Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Antonio Martínez y José Sánchez
La música, para generar armonía, debe investigar la discordancia.
PLUTARCO
Yo acepto el caos. No estoy seguro de si el caos me acepta a mí.
BOB DYLAN
https://open.spotify.com/playlist/4F9SYFEwIvUsFZhTrJxOU1?si=iVDDe-xrTCu5bPbSpnB1Yg&dl_branch=1
Muy bien, seamos sinceros, me encanta este álbum. El sonido en general es más pulido que “Exile”pero no tanto como para que no suene como el siguiente paso en una progresión natural. Acostumbrarse más al estudio o algo así. Balanceándose entre el sonido apagado y apedreado de canciones como “chopsticks” y "shane" hasta el glam rock de "supernova" y “jealousy", el álbum encuentra un equilibrio en gemas pop bien concebidas como "May queen" y "Cinco de mayo". Realmente genial en todo momento, Liz probablemente estaba luchando con las expectativas de seguir a “Exile” y, en mi opinión, lo logró (bueno, estuvo cerca).
No tengo idea de por qué tanta gente se niega a admitir que les gusta Chris Isaak, porque realmente no hay nada que no les guste. Diré que no fue hasta que su catálogo completo llegó a mi puerta para su revisión que finalmente clavé Forever Blue como su álbum más destacado, abriendo con "Baby Did A Bad Bad Thing", una canción que hierve a fuego lento como un viejo número de blues. , y si lo hubiera escrito John Lee Hooker, con su línea base rodante "On The Road Again" de Canned Heat, todavía estaríamos cantando sus frases hoy.
Simplemente uno de los mejores discos de los 90. A partir de una cosecha de canciones poderosas escritas por gente como Steve Earle, Neil Young, Gillian Welch, Bob Dylan y Jimi Hendrix, Wrecking Ball es el mejor álbum de la carrera de Emmylou Harris. Al contrario de lo que dirían algunos críticos de sus producciones, Daniel Lanois esculpe el ambiente perfecto para este grupo de canciones profundas y sombrías. El resultado final es un álbum impactante que se mantiene unido como una declaración unificada de un artista talentoso que está llegando a su mejor momento al final de su carrera.
"Lonesome Jubilee" es un estudio de contrastes. Solo mira el título. Jubileo es una palabra feliz. Es una palabra de celebración, y todos pensamos en la celebración como una actividad social. Salimos a celebrar. Invitamos a la gente a la celebración. Estamos jubilosos durante un jubileo. Pero la palabra lonesome lo saca un poco de sintonía, y ayuda a formar el título perfecto para este álbum.
1976 encontraría a Elton John deprimido, adicto a las sustancias y el centro de atención no deseada debido a su sexualidad. Mientras tanto, su relación profesional con el letrista de toda la vida, Bernie Taupin, se estaba deteriorando. Fue en este contexto personal que lanzó su segundo álbum doble, Blue Moves.
Creo que algo de "An American Prayer" funciona muy bien: Jim Morrison entendió que la letra de las canciones y la poesía, aunque relacionadas no son lo mismo y, como poeta, creo que no estaba nada mal , un poco obsesionado con el sexo y la muerte, pero solo tenía 27 años cuando murió.
https://open.spotify.com/playlist/0y0kcGU3svyad7SeGYkd94?si=iZeLPuJRQlyWTEL65YLfhA&dl_branch=1 0
Morrison había grabado los poemas de su libro homónimo antes de morir .
En un rapto de nostalgia , y que afortunadamente también lo fue de respeto , los otros Doors decidieron rescatarlos , grabando expresamente partes musicales que le sirvieran de fondo.
Lo que podría haber sido un desastre se queda en un digno homenaje / acto de servicio .
Sólo mancillado por algún que otro pequeño toque de pretenciosidad -¿de quién fue la idea de meter el « Adaggio de Albinoni , Ray ? - , el disco An American Prayer merece ser considerado como una obra oficial más .
Incluso tiene premio para los más escépticos : una oronda versión en directo de « Roadhouse Blues . Y que conste que la puesta en escena y la ambientación para los poemas está muy bien logrado.
https://open.spotify.com/album/7qj6lZyChZxDGAqzTArHHQ?si=R0WgYc_rRK2-uv90KmpnEg&dl_branch=1
El Top 40 fue un lugar extraño en 2018: un lugar donde el éxito más antiguo de Billboard No. 1 del año tenía dos acordes y cero coros o ganchos obvios, y otros No. 1 incluían una odisea de psic-rap de tres movimientos, un Afrobeat. -trap de protesta y una balada de la celebridad del R&B Burn Book.
La definición de música pop siempre está cambiando, pero los últimos 12 meses en particular se sintieron como un año de transición, un presagio de un futuro donde la corriente principal de la música es casi irreconocible desde la perspectiva de donde estábamos hace una década.
Afortunadamente, eso también hizo de este uno de los años más emocionantes para los singles en las listas de éxitos y en nuestras propias listas de reproducción personales en la memoria reciente, uno en el que los mayores éxitos también fueron algunos de los más desafiantes y gratificantes, y en el que los más convencionales canciones pop que se abrieron paso a gran escala se sintieron más frescas de lo que lo han hecho en mucho tiempo.
Y, por supuesto, debajo de la superficie, muchos artistas más marginales estaban creando jams menos escuchados que recordaban el pasado olvidado desde entonces, o predijeron un futuro aún más fascinante.
Desde "Shallow" hasta "The Middle" y el más alto de "High Hopes", la música fue cautivadora en todos los niveles en 2018.
Es sorprendente cuánto odio recibe este álbum, porque es fácilmente uno de los mejores y más vendidos álbumes de pop de los 90, con letras geniales, letras enojadas y voces poderosas.
Junto con Blue de Joni Mitchell (pero no al mismo nivel), este es sin duda uno de mis álbumes de ruptura favoritos, con su mezcla de angustia e ira, con canciones frágiles y optimistas.
"You Oughta Know" es genial y me gusta "Ironic", pero las mejores canciones del álbum no son las que suenan con frecuencia en la radio. "Mary Jane" contiene mi voz favorita de Alanis, y "You Learn" y "Forgiven" son canciones emocionalmente poderosas.
https://open.spotify.com/album/09AwlP99cHfKVNKv4FC8VW?si=3AN10xAkRv23QhnVN99xVA&dl_branch=1
Este álbum es tan épico como “Goodbye yellow brick road”: coros de gospel, enormes arreglos de cuerdas, Crosby y Nash, montones de sintetizadores y secciones de trompeta ... suena enorme.
Hay fuertes vibraciones de chicos de la playa de los 70 y, aunque las letras a menudo son oscuras, la música es variada e inspiradora.
Realmente se puede notar en las canciones más taciturnas aquí la influencia de Elton en el fallecido George Michael también.
