1973’s # 1 UK ALBUM

14.4.1973-27.4.1973

¿Qué puedo decir de Led Zeppelin que seguramente no se haya dicho ya? Solamente un escalón más para hacer las mil reseñas que harán más que significativo este album junto a otros posiblemente, entonces ¿qué digo? ¿Que es maravilloso? ¿Que es digno sucesor de los cuatro clásicos que le anteceden? ¿Que contiene uno de mis himnos personales - Rain Song -? ¿Que es el album más ecléctico de Led Zep cuando de hecho esa palabra prácticamente no se usaba para una banda de rock? ¿Que Page estaba en su mejor momento como compositor y ejecutante? ¿Que trascendieron barreras musicales como pocos en su tiempo? ¿Que fueron en contra de toda opinión "especializada" para un quinto disco sin mancha? ¿Que la funky The Crunge abrió terreno a muchas más experimentaciones de funk y heavy metal y creación de bandas inspiradas en ella? ¿Que es un álbum divertidísimo? Para qué lo digo, si seguramente ya está dicho. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Richie tiene un don para las melodías fuertes. Hay una razón por la que dos de estas canciones están entre las más ubicuas de los años 80, tiene un don para los gusanos de los oídos. Incluso los no hits son bastante pegadizos. Y, a su favor, amplía un poco su sonido en "All Night Long (All Night)". (Tengo que escribir la parte del corchete porque es increíble. Esto no está muy lejos de "Tonight I'm Rock You Tonight" de Spinal Tap.)

Pero las letras de Richie son bastante débiles, incluso para el R&B. Son tan alegres y sentimentales que es difícil creer que sean genuinos. (No estoy diciendo que no sean genuinos, solo que es difícil para mí imaginar el espacio de cabeza en el que estaba Richie cuando los escribió). Como de costumbre, algunos de ellos no son tan malos como otros, pero no escuches este disco para la letra (la letra).

Los arreglos son bastante almibarados, pero diré que un (ligero) desvío a la música del mundo es bienvenido, incluso si lo he escuchado un millón de veces. Preferiría más de esa diversidad, pero ¿qué puedes hacer?

La producción es horrible, la producción de los 80, que ha salido mal. Pero, por alguna razón, me parece un poco menos ofensivo que el debut. Tal vez sabía en lo que me estaba metiendo esta vez, tal vez él mejoró o tal vez la tecnología mejoró un poco. En cualquier caso, suena como los 80, pero no tan horrible como el debut. 

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1971’s # 1 USA ALBUM

27.2.1971-30.4-1971 

Pearl es el punto máximo en la carrera de Janis. Ordena su potencia, encausa los ritmos, sale de una vorágine a veces demasiado estruendosa y otras veces mal acompañada por los Big Brother o la Kozmic.

Los temas son más elaborados y mejor compuestos y preparados para que Joplin pueda destacarse sin caer en la ostentosidad.

Se la nota fresca, amplia, tranquila y sabiendo que lo elegido es un repertorio que eleva lo que venía haciendo en el pasado.

A pesar de haber quedado algunos temas sin poder ser completados por su inesperada y lamentable muerte, el disco es compacto y tiene al menos 4 canciones que son de lo mejor que ha grabado en su vida, con un despliegue vocal y un sentimiento que erizan la piel: Cry Baby, A Woman Left Lonely, Trust Me (esencial) y Get It While You Can. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Made In Heaven sirve como un cierre para una carrera profesional, con mínimos y máximos Queen dominó el género rock como ninguna otra banda.

Este álbum fue producido por los 3 miembros restantes de Queen después de que Freddie falleciera el 91.

Es obvio que tuvieron muchos problemas con la mezcla, y con algunas pistas sin terminar, pero además de eso, el álbum suena de ensueño, invernal y agradable, debe haber sido un trabajo muy difícil para poner todo en orden sin Freddie.

Si hay un momento en este álbum que muestre lo dedicado que estaba Freddie a la música, está en Mother Love. Es increíble cómo alguien que se está muriendo podría grabar una línea tan increíble.

