DESPEDIDA

Todo tiene un principio y un fin y de toda manera el blog Zapata Rock no será ninguna excepción. Hoy pongo punto y final a esta aventura cibernética que inicié hace ya más de dos años. La decisión ha sido bien meditada y de momento no habrá vuelta atrás. Otra  actividad de  fuera de casa me ha servido entre otras cosas para pensármelo bien y decantarme por dejar definitivamente este rinconcito sin remordimiento alguno. Ha llegado pues el momento perfecto para cesar la actividad y poner la vista en otras vicisitudes que me llenan mucho más ahora mismo.

Ha sido un placer compartir con todos vosotros mis opiniones y puntos de vista sobre discos, conciertos, noticias y experiencias personales sobre un tema que nos une a todos como es el Rock’n’Roll. Nunca pensé que esto iba a llegar tan lejos y el esfuerzo, pasión y dedicación que hemos puesto ha merecido muchísimo la pena. Pensé por un momento en abrir una cuenta  Instagram para seguir en la brecha y mantener un cierto contacto con los que siguen entrando en este espacio pero finalmente he desistido esa red social

Antes de despedirme, quisiera agradecer a toda la gente que se ha pasado por estas páginas a lo largo de estos años, ya sea de forma asidua u ocasional. Por supuesto, a todos los que se han molestado en dejar comentarios y mantener este invento vivo hasta el último momento. Sin vosotros esto no se hubiera alargado tanto. Gracias por todo.

Un saludo a todos y que el rock’n’roll nos acompañe hasta el fin de nuestros días.

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1981)

Vangelis toma musas europeas, y más así, decididamente inglesas para crear su banda sonora para una gran película, si no necesariamente excepcional. Concentrándose solo en el álbum, Vangelis revela aspectos de su personaje musical que rara vez se ve en trabajos anteriores, "Five Circles" es francamente impresionante, los teclados replican la fanfarria de los metales con una magnífica escala tocando contra las campanas que suenan, "100 Mètres" una pieza pesada impulsada psicológicamente, que roza la música concreta a veces mientras Vangelis encarna los miedos físicos y emocionales del atleta antes y después de la carrera. "Titles" presentó a Vangelis al público, incluso sus coqueteos con Jon Anderson pueden no haber llegado, ya sea bueno o malo, se debe a la discreción individual. El lado dos parece que juega para las cámaras, aunque aparecen fragmentos memorables aquí y allá, principalmente basados en su fascinación por capas épicas de teclados tocadas contra efectos de sonido que deben haber parecido cósmicos en 1981. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Algunos encontrarán esta traición Aretha, pero en realidad Etta James es un alma mucho más fuerte que Aretha Franklin.

Con este último, a menudo está claro que tenía un fondo de gospel, por lo que su voz muy poderosa a veces tendía a sobresalir demasiado de la música.

En Etta James, su voz está mucho más equilibrada con la música. Especialmente en este álbum para la etiqueta Chess, donde podían contar con una banda de estudio muy apretada.

Cuando se balancea, realmente se hace todo lo posible para ofrecer una canción de soul bailable.

Y durante las baladas, es de nuevo la colaboración entre Etta James y los músicos que convierte la canción en un barril lleno de agitación.

Esto es lo que hace que este álbum sea uno de los álbumes de soul más castigados de los años 60.

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ROCK&ARTE 14

Entre las fotos de portada de álbumes de época protagonizados por lugares, la más famosa es la del Hotel California de los Eagles.

La icónica portada de "Hotel California" de Eagles muestra el Beverly Hills Hotel en Sunset Boulevard, Los Ángeles, fotografiado por David Alexander. Aunque algunos sugieren que el hotel inspirador de la letra es el de Todos Santos, Baja California. Tras el lanzamiento, los dueños del hotel mexicano inicialmente se molestaron por la publicidad, pero luego se beneficiaron económicamente al ajustarse a la atención.