Entonces obtienes pequeños instrumentales funky, stompers RnB, pop de la costa oeste, baladas inquietantes, rock progresivo e incluso algunas influencias indias y de jazz. Nunca más Elton haría un récord tan ambicioso mientras descendía al abuso de drogas y la depresión.
Incluso su asociación con Bernie Taupin se detuvo en esta etapa por un tiempo.
Me gusta mucho, creo que es uno de los mejores.
https://open.spotify.com/album/0XsM7TdicJh19osmKPUoR2?si=n2tlzO9VT4q0HHGCS_J3TQ&dl_branch=1
Antonio Martínez y Jose Sánchez
«Venga de donde venga, la armonía que implica la belleza tiene un efecto benéfico sobre los corazones en peligro de naufragio».
Françoise Hardy
"La música tiene poder de curación. Tiene la capacidad de sacar a las personas de sí mismas durante unas horas".
Elton John
https://open.spotify.com/playlist/2visuJQZ65cS6S5pS4cFoS?si=eeOKgtJtTDGYs-m4AnfRzw&dl_branch=1
Este es el mejor lanzamiento de Mellencamp. 'Scarecrow' fue un paso significativo hacia el comentario social y el rock 'n' roll, pero este encabeza a 'Scarecrow' como el disco más significativo de los 80.
Para relajar el estado de ánimo, Mellencamp agrega el pop relajado de "Cherry Bomb" y "Rooty Toot Toot", pero todas las demás canciones tienen un tema serio que se balancea duro con mucha determinación y emoción. El uso de violín y acordeón y coros femeninos realmente se suman a la profundidad musical de este álbum. Las mejores canciones son "Paper in Fire", "Cherry Bomb", "Check It Out" y "Hotdogs and Hamburgers", pero son canciones como "The Real Life", "Empty Hands", "Down and Out in Paradise". , "Hard Times for an Honest Man”y "We Are the People" que hacen que este disco sea el mejor.
Yo clasificaría este junto con 'Born in the USA' de Bruce Springsteen, 'Nothing Like the Sun' de Sting y 'Joshua Tree' de U2 como los mejores álbumes de los 80.
https://open.spotify.com/album/1UiIinWX5c5fxGSpRCvjNR?si=JMDcwixBTZaL9MY31LWvqQ&dl_branch=1
The Wall es una opera rock escrita y compuesta casi en su totalidad por Roger Waters, exceptuando algunas canciones, que trata sobre un rockero que lleva una vida sumida en la soledad y decide aislarse detras de su propio muro mental, musicalmente aquí se encuentran las mejores baterias de Nick Mason, y el mejor solo de guitarra de David Gilmour. Se destacan canciones como la melancolica Goodbye Blue Sky, la trilogia de Another Brick in the Wall, siendo la primera parte la mejor, la desgarradora Don`t Leave Me Now, la fabulosa Hey You, la rockera y pesada Run Like Hell, la orquesta climatica que nos lleva a The Trial y por sobre todo la composicion de Gilmour y Waters llamada Comfortably Numb.
https://open.spotify.com/album/6WaIQHxEHtZL0RZ62AuY0g?si=xEkAZBnWQkaoHG5sG-QRnw&dl_branch=1
El estilo de Emmylou es una especie de combinación de folk y country clásico, suena muy personal y, sin embargo, muy complejo.
Su voz es tan expresiva, cálida y hermosa que casi cualquier cosa sonaría fantástico saliendo de su boca, pero afortunadamente este álbum no está lleno de cosas.
En realidad, está lleno de versiones de Jimi Hendrix ("May This Be Love"), Bob Dylan ("Every Grain Of Sand") y muchos otros, pero la pieza central es definitivamente su versión de "Wrecking Ball" de Neil Young.
Por lo general, no soy de los álbumes de versiones, pero esto desafía todo y es espectacular.
Este es probablemente el álbum de Emmylou para probar, es cautivador de principio a fin, y cualquiera debería disfrutar de la perfección cercana que ofrece este álbum.
https://open.spotify.com/album/3S2rjqCFfpvZKqGcVkHjDP?si=8QKrLDGeRzGaPI2uCBU3cg&dl_branch=
Rockabilly fue una unión de estilos de blues y hill billy que causó un alboroto en la comunidad de la música country casi tan pronto como salió al mercado. Viniendo rápido y con fuerza del sur, esta nueva música salvaje robó el centro de atención de los honky tonkers, crooners y recolectores de bluegrass que habían estado en lo alto durante la década anterior.
Para los tradicionalistas acérrimos esto era una abominación; Sin embargo, para aquellos que lo “entendieron”, el rockabilly ofreció a los intérpretes jóvenes e inquietos, pero todavía arraigados al country, la oportunidad de estirarse y soltarse musicalmente de formas nunca antes imaginadas.
A medida que Opry se hizo más fuerte y Nashville se convirtió en el punto focal de la industria de la música country, el rockabilly, durante unos pocos años candentes y poderosos, amplió el alcance y le dio a la generación más joven una música propia.
El rockabilly se encendió en el punto en el que el country y el western se fusionaron con el blues y el R&B.
Sus raíces se remontan a décadas atrás a través de jump blues, hillbilly boogie y western swing, pero como estilo en sí mismo, el rockabilly se inició formalmente en el verano de 1954 con la llegada de Elvis Presley.
https://open.spotify.com/playlist/72IUX1PZJYVP6jjEQzZ9jF?si=ulWfeWF9THqNUNIiPYOoAw&dl_branch=1
Realmente me preocupaba Forever Blue.
Además de la capacidad de Chris Isaak para derramar emociones a través de un canturreo humeante, una parte sustancial del crédito por el éxito de sus álbumes anteriores se puede depositar en el saber hacer del guitarrista James Calvin Willem.
El suyo era el acento distintivo que imbuía pistas como "Blue Hotel" y "Wicked Game" con un toque noir-ish.
Como si escondida dentro de cada canción hubiera una historia esperando pacientemente un guión y un director con una imaginación retorcida.
Pero, en algún lugar entre Heart Shaped World y Forever Blue, la compañía se separó y las notas del álbum sugieren que Isaak asumió el papel él mismo.
Inevitablemente, algo del mal humor cinematográfico se ha perdido pero, al liberar parte de la presión dolorosa, Isaak aparentemente ha aflojado cualquier restricción vocal y continúa floreciendo en su mundo reconstituido de los sesenta.
https://open.spotify.com/album/2CyRVxJr1Q8W3GemEnajzT?si=QLOjE4FhTd-lRbbLm1cW4w&dl_branch=1
Manfred Mann fue un artista que pasó la mayor parte de su carrera trabajando en las periferias del rock progresivo, pero hubo un período a mediados de los 70 en el que su Earth Band decidió abrazar más plenamente sus inclinaciones al rock progresivo.
Solar Fire fue el primer LP de esa fase de rock progresivo, e inaugura la era con uno de los discos más fuertes de su carrera.
La música aquí presenta una mezcla de la heroicidad del teclado analógico de Mann con una guitarra con tendencia al hard rock y melodías vocales accesibles de Mick Rogers.
