martes, 29 de agosto de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Desde Big Mama Thornton a Madonna, la más mujer sexualmente agresiva siempre ha tenido una fascinación especial para los fanáticos del pop. Con Exile In Guyville, Liz Phair se convirtió en la última y, con mucho, la adición más asquerosa de la línea. Su misión era poner una uña lacada en la parte posterior del establecimiento "Guyville" del rock alternativo. Ella


El modelo era el exilio en la calle principal de los Rolling Stones y su retrato de un mundo solitario y nihilista. La voz ingenua de Phair, los arreglos despojados y las melodías pegadizas la hicieron sonar como una mujer Jonathan Richman. Sin embargo, fue su mordida letra la que atrajo más la atención, haciendo de Exile In Guyville uno de los álbumes más aclamados por la crítica de 1993. 

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lunes, 28 de agosto de 2023

1971’s # 1 USA ALBUM

20.2.1971-26.2.1971 

1.5.1971-14.5.1971 


Andrew Lloyd Webber compuso esta ópera de rock única o álbum conceptual.

Tim Rice escribió la letra, causando controversia en los círculos religiosos al presentar a Jesús como un activista humano por la paz con debilidades, a María de la Magdalena como una prostituta que lo amaba y a Judas como un observador con el que podías simpatizar.

Webber combinó instrumentos de rock con instrumentos clásicos y un sintetizador Moog monófono. Usó compases irregulares como 7/8 (parte de "Heaven on Their Minds") y 5/4 ("Everything's Alright"). Yvonne Elliman como Mary M. y Murray Head como Judas dan maravillosas actuaciones vocales. "I Don't Know How to Love Him" de Mary sigue siendo mi canción favorita.

Se pregunta si es solo otro hombre de carne y hueso.

Durante la crucifixión se pueden escuchar grupos de vanguardia.

Es una toma del evangelio del siglo XX, inspirada en el cambio de moral durante las protestas contra Vietnam y los movimientos de emancipación. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

A finales de la década de los 70 la aparición de artistas como Elvis Costello supusieron una bocanada de aire fresco en el, entonces ya, un poco saturado mundo del rock. Los que por aquellos tiempos ya llevábamos algún tiempo metidos en éste divertimento, andábamos un tanto "desinflados" con las propuestas que nos ofrecía la industria musical. 


La "new wave" y el "punk" dieron un nuevo aliento a esa situación. La primera más en la onda "pop-rock", el segundo más cercano al rock crudo y cruzado con la rebelión social. En esa tesitura la aparición del segundo disco de Elvis Costello, y la primera con The Attractions, "This Years Model", establece las que desde entonces serán las nuevas reglas del juego.


Rock urbano, con melodías pop y estructuras instrumentales que incorporan, además de las consabidas guitarras, bajos y baterías, los teclados, no en plan "moog" o "mellotron", sino como instrumentos que enmarcan un sonido inmediato, rápido, instantáneo, porque así son las historias y textos que los grupos y solistas intentan transmitir a la audiencia. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Colaboración entre Costello y bacharach que en su mayor parte funciona como un sueño


Elvis no es técnicamente el mejor cantante que hay, pero se deleita en los escenarios de estas canciones maduras de amor ilícito, amor que se está muerto y amor nuevo, hasta el punto de que aporta una verdadera profundidad de emoción al material. Seguro que se esfuerza en los registros superiores y puede sonar torpe, pero es adecuado para estas canciones mucho más que cualquiera de los otros colaboradores a lo largo de los años.


Es un álbum para adultos, sin duda, muy orquestado, pero líricamente muy en la mente de las personas que han experimentado profundamente el amor y la pérdida. Todavía no siento que haya llegado a una audiencia tan grande como podría.


Costello es uno de los grandes artistas porque siempre se estira para probar algo ambicioso como esto, puede parecer dilatador a veces, pero creo que su amor general por la música en su conjunto lo impulsa desde componer ballets hasta escribir canciones pop. "pintado de memoria" podría ser uno de sus mayores logros.


