SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 83

Southern Roots Rockers”  es una buena representación de la música del Sur de Estados Unidos denominada “southern fried music”  que tendríamos que traducir literalmente como “música sureña frita”  interpretada por algunos de los más auténticos representantes del género.

Don Nix es uno de los músicos de estos discos y esta es una grabación de 1971 junto a su amigo Leon Russel tocando el piano. En la grabación está presente el gran Walter “Furry” Lewis , guitarrista y cantante de blues, nacido en Greenwood, Misisipi, en 1893, y fallecido en Memphis, Tennessee, en 1981.

El contenido de estos dos discos de  recopilación,  suena a la música del Delta del Mississippi, a Blues al estilo de la Calle “Beale” de Memphis, al piano rápido y bailable propio del boogie – boogie, a los salones de baile Cajun de Louisiana, al picante del golfo de Mexico, al ambiente de New Orleans,  y a buen Rock and Roll.

En definitiva, dos discos imprescindibles para ir preparando el equipaje y recorrer con “Miles and Music”, el Sur de Estados Unidos.

Estos son algunos de los artistas que participan en las grabaciones:

Don Nix,  ha escrito canciones, ha producido discos y ha actuado junto a George Harrison, Albert King, John Mayall, Freddy King, John Lee Hooker y Leon Russell.

Terry Wall, Lleva toda su vida tocando en Memphis y alrededores y es un reconocido guitarrista, cantante, compositor y productor. Ha trabajado con personajes tan importantes como B.B.King, Bob Welch, Freddy Fender y muchos otros del área de Memphis. La primera sesión de grabación de Terry fue en los ahora legendarios Sun Studios a mediados de los 70. Terry Wall y su banda the Wallbangers tienen un gran show en vivo haciendo rock & roll del sur, crudo y atrevido.

BARRANCO, BARRETT & CROCKER, Originales de  Jackson, Mississippi, los cuatro miembros de Barranco, Barrett y Crocker (hay dos Barrancos en la banda) proceden de diversas bandas de rock sureño, The Cracker Jacks, Mississippi Rain y Sassy Jones, y trabajaron como músicos de sesión en la compañía Malaco Records.

Además de los mencionados el disco también cuenta con el virtuoso de la harmonica Tommy Dardar de Houston, Texas, The Pale Prince of Beale Street, también conocido como Papa Don McMinn,  The Anderson Brothers de Shreveport, Louisiana, los incondicionales de Nashville,  The Pitifuls, entre otros. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mi álbum favorito de Mary Chapin Carpenter. "The End Of My Pirate Days", "Stones In the Road", "House Of Cards" y, por supuesto, el gran éxito country "Shut Up And Kiss Me" la llevaron a ganar un merecido Grammy al Mejor Álbum de Country .

Con este en realidad hice mi lista de los 10 mejores álbumes de 1994 (¡Dios mío, este álbum tiene 15 años!). ¡Grandes cosas! También el primer álbum en el que dejó caer el guión de su nombre.

Si este es un "esfuerzo sorprendentemente pobre" para la critica, ¿cuál sería el mejor, me pregunto? Personalmente, considero que este álbum está lejos de ser "pobre" de ninguna manera, y para mí es aún más fuerte que Come On Come On. ¡Excelente álbum, muy recomendable! 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Conteniendo tres buenos sencillos, lamentablemente para Miles, solo uno de ellos llegó al top 20.

A partir de entonces, se perdió entre la multitud, ya que la discoteca y el punk / new wave se combinaron para exprimir solo los artistas más establecidos, muchos de los cuales se apresuraron a imitar aspectos tanto de los nuevos géneros de moda como de aquellos que elevaron su calidad para enfrentar el desafío.

En este álbum perfectamente simpático, es evidente que Miles no pudo alcanzar las mismas alturas que ese prometedor debut.

Para tomar un ejemplo contemporáneo, claramente Queen podría haberse arrinconado con el gran éxito de la única "Bohemian Rapsody", pero salió golpeando directamente después con el más convencional pero aún de alta calidad "Somebody To Love". 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Grand Funk es un álbum que puede llevarte de vuelta a una época de botones descoloridos, camisas de gasa, cabello hasta la cintura para hombres y bigotes exuberantes para aquellos bendecidos con la capacidad de dejarse uno.

No es un favorito de la crítica, sin embargo, es una cápsula del tiempo agradablemente peluda de su época, y que puede arrastrar a los fanáticos caducados directamente a su juventud mal gastada.

Grand Funk Railroad puede no haber significado mucho para los fanáticos de la música en Gran Bretaña y el resto de Europa, pero para ser justos tuvimos una gran cantidad de nuestros propios tipos ruidosos de pelo largo para celebrar, pero son una de las piedras angulares poco celebradas del rock and roll estadounidense amplificado, y todavía hay una afición nostálgica por ellos hasta hoy aun. 

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DIRECTISIMO 16

Medio siglo en la trayectoria de The Beach Boys y aquí está su quinto disco en directo .

Digámoslo con finura : el anterior Live at Knebowrth ( 1980 ) sigue siendo mejor .

Y es que más allá del humor jocoso que acompañó a la muy geriátrica reunión de los miembros supervivientes de la formación original , lo único de lo que se trataba aquí era de exprimir el penúltimo dólar de un mítico catálogo de canciones . El prestigio no entró en la ecuación .

Con esa idea reflejada en un repertorio al que no le faltaba nada , y bien arropados por un grupo de músicos lo suficientemente competentes como para llevar el peso del show , los chicos de la playa cumplieron religiosamente las fechas y no se amilanaron a la hora de lucir papada y arrugas , para inconfesable deleite de los mitómanos de las primeras filas .

Un paso más lejos de eso quedan en el presente doble álbum ejecuciones profesionales y sorprendentemente frías ( ¿ no estábamos ante un desatado subidón de nostalgia ? ) de un set - list de infarto , que ni siquiera la traca final consigue calentar .

El descafeinado epilogo a un sueño del que hubo que mantener alejados a los mercaderes. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 76 (Semanal)

Crazy World es el undécimo álbum de estudio de Scorpions. Por lo general, cuando una banda llega tan lejos, los rendimientos son variables. Ciertamente pensé que el álbum anterior era decepcionante, pero este es bastante consistente, cargado con un par de sencillos, 'Tease Me Please Me' y 'Don't Believe Her'. Ambos son buenos sin ser estelares. Más adelante, 'Kicks After Six' y 'Hit Between the Eyes' también son bastante buenos, aunque hay un toque de similitud que podría hacerte preguntarte qué canción estás escuchando. En general, sin embargo, este álbum hace lo que un álbum de rock debería hacer. Es optimista y en realidad lo merece.

Aquí hay una banda que tenía todos los ingredientes para ser realmente buena. Un muy buen guitarrista, un cantante fuerte e influencias de blues y rock sureño. Sin embargo, terminó siendo menor que las sumas de las partes. Como han dicho algunos otros críticos, carece de esa "magia" que tuvieran las bandas por las que fueron influenciados. Los Black Crowes fueron capaces de aprovechar esa magia, Cry of Love, bueno, no recrearon esa magia. Las canciones son bastante buenas, la interpretación es buena, pero le falta una sensación y química cohesivas. Casi me recuerda a una banda de bares donde piensas que estos tipos son bastante buenos, pero no están listos para el "gran momento".