Más o menos es la definición de libro de texto de "crossover prog", al menos en las pistas donde entran las voces.
Afortunadamente, siempre hay suficiente instrumentación interesante para que el disco aún atraiga a los fanáticos de un prog sinfónico más sencillo.
https://open.spotify.com/album/7ICzLlSf3tLjMGxNs3bnVv?si=Z5EqYXe1QrOlhs0RpLgazg&dl_branch=1
Whip-Smart tiene una producción más brillante y es más accesible que el primer álbum de Liz Phair.
Tiene una de las mejores y más salvajes canciones de rock de 1994 ("Supernova") y una gran cantidad de otros rockeros geniales, la mayoría de los cuales son más lentos y melancólicos esta vez ("Shane", "Nashville").
Algunos oyentes pueden extrañar la energía cruda, recién salida del garaje, que infundió su primer álbum, pero la profundidad sónica de Whip-Smart nos da una Liz con un sonido más maduro.
“Exile in Guyville”fue increíble por su abrumadora sinceridad pero “Whip Smart”es casi tan impresionante por sus estribillos hipnóticos.
https://open.spotify.com/album/7b2JNONmqJRtIKTofRdcFp?si=OM0csYZOSnipPKRM9ciV8g
Antonio Martínez y José Sánchez
«La música es para el alma lo que la gimnasia para el cuerpo».
Platón (427-347 a. C.). Filósofo griego
«La música es el verdadero lenguaje universal».
Carl Maria von Weber (1786-1826). Compositor alemán.
https://open.spotify.com/playlist/2vTgaszMfSduvGoan44a1S?si=__3GkLolQuahhSoFmWsz-w&dl_branch=1
No se puede negar el hecho de que Airbourne está integrado en el modelo de AC / DC. Airbourne no es el primer grupo en apoyarse mucho en el AC / DC que se funde los fusibles, y seguro que no serán los últimos. Pero, pocos grupos lo patean con la intensidad de Airbourne, como es evidente por el conjunto de pistas que completan la producción de Bob Marletter Breakin 'Outta Hell.
El álbum más conocido del dúo de Manchester Chemical Brothers, y está lleno de ritmos locos y pegadizos por todas partes.
Este álbum funciona mejor cuando te pierdes en él y te dejas llevar y saltar al ritmo de la música. En el fondo, es música de baile, y hace un gran trabajo al ser eso, muchos de los ritmos aquí son bastante salvajes y únicos, pero aún mantienen un ambiente divertido y animado.
Magnifica mezcla de rock y blues,con un poso de sonido narcotico.Baladas con pretension de himnos perdurables ( "The river rise",""Riding the nightingale" ,sublime),instrumentacion ajustada y economica,y la voz de Lanegan en plena forma dirigiendo todo el cotarro,pletorica de sentimiento.
Probablemente si tuviera que elegir un solo disco suyo,dificil eleccion,escogeria este:ni un solo tema sobra ni desentona.
El LP es sofisticado y elegante pero valiente, como Deco funky y blues. Durante un cuarto de siglo, Morcheeba ha producido música hermosa y seductora que envolvió lujosos sonidos electrónicos con guiños al folk, rock y hip-hop. Lánguido y sensual, su sonido llevó el trip hop al público general.
The Sundays,Etéreo, soñador, bonito como la miel, precioso, susurrante, tintinean. No hay un álbum como su debut. Las comparaciones con otras bandas de la época nunca encajaron conmigo. La maravillosa voz de Harriet Wheeler hizo que la banda fuera única. Tan dulce, tan delicado.
Algunas bandas parecen ser el blanco de los críticos de pseudo rock de mente estrecha, hagan lo que hagan y, desafortunadamente, Barclay James Harvest parece haber sido uno de ellos.
Sin embargo, 'Octoberon' es un disco espléndido (tenga en cuenta que me abstengo de usar cualquier etiqueta para definir su género, ya que trasciende cualquier encasillamiento).
https://open.spotify.com/playlist/5FcRaDVuFXhqtolGtWVk4G?si=ES1bzwT9SqapoGHYSXkInA&dl_branch=1
Después de registrar siete semanas en el número 1 en 2016, la banda se mantuvo en la cima de las listas durante dos semanas más en enero con 'Rockabye'.
Desde su lanzamiento, ha vendido más de 1,2 millones de copias solo en el Reino Unido.
Ed Sheeran luego comenzó su enorme temporada de 13 semanas consecutivas en la cima con el single más grande de este año, 'Shape of You'.
Harry Styles se hizo cargo durante una semana con su debut 'Sign of the Times', pero 'Shape of You' volvió al puesto número 1 inmediatamente después.
'Shape of You' es ahora el single más vendido de Ed Sheeran, con más de 3 millones de unidades vendidas en el Reino Unido.
"Octoberon" es el album que situa a BJH mas cerca del pop-rock sinfonico de Supertramp o Alan Parsons Project, e incluso del genuino rock progresivo, uno de los picos creativos de Barclay James Harvest.
Despues de un album repleto de bonitas canciones sencillas y cortas como "Time Honoured Ghosts", en "Octoberon" cuatro temas sobrepasan los 6 minutos, y eso ya es sintoma de algo. Sobretodo la primera cara, es la que podriamos considerar mas "progresiva" del album. Tres temas en esta cara. La delicada y melodica "The World Goes On" de Holroyd, con ambiciosos arreglos de cuerda. "May Day", de Lees, bastante roquera, y una de mis preferidas del grupo, que finaliza con una estupenda coral sinfonica. Y el tema de rigor de Wolstenholme, "Ra", un grandioso tema, mas roquero de lo habitual en el, aunque tambien muy sinfonico.
https://open.spotify.com/album/25I6bG8s0EX9QwUCoYQdRL?si=0yytg7NkQw-v-gOxmE5KBA&dl_branch=1
Este álbum es casi perfecto. Casi todas las canciones podrían haber sido una sola. La guitarra está llena de rellenos inteligentes, tonos agudos e inversiones de acordes inusuales, y la batería logra ser idiosincrásica, funky y bailable al mismo tiempo. Si bien los sencillos posteriores lograron retener este genio, nunca lograron alcanzar el mismo tipo de éxito con los cortes de álbumes posteriores, que carecían de melodías y coros fuertes, optando por una especie de experimentalismo que no les convenía particularmente. Aún así, nunca ha habido una voz de soprano que provoque el tipo de escalofríos como los de Harriet Wheeler, sea lo que sea que esté cantando. Este resulta ser su pico.
https://open.spotify.com/album/6CmJJCI3lOn5XVZ68hP9kY?si=nIt60hV_SNW86NYDbeY0Ow
No estoy muy seguro de por qué compré esto, considerando que tengo todos los álbumes en los que se pueden encontrar estos singles, excepto Wild Side of Life, que era un single que no formaba parte del álbum.