Este es un álbum para atesorar. 

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domingo, 27 de agosto de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1999)

Esta película cuenta la historia a través de tres siglos de un precioso violín Stradivarius, desde su 'concepción', en 1861, hasta nuestros días.

La película tiene tres puntos de interés claros.


Por un lado, la narrativa utilizada es muy interesante, mezclando lo mejor de la linealidad temporal y 'rompiendo' esa regla durante toda la película para la primera y la última historia, que son los dos eslabones narrativos.

Esta última, que se desarrolla en nuestros días, está hábilmente estructurada, repitiéndose y completándose cada vez que sabemos algún dato más de la historia del violín. El objetivo no es sino dotar de intriga y tensión a la última parte de la película, algo que se consigue.


El segundo punto de interés está en el diseño de producción. La azarosa aventura del violín le lleva por todo el globo, desde Italia a Austria, pasando por Inglaterra, China y, por último, Canadá, pero con una diferencia de 300 años.

Pues bien, todos estos lugares en cada una de sus épocas están conseguidos estupendamente. Quizás se lleven la palma las escenas que recrean Shanghai, seguidas de cerca por las que se desarrollan en Viena.


Y, por último, como no podía ser de otra manera, la música. El violín es el protagonista, y se hace notar durante toda la partitura. Ganó el Óscar en el  apartado de Banda Sonora.


Pero los logros no acaban aquí, todos los actores están realmente bien. La fotografía es muy atrayente, porque huye de buscar las típicas 'postales' en la recreación de época para mostrar las escenas de una forma completamente realista, con puntos de luz naturales, incluidos la luz de las velas.

La dirección está muy conseguida, y la narrativa es clara y precisa. Destacan algunas secuencias que muestran el paso del tiempo, muy bien resueltas. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Graham Parker nunca tuvo el éxito que se merecía. A diferencia de sus colegas Joe Jackson y Elvis Costello, nunca tuvo un éxito y sus álbumes nunca fueron considerados por los críticos como clásicos. 

Pero escuchando este álbum, Parker ya estaba haciendo en 1976 lo que Costello y Jackson no estaban haciendo hasta alrededor de 1978/1979.

Lo que Graham Parker hizo fue inventivo e innovador, aunque no mucha gente se dio cuenta.

Estaba haciendo new wave rock incluso antes de que llegaran los punks y en un momento en que bandas como Emerson Lake & Palmer, ELO y Jethro Tull todavía se consideraban geniales. Su composición en este álbum puede no ser tan fuerte como en su obra maestra “Squeezing out sparks”, pero la canción de apertura y el "Fool's gold" más cercano son pistas de las que la mayoría de los compositores estarían orgullosos.

“Squeezing out sparks”sigue siendo el punto de partida para cualquier oyente principiante de Graham Parker, pero aquellos que quieran escuchar más deberían echar un vistazo a este álbum. 

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sábado, 26 de agosto de 2023

AYER VÍ 45

Siete años tardó Baz Luhrmann en volver a la primera línea de fuego de Hollywood después del bombazo comercial y artístico que significó Moulin Rouge.

Y lo hizo con una concienzuda vuelta a los orígenes, una historia ambientada en la Australia de los años 40, con la entregada y nada disimulada declaración de amor al paisaje australiano y su gente que viene implícito en el proyecto, y centrada en el romance apasionado, furtivo y totalmente melodramático que protagonizan los personajes interpretados por Nicole Kidman y Hugh Jackman. 

Australia supuso un cambio de registro temático considerable y notable en la trayectoria del cineasta, que pasaba así del musical postmoderno al melodrama clasicista de época sin previo aviso, pero no tanto desde el punto de vista formal y arquitectónico, donde una vez más volvía a alardear de su talento para extraer imágenes, colores y momentos absolutamente memorables de una cámara, desafiando todas las leyes del cliché y de los convencionalismos asociados al género.