La imagen captura la esencia misteriosa y lujosa que encaja con la narrativa de "Hotel California". A lo largo de los años, la disputa sobre la ubicación exacta ha añadido un toque de intriga a la portada, sumando a la leyenda de la canción. La dualidad entre el glamour de Beverly Hills y la posible inspiración en Todos Santos agrega capas a la historia, destacando la complejidad de la famosa canción de Eagles.

La portada originalmente iba a mostrar solo el logo del hotel sin texto, pero para evitar confusiones, se añadió el nombre "Hotel California" en la parte superior. La imagen representa la dualidad entre el lujo superficial y la oscura realidad, reflejando sutilmente los temas de la canción. Además, el diseño del álbum interior incluye detalles enigmáticos, como sombras que asemejan figuras humanas, contribuyendo a la atmosfera enigmática del legendario álbum.

La famosa puerta del hotel en la portada no tiene manijas exteriores, sugiriendo la idea de que una vez que ingreses al "Hotel California", puede ser difícil salir. Este detalle simboliza la captura en la lujosa pero enredada vida de California que la banda exploró en la canción. Además, la inclusión de palmeras en la imagen refleja la estética californiana, añadiendo una capa visual que conecta con el entorno soleado y glamoroso de Los Ángeles.

La portada del álbum "Hotel California" también ha sido objeto de numerosas interpretaciones y teorías por parte de los fanáticos. Algunos sugieren que la imagen representa un punto de vista desde el interior del hotel, mirando hacia afuera, lo que refuerza la idea de estar atrapado en un lugar que parece lujoso pero tiene sus propias complejidades. Esta ambigüedad visual ha contribuido a la perdurabilidad de la portada como un elemento intrigante en la historia de la música. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Puede ser más evidente en Mean Town Blues, que tocó junto con el maestro en la década de 1970, pero también está presente en casi todas las demás pistas aquí: la influencia de Johnny Winter. Y esto se entiende de una manera positiva, ya que la versión de Derringer del blues es casi tan dura y explosiva como la de Winter cuando ambos tocaron juntos en esos álbumes legendarios. 

Lo más reminisciente de su trabajo con Johnny y Edgar Winter, en “Back To The Blues”, el guitarrista Rick Derringer recorre toda la gama, desde el blues lento hasta las mezclas de vapor (“Blue Suede Blues” es un asesino absoluto que te hará conducir por la autopista a los 90 si lo tocas en tu coche) con una intensidad y destreza que te recordará dónde comenzó todo y hasta dónde ha llegado. El guitarrista Kevin Russell también se une a la refriega, ya que el dúo cortó la cabeza durante tres minutos en “Blues All Night Long” y durante casi el mismo tiempo en “Time To Go”. Otro punto destacado de “Back To The Blues” es el funkified “Crybaby”, así como la canción del título belicosa.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Wild Tales es una verdadera mejora del primer álbum de Graham Nash. Este es más sincero e íntimo; y es más cohesivo sin esas fuertes coros. "Wild Tales" es la única vía rápida y es un excelente comienzo.

Todas las demás canciones son más tranquilas. Algunas canciones recuerdan un poco a Neil Young como "And So it Goes" que recuerda a "Southern Man". 4 canciones están usando la armónica en un entorno más o menos country: "On the Line", "Hey You", "Prison Song" y "Oh Camil"; Las 2 últimas tienen letras interesantes.

Pero la canción que más me conmueve es "I Miss You"; una canción de amor tan hermosa y triste con simplemente el canto de Graham y su piano. "Another Sleep Songs" que cierra este álbum es la otra hermosa joya. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DE DIA

A principios de los años sesenta, South se hizo su reputación en Atlanta y Nashville como guitarrista y compositor de sesiones de primera categoría.

Entre sus éxitos se encuentran "Games People Play", "Walk a Mile in My Shoes", "Hush", "Down in the Boondocks" y "I Never Promised You a Rose Garden".