Sin embargo, contiene varios elementos esenciales que la banda ha seguido tocando en vivo. Sin embargo, una decepción es la inclusión de las versiones más cortas de Down Down, Mystery Song y Living on an Island.
Si no crees que Status Quo era una banda de rock decente, escucha esto, es genial.
Incluye todos los grandes singles de los 70 justo antes de que comenzaran a perder el control.
https://open.spotify.com/album/0momPsHJSsjh854wtoX1FR?si=LjaThOcnRS6EtFd3G5s5JA&dl_branch=1
"Shape of You" de Ed Sheeran llegó al número uno, pasando un total de doce semanas no consecutivas en la primera posición del Billboard Hot 100 durante 2017. "Castle on the Hill" del mismo álbum también hizo la lista, en la posición 40.
"Closer" de The Chainsmokers con Halsey fue incluido entre los 10 mejores por segundo año consecutivo, lo que lo convierte en la tercera canción de la historia en lograr esto, después de "Candle in the Wind 1997" de Elton John y "How Do I Live" de LeAnn Rimes, ambos clasificados entre los diez primeros de las listas de 1997 y 1998.
"Despacito" de Luis Fonsi y Daddy Yankee con Justin Bieber fue el número uno de mayor duración del año, liderando la lista durante dieciséis semanas y empatando el récord del sencillo número uno de mayor duración en la historia de la lista
https://open.spotify.com/playlist/620u3JhVnhRei4SNMFRWM9? Un si=nxnZFOuuSb2AVVPTeLV-7A&dl_branch=1
Los dos álbumes anteriores a Automatic for the People, Green y Out of Time, vieron a R.E.M. ampliando su alcance e impulsando activamente su sonido.Una de las características definitorias de esos álbumes es su variación, llena de experimentos estilísticos y el sonido general dominado por la banda introduciendo nuevos elementos.Pero la clave es el estado de ánimo: la pesada melancolía que sigue la pista, desde el acento grave de Stipe hasta el lento arrastre de la música.
El problema aquí son las baladas. Incluso en los álbumes promedio de Elton John, generalmente maneja al menos una balada que es afirmativa, triste o evoca alguna otra emoción fuerte.Pero aquí, las baladas fracasan. No son horribles, simplemente no logran despertar ningún sentimiento.
Sin duda editado en la mejor época de la banda, "Stratosfear" se puede considerar uno de los grandes discos de Tangerine Dream.Como es habitual en ellos, colchones de sintetizadores, guitarras floydianas y por encima de todo buenas composiciones para echar a volar la imaginación.Me gustó mucho cómo estaba bien mezclado el álbum.
Fue un espectáculo real de Phil Collins aquí, con su estilo memorable de cantar en las baladas, y luego se topa con una especie de funk maravilloso como en algunas canciones como: Hang in Long Enough y Something Happened on the Way to Heaven.
Beautiful Noise es uno de los mejores álbumes de Diamond: la composición, los arreglos y el poder vocal de Diamond están en su punto máximo aquí. La música de Diamond en ese momento se llamaba "Urban Rock" y ese sello lo describe bastante bien.
Si bien es un álbum muy agradable, parece que se presentan muchas cosas aquí que parecen prestadas. Quizás es por eso que no he pasado mucho tiempo con este álbum en los 30 años que lo he tenido.En cambio, recurriría a Yes, Gentle Giant, y especialmente a Genesis para escuchar lo que obtengo en Photos of Ghosts.También desearía que se hubieran quedado cantando en el hermoso idioma italiano, porque agrega una belleza única a las canciones.
https://open.spotify.com/playlist/0M9xhCA4tm6MX9M9l3PBp6?si=3yjJyywOSYic0KLbbhmFOg&dl_branch=1
Como cualquier gran conjunto pop, Morcheeba comenzó en un lugar antes de aventurarse en otro. El trío británico —la vocalista Skye Edwards y los hermanos Ross y Paul Godfrey— apareció ante el público comprador de discos hace veinticinco años por cortesía del medio trip-hop.
El subgénero, en su forma más pura, una embriagadora mezcla de hip-hop y electrónica, se remonta a finales de la década de 1980, pero se encendió con mayor intensidad durante mediados y finales de la década de 1990. Morcheeba, junto con compañeros como Portishead, Massive Attack y varios otros, pasó a definir esa edad.
Sin embargo, Morcheeba no se quedó quieto.
Cada esfuerzo sucesivo que surgió después de su aclamado debut Who Can You Trust? (1996) sentó las bases para una de las discografías más consistentes de la memoria reciente. Y esto se logró cuando resistieron fortunas comerciales en retroceso (debido únicamente a un panorama cambiante de la industria) y cambios ocasionales en la lista.
https://open.spotify.com/album/6WSkGx7rSHge730m48hz0l?si=EVZOZJNKQvG4dAZDTyeY9Q
Antonio Martínez y Jose Sánchez
"La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu. Quien canta, sus males espanta. Donde música hubiere, cosa mala no existiere".
Miguel de Cervantes
"La música no es sólo el arte más joven, sino tal vez el único cuyo ejercicio, si ha de ser eficaz, exige una completa juventud de espíritu".
Manuel De Falla
https://open.spotify.com/playlist/4czL8BoR5ysdTlWNXexfRi?si=I_JLXZqbQmC-0smIPZfqag&dl_branch=1
PREMIATA FORNERIA MARCONIA tuvo un gran éxito en 1972 lanzando dos deslumbrantes obras maestras ese año y realizó una gira muy exitosa por Italia que los colocó en la cima del montón progresivo italiano de bandas sobresalientes que habían surgido en ese momento.
Fueron lo suficientemente fortuitos como para atraer la atención de Greg Lake de ELP mientras ellos mismos estaban de gira por la campiña italiana, lo que resultó ser una explosión de suerte para PFM ya que ELP acababa de lanzar su propio sello discográfico Manticore Records y estaba buscando nuevos talentos.
https://open.spotify.com/album/1KRYJgwuYd03MEV8xECZl7?si=Hc0Ls2kyTIeF_aslSmpfXQ&dl_branch=1
"Whiskey for the Holy Ghost" no juega al despiste. Muy al contrario muestra desde los primeros acordes su intensidad entre tenebrosa y meditabunda. "The River Rise" explora las posibilidades de la luminosidad filtrada por velos gruesos y desemboca en las entrañas de esa gruta en medio de la roca que es "Borracho" con sus acelerones beodos y sus guitarras sulfúricas. Lo más intenso del disco a apenas cuatro minutos de su comienzo. Un arrabal sórdido desde el que solo se puede intuir la belleza pétrea de las otras joyas. Esas tonadas desesperadas a guitarra y teclado en las que la voz poderosa de Lanegan parece encontrarse como en casa.
https://open.spotify.com/album/1uaQEWs4HAfSMxXnORJHhG?si=Q9_j6dCnSjyC9MwyMPo22Q&dl_branch=1
A principios de la década de los 90, la popularidad de la música country explotó como nunca antes, fuera del gueto hillbilly y en la primera linea del mainstream estadounidense. Los vestigios del pasado del country todavía estaban presentes: voces vibrantes, steel guitars , violines y más de unos pocos guiños a Dios, a mamá y a Merle Haggard, pero este sonido de "nuevo country" estaba muy lejos de la música antigua. Las estrellas mismas eran ahora muchachos mucho más jóvenes con sombrero, chicas guapas con botas y caras de ojos brillantes y recién lavadas dondequiera que mirara.