La película sufrió algunos retoques en el montaje –que afectó a la ya de por sí excesiva duración del mismo–, montaje que el propio Luhrmann completó dos días antes del estreno oficial, pero incluso con todos estos problemas”


Y como siempre digo aderezada con una buena banda sonora.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Rock 'n Roll Gumbo" es un álbum del músico de blues y pianista de Nueva Orleans, Profesor Longhair. Fue lanzado originalmente en 1974. El álbum es una colección de canciones que combinan el blues, el jazz y el rhythm and blues, todos ellos estilos musicales muy representativos de la escena musical de Nueva Orleans.


"Rock 'n Roll Gumbo" incluye algunos de los temas más conocidos de Profesor Longhair,como "Tipitina", que se convirtió en clásico en su repertorio. La voz distintiva y el estilo de piano juguetón de Profesor Longhair le dieron un sonido único y se convirtieron en una influencia importante para muchos músicos posteriores.


Este álbum captura la esencia del estilo de Profesor Longhair, con su ritmo contagioso y su habilidad para improvisar en el piano. Es una excelente introducción a su música y a la vibrante escena musical de Nueva Orleans.

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viernes, 25 de agosto de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

1990 marcó el final de la exitosa colaboración de The Temptations con su productor/compositor/arreglista Norman Whitfield.

Papa Was A Rolling Stone y Masterpiece habían sido grandes éxitos. 1990 ya no fue un éxito, y hasta ahora, ha seguido siendo una obra maestra totalmente pasada por alto y subestimada de la música Soul. Mirando hacia atrás, cuando no se trata de los éxitos, sino de la música, hay razones para creer que 1990 pertenece a las mejores fotos de la banda.


Whitfield ofrece una producción reflexiva, todas las canciones son buenas, las voces son geniales y parte de la música es excepcional (los créditos incluyen James Jamerson, Eddie Hazel, Wah-Wah Watson, Dennis Coffey, James Gadson, la lista continúa. Whitfield comenzó a usar la percusión de órgano de manera prominente aquí, un dispositivo estilístico que recogió de Sly & The Family Stone y que seguiría usando en sus producciones durante los años setenta. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“El LP de debut de la primera formación de hip hop que divulgó su trabajo en vinilo también fue la primera vez que el grupo se reunió en el estudio al completo —en trabajos anteriores los estudios de Sugar Hill habían reemplazado las tareas del DJ Grandmaster Flash—.

The Message es todo un hito en la historia del hip hop, que conjuga la típica manera de enfocar el canto con ritmos más salvajes, cosechados a partir de infinidad de olvidados discos de punk. «Scorpio» se titula así por la canción de Dennis Coffey, e «It’s Nasty» por los Tom Tom Club, mientras que «The Adventures…» es un largo trabajo obra de Flash, del que podemos destacar la destreza y la creatividad a los platos, cosa que marcó el nacimiento de un nuevo género.

Hay pequeños hurtos del «Rapture» de Blondie, del «Another One Bites The Dust» de Queen, y del «Good Times» de Chic; todos los samplers se entretejen para crear un nuevo territorio bailable: la perfecta plataforma de lanzamiento para las letras talentosas de los MC de la banda.

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jueves, 24 de agosto de 2023

DIRECTISIMO 102

Creado por Mike Bloomfield tras su salida de la Paul Butterfield Blues Band, Electric Flag incluía a otros grandes músicos como Buddy Miles (batería), Elvin Bishop (guitarra), Nick Gravenites (voz y guitarra) y Barry Goldberg (teclados).