Desgraciadamente, la mayor parte de su catálogo está agotado, pero vale la pena buscarlo en los contenedores de vinilos, especialmente su innovador clásico de 1968, Introspect. 

Cuando creó "Introspect" en 1968, Joe South, de 28 años, ya había estado en el negocio de la música durante dieciséis años.

Había trabajado como disc jockey, artista de grabación, músico de estudio, compositor y productor.

South también tocó la guitarra en el clásico del soul de Aretha Franklin de 1968, "Chain of Fools".

South estaba igualmente enamorado de la música soul y de los ambiciosos álbumes pop como "Pet Sounds" y "Sgt. Pepper". Quería escribir, producir y grabar un álbum que mezclara esos elementos. Cuando Capitol Records desembolsó un presupuesto de grabación, South se puso a trabajar en "Introspect". Lanzado en noviembre de 1968, dejó boquiabierto a muchos críticos y músicos, si no al público en general. Eso tuvo que esperar hasta que su primer sencillo, "Games People Play", llegara a las listas.

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DIRECTISIMO 122

¡Las versiones están super y el público entra en trance cada vez!

Noto versiones demenciales de “people lie”, “mama don't”, “cocaine” y “call me the breeze”, pero sobre todo la banda detrás tocando como Dios manda.

El sonido es excepcional parece que estamos en la sala, la toma de sonido reproduce perfectamente el espacio de sonido en vivo...

Los pequeños reproches: los trozos son cortados por blancos .

Y la set-list no es óptima, en mi opinión... 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Durante mucho tiempo, me ha intrigado esta extraña portada que muestra un paquete de cigarrillos de una banda llamada Camel. Tenía curiosidad por saber qué tipo de música podría ser. Pero cuando lo escuché, al principio me gustó. El Camel instrumental puede recordarte Focus con un toque de Jethro Tull y Genesis con la flauta de Latimer.

La dinámica "Freefall" es una excelente apertura, mientras que "Supertwister" tiene una hermosa flauta tocando con cambio de ritmo. "Earthrise" es otra joya maravillosa con largas partes instrumentales y un excelente sintetizador. La última canción, "Lady Fantasy", es un clásico de Camel.

Tenga en cuenta que la reedición remasterizada de 2002 contiene más de 30' de pistas de bonificación en vivo que casi duplican el tiempo de ejecución inicial... Entonces no hay forma de quejarse de ello.

UNA OBRA MAESTRA ABSOLUTA 

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LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HOT WONDERS” 17

Es una de esas canciones clásicas e imprescindibles, que se cuelan e incluyen en cualquier fiesta, evento o jolgorio popular: "It's raining men", del grupo femenino norteamericano The Weather Girls, que la grabó y publicó originalmente en 1982. Pues resulta que este mega-éxito volvió a nuestros oídos en una nueva versión 2020, pero no exactamente en un nuevo remix, como han subtitulado y presentado, porque en realidad se trata, o así nos parece, de una nueva grabación o regrabación, en la que participa el popular dj y productor alemán Klass. "It's raining men". Remake 2020, con The Weather Girls.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

En lo alto de un guiño al Grammy como Productor del Año por su trabajo en el álbum homónimo de Spinners de 1973, el cerebro del soul de Filadelfia, Thom Bell, infundió su próxima colección, Mighty Love (1974), con la mezcla similar de improvisaciones lentas exuberantemente compuestas y elegantes entradas de R&B midtempo. Aunque el grupo había existido desde mediados de los años 50, para cuando el quinteto comenzó su período en Atlantic.

Si bien cronológicamente el primer corte en llegar a las listas, ya que se había lanzado varias semanas antes del disco de larga duración, la canción principal "Mighty Love" fue irónicamente la última en el plato.

La melodía luminosa y enérgica se complementa con pistas optimistas de Smith y Wynne.

Este último se convirtió en una salida conmovedora comparable a la de Al Green.