Y la mayoría de las veces, los fanáticos ahora vieron por primera vez a estas personas a través de un video musical llamativo, en lugar de una aparición en Grand Ole Opry. A medida que se recortaba el modo hillbilly y la música se suavizaba con elementos más amigables con el pop, Nashville se abrió a una audiencia completamente nueva. Los fanáticos del country habían sido tradicionalmente sureños y rurales, pero ahora provenían de todas las tendencias y orígenes. Incluso los baby boomers educados para despreciar el sonido de una pedal-steel guitar sintieron que era seguro abrazar esa música. Las melodías eran tan contagiosas como cualquier cosa en MTV y esos chicos y chicas eran tan lindos.
La fuerza impulsora detrás de esta "revolución" de Nashville fueron las ventas de álbumes. Y Nashville no ha sido el mismo desde entonces. La radio comercial recogió esta tendencia sin problemas, después de todo, las estaciones de country habían estado rechazando “artistas clásicos y sonidos 'anticuados' durante décadas, todo en nombre de índices de audiencia más altos y una mayor participación en el mercado del pop. Pero en la década de los 90, sintoniza tu estación de country principal local, y de repente fue una rareza escuchar incluso a personas como Haggard, Waylon Jennings, Tammy Wynette o George Jones.
https://open.spotify.com/playlist/71wojKIF5b2t2rRns1Iqm8?si=3FsJMM1FQKCdkt2plcKdRw&dl_branch=1
"Dig Your Own Hole" de Chemical Brothers es el pináculo del dúo de la electrónica británica.
Su sonido de gran éxito cayó como el napalm sobre la escena musical inglesa a principios de abril de 1997 cuando sus samplers de guitarras y bajos envenenados dieron un pulso a la música electrónica que aún no había llegó al público en general, ya que su álbum debut dos años antes estaba restringido a un nicho alternativo
Hoy, 24 años después, tal sonido que en su momento recibió el sobrenombre de "big beat" puede sonar anticuado, el grupo en sí no mantuvo el impulso de sus tres primeros discos y sigue una carrera apática, pero solo los que vivieron el tiempo lo recuerdan bien del impacto que tuvo este álbum.
https://open.spotify.com/album/0FjHy5dCyVROqDUl6f2VTK?si=1ljfmTgLSWaaCrK9V-VUdg&dl_branch=1
Aunque la producción de Tangerine Dream (ciertamente 1970-2000) es una serie de álbumes en continua evolución, Stratosfear es importante desde una perspectiva estilística. Después de muchos años de producción en gran parte improvisada, desde krautrock psicodélico, pasando por drones hasta vibrantes paisajes sintéticos, Stratosfear es el primer álbum de TD que presenta melodías fuertemente compuestas.
El tema principal de la pista principal, presentado cerca de su comienzo, es una melodía sorprendentemente pegadiza, algo con lo que el grupo continuaría trabajando durante los próximos diez años.
https://open.spotify.com/album/3ihl5TOv2xoZHA2dLofrNT?si=jnYybtSOTr2-Ahs8m_ccuw&dl_branch=1
Se sabe que Airbourne suena similar a AC / DC, y este álbum ciertamente no cambia eso; algunos riffs suenan un poco demasiado similares en mi opinión.
Las voces son bastante chillonas pero es divertido, hard rock de la vieja escuela.
Su álbum de debut estaba lleno de pistas memorables, pero a este le falta ese aspecto 39 minutos, parece un poco corto.
Las mejores pistas son probablemente "It's Never Too Loud For Me" y "Bombshell".
El álbum no es tan bueno o pegadizo como sus álbumes anteriores.
Si bien este no es malo, en realidad creo que este álbum suena aún más a AC / DC que sus tres álbumes anteriores.
Algunas de las canciones también suenan como si hubieran sido escritas en unos 10 minutos.
Sin embargo, la mayoría de las canciones si obtienen una calificación de aprobado, especialmente la primera mitad y el álbum de ninguna manera es malo , pero supongo que solo esperaba un poco más.
https://open.spotify.com/album/2rtA2D8SqJ1aGUd3flJYFP?si=qzgqhvXXTEuRzR9ZLWqP1g
Antonio Martínez y José Sánchez
"La música es el arte más directo, entra por el oído y va al corazón".
Magdalena Martínez, flautista española.
"La música despierta en nosotros emociones variadas, pero no las más terribles, tales como horror, miedo, ira, etc., sino más bien los sentimientos más cálidos, como dulzura y amor, que se transforman en devoción. [...] Posiblemente estos sentimientos confusos y poderosos hagan surgir el sentimiento de lo sublime."
Charles Darwin
https://open.spotify.com/playlist/6NWc4mo848O70ChbRVPLpm?si=k5Bi6Nl7QASnDwR-RvFL_Q&dl_branch=1
American Thighs se basa íntegramente en las armonías gemelas de Nina y Louise.Voces muy dulces sobre el grunge estilo garage-rock.Un par de números suaves sacan más voces, pero por lo demás no son tan prominentes en la mezcla durante la mayoría de los versos de estas canciones.En realidad, todo es un poco desordenado, pero de alguna manera todo se alinea para "Seether".
¿Te vienen a la mente el gran single 'Connected', así como algunas otras pistas decentes, 'Everything', 'Step It Up', 'Playing with Fire' y 'Creation', en este álbum de dance-pop y acid jazz? y quizás el primer álbum de hip hop del Reino Unido. Encuentro este álbum bastante funky, un álbum que estuvo bajo el brazo de todos los DJ en 1992.
Sólido lanzamiento de soul funk del subestimado Clarence Reid.
Al igual que con muchos artistas de esta época, el éxito de la canción Nobody But You Babe hizo que el sello musical Atco lanzara un álbum rápidamente, por lo que hay una cantidad decente de versiones mezcladas.
Sigue siendo un esfuerzo sólido.
Colter captura eso al enmarcar sus SALMOS casi como un primo espiritual de las Semanas Astrales de Van Morrison, donde las formas populares estallan en las costuras y los marcos familiares se erigen solo para que el pesado contenido emocional se derrame y salga de ellos.
Aunque es un lanzamiento de 2007, es un álbum de soul vintage que podría grabarse fácilmente en Motown o Stax 40 años antes. Mientras que los gustos de Back to Black de Amy Winehouse suenan como meros renacimientos del soul, con resultados mixtos, "100 Days 100 Nights" tiene que ver con el soul seminal genuino, gracias al impresionante dominio de Sharon Jones en el canto soul.