Su mejor álbum desde Our Endless Numbered Days. Me encanta el uso del jazz y el funk aquí (sutil), todo conduce a un pequeño gran álbum. Nada aquí te dejará boquiabierto, pero la calidad de la canción es extremadamente alta. La gente parece estar un poco seducida con este tipo de música , pero creo que ha demostrado que los detractores están equivocados con este álbum de Iron & Wine.

Es un poco un paso atrás con respecto a la oferta anterior de "Uptight". La fórmula es en gran medida la misma, los sencillos, algunas versiones de éxitos recientes y algunos estándares de Motown. No me gusta especialmente su versión de Bang Bang, la canción de Cher de 1966, y podría vivir fácilmente sin "Mr Tambourine Man" como portada de Bob Dylan de este álbum. "My World Is Empty Without You" es una lectura directa del éxito de las Supremes. Las canciones interesantes son "A Place In The Sun", "Thank You Love" y "Sylvia". Todavía para un niño de 16 años, no es un mal álbum, pero no es un parche sobre qué más hay en el cañón Stevie Wonder.

Uno de los álbumes más brillantes de la historia del Rock. Este "Eliminador" del famoso barbudo de ZZ Top está lleno de éxitos imparables, con una receta explosiva para la época, a saber, un rock duro muy estadounidense, teñido de muchas influencias blues (las raíces del grupo están en la base).

Más jazz Ray Charles que cualquier otra cosa, a pesar del título, y eso es jazz de big band. Por supuesto, el soul estará involucrado porque Ray está cantando en algunas de estas pistas, no en todas, algunos buenos instrumentales para disfrutar en este lanzamiento, con Ray tocando el órgano. El gran trompetista de jazz Clark Terry está aquí con un hombre que conoce bien el jazz, produciendo el álbum, y ese es Creed Taylor. Este es un buen álbum oscilante con un toque de soul.

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1962’s # 1 UK ALBUM

Me encanta el suave canto de Elvis de principios de los 60. Si Elvis hubiera podido hacer buena música como esta durante los años 60 en lugar de cantar en coches de carreras para sus películas, la música habría sido mucho mejor. En este punto ya no es el innovador rock-n-roller, pero este material es muy bueno. Desde "Stepping Out Of Line" hasta "Suspicioun" y "(Such an) Easy Question" y así sucesivamente en el álbum nunca decepciona.

Un álbum de estudio razonablemente entretenido, obstaculizado por demasiada reverberación en las pistas de baladas. Los mejores cortes son el rockero de blues Gonna Get Back Home Somehow, Fountain of Love con sabor latino, y las canciones más tarde seleccionadas para el lanzamiento de singles: Suspicion, Easy Question y I'm Yours (versión que contiene recitación hablada). 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Musicalmente, este álbum es bastante sólido, pero al ver que es un álbum de Ray Charles, esperaba más una experiencia vocal de soul/jazz en lugar de una gran banda de jazz ruidosa con Ray con sus puñaladas y adornos de órgano. No hay una pista débil en el álbum, pero de nuevo no hay muchas aquí que te dejarán boquiabierto. Creo que la pista más fuerte es "I'm Gonna Move to the Outskirts of Town". Si el álbum se hubiera reproducido más así, habría sido una experiencia auditiva mucho más gratificante. 

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1959’s # 1 USA ALBUM

Sorprendentemente me convenció esto, ya que normalmente no voy por instrumentales (aunque últimamente he estado cambiando mi gusto en ese sentido , en gran parte debido a este álbum).

El verdadero atractivo (aparte de la fantástica musicalidad) son los ruidos de los animales que hacen que uno se sienta como si realmente estuvieran en una tierra exótica.

Incluso comienza con la mejor canción del álbum "Quiet Village", pero el resto del álbum apenas  decepciona.

Aunque cada canción tiene sonidos animales o más bien elementos experimentales, cada uno es bastante diferente y cada uno está lleno de personalidad.

Es un estilo jazzístico muy tranquilo y parece que la mayoría son versiones de otros músicos de jazz populares como Les Baxter, creo.

Todo esto crea un entorno surrealista que nunca existe realmente, pero sus sonidos idealistas son soñadores y fáciles de entrar, incluso para personas como yo que generalmente no optan por este tipo de cosas.

En lugar de solo un álbum es verdaderamente una experiencia, pero es difícil imaginar a alguien que no le guste ya de por si  estoy teniendo dificultades para describir lo que es. 

Si quieres disfrutarlo en estéreo hay Exotica II y III

El álbum fue grabado en mono. Fue regrabado en estéreo en 1958; para entonces, sin embargo, el acompañante de Denny, Arthur Lyman, había dejado el grupo, y fue reemplazado por Julius Wechter. Denny prefirió la versión mono original: "Tiene la chispa original, la emoción, la sensación de que estábamos abriendo nuevos caminos

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Un buen ejemplo de una banda que no logró el éxito que coincidiera con la calidad de su talento, sería, sin duda, UFO.

Todos los ingredientes estaban presentes, un héroe de la guitarra (Michael Schenker), un vocalista único (Phil Mogg), una sólida sección rítmica, las sensibilidades del power pop de Cheap Trick y los riffs monstruosos Sabbath. Realmente, ¿qué más podría necesitar una banda de rock de mediados de los setenta para ser monstruos de rock ? ¿Su incapacidad para apelar a las masas es un poco más rasguño?

Por otra parte, cuando era adolescente, yo mismo los consideraba un grupo de  nivel B. En ese momento, no estaba interesado en las sutilezas, estaba interesado en Rock... duro. Por alguna razón, la diversidad estaba bien para Led Zeppelin, pero no para muchos otros. Tenía que ser ruidoso, agresivo o progresivo para mis terminaciones nerviosas. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Es 'Eliminator' el álbum que llevó la mezcla de blues y boogie del sur a la discoteca y a la arena de MTV... probablemente.

¿Lo convierte en un álbum malo, o en un "venta"... definitivamente no?

Como ya se ha mencionado, estas canciones estaban en todas partes en 1983 y posiblemente se devaluaron un poco a los ojos de los amantes serios de la música, ya que el coche y los videos parecían más importantes que la música para algunos.

¿Cuántos de vosotros podéis recordarlo? 

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SALON DE LA FAMA 8 1993 (Quincenal )

Antonio Martínez y José Sánchez 

En la octava ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll, Cream, Ruth Brown, Creedence Clearwater Revival, The Doors, Frankie Lymon & the teenagers, Etta James, Van Morrison y Sly & the Family Stone son bienvenidos en la sala. Cream se reúne en el escenario, pero Morrison se salta la ceremonia, convirtiéndose en el primer miembro vivo en hacerlo.

Es una ceremonia de primicias para el Salón de la Fama del Rock and Roll: es la primera ceremonia de inducción que se celebra en Los Ángeles, por lo que es lógico que el evento sea organizado por el actor Billy Crystal (cuyo tío fue el productor discográfico Milt Gabler). Es la primera vez que los músicos más jóvenes se alistan para interpretar éxitos de los incorporados, con Boyz II Men interpretando "Why Do Fools Fall In Love?" Ala Frankie Lymon and the Teenagers; Eddie Vedder interviene para el fallecido Jim Morrison, interpretando "Roadhouse Blues", "Break On Through (To The Other Side)" y "Light My Fire" con The Doors; y Counting Crows interpretando "Caravan" de Van Morrison (aunque el homenajeado Morrison está ausente). Es una actuación especial para los Crows que ni siquiera han lanzado su LP debut todavía.