Cuando se presentó como una pista de enfoque, se dividió en dos partes con "Mighty Love, Pt. 1" subiendo a la cima de la encuesta de R&B y hasta el número 20 como sencillo Pop.

Por el contrario, la tierna balada de más de siete minutos "Love Don't Love Nobody" es una historia de afecto no desgarradora pero demasiado común. También es un vehículo perfecto para el tono preciso y el rango vocal elástico de Wynne, siguiendo los exitosos pasos de "I'm Coming Home" y "Love Don't Love Nobody" aterrizando en el tramo superior (número cuatro) del R&B, así como el Top 20 (número 15) de la cuenta regresiva Pop.

Entre las selecciones más prominentes hay algunos lados menos conocidos pero igualmente valiosos, como el exquisito y refinado "He'll Never Love You Like I Do" y el funky y relajado "Ain't No Price on Happiness", que regoza el sonido inconfundible del alma de Filadelfia.

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1974’s # 1 UK ALBUM

8.6.1974-5.7.1974 

A pesar de la pérdida de la mayoría de los Spiders y la sensación de que el rock glam ya estaba a mitad de camino en el espejo retrovisor de Bowie, la primera mitad de este álbum es tan fuerte como Ziggy o Aladdin Sane.

La guitarra de Bowie es descuidada y amateur en comparación con la de Ronson, pero eso no disminuye el poder del hard rock de "Diamond Dogs" o "Rebel Rebel".

La mezcla "Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing" es básicamente una balada clásica de Bowie que quema un granero que cumple hasta el final.

La segunda mitad es inconsistente - "Rock 'n Roll With Me" está bien, pero no encaja con el resto del material; "We Are the Dead" de nuevo es decente, pero no está a la altura de los estándares de Bowie de la época; "1984" es posiblemente la canción más anticuada de Bowie lanzada en la década de 1970 - cuerdas muy cursi y todo suena como algo de la banda sonora de una película barata de 1974; "Big Brother" es en realidad la pista más fuerte del grupo y la pista final no vale la pena.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

El vibrafonista Roy Ayers construyó una reputación a partir de su interpretación en los albums de Herbie Mann, desde Impressions of the Middle East (1967) hasta Memphis Two Step (1971).

Mann produjo dos álbumes en solitario para Ayers durante ese tiempo, cuyas mejores pistas ahora se condensan en Daddy Bug and Friends, el mejor disco de Ayers.

El rojo, el negro y el verde se acercan, haciendo coincidir la velocidad de Ayers con una línea delantera de tracción del saxo soprano de Sonny Fortune, la trompeta de Charles Tolliver y el trombón de Garnett Brown. Posteriormente, Ayers encontró un éxito comercial con la discoteca al minimizar el solo y la posición de composición a favor de patrones rítmicos urgentes y dominados por el bajo, pero el precio que ha pagado por la fama es el dinero. 

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1972’s # 1 USA ALBUM

21.10.1972-17.11.1972 

Inicialmente concebido como una banda sonora de la película de drama criminal de 1972 Super Fly, desde entonces el tercer álbum de estudio de Curtis Mayfield ha superado sustancialmente a su contraparte cinematográfica, no solo en términos de reputación, sino también increíblemente en términos de bruto financiero, funcionando como probablemente la única razón por la que alguien incluso vería la película en primer lugar.

Personalmente, nunca he visto dicha película, pero la profundidad del alma funky que se ofrece dentro de la música en sí es tan vívida que definitivamente vi algo allí.

Las canciones cuentan historias sobre las drogas y la pobreza en el más suave de los tonos suaves y sexys que tengo mi propia interpretación visual, y por lo que he leído, mi versión es mejor.

No hace falta decir que el álbum fue un éxito inmediato, abriendo el punto de acceso a todo el género y autorizando incluso la entrada fácil incluso de los homeboys más sin alma, funk gratis para todos.