Segundo LP de Inspiral Carpets después de su debut triunfal en 1990 con "Life" (Mute).
"The Beast Inside" retoma los temas del álbum debut, enriqueciendo y dando más colores al sonido del grupo de la escena Manchester Sound y del que probablemente constituyan el tercer grupo más representativo después de Stone Roses y Happy Mondays.
https://open.spotify.com/playlist/6PmH3hPnBohDT7sKCcj8ok?si=qoXThFnnQpiNbPGgBErv7w&dl_branch=1
2016 fue un gran año para la música pop, y estar en la parte superior del resumen de fin de año, que cuenta las ventas digitales, físicas y streaming, fue: ¿quien da más ? - Drake's One Dance,feat.Wizkid y Kyla.
One Dance fue el sonido ineludible del verano de 2016, logrando unas asombrosas 15 semanas en el número 1, igualando la épica temporada de Wet Wet Wet con Love Is All Around en 1994, pero no alcanzó el récord de todos los tiempos.
One Dance, el primer número 1 de Drake como artista principal, acumuló 1,95 millones de ventas combinadas durante el año, compuesto por 530.000 descargas y la impresionante cantidad de 142 millones de reproducciones. La canción más reproducida de 2016,
One Dance también disfrutó de la mayor cifra de ventas combinadas de una semana para un sencillo número 1 del año, alcanzando 140.000 durante su cuarta semana en la cima en abril.
La historia puede haber relegado a Inspiral Carpets al estado de "segundo nivel" dentro de la escena Manchester, pero eso no hace que su producción sea menos esencial para aquellos que buscan explorar el género.
De hecho, si la calidad de The Beast Inside es un juez, la única explicación razonable para la falta de notoriedad de la banda es el hecho de que alcanzaron su punto máximo un par de años demasiado tarde.
No catalogaría este disco como una experiencia que cambia la vida, pero es un lanzamiento notablemente entretenido que se mantiene firme frente a cualquier álbum de La historia puede haber relegado a Inspiral Carpets al estado de "segundo nivel" dentro de la escena Manchester, pero eso no hace que su producción sea menos esencial para aquellos que buscan explorar el género.
De hecho, si la calidad de The Beast Inside es un punto de referencia , la única explicación razonable para la falta de notoriedad de la banda es el hecho de que alcanzaron su punto máximo un par de años demasiado tarde.
No catalogaría este disco como una experiencia que cambia la vida, pero es un lanzamiento notablemente entretenido que se mantiene firme frente a cualquier álbum de Manchester Escena y que no se titule The Stones Roses.
https://open.spotify.com/album/5Iv8JZCiHflefOwvkEXOqx?si=b4bBAZW8T0-0dwUu9pu2SQ
Durante 2016, diez sencillos alcanzaron el número uno en el Hot 100; un undécimo sencillo, "Hello" de Adele, comenzó su carrera en el número uno en noviembre de 2015.
De esos diez sencillos número uno, cinco fueron colaboraciones. En total, catorce artistas encabezaron la lista como artistas principales o destacados, con nueve —Zayn, Desiigner, Wizkid, Kyla, Sia, The Chainsmokers, Halsey, Rae Sremmurd y Gucci Mane— logrando su primer sencillo número uno de Hot 100.
The Chainsmokers and Halsey's "Closer" fue el número uno más antiguo del año, liderando la lista durante doce semanas; a pesar de esto, "Love Yourself" de Justin Bieber encabezó el Billboard Year-End Hot 100.
Si lees las reseñas de la música de Elton John, especialmente su música de los 80, se lee como una película biográfica pop mucho antes de que saliera 'Rocketman' en 2019.
Hay tanta dramatización sobre cómo se cayó en desgracia después de Blue Moves o Rock of the Westies e hizo “regresos”.
Sin embargo, aparentemente estaba en su punto más bajo cuando salió 'Leather Jackets' en 1986. Definitivamente su hábito estaba fuera de control y tenía todo tipo de problemas personales.
Y 'Leather Jackets' es el disco débil que se hizo. Entonces la historia dice ...
“Leather Jackets”es fácilmente su mejor álbum de la década de 1980. Si me preguntaran las mejores canciones de Elton de la década, incluiría al menos 5 o 6 canciones de este álbum.
Además, solo quería señalar que se habla mucho de él cantando en su registro más bajo. Creo que Elton estaba tratando de cantar como un cantante de soul R n B aquí, por eso, y no por una incapacidad debido a una enfermedad.
https://open.spotify.com/album/6LJWMUVW2N2vvshxq3XCS6?si=C0M0735KRH6wOev1lFJWLg&dl_branch=1
Odio decir que estaba listo para que no me gustara esto incluso antes de escucharlo, pero es verdad.
El caso es que el r & b moderno realmente no tiene un lugar para mí el 99% del tiempo. Sin embargo, este me asombró y me convenció de la idea de la música soul moderna clásica.
La música real suena auténticamente envejecida, pero tiene una simpatía tan divertida y funky que es todo menos básica y tranquila.
Sin embargo, la voz de Sharon, ahora esa es la razón para comprobar esto. Incluso se acerca al talento de Aretha Franklin.
Ella es acertada, llena de alma y energía y toca las notas perfectas cada vez, suena tan sin esfuerzo y es convincente.
Hay algo tan carismático en este álbum que me enganchó la primera canción y no puedo dejar de escucharla. Estoy aún más sorprendido de descubrir que el álbum justo antes de este supuestamente es incluso mejor, ¡simplemente debo escucharlo!
No me importa lo escéptico que seas, es una pena si no investigas esto.
https://open.spotify.com/album/5AaBCtOPHVJMYcDyLgu5BD?si=I63E0a8uQl2Jz6aoNBLv3A
Antonio Martínez y José Sánchez
"La música expresa lo que no puede ser dicho y aquello sobre lo que es imposible permanecer en silencio".
Victor Hugo
"La música es el tipo de arte que está más cerca de las lágrimas y la memoria".
Oscar Wilde
https://open.spotify.com/playlist/0fpghvFGU28NWdl3X0lLBj?si=GIHLMT2nTku84UHTY-cBLg&dl_branch=1
Después de todo, esas son las dos caras de la moneda que hacen que The Psalms sea impactante, cómo están hechos de ceniza humana y arcilla, pero se contentan con mirar por encima y más allá de sí mismos en busca de un sentido de lo sublime.
Colter captura eso al enmarcar sus SALMOS casi como un primo espiritual de las Semanas Astrales de Van Morrison, donde las formas populares estallan en las costuras y los marcos familiares se erigen solo para que el pesado contenido emocional se derrame y salga de ellos.
Todas estas canciones comenzaron esencialmente como improvisaciones de piano, y aquí, trabajando con el productor Lenny Kaye de la Patti Smith Band, Colter crea música que suena, construye, se desplaza y se eleva, nunca siguiendo ritmos emocionales familiares, sino permitiéndoles seguir los suyos. intuiciones salvajes.
