50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este es el mejor álbum de la banda de Ian Guillan.

Tiene una de las mejores secciones de ritmo que he escuchado. muy funky y jazz rock.

Ian gillan tiene una voz perfecta, todos los miembros de la banda son técnicamente geniales y la música es muy inspirada e innovadora. solo escucha la parte media de "over the hill"...

Tienes que escucharlo muchas veces antes de poder apreciarlo.

Para todas las personas que piensan que gillan hizo metal de mierda o la misma música de púrpura intenso.

No difiere mucho de su anterior disco "Child in Time". El estilo se sigue moviendo en el terreno del hard-jazz-rock, aunque en esta ocasión la producción es algo más brillante y los temas más redondos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Me sorprendió mucho descubrir hace muchos años que los SCORPIONS realmente hicieron un álbum de Krautrock. Heck Conny Plank produjo esta grabación, así que sí, realmente sucedió. No estoy seguro de por qué no tenía ningún álbum de SCORPION en su día, ya que me gustaban muchas de sus canciones que escuché en la radio. Quiero decir, las voces y las guitarras eran increíbles.

Así que un álbum bastante sólido en general, ya que tenemos 7 canciones de más de 40 minutos. Las dos pistas que me llamaron la atención son "Leave Me" con el viento soplando para empezar, luego llegan esas expresiones vocales y me venden. "In Search Of Peace Of Mind" es mi favorito con la increíble exhibición vocal en la que grita un par de veces. Y suena tan hermoso para empezar antes de volverse serio.

El cierre autotitulado tiene 13 1/2 minutos de duración y los temas se repiten, mucha atmósfera que va y viene e incluso una sección de jazz. La guitarra también lo enciende un par de veces. Oh, y hablando de jazz, la canción "Action" tiene mucho de eso y es rápida.

Vale la pena  en mi opinión y no, no me sorprende lo bueno que es este álbum, ya que esta banda era un grupo muy talentoso. 

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DIRECTISIMO 95

Live in Chicago es una joya difícil de encontrar. Tiene reseñas de 5 estrellas por rendimiento y calidad de sonido del concierto en vivo. El concierto fue cuando Rare Earth estaba en su apogeo. Emocionan a la multitud con versiones extendidas de sus principales éxitos como "(I Know) I'm Losing You", "Get Ready" y "I Just Want To Celebrate".

RARE EARTH decidió grabar un segundo álbum en vivo; eligieron el Arie Crown Center en Chicago, donde la banda había actuado antes muchas veces. El líder original de la banda, Gil Bridges, dijo: "Teníamos muchos fans leales en Chicago y nuestros espectáculos en el teatro siempre se agotaron. Siempre disfrutamos de una buena respuesta del público de Chicago". La noche de grabación de "Live in Chicago" en 1974 no es una excepción: la multitud suena extasiada, incluso cantando las canciones. No hay nada en el mundo como el sonido elemental en vivo de RARE EARTH en concierto.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Como un Henry Fonda de la canción, Cohen hace de la sobriedad una declaración de principios y a ello se atiene rigurosamente. La producción de John Simon se ajusta estrictamente al loable - y lamentablemente poco imitado - propósito de no estorbar: instrumentación mínima de guitarras, algún arpa judía, alguna percusión. Apoyo espartano al servicio de unos textos desgranados por la voz monocorde de Cohen. Si yo fuera médico, hace tiempo que habría recomendado a mis pacientes con problemas de insomnio, la discografía completa de éste hombre. Y esto no es peyorativo, es reconocer y aprovechar que el poder curativo de su voz es innegable. 

Este álbum ha crecido con el tiempo. Cuando pocos recordamos ya la mayoría de aquellos discos de 1968, pertenecientes a géneros, tan prestigiosos entonces, como el rock progresivo o sinfónico, el jazz-rock o el flower-power, etc., seguimos todavía - y creo que seguiremos hasta la eternidad - escuchando los discos que afortunadamente escaparon de las orgías instrumentales, del virtuosismo instrumental, de los dioses de la guitarra.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La gente a menudo considera que la canción principal de casi 22 minutos es un gran problema. Yo no. "¿Dónde Estás Ahora, Hijo Mío?" Es una escucha interesante de vez en cuando. Y debido a que se pone de forma segura en el lado B (para cubrirlo todo), también es fácil disfrutar del resto del álbum sin la epopeya gigante.

"Only Heaven Knows (Ah, the Sad Wind Blows)" y "Rider, Pass By" son grandes canciones nuevas de Joan. "Less Than the Song" y especialmente "Best of Friends" son grandes versiones. El resto no es tan memorable (excepto la letra de "A Young Gypsy"), pero tampoco está mal.

