
Además, la música también se adapta perfectamente a la trama de la película, y encaja perfectamente con los personajes y las situaciones que se presentan. La música es muy efectiva en enfatizar los puntos de inflexión clave de la historia, agregando una dimensión extra a la experiencia cinematográfica.
En resumen, la banda sonora de UP es una obra maestra musical que contribuye en gran medida al éxito y la emotividad de la película en sí. La música es emotiva, alegre, aventurera y se adapta perfectamente a la trama. Es una de las razones por las que UP es una película tan especial y amada por tantas personas en todo el mundo.
No es música, es mística, de las caderas al cuello. Pasando por el centro del universo, donde la cintura pierde su nombre. Entre hermanos, porque la liturgia del asunto obliga a recogerse en la oscuridad, en el calor del cuerpo a cuerpo y dejarse transportar. No es de esos discos que se disfruten en una conferencia, no va a salir un político a anunciar nada reseñable. Puede que quites el disco antes de que acabe. Otra cosa es que estés acompañado y lo gastes como tus riñones, empujando. No olvides pegar unos chillidos, no olvides hacer que los de el/ella. Empezar a sudar a los quince segundos del primer corte. Acabarás molido. Incluso cuando acabes, y James B. siga sonando, volverás a intentarlo. Al llamado del trombón, con los coros aferrándote, buscando un nuevo lugar oscuro donde hacerlo. Es James Brown, una de lección de sexo en vinilo, pa'que aprendras algo antes de ir a dormir. Si es que te dejan.
Uno de los mayores logros de la serie es abordar una gran cantidad de temas emocionales complejos y salir airosa. Temas como la igualdad de la mujer en puestos directivos, la integración de las personas de color, la transexualidad, la inteligencia emocional, la sordera, el duelo, las enfermedades degenerativas… Los personajes son de carne y hueso, piensan, sienten, dudan y a veces necesitan ayuda. Y cuando la piden, la piden a ritmo de “Help!” de los Beatles. Porque hay emociones que solo se pueden expresar en forma de canción.
Nunca una ficción me había tocado tanto, llenando mi interior y mostrando la belleza y la diversión de la vida así como la crueldad de nuestro mundo y lo inexplicable de las frustraciones y los fracasos.
Un guión y una puesta en escena soberbios con unos números musicales magníficos e increibles. ¿Acaso puede haber alguien que haya empezado a ver esta serie y no se haya sentido apabullado por la forma en que hace vibrar los sentimientos del ser humano a través de la música? No pierdas el tiempo y vela si puedes
Obra Maestra. Seminal. Influyente 100%...
¿Grupo que ha comenzado a valorarse tarde? Sí.. ¿y?
Grupo de culto en los 80s, supergrupo ahora..., no es raro, esto ha pasado muchas veces.
La cuestión es que aquí se enlazan una tras otra canciones superlativas, de una intensidad memorable.
Un grupo surgido cuando todos echaban de menos a Joy Division y aparecían posibles herederos como Echo and T B o los Pyschedelic Furs, que destacaba sobre todo y por encima de las guitarras "atmosféricas" o los épicos riffs, por la impresionante voz del cantante. Las letras son muy poéticas, muy bonitas, mundos etéreos entre arpegios de guitarras.
Es difícil elegir pero mis canciones favoritas son "Here Today" y "A Person Isn't Safe Anywhere These Days",
All Blues's Up! Songs of Led Zeppelin es una escucha obligada para cualquier aficionado a la música rock o al blues. Este álbum es una compilación de 16 pistas, con algunos de los artistas más talentosos de la industria tomando las canciones de la legendaria banda de rock Led Zeppelin y reinterpretándolas en un estilo de blues.
Una de las pistas más destacadas del álbum es la versión de Eric Gales de "Heartbreaker". La forma de tocar la guitarra de Gales es magistral, mostrando su increíble habilidad y rango como músico. Su voz también es poderosa, entregando la letra de la canción con una emoción cruda que captura perfectamente la esencia del blues.
Otro punto destacado del álbum es la versión de Walter Trout de "The Lemon Song". La versión de Trout de la canción es un verdadero placer para los fanáticos del blues, con una sección rítmica de conducción y solos de guitarra vertiginosos que enorgullecerían a Jimmy Page.
Es un gran ejemplo de cómo las canciones de Led Zeppelin se pueden reinventar y darles nueva vida en manos de talentosos músicos de blues.
¡All Blues's Up! Songs of Led Zeppelin es un álbum fantástico que rinde homenaje a una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos y al mismo tiempo muestra el increíble talento de algunos de los mejores artistas de blues de la actualidad. Si eres fanático de Led Zeppelin, la música blues o simplemente la buena música en general, te recomiendo que escuches este álbum.
Pioneros de Country Rock , The Youngbloods liderados por el newyorkino Jesse Colin Young,tienen un lugar privilegiado en mi coleccion.
Mitad Folkies , pero tambien embarcados en el Pop , finos instrumentalistas y en la historia por haber interpretado el Clasico "Get Together" , himno de la juventud Californiana.
Un album realmente hermoso repleto de sonidos Westcoast sesenteros en los que brillan temas como "All over the World" o el Blues "Statesboro Blues".
Excelente debut de esta poco conocida banda, cuyo “Get Together” puede ser el único tema famoso aunque hay bastante más para investigar. Dejando de lado algunos blues no muy logrados, aparecen excelentes temas folk, dos geniales baladas.
Con un destacado trabajo en guitarras y teclados, mereció haber desplazado a otros sobrevalorados discos de ese competitivo 1967.
Echo & The Bunnymen era una banda en pleno funcionamiento, que también habia lanzado su tercer nuevo álbum de estudio en cuatro años con Flowers de 2001 .