Quiero decir, fue un disco tan definitivo de los 70 con tanto atractivo masivo que probablemente sentirás que has escuchado estas canciones antes, incluso si no lo has hecho, porque está más o menos de acuerdo como el álbum de funk más importante e influyente jamás hecho. Y después todo fue diferente.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

En 1975, Stanley Clarke fue parte de Return to Forever, mientras que la lista de músicos incluye a Jeff Beck y John McLaughlin. Por lo tanto, puedes adivinar que Journey to Love no está muy lejos de los álbumes de RTF de la fecha (Where Have I Known You Before fue lanzado en '74, No Mystery '75 y Romantic Warrior '76), agregando algunos Jeff Beck del mismo período (Blow by Blow fue lanzado en '75 y Wired '76) y posiblemente algunos McLaughlin pasando de Mahavishnu Orchestra a una dirección más acústica.

En realidad, gran parte de este álbum es bastante bueno. Si la segunda parte de "Song to John" apareciera en el lado A en lugar de la primera parte, hablaría de uno de los mejores álbumes de fusión de jazz de este lado de Heavy Weather. Desafortunadamente, al igual que la primera parte antes mencionada, "Conceto for Jazz / Rock Orchestra" no es muy interesante. Por supuesto que tampoco está mal, la parte III de conducción está especialmente bien, pero el álbum pierde parte de su enfoque en su viaje hacia el amor. A mitad de camino.

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1982)

Esta es una obra maestra. Acabo de ver la película por primera vez en 22 años y la partitura me dejó boquiabierto. Desde el primer sonido hasta la pantalla de "PG clasificado", un triunfo. Sorprendentemente, al día siguiente vi un reportaje sobre el trabajo de John Williams en esta película, y había imágenes de la postproducción (las sesiones de grabación de la partitura real) de Spielberg diciéndole "interpretarlo de la manera que necesitas que sea". Editaré la película en torno a tu música". Eso lo dice todo. La música por sí sola es el 50 % del poder de esta película.

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DISCO CLASICO DE ROCK DE DIA

Otro álbum de Hawkwind en el que la primera pista (en este caso, Images) es bastante buena, pero el resto del álbum tardó más en crecer. Un tema que abre el álbum rápido y enérgico da paso a un material más lento y soñador. Hawkwind siempre había estado estrechamente asociado con el movimiento de festivales libres en el Reino Unido, por lo que era inevitable que su oficio musical eventualmente los empujara en una dirección más de New Age , pero conservan la ventaja suficiente para evitar convertirse completamente en sacarina. (Llámalo "New Edge", tal vez).

No es una obra maestra del rock, pero como música de fondo para momentos contemplativos no está nada mal. 

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ROCK&ARTE 13

Londres, el 8 de agosto de 1969, a las 11:35 horas.

Una espléndida mañana cálida en Abbey Road, donde la actividad bulle: un oficial controla el tráfico, deteniendo o desviando vehículos cerca de un cruce de peatones, a poca distancia de los estudios de la Emi.

Un individuo se sitúa en la cima de una escalera de pintor, sosteniendo con destreza una Hasselblad en sus manos.

En el cruce peatonal, cuatro adultos jóvenes se desplazan, coordinando sus movimientos bajo la dirección del hombre en la escalera.

Este individuo es el fotógrafo escocés Iain Macmillan, mientras que los cuatro son los Beatles. La sesión dura diez minutos, y la toma elegida entre seis opciones se convierte en la portada de su próximo álbum, Abbey Road.

La concepción de la foto provino de Paul McCartney, quien la había esbozado en papel. Paul, como era habitual, buscaba destacar, caminando descalzo debido al calor, según declararía más tarde, y llevando un cigarrillo entre los dedos de su mano derecha.