Además, el cinismo del siglo XXI no oculta el hecho de que había una razón por la que "Dónde estás ahora, mi hijo" fue escrito e incluido. El mundo necesitaba un cambio y para eso estaba Joan Baez. El mundo todavía necesita un cambio. ¿Dónde estás ahora, mi Joan? 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Todos los instrumentos, aparte de la percusión, son tocados por el propio David Arkenstone, sin embargo, definitivamente todo suena muy apretado y naturalmente unido. 

Honestamente, todas las pistas podrían encajar en la banda sonora de una película o algo así, cada una pinta una imagen muy vívida en tu mente y evoca diferentes sentimientos.

Night Wind utiliza especialmente toneladas de instrumentación diferente, incluida una línea de bajo muy prominente y todo se arremolina y crea una sensación de asombro. Lost Temple también es realmente impresionante, con muchas secciones diferentes y las pistas más largas. Es una bonita montaña rusa de sentimientos.

Este tipo de música no es mi fuerte cuando se trata de hablar de música, pero honestamente es refrescante escuchar algo como esto por una vez y podría recomendarlo a cualquier  fans de rock , aunque solo sea por un cambio de aires 

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1972’s # 1 UK ALBUM

17.6.1972--11.8.1972 

K-tel se ha sentido orgulloso aquí al incluir una serie de excelentes pistas, por las "Estrellas Originales" que proclama, en su mayoría de 1971, el mejor año en música según ciertos críticos y quién soy yo para no estar de acuerdo.

Los recopilatorios traen grandes sorpresas por algo llegó a número 1

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cualquiera que tenga alguna duda sobre si realmente le gusta AOR debería echar un vistazo a Escape de Journey.

Escúchalo una vez y, si no quieres volver a reproducirlo de inmediato, es hora de empezar a mirar otras secciones de tu tienda de discos local.Si quieres volver a escuchar sigue leyendo.

Simplemente no hay nada mejor que este álbum del estilo AOR .

Las canciones están armadas con ganchos que enganchan el cerebro y son imposibles de quitar sin una cirugía mayor. Las voces de Perry son tan nítidas y claras.

La guitarra de Schon, alternativamente, llora como una sirena y canta como un pájaro sin jaula.

Los teclados de Cain se lanzan y se lanzan como una cometa sin cuerdas. ¡Uf! 

Ahora que he sacado todo eso  de mi pecho, hablemos del álbum. 

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1970’s # 1 USA ALBUM

23.5.1970-12.6.1970

Portada mínima, a la japonesa, para canciones de pop minimalista. Bocetos instrumentales para rellenar, brochazos de blues y cabaret y….

 Discazo de un artesano del pop que nunca debió pretender más que eso. Las ínfulas pueden ser la rémora de un artista que a estas alturas del partido ya no tenía nada que demostrar.

Si acaso que era capaz de volar sin los Fab Four.

Esta fue la primera demostración de que su talento no conocía límites.

Con la humildad que denota la portada y la delicadeza y sabiduría de unas composiciones que no deja cocer a fuego lento para que queden frescas, casi crudas.

Con la sabiduría de buscar la influencia en los más grandes aunque estos hayan bebido antes de él. Aquí se olisquean rastros leves pero penetrantes de Ray Davies e incluso unos segundos de Can.

Si lo embelleces todo con su personalidad inimitable, sale lo que sale. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Raymond "Froggy" Froggatt fue un cantante y compositor que pasó gran parte de su tumultuosa carrera luchando por ganar reconocimiento. Nacido en Birmingham, Inglaterra, hizo su debut cantando en una fiesta de la fábrica de Dunlop y recibió diez centavos por sus esfuerzos.

Froggatt era un niño enfermizo que pasó gran parte de su juventud luchando contra la tuberculosis en el Sanatorio de Yardley. Dejó la escuela en la década de 1950 para hacer una serie de trabajos ocasionales.

Tuvo una recurrencia de tuberculosis a los 18 años.

Mientras estaba aislado en otro sanatorio, se encargó de la poesía y decidió formar una banda.