También es la primera vez que Cream ha actuado juntos en 23 años, tocando una versión actualizada de "Sunshine Of Your Love". Otra banda hace un esfuerzo de reunirse: los miembros sobrevivientes de Creedence Clearwater Revival hacen una aparición a pesar de sus animosidades de larga data. Los asistentes a la multitud no son los únicos que esperan una reunión de CCR: la esposa del difunto Tom Fogerty, Tricia, trae las cenizas del guitarrista rítmico en previsión de que los chicos vuelvan a unir a la banda. Pero John Fogerty se niega a actuar con sus antiguos compañeros de banda Doug Clifford y Stu Cook.

Etta James también está presente por su inducción a la sala, donde canta su balada ardiente característica "At Last". Es un año emblemático para la legendaria cantante de soul, que también grabará el álbum tributo a Billie Holiday, Mystery Lady: Songs of Billie Holiday, que le valdrá su primer Premio Grammy. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Dios mío. Escucha A Place In The Sun. Qué canción tan hermosa . ¿Quién canta así a los 16?

Una voz llena de cansancio y alma, pero dulce y relajante, la voz de Wonder es algo para atesorar en esta pista que evoca temas de la lucha por los Derechos Civiles y muestra sus primeros indicias de pasar a temas conscientes y políticos. For Down To Earth es un álbum diferente de Uptight, a pesar de haber sido hecho solo unos meses después.

La emoción pop efervescente se ha atenuado para un registro más tranquilo y conservador.

Sin embargo, eso no quiere decir que sea malo: sigue siendo un trabajo fuerte con clásicos como el inquietante My World Is Empty Without You y la seductora y fría canción del título. Después de la abyecta derrota de With A Song In My Heart, es bueno ver a Wonder regresar a la escena de música más relajada y lograrla esta vez con su creciente confianza y capacidad. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Espléndido pop de guitarra hecho en Escocia, más precisamente por una banda de la Isla de Lewis en las Hébridas. Este origen escocés es como una etiqueta certificada de calidad indie pop para mí.

Desafortunadamente, la banda se separó poco después del lanzamiento de su tercer álbum en 2004. 'Play Dead' es su segundo.

Astrid tocaron en vivo muy lejos de su tierra natal, en el puerto de Gijón, en el norte de España, hace unos años en una suave noche de verano frente a una multitud muy escasa,sigue siendo uno de los mejores recuerdos que tuvieron los que pudieron asistir de un concierto en vivo al aire libre. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sam Beam, el hombre barbudo en el corazón de Iron & Wine, ha encontrado su zona de confort en Ghost on Ghost.

En este álbum fácilmente agradable, él y su banda mezclan sin esfuerzo el íntimo folk indie de los primeros días con una sensibilidad de rock suave que se hace eco de los suaves ritmos de R&B de Van Morrison.

Debido a que este disco pasa como una brisa de verano, es tentador descartarlo como simplemente "agradable" y seguir adelante.

Pero Beam y compañía ofrecen recompensas sutiles a aquellos que se toman el tiempo para saborear Ghost on Ghost. 

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SUREÑOS DEL NORTE AL AL SUR 85

COUNTRY 2X1 

Sombreros fuera para saludar la  remesa de lanzamientos vaqueros ( reunidos bajo el formato " dos álbumes en un CD " ) del sello SPV Country - PIAS .

Las damas primero . MICHELLE WRIGHT recogió en su momento el testigo de su compatriota Anne Murray cuando el tirón comercial de la canadiense menguaba en EEUU.

Luciendo voz rasposa más propia de blues que de country , tanto Michelle Wright ( 1990 ) como Now & Then ( 1992 ) transcurren por los trazos bien marcados del country - pop made in Kenny Rogers ( del que fue telonera en 1991 ) .

Por su parte , ni Love in a Small Town ( 1992 ) ni My Roots Are Showing ( 1996 ) fueron para K.T. OSLIN el petardazo que supuso su debut en 1987 con 80's Ladies .

Aquí , la de Arkansas puede presumir de poner el jeto en dos de las portadas más horribles del género y de pasarse de frenada en cuanto a arreglos y sintetizadores .

En activo desde los setenta , STEVE WARINER parió I Am Ready ( 1991 ) y Drive ( 1993 ) , sabiendo que serían las mejores síntesis de lo que fue y de lo que quería ser : un neotradicionalista de excelente registro vocal , escritor de baladas melosas con sonoridades propias del honky tonk de estudio . BLACKHAWK fue el trío vaquero más exitoso de los noventa gracias a álbumes como Blackhawk ( 1994 ) y Strong enough ( 1995 ) .

Sin nada que ofrecer que no hubieran hecho antes Bellamy Brothers o Southern Pacific , estos tíos capitaneados por la mandolina de Henry Paul contaban con la baza que les faltaba a sus antecesores : una buena planta .

El sello lanzó también el doble disco recopilatorio Green , Green Grass of Home : A Singles Collection ( 1961-1980 ) , imprescindible resumen de la obra de PORTER WAGONER que corre paralela al tiempo de su show televisivo .

El primer cd recoge cortes de Wagoner en solitario , mientras que el segundo se centra en su legendaria asociación con Dolly Parton , una época en que las carencias de uno se solaparon con las necesidades de la otra .

La fuerza latente en esas grabaciones se mantiene , años y demandas judiciales después , inalterable . 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si quieres, imagina el clásico álbum Bridge Of Sighs de Robin Trower con un vocalista principal que es un cruce entre Paul Rodgers (en frambuesa de blues) y Glenn Hughes (en funkiness tipo Stevie Wonder) y tendrás Cry Of Love.

Por otra parte, imagina Bad Company (cualquier álbum temprano) o Trapeze (circa los álbumes de Medusa o You Are The Music...) con Robin Trower en el papel de guitarrista principal, y una vez más tienes Cry Of Love.

Por otra parte, el enfoque Roots-Rock de la banda también trae a la mente a otros grupos de estilo similar como The Black Crowes, Humble Pie y Free, con incluso un toque de Southern Rock en plan Ram Jam, Brother Cane y similares. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este tan esperado lanzamiento valió la pena cada mes que se espero. Robertson hizo un trabajo fantástico. Me encanta la producción. 

Crea un sonido muy suave para contrastar su voz.

Su voz expresa el deseo, el anhelo, el autodescubrimiento que viene con encontrar el amor y perderlo.

Sus composiciones encajan igual de bien en la historia. "Hold Back the Dawn", "Go Back to Your Woods", "What About Now", "Sign of the Rainbow", todos destacados y son geniales.

También me gustó la historia. Simple, pero real y palpable.

Apreciar su guitarra también es un buen placer.