En solo dos años de actividad se impusieron como una auténtica fuerza progresiva en el campo del blues eléctrico y el rock blues de tintes psicodélicos, y este doble live de Wienerworld los capta en plena acción y en el transcurso de dos actuaciones diferentes: la primera grabada en septiembre de 1967 en el Whisky A Go-Go de Los Ángeles (una semana después de su show de apertura para La formación es la clásica, reforzada por el multiinstrumentista Herbie Rich, el trompetista Marcus Doubleday y el saxofonista Peter Strazza, sección de viento que acentúa la inclinación de r&b y jazz de una banda efímera como extraordinaria 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum "The Turning Tide" es el tercer álbum de estudio de la cantante P.P. Arnold. Fue lanzado en 2017, casi cincuenta años después de que las grabaciones originales se realizaran en la década de 1970. Las canciones del álbum fueron producidas por Barry Gibb de los Bee Gees y grabadas en colaboración con varios músicos destacados de la época, incluido Eric Clapton.


El álbum presenta una mezcla de canciones escritas por Gibb y otras colaboraciones, así como algunas versiones de canciones populares de la época. Destaca la interpretación de Arnold en las canciones de Gibb, donde su voz espaciosa y sugerente se combina con los arreglos de Bill Shepherd para crear un sonido distintivo. El álbum también incluye grabaciones de canciones con Clapton, donde Arnold demuestra su habilidad para transmitir convicción y emoción en su interpretación.


"The Turning Tide" ofrece una visión retrospectiva de la carrera de P.P. Arnold y resalta su versatilidad y talento como cantante. Aunque no logró el reconocimiento masivo en su momento, este álbum ha sido aclamado por la crítica y ha permitido que su música perdida finalmente vea la luz. Es considerado una joya oculta de la música soul y pop británica de los años sesenta y setenta. 

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miércoles, 23 de agosto de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Muy psicodélico, con una buena porción de piano eléctrico de jazz. "Jazz Thing" suena más bien proto "Riders on the Storm", aunque Ray Manzarek realmente cumplió la promesa y llevó la melodía a la perfección. Algunos hermosos elementos melódicos en el lado dos, incluyendo una hermosa secuencia de órgano de iglesia y un delicioso clavecín.


El luminario clave Ian Bruce-Douglas parece haber desaparecido después de lograr terminar este álbum . Por las letras, parece haber estado tan comprometido con su viaje interior alimentado por LSD que se volvió loco. "Mind Flowers" es el más psicodélico. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Once Upon a Mind" es el sexto álbum de estudio del cantante y compositor británico James Blunt. Fue lanzado el 25 de octubre de 2019. El álbum contiene 11 canciones, incluyendo el sencillo principal "Cold", así como otros éxitos como "Monsters" y "Champions".


"Once Upon a Mind" es un álbum emocional y personal, en el cual James Blunt explora temas como el amor, la pérdida y la superación. Las canciones están impregnadas de su estilo característico, con letras sinceras y melodías pegadizas.


El álbum recibió críticas generalmente positivas, elogiando la honestidad y la vulnerabilidad de las letras de Blunt. "Once Upon a Mind" también obtuvo buenos resultados comerciales, alcanzando los primeros puestos en las listas de varios países.


Si te gustan las baladas pop con letras introspectivas, es posible que disfrutes de "Once Upon a Mind" de James Blunt. 

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martes, 22 de agosto de 2023

1973’s # 1 UK ALBUM

10.2.1973-23.3.1973


Sin duda uno de sus álbumes más fuertes. Aunque las canciones menos conocidas están un poco eclipsadas por los éxitos exagerados "Crocodile Rock" y "Daniel", son lo que realmente hace que este álbum sea tan convincente. "Blues For My Baby and Me" y "High Flying Bird" son especialmente brillantes, y justifican la compra de este álbum (ya que no encontrarás estas canciones en ninguna colección de grandes éxitos). "Have Mercy On The Criminal" presenta la actuación vocal más intensa de Elton de la historia, y la pirotecnia de guitarra de Davey Johnstone en "Midnight Creeper" proporciona la experiencia de que este álbum a veces está en peligro de perder.


Aún así, no hay mucho en lo que pueda fallar en este álbum. Lo mejor aún estaba por venir, pero debe haber sido obvio para cualquiera en 1972, al escuchar por primera vez este álbum, que estaban tratando con un gran talento.

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