La banda comenzó a tocar en el circuito de clubes de Birmingham y se convirtió en habitual en el Belfry, un club popular. Allí Monopoly ganó un gran número de seguidores, y finalmente fue firmado por Polydor Records con un contrato de cinco años en 1964. El primer éxito de Froggatt llegó con su canción "Red Balloon". Desafortunadamente, aunque se tocó en las estaciones de radio locales durante dos meses, se manejó mal y nunca apareció en las tiendas; más tarde, la canción se convirtió en un éxito para los Dave Clark Five, y luego para Marie Laforet en Francia. Froggatt firmó con Bell Records en 1972, donde él y Monopoly grabaron su primer álbum, Bleach. El primer sencillo del álbum "The Singer" fue mal manejado por un DJ inepto que accidentalmente tocó el disco demasiado rápido en el Roundtable Show. Los panelistas se rían mucho y el sinhle murió en ese entonces. Aún así, el álbum se vendió bastante bien. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Uno de los mejores de los años 80. Este es uno de los álbumes en los que funciona el synth-pop. Sí, el sonido del sintetizador  cansó a lo largo de la década con el uso de demasiados artistas, pero hay muchos álbumes como este que son excelentes. En realidad está bien editado , mientras que gran parte del resto algunos grupo de la  década saturó de mediocridad la década.

Buenas letras, temas, gran voz.

Posiblemente el mejor disco de techno-pop de la historia. Las voces de Andy son fuertes y las letras son pegadizas y divertidas. Musicalmente, Vince está en la cima de su carrera creando melodías inolvidables. Lo más destacado son "Un poco de respeto", "Imaginación" y "Ship of Fools". Esencial.

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2007)

Atonement («Expiación») fue una de las películas consiguió, entre otros premios, el Globo de Oro y el Oscar a la mejor banda sonora. Basada en la novela de Ian McEwan, la película describe un drama romántico con desenlace trágico, y para acompañar a este relato triste y melancólico recurre a una melodía delicada y envolvente.

En Atonement la música desempeña un papel fundamental en el ritmo de la narración, existe una perfecta conexión con las imágenes, logrando un resultado global de enorme armonía y expresividad. En una historia en la que lo visual se impone a los diálogos, la parte musical debía plasmar con elegancia y sencillez ese ambiente poético, y lo hace mediante el uso de cuerdas y una hermosa melodía de piano. Como elemento original y característico en ocasiones se introduce de fondo el sonido del traqueteo de una máquina de escribir antigua (se utilizó un modelo de 1935).

El compositor italiano Dario Marianelli, autor también de la banda sonora de la película Orgullo y prejuicio, es el creador de la partitura de este retrato del desconsuelo y el remordimiento. En la interpretación destacan el virtuoso pianista francés Jean-Yves Thibaudet, cuya ejecución resulta elegante y atractiva, y también The English Chamber Orchestra.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El último álbum de Jefferson Airplane, Long John Silver (1972), muestra a una banda al borde de la desintegración, agotada, atrevida a ser abrasiva y mostrando todas sus heridas de tránsito al público.

Las melodías nunca se despegaron del suelo y los ritmos son turbios, pero evoca el final del juego en una historia siempre fascinante. "Eat Starch Mom" es un raver demente de Slick, en el que su borde duro y su bilis se vuelven casi insoportables, pero se mitiga con el humor negro antihippie; "Trail by Fire" podría estar fuera de los Voluntarios; "Twilight Double Leader" es Jefferson Starship avant la lettre.

Para aquellos que no tienen miedo de los malos sentimientos expresados intensamente. 

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AYER VÍ 37

El género de series de espías tiene grandes referentes en la actualidad (Homeland, The Americans, 24, Patriot...) y esperaba que Jack Ryan entrara por la puerta grande, viendo que Amazon hacía tanta promoción... pero no.

Lo cierto es que la serie tiene medios: mucho exterior, cambios de países, efectos especiales, combates creíbles.

¿Y porque no engancha? Pues por un guion, que hemos visto miles de veces, y que además no parece muy trabajado (¿alguien me puede explicar a qué viene la flojísima historia del piloto del dron?) y es difícil encontrar algo medianamente innovador. 

Y por... Jack Ryan, un héroe de la antigua escuela, guapo, inteligente, fuerte, noble, caballeroso , justo, bondadoso... claramente alguien absolutamente irreal, y alejado de los personajes "sucios" mas creíbles y realistas que pueblan los guiones del siglo XXI. 

Eso si la banda sonora de la primera temporada si engancha.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lanzado digitalmente en octubre de 2017 SOUL OF CASH pone el giro único de Owens en algunos de los grandes éxitos de Johnny Cash, incluyendo "Folsom Prison", "Walk the Line" y "Long Black Veil".

Owens comienza con el clásico "Ring of Fire", escrito por Merle Kilgore y June Carter. Las voces bañadas por el alma de Owens llevan al oyente a un viaje donde el soul y el country se encuentran.

SOUL OF CASH ha recibido críticas muy favorables de numerosas publicaciones notables, Rolling Stone Country, que dice: "Gracias a su apasionada entrega y regalo para la interpretación, el cantante Brian Owens demuestra con éxito que las canciones de Johnny Cash pertenecen a todos los aspectos del canon del soul como lo hacen en el country

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