Creo que este álbum necesita escuchas repetidas para conseguirlo. Cuando lo conseguí por primera vez, pensé que era "transparente". Se le hizo un gran seguimiento en su debut. Solo tienes que escuchar con la mente abierta. Si lo haces, serás recompensado. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Scorpions es lo que llamarías hard rock/heavy metal, pero en Crazy World, Scorpions decidió inclinarse más hacia el hard rock.

El álbum tiene menos pistas rockeras y más pistas orientadas a baladas, el álbum parece estar orientado un poco más hacia el estilo principal. El trabajo de guitarra sigue siendo bastante genial, ya que hay riffs, solos asesinos, pero en su mayoría un trabajo de guitarra más melódico y de tipo más lento.

El vocalista no ha cambiado mucho mientras canta con una voz más tranquila esta vez.

Sin embargo, eso no quiere decir que todo el álbum sea un desperdicio completo, disfruté de la mayoría de las pistas de baladas y las pistas "más pesadas" son agradables.

La única queja que tengo con este álbum tendría que ser que hay demasiadas pistas de relleno en este álbum,para que realmente fuera tan genial. 

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ORIGINAL O COPIA QUÉ MÁS DA 9

Esta semana se cumplía el centenario del  nacimiento de Augusto Monterroso Bonilla (Tegucigalpa, 21 de diciembre de 1921-Ciudad de México, 7 de febrero de 2003). Fue un escritor hondureño, nacionalizado guatemalteco y exiliado en México. Tal vez el más célebre de los maestros del microrrelato. (“Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí”).

Fue además un gran aficionado a la música:

"No podría vivir sin escuchar música de determinada forma o género, me agrada toda. Lo mismo me gusta una sinfonía que un son o un bolero. Cuando la música es buena, no necesariamente tiene que estar enmarcada en determinada forma. Una sinfonía puede ser buena y un bolero también".

Fieles a la recomendación de Augusto y siguiendo su acertada enseñanza, nos atrevemos a decir que todo es música, cada una hija de su época. Y la hay buena y mala. Y hasta una cosa que llaman reggaeton.

La relación entre la música clásica y las llamadas músicas populares que se divulgaron en el pasado siglo es más estrecha de lo que pensamos. Bastantes músicos del heavy metal dicen sentirse influenciados por los grandes compositores clásicos. Algunos incluso afirman que Beethoven en nuestra época tocaría rock.  No pretendemos jugar a adivinos, si no disfrutar de todo lo hermoso que se ha creado en este arte sin mirar la fecha ni el lugar de nacimiento.

 Y con ese espíritu  proponemos esta pequeña lista, donde la música  alcanza cotas de apoteosis. A mi parecer.

El Ave María de schubert en la versión de Renée Fleming.

La interpretación de Aaron Neville se ajusta como guante de seda a este tema clásico de Schubert.

Nessun Dorma, el aria del acto final de la ópera Turandot, de Giacomo Puccini.  La obra por excelencia de Lucciano Pavarotti, la mejor interpretación hecha jamás de esta pieza.

Se atrevió sin embargo Aretha Franklin a sustituir al tenor italiano Luciano Pavarotti, que fue baja de última hora, en la ceremonia de los Grammy de 1988 interpretando este tema .Y a buen seguro que también rodaron lágrimas en el auditorio.

El "Himno de la Alegría", la canción de Miguel Ríos basada en el cuarto movimiento de la novena sinfonía de Ludwig van Beethoven  con arreglos musicales de Waldo de los Ríos.  Es el caso más célebre en nuestra música de un tema inspirado en el mundo clásico. Se convirtió en un éxito comercial a nivel internacional alcanzando el número uno en las listas de varios países.

Las cuatro estaciones, el grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta del compositor italiano Antonio Vivaldi. Versionado el Invierno de forma espectacular por el grupo español de metal Dark Moor que compite con el prodigioso Ara Malikian. Bueno, compiten, ambas interpretaciones suben a los cielos.

James Brown y Luciano Pavarotti interpretan It's a Man's Man's Man's World en  una ocasión única, un momento verdaderamente memorable. Dos fieras, dos truenos que nos revelan la grandeza del ser humano, mientras la electricidad atraviesa nuestros cuerpos.

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DIRECTISIMO 15

Un álbum en vivo bastante extraño.

5 canciones de su debut en solitario Tigerlily (eso es casi la mitad del álbum), 2 canciones de sus 10.000 Maniacs, 1 del álbum Ophelia(el álbum que debería promocionar en esta gira), una canción inédita y 2 versiones.

Sin las versiones habría sido un álbum en vivo inútil, pero las versiones lo convierten en algo realmente bueno. Una excelente interpretación de "Space oddity" de Bowie y una excelente versión de "After the gold rush" de Neil Young.

Estas 2 canciones le dan al álbum en vivo sus momentos especiales, algo que todo álbum en vivo necesita.

Una gran voz y una gran banda de apoyo.

No me gustan los álbumes en vivo, pero este es excepcional.

Natalie Merchant puede cantar cualquier canción y hacer que sea tan poderosa y emocional.

Space Oddity... ¡qué versión ! ¡Ella es increíble! 

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CLÁSICOS DEL ROCK 75 (Semanal)

Con ocho LP consecutivos y agradables para abrir su carrera, los Charlatans fueron posiblemente la banda más confiable que surgió del movimiento Baggy/Madchester o Britpop de principios de los 90. Esa notable consistencia se hizo añicos por los insípidos estilos pop de Simpatico de 2006, y los fanáticos respondieron abandonando al grupo en masa. De repente, sin un sello discográfico, los Charlatans tomaron la audaz decisión de autolanzar el posterior You Cross My Path como descarga digital gratuita.

Después de un primer disco impregnadísimo del gran JIMMY HERRING su mentor y su principal fuente de inspiración por el resto de los tiempos,  DEREK consigue el equilibrio como músico con este cd.  Se aleja de excesos jazzy aunque mantiene pinceladas (Plesant Gardens), se acerca al blues acústico en Death Letter, o al eléctrico en Preachin Blues, puro Allman en Kickin Back, "Santanea" en Spilway, homenajea a Clapton en Ain´t thah lovin...OUT OF THE MADNESS es el compendio de lo que un músico de los ALLMAN debe ser capaz de hacer.

En general, definitivamente un álbum algo otoñal pero en su mayoría romántico, nunca se volvió muy enérgico o duro, generalmente con un matiz jazzístico (aunque "Angelitos Negros" agrega algunos toques interesantes de flamenco) y un sentido generalizado de anhelo (ya sea por el romance o la justicia social). Consistente en su calidad y ambiente.

Después de una amplia producción musical iniciada en la primera mitad de la década de los setenta, Al Di Meola vuelve para entregarnos un disco muy especial, un tributo a una banda imperecedera y que fue una de sus grandes influencias: The Beatles.

“Across the universe” hace un recorrido por 14 temas de los fab four al estilo que ha caracterizado la obra musical de Di Meola, sin perder la esencia de las piezas originales.

“Realmente agradezco a los Beatles, ellos me incentivaron a tocar la guitarra”, dice el músico estadounidense en nota de prensa. “Fueron un catalizador importante para querer aprender música, por lo que su impacto fue bastante fuerte”.