Y como indicaban sus espectáculos en vivo, sonaban mejor que nunca. Documentado para la posteridad su actuación en el Instituto de Artes Escénicas de Liverpool.
Aunque se echaba de menos al baterista trinitense Pete de Freitas, la voz de Ian McCulloch apenas cambio en veinte años, y las pistas que cortan y serpentean de Will Sergeant son más afiladas como siempre. La mayoría de los clásicos están ahí, desde el extravagante sencillo post-punk de 1980 "Rescue" (dado un arreglo extra impulsado por el teclado tipo Doors), el amenazante "All That Jazz", "Back Of Love" de 1983 y una interpretación absolutamente impresionante del sonido de Oriente Medio "The Cutter" y, por supuesto, la suite asesina del lado dos de Ocean Rain de 1984.
Sorprendentemente, las canciones más nuevas como "King Of Kings", "Buried Alive", "An Eternity Turns" y la épica "Nothing Lasts Forever" se mezclan perfectamente. Aquellos que pensaron que, junto con The Teardrop Explodes, Wah!, The Sound y Comsat Angels deberían haber sido la verdadera explosión de Britpop, estos Liverpudianos se han probado la vieja corona por su tamaño y todavía encaja. U2 puede haber ganado el concurso de popularidad, pero los conejitos tienen mi respeto.
Un álbum pop absolutamente maravilloso y altamente sofisticado, en mi opinión en la parte superior de la pila de sophistipop.
Las dos primeras pistas son clásicos del pop, llenos de melodías ascendentes, optimismo brillante e incluso una guitarra al revés de muy buen gusto. Además, "Southbound Excursion" cuenta con una encantadora flauta veraniego y una atractiva letra sobre los excursiones de un día en el país y evadiendo la tarifa del tren.
El álbum se debilita un poco en este punto con "Unless", que es relajante pero no demasiado agitado, y "Natural", la pista más rocosa que suena un poco única, pero no es una gran composición. Sin embargo, la grabación de vinilo se voltea, y todo el lado dos es simplemente excelente.
Puedo ver que han comparado este álbum con los Forever Changes teñidos de tijuana. Pacific Street es un gran álbum, influenciado por los años sesenta, repleto de trompeta, coloreado con cameos de cuerdas, violonchelo y la flauta mencionada anteriormente.
Tal vez un álbum perdido para la prodigiosa producción de gran música de 1969. Brave New World puede no sonar familiar para los fanáticos de los 70' Steve Miller, pero el sonido está muy en consonancia con el sonido psicodélico del verano de 67' de amor en algunas pistas y si eres un verdadero fan de Steve Miller, necesitas escuchar a Steve temprano. Siempre comparo la guitarra de Steve Miller con Neil Young, ambos guitarristas subestimados, conocidos más por sus éxitos o su capacidad para escribir canciones.
Este es un gran álbum de guitarra de Steve Miller, principalmente porque Steve Miller es un gran guitarrista.
Esa es la característica principal, pero algunos de piano inspirados de Niki Hopkins en la última pista en el lado uno y Paul McCartney que aparece en la última pista del lado dos es solo la guinda del pastel que es Brave New World, así como los otros miembros de la banda que son excelentes tocando, también la composición de la canción. Hay una gran cantidad de riffs de blues junto con los elementos psicodélicos de este álbum, para todos los fanáticos del blues.
Echa un vistazo a los riffs largos de "Space Cowboy", no es una canción de blues, pero los huesos del blues están ahí, Steve Miller puede tocar blues en cualquier momento y cualquier día.
De hecho, saca la diapositiva de la siguiente canción después de "Space Cowboy", en "LT's Midnight Dream".
Mi única queja con este álbum es que es demasiado corto. El primer lado se acabó en un instante. Todo el álbum es solo 29:51, no hay tiempo para estirarse, y quiero escuchar a Steve Miller estirarse, muy lejos.
Glorioso trascendentalismo pop en este gran álbum. Las dos primeras canciones, All the Children Sing y Can We Still Be Friends, oscilan salvajemente entre estados de ánimo y arreglos, estindo un amplio territorio que abarca un mundo sonoro ecléctico. Rundgren podría haber pasado su carrera escribiendo himnos pop/soul/rock de Carole King/Beatles, pero Todd siempre ha escuchado su propia mente interior. En vinilo, este álbum tenía dos caras, la primera se titulaba "Fácil" y la segunda "Difícil", principalmente como una respuesta a los ejecutivos de la compañía discográfica que escucharon esta música y la malinterpretaron.
No es el más sólido de los esfuerzos, es cierto, pero los puntos altos eclipsan a la mayoría de la otra música rock que derramó las plantas que presionaban récords en su día. Como algunos han señalado, el sonido del CD carece de cuerpo, probablemente debido a la predilección de Todd por las mezclas de alto sesgo, irónicamente porque sentía que el vinilo no podía grabar el bajo adecuadamente.
6.5.1972-12.5.1972
Interesante... pero no muy bueno. Después de las tres primeras canciones, incluso tuve la sorprendente sensación de escuchar un álbum de mierda. Por suerte, las siguientes tres pistas son bastante bonitas. En el lado B vuelven a pasar las mismas cosas: "Mustang Ford", "Afghan Woman" y "Knight" no son memorables, pero "Graceful Fat Sheba" es fácilmente la mejor canción del álbum. "Weilder of Words" no es tan bueno, pero "Frowning Atahuallpa (My Inca Love)" cierra el álbum con un estado de ánimo positivo.
Este álbum se grabó a principios de 1968 (algunas fuentes dicen que 1967) y, por supuesto, era algo nuevo en ese entonces. Esto puede tener algún significado real, pero aún así, si comparas el primer álbum de Tyrannosaurus Rex con decenas de otros álbumes de 1968, este no va a ser de los mejores.