Este álbum merece más amor de la comunidad musical, es un regalo de Freddie, es su vida, su pasión, para todos. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1998)

"Shakespeare in Love" es una película de comedia romántica y drama dirigida por John Madden y estrenada en 1998. Fue escrita por Marc Norman y Tom Stoppard, y protagonizada por Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes y Geoffrey Rush. La trama de la película sigue a un joven William Shakespeare mientras se enamora de la hermosa Viola de Lesseps y encuentra inspiración para escribir su famosa obra "Romeo y Julieta".

La banda sonora original de la película fue compuesta por Stephen Warbeck, quien ganó el premio Oscar a la Mejor Banda Sonora Original en 1999 por su trabajo en esta película. El álbum de la banda sonora contiene una mezcla de piezas instrumentales y canciones vocales que capturan la ambientación romántica y poética de la película.

Stephen Warbeck es un compositor británico conocido por su trabajo en cine, televisión y teatro. Además de "Shakespeare in Love", ha compuesto música para películas como "Captain Corelli's Mandolin", "Quills" y "Proof". También ha trabajado en producciones teatrales como "Hamlet" y "The Winter's Tale".

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El punto de inflexión clave en la carrera discográfica de Bowie, Station to Station marcó la transición de las canciones convencionales, escritas en el piano o la guitarra y grabadas a una velocidad vertiginosa, a losas de sonido construidas completamente en el estudio.

Incluso esas canciones esbozadas antes de que Bowie llegara a Cherokee, como "Golden Years", se transformaron dentro de él: todos sus elementos clave funcionaban mientras el reloj del estudio funcionaba. 

La mayoría de los relatos muestran a Bowie sufriendo algún tipo de colapso inducido por la cocaína a finales de 1975; su trauma psicológico fue de hecho extremo, pero durante las sesiones incluso amigos de las drogas como Glenn Hughes señalaron que estaba al mando total del estudio. Dado que el propio Bowie tiene poca memoria de este tiempo, nunca tendremos una imagen más coherente de su estado mental que en el contenido de este álbum  

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AYER VÍ 46

Spielberg se nos hace mayor. Ya no quiere filmar choques de trenes. Tampoco escenas de acción. No tiene que aprender el oficio rodando películas caseras en casa. No quiere volver a las montañas del Himalaya. O a las playas de Normandía. Eso ya lo ha hecho. 

Ahora, con los 70 años cumplidos hace tiempo, Spielberg nos cuenta su vida mientras hace calceta y bebe té calentito. Tiene todo el derecho del mundo. También se ha ganado el derecho a reflexionar sobre el cine y las propiedades mágicas de la cámara. Sobre sus efectos (la lista en “The Fabelmans” es larga) en nuestra mirada. Sobre el arte y John Ford.

En estas memorias con el mismo tono de fábula de siempre, Spielberg aprovecha para hacer un homenaje a sus padres. De hecho, la película es, más que una autobiografía, un canto de amor a los creadores que se han ido. Una oración fúnebre.

Spielberg tiene todo el derecho del mundo a hacerse mayor. Y nosotros a recordar con nostalgia aquellas películas de juventud, en las que la aventura y la emoción no dejaban tiempo para mirar el reloj. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los años setenta ni siquiera habían terminado cuando los Raincoats definieron el sonido y la actitud del indie rock amateur antes de que hubiera un nombre para él.

Su musicalidad descaradamente no entrenada encaja estrechamente con el espíritu punk, pero su sonido no es punk en absoluto.

Se remonta al rock folk de garaje de los años sesenta y a menudo recuerda al Velvet Underground, especialmente con el violín de Vicky Aspinall y la rudimentaria batería disfuncional de Palmolive, y vale la pena mencionar que la banda coprodujo The Raincoats con el legendario Mayo Thompson y el jefe de Rough Trade, Geoff Travis.