At Home puede ser el álbum Shocking Blue más conocido, aunque eso no es mucho mientras que la banda de La Haya siempre fue considerada principalmente un grupo de singles. Sin embargo, este álbum presenta su canción más famosa, "Venus", además de "Long and Lonesome Road" y "Love Buzz" que algunas personas también conocen. Junto a ellos, At Home contiene muchas pistas de álbumes agradables escritas por Robbie van Leeuwen, y una versión de "Acka Raga" de John Mayer.

Y sucedió. Después de 13 años de grabar música desde las bandas sonoras hasta las películas, y la cooperación con otros músicos, el Sr. Mark Knopfler decidió lanzar su primer álbum en solitario. Obviamente, esto fue dictado por el final del  Dire Straits, pero  no deja de funcionar por completo en esos proyectos. "Golden Heart" es un álbum cálido y suave, con poco de folk. Exitoso debut del ex cantante de Dire Straits.

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1962’s # 1 UK ALBUM

Este álbum clásico y elegante y la película de la que proviene constituye una de las mejores piezas de teatro musical jamás producidas en Estados Unidos. Todo el mundo está haciendo todo lo posible para llevar la forma musical a nuevas alturas, así como a un nuevo territorio y tiene éxito en todos los niveles. Al igual que la película es una explosión de color, pasión, vitalidad, conflicto y buena música (Y baile), ¡así esta banda sonora es tan hermosa, animada y diferente! Las canciones son impresionantes y los cantantes las cantan como si sus vidas dependieran de ello. No hay una mala canción a la vista y todo lo que tienes que hacer es inclinarte hacia atrás en el sillón y disfrutarlo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Hace no mucho comentamos la rareza de los artistas que logran el superestrellato multiplatino y luego usan esa popularidad incorporada para llevar a su audiencia a nuevas direcciones musicales sin dejar de lograr vender discos. Los Beatles fueron probablemente las primeras estrellas de rock genuinas en dedicarse a explorar nuevas direcciones musicales interesantes sin perder a sus fans. En estos días, Sting es uno de los pocos artistas afortunados de estar en esa situación. Pero casi simultáneamente otra estrella de rock inglesa con una inclinación por un alto nivel de musicalidad y eclecticismo lanzó un CD que no mostraba ningún compromiso artístico y, sin embargo, es probable que también le vaya bien entre los millones de personas que han comprado los discos anteriores de su banda.Era un nuevo álbum en solitario del fundador y compositor de Dire Straits, Mark Knopfler, titulado Golden Heart.

Dire Straits surgió hace  décadas con su álbum debut que produjo el éxito poco convencional Sultans of Swing. Desde entonces, el grupo ha construido muchos seguidores. Según su compañía discográfica, la banda ha vendido 85 millones de álbumes (o más )en todo el mundo a lo largo de los años con una serie de lanzamientos que no solo se convirtieron en éxitos de rock clásico de las décadas de 1970 y ochenta, sino que también ganaron uniformemente elogios de la crítica por la escritura de alta calidad y la musicalidad de primer nivel, y en álbumes posteriores El grupo también estuvo de gira incansablemente y desarrolló una gran reputación por sus espectáculos.

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1959’s # 1 USA ALBUM

En la 31a edición de los Premios de la Academia, la película ganó sus nueve nominaciones, incluyendo Mejor Película y Mejor Director por Minnelli. Ocupó el récord del mayor barrido limpio de nominaciones hasta que El Señor de los Anillos: El Regreso del Rey ganó las once nominaciones en la 76a edición de los Premios de la Academia en 2004.

En 1991, Gigi fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo".[ 5][6] El American Film Institute lo clasificó como el número 35 en 100 Years...100 Passions de AFI. La película es considerada el último gran musical de Metro-Goldwyn-Mayer y el gran logro final de la Unidad Liberada, encabezada por el productor Arthur Freed. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La historia de cualquier banda de rock conduce casi inevitablemente al evento terminal: la ruptura.

Tal vez sean diferencias creativas, a veces un miembro clave se vaya, o tal vez sea solo la realidad para un grupo que había sobrevivido a su utilidad creativa y fue abandonado por los fanáticos.

Pero en estos días y tiempos, la ruptura de una banda no significa el final.

Con muchos Baby Boomers continuando su entusiasmo por la música, ha habido un número cada vez mayor de reuniones, algunas motivadas por puros negocios, con otras impulsadas por divisiones curadas y una comprensión de que el todo es más grande que la suma de las partes.

Si bien ha habido algunas reuniones dudosas, Kiss es un ejemplo destacado, otras asociaciones musicales han sido bienvenidas y, en algunos casos, sorpresas agradables.

Si alguna vez hubo una reunión factible que ha sido bienvenida por los fanáticos de mucho tiempo, es la de Steely Dan, que acabó de lanzar Two Against Nature su primer álbum de nuevo material juntos en más de 20 años.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK

Conocidos por el éxito que tuvo “Venus” fuera de su país, Shocking Blue es otra de esas casi siempre interesantes y poco apreciadas bandas holandesas de los 60. ‘At Home’ es su mejor trabajo, un álbum de un rock vigoroso con los elementos sicodélicos típicos de la época y donde la usual comparación con Jefferson Airplane se hace inevitable. 

Aunque “Venus” es el referente más claro, el álbum muestra también otras aristas del grupo, como un sonido más crudo en “California Here I Come” y “Long And Lonesome Road” y a sicodelia en “Love Buzz”.

En el otro extremo está el mediocre pop de “The Butterfly And I” y un par de canciones con cítara sin llegar a ser malas son particularmente anodinas comparadas con otras en un estilo similar y además están ya un poco fuera de lugar en 1969. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 52 (Quincenal)

Típico disco de psicodelia dura de 1970: algo de composición (no la mejor) + interferencia larga. El resultado es típico y solo en algunos momentos brilla realmente (Seneonymous tiene momentos realmente buenos, pero la pista está arruinada por la forma de canción haótica y la interferencia demasiado larga)

Lo que difiere de High Tide de otras mil bandas oscuras en este período: usaron violín en lugar de órgano... y así algunas personas comenzaron a pensar que hicieron una influencia del King Crimson.

De todos modos, si eres fanático de los principios de los 70 ties psych hard/jam rock, este álbum de High Tide no te decepcionará.

En algunos intérpretes, la consistencia puede conducir a la previsibilidad y a la música sin inspiración, simplemente tratando de recrear los viejos éxitos. Para Al Stewart, la consistencia en una carrera discográfica de más de 30 años significa mantener un alto nivel, con canciones de primer nivel, marcadas por su enfoque alfabetizado y narrativas imaginativas, junto con una buena musicalidad. Stewart no graba tan a menudo, y ha pasado una década desde su último lanzamiento en el estudio en Estados Unidos, por lo que tiene tiempo para desarrollar sus ideas en canciones que son pequeñas obras maestras narrativas. Una playa llena de conchas es una joya que hará las delicias de los fanáticos de toda la vida, y tal vez introducirá a una nueva generación a un narrador musical con clase.

Resulta que me he estado perdiendo esta banda, en gran parte porque el nombre de su banda nunca me llamó la atención , supongo que siempre lo asocié con la nueva música country y este simplemente no es el caso. De hecho, me recuerda más a The Jayhawks, o posiblemente incluso a un poco de Wilco, pero no tan genial. Es solo un Fuzzy Rock agradable y alternativa que es genial para correr de fondo, pero no es realmente una obra maestra. La producción y el brillo son demasiado exiguo para una especie de banda terrosa como esta.