Estas son actuaciones de banda completa que a veces se sienten como encantamientos frenéticos.
https://open.spotify.com/album/5O13jrQCoOiFxsvwlWf9ho?si=
Clarence Reid fue un artista inclasificable y polifacético que destacó en múltiples campos; desde su pasado detrás de los estudios escribiendo para artistas como KC & the Sunshine Band, Sam & Dave, Irma Thomas, Bobby Byrd o Betty Wright (a quien entregó su mayor éxito, «Clean Up Woman») a su excéntrica y explícita personalidad como Blowfly, su alter-ego irreverente y vicioso que introdujo la temática sexual en el Soul y, según él mismo, se anticipó varias décadas al Rap.
El artista de Miami murió a la edad de 76 años tras anunciarse que padecía un cáncer terminal de hígado e invitar a todos sus fans a enviarle señales de afecto en sus últimos momentos de vida; el norteamericano lanzó unos 30 álbumes como Blowfly desde sus comienzos en 1973 y fue el primer cantante/rapper en ver como una de sus canciones era censurada en la radio. https://open.spotify.com/album/3MVVIaqFo1r7JBFJxh9j1m?si=Q1EvjTsjTb-OjBgWiPNItw&dl_branch=1
Creo que la producción de Robbie Robertson es maravillosa, el mérito donde se merece y la maestría musical (incluidos los miembros de la banda, así como un equipo de sesión de Nueva York) realmente excelente. Diamond como siempre pone todo en las actuaciones.
El lado A es bastante impresionante, me sorprendería que alguno de los álbumes de Neil coincida con esa secuencia. El arreglo de ragtime en "Stardust" es perfecto y la canción principal es una de mis canciones favoritas de este artista. “If you know what i mean" and "Lady oh" son hermosas baladas.
El disco pierde su rumbo en el lado B a pesar del material predominantemente optimista en mi opinión, pero "Signs" and "Dry your eyes" evitan que el disco se caiga por completo.
¿Una canción de amor a la ciudad de Nueva York? ¿O el disco más elegante de Diamond jamás creado? De cualquier manera, es más estimulante que cualquiera de los trabajos tardíos de la banda.
https://open.spotify.com/album/5fCDkUPdEk9yDmZ5nOhwSI?si=HRwBOuoyTbSXd71KUT2Fag&dl_branch=1
URBAN COWBOY
La bomba más grande que golpeó Nashville, sin embargo, lo que se convirtió en el clímax de la historia de amor del country con el pop, fue la inmensamente popular película de 1980 Urban Cowboy.
La película se basó en un artículo de 1978 de la revista Esquire sobre los trabajadores petroleros de Texas que pasaban su tiempo libre en Gilley's, el”honky-tonk más grande del mundo” en Pasadena, Texas, presidido por el cantante Mickey Gilley , bebiendo lo mas grande y turnándose en el toro mecánico (un mecanismo de práctica para jinetes de rodeo que había instalado el copropietario Sherwood Cryer).
La música country había crecido rápidamente en popularidad en los últimos años, y esta película y su álbum de banda sonora complementario, que mezclaba canciones de grupos de rock como The Eagles, Bob Seger y Linda Ronstadt con otras de Rogers, Gilley y Charlie Daniels. Band - abrió las compuertas, haciendo por country lo que Saturday Night Fever había hecho por la discoteca. Los clubes nocturnos intercambiaban bolas de espejos por toros mecánicos (vendidas por cortesía de Cryer); las personas que alguna vez bailaron el Hustle en plataformas ahora estaban ataviadas con botas de cuero rígidas y aprendían el Cotton-eyed Joe ; aumentaron las ventas de camionetas pick-up; y los grandes almacenes de la ciudad tenían sombreros de vaquero, jeans de diseñador y camisetas Country.
https://open.spotify.com/playlist/2VAbTGVlEY7cI9GldoABmU?si=su4HmqKeRaWk6qXysQ7rjQ&dl_branch=1
Eurodance y el hip-hop se encontraron con una fuerte porción de acid jazz para convertirse en un estilo relajado y más orgánico de música tipo Manchester.
La canción principal es ahora un clásico, y la mayor parte del resto crea una agradable atmósfera de nostalgia de los noventa en la actualidad. Connected es un buen ejemplo de trabajo de una era en la que la música dance progresaba rápidamente hacia subgéneros más interesantes.
Allanó el camino para grupos como Faithless.
https://open.spotify.com/album/3NRQnGdFznbXtP8u2O4VKB? si=gzvFObZaTk2ex1mCJ4jKzg&dl_branch=1
La otra obra maestra de Jackson.
Esto es simplemente buena música; hermosa, absorbente, emocionante y llena de energía contagiosa. "Man in the Mirror" es la canción más conmovedora que jamás haya hecho, y aunque "Speed Demon" y "Liberian Girl" son las pistas más débiles del álbum, siguen siendo muy buenas por derecho propio.
¿Quién no puede admirar la brillantez de canciones como "Smooth Criminal", "Another Part of Me" y "I Just Can't Stop Loving You"? Todos estos son fantásticos.
El álbum en general no es tan perfecto como "Thriller", pero se acerca peligrosamente.
Tanto "Thriller" como "Bad" definitivamente representaron a Jackson en su apogeo, y fueron precedidos por el impresionante "Off the Wall", por lo que consiguió ser el rey del pop con esos tres clásicos consecutivos.
Si aún no las ha escuchado, no sé qué está esperando.
https://open.spotify.com/album/3Us57CjssWnHjTUIXBuIeH?si=I_lbXaT_TPmvsgR8GUpThQ&dl_branch=1
Si los ingeniosos Monty Python se atrevían a calificar a un asesino como " un suicida extrovertido " , se entiende entonces que la prensa especializada - sobre todo en Europa , haga juegos malabares afirmando que Veruca Salt son la última y más jugosa sensación indie .
Me molesta crucificar a un grupo por que me pueda recordar a otro de más historia y personalidad , así que atendiendo a esos criterios de apropiación y reciclaje que convierten a Primal Scream , Sammy y Chapterhouse en impostores y a Suede , Pavement o Jon Spencer en válidos herederos de otros tiempos ( Bowie / Fall / Stones ) , me atrevería a decir que Veruca Salt se encuentran justo en medio , entre el ridículo y el descaro , la excitación adolescente y la copia a carboncillo evidentes- , Así mientras en “Seether”“ Victrola ” , “ Wolf " y " Spiderman 79 ” enamoran ,apropiaciones a las Breeders , un cierto espíritu naif , golpes de efecto de sobra calculados y un tufillo hard metal les recuerda a Black Sabbath y hasta a los Zeppelin . Tú eliges , pero yo creo que este disco , vertiginoso y aguerrido , es tan sólo un poco mejor de lo que a priori parece , y bastante peor de lo que algunos quieren que parezca . https://open.spotify.com/album/3sJgSPUnFjlRIckcgtbWyj?si=YjkZR4G1QyOObvxVAHSfbQ
Pink Flag conserva hasta la fecha una actualidad sorprendente tomando en cuenta el año de su aparición. Es más, a mi humilde entender practicamente solo son algunas brevísimas y enérgicas descargas ramoneanas las que ligan a los bisoños Wire con su época y su entorno punk-rock, ya que mucho del material en este disco podría pasar por cosas que aparecieron después, ya sea en los 80 y 90 e incluso hoy.