Me encanta la versión surrealista de "Lola" de los Kinks, que aumenta aún más la confusión de género. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Yesterday & Today, que llevan el nombre de un LP de los Beatles, ya habían lanzado dos discos de estudio, que desafortunadamente no tuvieron éxito y no consieron otro contrato discográfico.

La banda era bien conocida, porque abrieron para bandas famosas como Kiss, Journey, Boston e incluso Queen en su gira "A Night at the Opera".

En 1981, la banda finalmente consiguió un nuevo contrato discográfico y decidió cambiar el nombre de la banda a Y & T. El mismo año en que se lanzó su tercer disco de estudio, el primero con el nuevo nombre. El álbum fue un gran paso adelante y fue muy aclamado por la crítica, pero no fue el gran avance que la banda esperaba.

Hasta el día de hoy, "Eartshaker" se menciona a menudo como el apogeo de la banda y es un álbum muy conocido en la escena del hard rock de Los Ángeles. Por ejemplo, Tesla solía llamarse a sí mismo después de este LP en los primeros años de su carrera y también otros músicos como Lars Urlich de Metallica o los chicos de Mötley Crüe mencionan "Y & T" como una gran influencia.

En mi opinión, "Eartshaker" es un gran álbum de hard rock con muchas canciones atemporales que todavía son interpretadas en vivo por la banda californiana.

Mis canciones favoritas son el himno de apertura "Hungry for Rock", el homenaje final de Free Bird "I Believe in You", el pegadizo "Squeeze", "Hurricane" y mi canción favorita es probablemente "Rescue Me" y también las pistas restantes son muy buenas.

La interpretación de la guitarra de los guitarristas Dave Meniketti y Joey Alves es muy buena, especialmente en la canción final "I Believe in You" y algo que quiero señalar. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este grupo imaginativo fue formado en Chicago, Illinois, EE. UU., por George Edwards (guitarra, voz) y David Michaels (teclados, viento de madera, voz). Hicieron su debut en 1967 con una lectura de folk rock de "Anyway That You Want Me", una composición de Chip Taylor revivida con éxito por los Troggs.

Su álbum debut, H.P. Lovecraft, fusionado con material inquietante y folclórico con composiciones gráficas contemporáneas. Contó con interpretaciones conmovedoras de

"Wayfaring Stranger" y "Let's Get Together", pero lo más destacado fue "The White Ship",

H.P. Lovecraft fusionaba el rock psicodélico con influencias folk y progresivas. Aunque no lograron un gran éxito comercial, su música ha ganado seguidores con el tiempo y ha sido considerada una joya del rock psicodélico underground.

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DIRECTISIMO 103

Al parecer, los conciertos de Temptations fueron muy divertidos. Excelente calidad para un álbum en vivo grabado en 1967, justo en el escenario.

En lugar de solo una colección de versiones en vivo de canciones de sus primeros cuatro LP, este álbum te lleva virtualmente a una actuación en vivo de Temptations.

Todas las canciones están entre las mejores hasta este momento de su carrera y se desempeñaron extremadamente bien.

También está su interpretación de "Yesterday", que tiene una particularísima version.

Aunque es posible que no quieras añadir estas pistas individuales a tu selección de escucha, el álbum en su conjunto es una experiencia agradable.

Es tan destartalado como cabría esperar, pero si eres un gran fanático de Temptations como yo y tienes curiosidad por saber cómo sonaban en concierto durante sus primeros años, puede que te diviertas un poco con este.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ace se formó a partir de las cenizas de varias bandas inglesas de los años 60, en gran parte Action and Warm Dust, en 1972. Para cuando salió su álbum debut en 1974, cualquier signo de su pasado se había ido; Five-a-Side estaba sólidamente arraigado en el pop-soul de principios de los 70, basado en el órgano y la voz de Paul Carrack y el bajo de Tex Comer.