Monty Alexander es un teclista jamaicano  y junto con su compañero isleño Ernest Ranglin en la guitarra hacen algunos de los mejores jazz que he escuchado en mucho tiempo. Un poco de influencia reggae, pero también alma para algunas grandes piezas como "Let's Stay Together", "Sly Mongoose" y mi favorito "Love and Happiness". Las cosas se hunden en el lado B, pero todavía estoy feliz de haber comprobado esto. Más, por favor.

Joe Bonamassa ciertamente vale la pena echarle un vistazo, especialmente si te gusta el rock blues moderado.

Como digo, no he escuchado sus cosas posteriores (lo haré pronto), así que no puedo decir si este álbum es el mejor, pero me atrevería a adivinar que no lo es. ¿Mencioné que este álbum tiene un gran trabajo de guitarra? También recomiendo este álbum a los fanáticos de la música pesada de la guitarra. Joe puede tocar bastante bien.

Raimundo se jacta de que en este CD combina "más rock y más flamenco que nunca". Las 10 canciones están todas producidas por Fernando Illán, pero entre ellas hay canciones escritas por Pulgar, Kiko Veneno, Santiado Auserón y Los Delincuentes, entre otros.

'Isla Menor', cuyo título es un homenaje a la casa de Raimundo en Sevilla, incluye importantes contribuciones de: Antonio Carmona, que canta una maravillosa historia de amor de mar bajo el título 'Marina? Con Raimundo; Rosendo pone la fuerza de su guitarra y su voz en la canción 'no me gusta el futbol', una canción que muestra la mayor influencia del rock en el estilo de Raimundo Amador; Kiko Veneno también colabora en una nueva versión de su mítica canción 'Los Managers'.

También se incluye 'Fumala', el sencillo lanzado de este álbum. Este sencillo se describe como ahumado y romántico donde un Raimundo combina flamenco con ritmo y blues.  

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si bien la mayoría de los músicos de rock tocan música original, la gran mayoría de los artistas de jazz interpretan las llamadas "toneladas estándar" conocidas por muchos, pero dadas vida por la naturaleza improvisada o los arreglos creativos en sus actuaciones.

La mayoría de esos llamados estándares provenían de musicales o películas, de los compositores de Tin Pan Alley de la época, pero de los que realmente no se consideraban intérpretes como tales.

Y a lo largo de los años ha habido tantas grabaciones de canciones de compositores como George Gershwin, Cole Porter o Richard Rogers que no hay versiones realmente definitivas.

En el mundo del rock, con la preponderancia de la música interpretada por los compositores, las actuaciones de otros se llaman "covers" y siempre piden comparación con los originales. Por supuesto, el intérprete creativo puede poner su propio sello en una composición y tal vez darle nueva vida. Y varios artistas han hecho álbumes tributo,destacando a un escritor en particular como Bob Dylan o Joni Mitchell.

Pero cuando se trata de algo tan icónico como las canciones de los Beatles, existe un riesgo definitivo: ha habido tantas versiones de los Beatles a lo largo de los años que parece difícil idear nuevas ideas.

Y, por supuesto, las grabaciones originales de los Beatles y los arreglos musicales se han arraigado tanto para los oídos de generaciones, que las comparaciones con los originales se vuelven casi inevitables, y es mejor que el artista de la portada tenga algo interesante que presentar. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En este disco Raimundo, como él mismo dice, está "más rockerillo y más flamenquillo que nunca". Las 10 canciones que lo componen están producidas por Fernando Illán, y entre ellas encontramos letras de Pulgar, Kiko Veneno, Santiago Auserón o Los Delincuentes, entre otros.

Como adelanto al disco, el primer single extraído del mismo, "Fúmala", es una canción en la que se mezcla el ambiente del tabaco y el cuerpo de una mujer, con frases como "Dame una fumaita de tus besos". En ella Raimundo vuelve un poco a sus orígenes fusionando el flamenco con el rock y el rythm & blues. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La historia de Flack es interesante y bastante inusual para un cantante de soul, aunque tampoco sabía nada de eso antes de escuchar esto. Miré la historia porque no podía creer lo segura que estaba en este debut. Resulta que hay una razón: era (relativamente) mayor cuando hizo este disco, habiendo actuado durante años.

La selección de canciones es súper diversa. Me quejo mucho de los álbumes interpretativos, pero este es el tipo que me gusta, donde el artista toma un conjunto de canciones muy dispares y las hace sonar todas como suyas. Hay jazz, hay una canción (¡cantada en español!), hay al menos dos canciones de soul contemporáneas (que pueden haber sido escritas para ella), hay gospel, está Leonard Cohen y algo que parece haber comenzado como una canción pop de Brill Building (u otra canción pop clásica) (basada en sus compositores). Esa es una gama bastante amplia, pero todo suena como soul. 

https://open.spotify.com/album/2ARWEOvaUgm4FSj25MpY6F?si=R6QvLTsvTcCoGcj7Tflxjw

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SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 84

LA GENERACIÓN PERDIDA

El americana fue como se llamó al nuevo rock americano cuando éste empezó a dar síntomas de agotamiento .

Buscando al nuevo Petty se entronizaron a ciertos sucedáneos que , sin estar mal , no estaban tan bien como se dijo .

Ahora que el género estuvo al borde de la saturación , estuvo de moda dilapidarlo , dejando sin cobertura a una incipiente generación de cantautores rockeros que bien mereció un poco de atención . HAYES CARLL sigue los pasos de su mentor Ray Wylie Hubbard .

Más madura estába TIFT MERRITT , guapísima treintañera mimada por Mojo y Uncut . En Another Country abandona las incursiones soul del anterior Tambourine y se sienta al piano , en plan Carole King . El soft rock resultante da una de cal y una de arena : adictivo en los medios tiempos y algo cansino en los lentos .

Un híbrido entre Jackson Browne y Tim Finn : esto desea ser y de momento no es MANDO SAENZ , mejicano crecido en Tejas . Bucket , su segundo CD , se mueve pasablemente entre el folk - rock y el pop , pero no despuntó.

La canadiense KATHLEEN EDWARDS y su tercera entrega Asking for Flowers sí reunió las calidades que admirábamos del " heartland rock " : canciones con mensaje , guitarras precisas , gusto por la melodía y mitología de clase trabajadora .

Tiene buena mano para escribir y una punzante voz que ha sido comparada con la de Lucinda Williams . Le falta , no obstante , regularidad para mantener el nivel de notable alto que exhibe en el corte titular , en « Oil Man's War » y en la espectacular « Oh Canada » . Benmont Tench y Greg Leisz ponen el broche de oro. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Out of the Madness es el segundo álbum de estudio del grupo estadounidense de Jazz/Blues/R&B The Derek Trucks Band, lanzado el 20 de octubre de 1998.

El álbum fue grabado entre el 14 de junio de 1997 y el 11 de abril de 1998 en Dockside Studios, Maurice.

El álbum es principalmente clásicos de jazz y blues reorganizados y el resto son composiciones originales de la banda.

Derek tenía dieciocho años en el momento del lanzamiento del álbum.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La mejor manera de describir A New Day Yesterday es la música boogie. Es probablemente por eso que disfruté tanto de su álbum .