"Come on Pilgrim" es una conflagración de guitarras agresivas y melodías pegajosas. Aquí las canciones colean y se te escurren de las manos como anguilas eléctricas. El calambrazo te deja en shock y no te da tiempo a recuperarte antes de que se agoten estos ocho temazos que rezuman frescor y un alud de ideas nuevas por desarrollar en una carrera fulgurante y única.
Examinando las discografías de Luna, de Damon & Naomi y de Galaxie 500 (por cierto si no las habéis procesado ya tardáis) tengo que decir que este álbum es bajo mi criterio lo mejor que han grabado los tres míticos componentes, de hecho, el aura de grupo de culto, se debe en gran medida a este disco.
No voy a descubrir nada nuevo si digo que el disco es heredero de los Velvet Underground, como se puede apreciar en cada canción. Canciones con atmósferas increíblemente melancólicas, mezclas de guitarras acústicas y eléctricas que te tocan directamente el alma y que a veces me recuerdan a los Feelies…
Después de una docena de escuchas, he decidido que en realidad es un álbum bastante bueno de folk pop y pop r'n'b de 1967, con una composición bastante fuerte de principio a fin. Por supuesto, es el interludio más suave entre su rock n 'roll anterior y su psicodelia más pesada posterior, probablemente una de las dos razones principales de la impopularidad del disco, ya que a la mayoría de los fanáticos, sin duda, les gustan más sus Pretty Things de siempre.
Debido a que tiene muy poca participación en la instrumentación de sus álbumes, Leonard Cohen sufrió todos los terribles trucos de producción de los años ochenta mucho peor que la mayoría, y tuvo que depender únicamente de su canto y especialmente de sus letras para llevarlo a cabo. The Future todavía está algo atascado en los problemas de sus álbumes de los ochenta, pero es una gran mejora en ese sentido. Este álbum sería su única producción en los noventa, cuatro años después de I'm Your Man de 1988, y sería su último lanzamiento durante los próximos nueve años.
Algunas personas pueden encontrarlo aburrido.
Y podrías descubrir un lado ambiental un poco diferente del trabajo conjunto de James y Brian Eno (que es un gran admirador de James).
¡Una música maravillosa para escuchar cuando se pone el sol y un disco imprescindible para todos los fans de James!
Sonidos aleatorios, ruidos, ritmos y fragmentos de melodía. Si no esperas canciones, es posible que encuentres mucho que apreciar en este conjunto de fondo particularmente atractivo.
https://open.spotify.com/playlist/3HtW2z7ji7TEaI32VYV8BE?si=mWOqykFUQgqE7ftbV4PnsA&dl_branch=1
José Sánchez y Antonio Martínez
Los primeros discos se vendían en bolsas de papel de estraza. En 1940, un joven nacido en Nueva York en 1917, hijo de inmigrantes polacos, llamado Alex Steinweiss, que trabajaba en Columbia records, propuso envolver los discos en una cubierta de papel con dibujos o fotos y un agujero en el centro. Así se convirtió en el diseñador que inventó las portadas de discos. El resultado fue prodigioso, sobre todo para la rentabilidad de la empresa, las ventas aumentaron un 800%. Pero también así surgió un arte que vino a ayudar, explicar o sugerir el trabajo de los artistas y a crear una legión de seguidores apasionados por el coleccionismo. Se compraba la música, pero en algunas ocasiones se adquiría el disco por el atractivo diseño de su carátula.
José Sánchez y Antonio Martínez
A quienes disfrutamos de la música y somos aficionados a los vinilos, las portadas nos inspiran música con solo contemplarlas. Al tener el objeto entre las manos nos dejamos llevar por lo que nos sugiere, intuimos la música que contiene y nos deja expectantes ante el placer que nos va a provocar su escucha.
Igual que ocurre con la música, las portadas también son objeto de debates entre los aficionados, lo que para unos es una obra de arte, para otros resulta decepcionante. La belleza es muy relativa y muy influenciada por nuestros gustos personales.
Algunos no comprenden que haya gente que disfrute de ciertos estilos musicales, pero el melómano es un sujeto fanático al extremo de la música. Una persona que siente una gran pasión por el arte musical, incluso a un nivel excesivo. Un melómano dedica gran parte de su tiempo y recursos a disfrutar del arte musical, a coleccionar su objeto de deseo, ya que lo considera algo fundamental en su vida.
Hoy, cuando parecía que esta pasión estaba próxima a desaparecer, hay un resurgimiento del vinilo, se vuelven a recuperar las ediciones y las ventas no dejan de crecer. ¿Será por mucho tiempo, o solo se trata del canto del cisne?
Alex Steinweiss fue el diseñador que inventó las portadas de discos en 1940.
A partir de entonces las portadas con dibujos o fotos sustituyeron a las clásicas bolsas de papel de estraza.
Un libro, ÁNXEL GROVE, (Taschen) recoge su impresionante colección de diseños.
Alex Steinweiss. The Inventor of the Modern Album Cover (Bibliotheca Universalis)
En este cartel se reúnen algunas de las portadas más célebres de la música popular.
José Sánchez y Antonio Martínez
Si hemos llegado a este número redondo de 500 seguidores en el grupo de Facebook Zapata Rock(https://www.facebook.com/groups/112275662823502/?ref=share), es porque escuchar música nos provoca placer.
Muchas personas no entienden que haya gente a la que le apasione tanto la música, aunque no lo digan, piensan que estamos chiflados.
Tal vez el origen de esta incomprensión hacia nosotros esté en el hecho de que tristemente hay entre un 3 y un 5% de la población que no experimenta ni exhibe ninguna forma de respuesta emocional positiva al escuchar la música, no siente absolutamente nada. Se llama 'anhedonia musical específica'. Es una condición neurológica que implica la incapacidad de un individuo para disfrutar escuchando música.
Quienes de forma exagerada disfrutamos de la música como algo placentero e incluso adictivo, pensamos que es una bendición de la naturaleza el poder tener esos momentos de placer tan personales. Es como poder tener disfrute personal en cualquier momento, en el momento que tu decidas, onanismo cerebral. Se puede hacer en pareja, cantando o bailando, con lo cual se convierte en puro sexo placentero. Y si se disfruta en concierto o en una fiesta... orgía sensitiva.
https://open.spotify.com/playlist/0f2ZYPh7xtxPRvk2G3V3iu?si=7G3jL3WGSNC2ykcfIGrCYg&dl_branch=1