El sonido era algo que cientos de otras bandas de pub-rock estaban haciendo, pero a Ace se le ocurrió "How Long", una canción sobre un ex miembro de la banda que se fue después de revelar que había estado tocando con otro grupo. La canción fue malinterpretada como una canción de ruptura, y el excelente gancho (junto con la voz de Carrack), de repente tuvieron un gran éxito en sus manos. Tan importante que es una de las canciones maravillosas de un solo éxito de los años 70. 

Aunque la banda logró sacar dos álbumes más, nunca pudieron duplicar el éxito de "How Long". Parte del problema era que el sencillo de seguimiento, "Rock and Roll Runaway", simplemente estaba bien. "Know How It Feels" terminó siendo un lado bueno. Dale la vuelta a eso y tienes un buen golpe de uno a dos que podría haber hecho que la banda fuera más reconocible, aunque la producción todavía habría sido demasiado suave para que hayan sobrevivido a mediados de los 70.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Incluso las canciones que tenía archioídas sobadas del album como There must be an Angel o Sisters are doing for themselves cobran nueva vida dentro del contexto del lp. Es uno de los discos con mejor producción que haya oído jamás, pero además de una superproducción tiene alma, no es una producción vacía que se come a las canciones como le pasaba a tantos disco sobreproducidos de mediados de los 80, por el contrario realza las canciones aún más si cabe. 

Mientras casi todos los grupos tecnopop a mediados de los 80 dieron giros poco afortunados a su carrera Eurythmichs se descolgaron con su mejor disco junto al Sweet Dreams. Annie Lennox hace una de las mayores exhibiciones vocales que recuerde en disco alguno, se mueve como pez en el agua en todos los registros inimaginables, y a su vez el grupo pasa con una facilidad pasmosa del rock casi garagero (aunque impecablemente producido) de Would I lie to You que envidiarían muchos presuntos grupos rockeros actuales, al gospel, al emocionante soul barroco de I Love you like a ball and a chain, al pop sofisticado de Alright, todo tan pulido como elegante, intenso y emocionante, en fin la perfección hecha pop y sin duda uno de los mejores ejemplos de comercialidad bien entendida. 

Comprendo que a priori el nombre de Eurythmics pueda producir cierto rechazo y hace mucho que perdí la pista a Annie Lennox y Dave Stewart, y ya nada espero de ellos pero de veras que la reescucha de disco ha sido una más que grata sorpresa. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una de las historias más catastróficas de la música popular. Croce, en el verano de

1973 estaba en algún lugar en el camino hacia el estrellato, su estilo era baladista y estaba entre James Taylor y Gordon Lightfoot, con una calidad con los pies en la tierra que probablemente vino de su experiencia directa de la carretera y a pesar de los éxitos y la exposición que nunca perdió. Croce acababa de llegar a la cima cuando perdió la vida en un accidente de avión.

Este álbum completado antes de su muerte, pero lanzado después, es irónicamente su más logrado - lo que habría seguido solo se puede adivinar, ciertamente estaba estirando la idea aceptada de cantantes y compositores de folk, y era popular, en el resplandor tanto de la canción principal y "Time In A Bottle", un canción realmente triste.

1973’s # 1 UK ALBUM

24.3.1973-30.3.1973

Obra Maestra

Al igual que con todos los álbumes que logran este estatus clásico, fue perseguido por el creador durante toda su carrera, la única diferencia fue que Alice realmente captó esto más de una vez. Esta fue su segunda obra maestra, Killer, siendo la primera.

Si no has escuchado este álbum en su totalidad, entonces debes hacerlo. Hay grandes álbumes, pero esto está fácilmente entre los 5 mejores de la historia. Alice Cooper como banda todavía en este momento era tanto Buxton, Bruce, Dunaway como Vincent Furnier (también conocido como Alice Cooper).

La escritura colectiva fue imprescindible para el éxito de este álbum. Alice era la líder y el punto focal, pero esta seguía siendo una banda y una que estaba trabajando juntos creando algunas de las mejores y más influyentes músicas de la historia. Puedo señalar canciones y cantar sus alabanzas, pero tienes que escuchar este álbum y descubrir su grandeza por ti mismo. 

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