Su guitarra es obviamente el punto focal del grupo, pero también hay una cantidad sorprendente de bajo. Más graves de lo que esperaba y más de lo que es en la mayoría de los grupos de blues rock. Estos dos, junto con voces arenosas y sin refinar.

La única queja que tengo con el álbum son las voces sucias. A veces Joe está casi gritando y podría pasar como cantante de un banda de death metal. He oído que su voz mejoró en los próximos álbumes y espero pacientemente escucharlos. Joe escribe o copilota la mayoría de las canciones de este álbum y el grupo hace un excelente trabajo haciendo suya la música. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los años 2000 no han sido buenos para The Charlatans, pero You Cross My Path es su mejor esfuerzo de los cinco álbumes que han lanzado en la década.

La sensación del disco no tiene mucha similitud con su sonido Manchester de los años 90 y es un enfoque de indie rock más convencional. Todavía hay algo de órgano salpicado entre las pistas y la voz de Tim Burgess todavía está en buena forma. A diferencia del desastre de Simpatico, You Cross My Path tiene su parte justa de melodías pegadizas y acompañamiento de abundantes coros. 

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DIRECTISIMO 14

El último espectáculo de Bee Gees, los hermanos Gibb se remontan al comienzo de su carrera con armonías de tres partes y su bonito estilo de los años 60 con números memorables como New York Mining Disaster 1941, Holiday, To Love Somebody, Gotta Get A Message To You, Macachucetts y Spicks and Specks. Luego todos los éxitos de su período discográfico en Jive Talking, Staying Alive, How Deep Is Your Love, More Than A Woman, Night Fever, Dancin y Tragedy. TODAS las canciones grandes están aquí. Un homenaje amoroso Don't Throw It All Away se movía.

Incluyeron sus canciones que escribieron para otros, como Grease, Islands in the stream, Chain reaction y algunos de sus esfuerzos recientes como Alone, You Win Again, Closer Than Close y muchos más. Una noche mágica de nostalgia, imprescindible para los fans

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CLÁSICOS DEL ROCK 74

Devo es una de esas bandas que conocí por reputación mucho antes de escuchar su música. Muy querido por Neil Young cuando hicieron su primer impacto en la escena  musical a finales de los años 70, Devo construyó una reputación como un peculiar acto de electro-rock, con un sonido único y la capacidad deconstruir la música popular con sus elementos básicos.

Esta compilación parece ser el mejor lugar para comenzar si estas considerando una exploración más amplia del mundo de Devo, y después de repetidas escuchas, probablemente la dejara allí. Están bien y todo, pero simplemente no puedo verte tan preocupado por ellos como para buscar sus álbumes individuales, por lo que esta compilación bien seleccionada parece ser todo lo que necesitarás , al menos por ahora.

Entiendo que Elegy en 1971 puede haber desconcertado a todos: aquellos que estaban acostumbrados a escuchar las versiones de Dylan y Tim Hardin de las piezas de lado A, aquellos que no entendieron por qué ese repezca de piezas clásicas, aquellos que pensaron que todo un disco sin guitarras era incluso inconcebible, aquellos que juzgaron estas 4 canciones que llenan todo el disco excesivamente largo.

Tanto es así que la propia compañía discográfica lo pensó un par de años antes de imprimir el material grabado incluso en 1969 y lo hizo solo después de recoger la notoriedad de Keith Emerson.

Los oyentes de música siempre han estado tratando de convencerse a sí mismos de que los Byrds eran brillantes, el hecho es que no lo eran. Los Byrds estaban en el lugar correcto en el momento adecuado durante los años 60, eran la banda de un sencillo, nada más, nada menos, sus sencillos eran absolutamente maravillosos, pero aún así, los Byrd no se acercaron a la espléndida música tejida por Crosby, Stills & Nash...

Las composiciones se nutren del hard rock tradicional, del rescate de los principios armónicos de la música de guitarras que, años más tarde, rescataría el movimiento new rock de principios del siglo XXI. Sin embargo, a diferencia del sonido de Soundgarden y del primer Pearl Jam, el disco de Temple Of The Dog se nutre de atmósferas más livianas y acústicas (Times of trouble y Call me a dog, por ejemplo), sin perder tampoco la estridencia de las seis cuerdas (Reach down y Pushin forward back).

A Saucerful of Secrets, segundo disco de la banda que continua un poco con la linea de su antecesor, pero con un sonido algo mas maduro y poco menos underground que Piper. Algunas de las pistas habian sido grabadas por Syd, pero fueron regrabadas con David, a pesar de esto hay una sola cancion cantada y grabada por Syd, su cancion melancolica de despedida Jugband Blues, la cual se encarga de cerrar el disco. Aun despues de haber perdido a su fuera motriz, la banda encarga la tarea de componer a Wright y a Waters, componiendo piezas como la espacial Let There Be More Light, la asombrosa Remember a Day (Con Norman Smith en las baterias), y la siniestra Set the Controls for the Heart of the Sun. 

Grabado en 1966-67, el único lanzamiento de este grupo de Oregón es notable por dos clásicos pop serios de los años 60 ("Mañana" y "Tarde"), una joya de 2:29 de farfisa, guitarra slide y demencia vocal que vale la pena enganchar para un freaky de los años 60 (Susie).

Como los cortes restantes son bastante sólidos y satisfactorios, es un álbum que resiste bien una obra completa y repeticiones. El sonido básico está dominado por líneas de órgano farfisa delgadas, cursis y efusivas y se desarrolla con guitarra eléctrica, bajo y batería. Las voces masculinas de varias partes son muy limpias, bonitas y genéricas para la época.

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1962’s # 1 UK ALBUM

Cliff sigue la ruta de Elvis y llena el álbum con canciones de espectáculos vacíos, absolutamente nada que ver con el excelente pop y rock que había construido su base de fans. 7 canciones de espectáculos aquí, incluyendo una larga mezcla, casi todas las notas y palabras de las cuales, especialmente los arreglos de la big band, son puro cliché. Sin embargo, hay dos clásicos: la canción principal seminal que es hermosa y locamente evocadora de la era anterior a los Beatles y el duro clásico de Shadows The Savage. Todo lo demás es una copia vacía de clichés del mundo del espectáculo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Me encanta el rock psicodélico con mucho órgano y el álbum del mismo titulo de Afterglow está lleno de órgano increíble en cada canción. El álbum es muy corto, alcanzando solo más de 35 minutos. Once canciones, pero todas son piezas de pop psiquiátrico bastante cortas. Tengo que decir que el álbum debut de Afterglow es un gran álbum de psych pop, principalmente debido al órgano hipnotizante.

En caso de que esté interesado en este tipo de música, le recomendaría que consulte las canciones "Morning", "Love" y "Mend This Heart of Mine" como ejemplos aquí. "Susie's Gone" es fácilmente la canción más tripi aquí y también una de las mejores. Vale la pena escuchar este disco.

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1959’s # 1 USA ALBUM

El primer álbum de Mancini que llegó al número uno en 1959, e hizo de Mancini un nombre familiar. El tema clásico de Peter Gunn fue tan popular que se convirtió en la base del videojuego Spy Hunter de la década de 1980, y ese tema de bajo repetido se ha utilizado en numerosas películas y comerciales. Aparte del popular tema, este es un jazz de primera clase y Mancini utiliza tanto la big band como el grupo pequeño. Otro clásico de la partitura de Peter Gunn sería Dreamsville. Tomó vida propia y pronto fue versionado por cantantes de renombre como Andy Williams y Sarah Vaughan. Aquí en su partitura original, puedes disfrutar del sonido del coro de metales de Mancini. La remasterización en este cd es excelente. Agradable y espacioso con gran separación. Un gran cd de jazz con cortes clásicos. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Esta es una reedición de un álbum poco conocido del pianista / compositor estadounidense (nacido en Jamaica) Monty Alexander, que comenzó como un joven prodigio y más tarde grabó muchos álbumes para el sello MPS en la década de 1970 y principios de la década de 1980.

Este álbum en particular es inusual ya que Alexander toca el Fender Rhodes en lugar del piano acústico, y está acompañado por músicos jamaiquinos. Los otros músicos que tocan en este álbum son los guitarristas Ernest Ranglin y Clarence Wears, el bajista Jackie Jackson, el baterista Sparrow Marlin y los percusionistas Noel Seale y Denzil Laing.

Juntos interpretan seis canciones, tres de las cuales son estándares y tres son canciones folclóricas tradicionales arregladas por Alexander. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los amigos de Cambridge tenían un problema llamado Syd Barrett. Después de ganarse un Top Diez con "See Emily Play" y de un primer elepé grabado en Abbey Road puerta con puerta con el Sgt Pepper's de los Beatles, la debacle. Al amigo Barrett se le fundieron los plomos por un exceso de todo. Drogas, responsabilidades y vértigo. La temporada 67-68 vio nacer multitud de grupos que, al calor de la explosión pop, querían probar suerte. Muchos de ellos se volvieron a casa después de comprobar que no había semanada para tanta novedad. Waters y compañía tenían claro que no iban a regresar a Cambrigde. Además, EMI les esperaba. Debían sacar un disco como fuera para mantenerse a flote. Llamaron a un viejo amigo de Cambridge que también tocaba la guitarra para que les echara una mano y tiraron de descartes de la grabación de "The Piper's". Barrett había abierto una puerta con "Interstellar Overdrive" que, especialmente, Waters quería explorar. Una senda nueva que los alejara del pop suave con el que tantos y tantos grupos habían intentado arrebatar el cetro a los Beatles sin suerte. Pero deberían progresar sin su líder natural, a ciegas, con la intuición de Waters y su ahínco como motor de supervivencia. A este "Saucerful of Secrets" lo recibió un saco de palos, motivados en el supuesto despido de Barrett. Quiso la prensa sentenciarlos por ello y lo que consiguió fue motivar al grupo en su propósito de progresar. Eso sí, arrastrando con ellos el trauma (o la tristeza) del amigo caído en desgracia.

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SALON DE LA FAMA 7 1992 (Quincenal)

Antonio Martínez y José Sánchez 

Hace veintinueve años (15 de enero de 1992) fue un día inolvidable para Johnny Cash: fue en esa fecha que Cash fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, demostrando que su música desafía los límites de género.

Lyle Lovett incorporó a Cash durante la ceremonia de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de 1992, explicando que el icono del país "ayudó a mostrar al mundo lo que sucede cuando las sensibilidades y los valores rurales se mezclan con un entorno urbano".

"A lo largo de los años", continuó Lovett, "ha demostrado una amplia perspectiva musical, sin tener miedo de grabar canciones de comentarios sociales y siempre ansioso por buscar nuevas canciones de jóvenes compositores talentosos, como Bob Dylan, Kris Kristofferson y Bruce Springsteen".

La ceremonia de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de 1992 se celebró en el Hotel Waldorf-Astoria de la ciudad de Nueva York. Otros artistas incluidos en la clase de ese año incluyeron Booker T. & the M.G.s, Jimi Hendrix Experience, Sam & Dave, Bobby "Blue" Bland, Isley Brothers y Yardbirds, incluido el guitarrista Eric Clapton.

Cash también fue incluido en el Grand Ole Opry, el Salón de la Fama de la Música Country y el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville durante su vida. Además, recibió la Medalla Nacional de las Artes, en reconocimiento a sus numerosas contribuciones musicales.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Firmado por "Temple of the Dog", proyecto efímero y concreto formado por miembros de Soundgarden y Pearl Jam. Tanto que se limitó a este álbum. Tiene sentido, ya Gracias que el disco surgió como homenaje para llorar la muerte de Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone, una figura muy querida por la escena local de Seattle.

Se trata de un compendio de composiciones de Chris Cornell, en su mayoría, que trataban de canalizar el dolor por la pérdida. Un disco emocional por tanto, de nudo en la garganta, que se regodea de manera impúdica en el dolor. Muy apropiado para el grunge que se destilaba en esos primeros 90 y algo que con la perspectiva del tiempo ha perdido vigencia, también. No es algo que me pudiera engatusar a priori. El aire de jam session que tienen la mayoría de los temas tampoco. Está claro que no es un disco elaborado y de acabado fino, sino más bien un exabrupto, pero lo cierto es que a ellos les sirvió para exorcizar sus penas y lanzar sus carreras.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Siempre he tenido debilidad por Buffalo Tom. Fueron una de esas bandas de radio universitaria de rock alternativo de principios de los 90 que nunca explotaron realmente, pero mantuvieron una respetable carrera discográfica.

No escribieron ninguna canción GRANDE que se convirtiera en el próximo éxito de verano o melodía digna de zumbido universitario.

Creo que donde tuvieron éxito, al menos en mi caso, es escribir música que se convirtió en sinónimo de existencia juvenil de tal manera que fue a principios de los 90. La música tenía esa melena suave y angustiada. Y vamos, si fueras un chico joven o una chica a principios de los 90, estabas lleno de melancolía angustiada.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Probablemente uno de los álbumes de Byrds más subestimados.

Siendo lanzado después de Sweetheart of the rodeo, que era un álbum histórico, pero un suicidio comercial tanto Gram Parsons como Chris Hillman dejaron el grupo para formar The Flying Burrito Brothers mientras que el primo de Hillmans The Jazzy country drummer Kevin Kelly también dejó el grupo, una nueva constelación de miembros trabajó bajo las alas del liderazgo de mc Guinn en este nuevo baterista Gene Parsons fue traído, un compañero de Clarence White que ahora se convirtió en miembro permanente después de haber trabajado en varios cortes en Younger Than Yesterday Nutorious Byrd Bros y Sweetheart Of The Rodeo con la inclusión del guitar bass John York.

La nueva alineación formada literalmente surgió de las cenizas y la caída de este álbum, un esfuerzo sorprendentemente fuerte, y sí, aquí fuerte es una palabra clave, a pesar de que a menudo se considera un esfuerzo menos de banda debido al hecho de que Roger McGuinn maneja todas las voces principales, (para aliviar a los fanáticos de la confusión de nuevas voces), Este debe haber sido uno de esos álbumes que realmente requirió algunas agallas para lanzarse, no solo fue un nuevo grupo de músicos trabajando juntos, un nuevo año y un nuevo álbum.

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