Estos detalles y otros avivaron especulaciones acerca de su supuesta muerte y su reemplazo por un doble. Más allá de las leyendas, esta toma convierte el cruce peatonal de Abbey Road en un hito del rock 'n' roll y un lugar sagrado al que acuden fanáticos anualmente para emular la icónica caminata de sus ídolos.

De hecho, las líneas del cruce, hoy en la lista de lugares de interés nacional, deben ser repintadas regularmente, siendo un fenómeno único en el mundo. "Es una imagen con la que la gente puede identificarse, un espacio donde aún hoy en día la gente puede caminar", afirma Macmillan.

En 2012, una de las fotos descartadas de la sesión de Macmillan se vendió por 16.000 libras.

Posteriormente, la portada fue mejorada gráficamente por el director de arte Kosh.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Como todos los grandes, Wanda Jackson nunca pasa de moda .

Pero esta es una explosión de 1961 en un sello de reedición llamado Rumble. Olvídate de aburrirte porque el álbum es corto y dulce en menos de 30 minutos.

Dicen que "la nostalgia no es lo que solía ser", ¡pero la fiesta de Wanda es algo que está sucediendo! Ella tiene un gran estilo vocal propio, mientras que hay rastros de Elvis, Little Richard y algunas cantantes de country honky tonkin.

Todo está twanging, incluyendo la voz y la guitarra con mucha reverberación.

Al principio, el músico de raíces Bob Wills es citado diciendo: "¿Rock and Roll? ¡Por qué, tío, ese es el mismo tipo de música que hemos estado tocando desde 1928!... Lo importante es el ritmo".

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El lanzamiento del álbum debut de The Waterboys vio a los críticos trazar paralelismos inmediatos con U2. Puede que estén allí, pero este es otro caso de simplificación excesiva. Incluso el sello de la banda irlandesa de folk rock no soporta mucho escrutinio: ¡el vocalista Mike Scott es escocés por el amor de Dios! Sin embargo, la distinción más importante entre los dos es la fuente y la inspiración para su música. Mientras que U2 utiliza la estructura más estándar de la banda de rock para transmitir su mensaje, The Waterboys se basan en influencias celtas, emplean una mezcla de instrumentación eléctrica y más tradicional e inusual y mezclan temas modernos con jigs y carretes anticuados. Una mezcla embriagadora cuando funciona bien. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Dos álbumes terriblemente normales se juntaron como un CD increíblemente normal.

Si realmente estás interesado en descubrir por qué los Flying Burritos originales fueron una influencia tan importante detrás de cada estrella de rock country posterior, desde Steve Earle hasta los Jayhawks, realmente necesitas The Gilded Palace Of Sin, el debut de 1969 que contó con ambos

Fundadores, cantantes y guitarristas Gram Parsons y Chris Hillman.

Estos dos álbumes se grabaron mucho después de que ambos caballeros se hubieran ido y el grupo, famoso por su alineación "fluctuante", se hubiera retirado. De hecho, fue solo después de la muerte de Parsons en 1973 por una sobredosis de drogas que los poderes encargaron a los otros cofundadores "Sneaky" Pete Leinow y Chris Ethridge que reaccionaran al grupo. El resultado fueron estas dos buenas y no grandes colecciones en efectivo. Una bolsa de trapo de originales en el estilo y versiones de portada, si hubieran llamado a la banda cualquier otra cosa que no sea The Flying Burritos Bros, a nadie le habría importado entonces, mucho menos hoy. 

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DIRECTISIMO 121

Si no me equivoco, este es el tercer álbum en vivo de Coldplay.

Esta vez el material se grabó en París y se basa principalmente en canciones del anterior álbum de estudio "Mylo Xyloto".

Desafortunadamente, al principio tengo que decir que en comparación con los álbumes anteriores, este es el más débil, y la principal falla aquí es la banda que toca las viejas piezas, especialmente descuidada, la segunda y más grave deficiencia es Chris Martin, que probablemente se parodia a sí mismo lanzando vulgarismos a la audiencia de vez en cuando, por supuesto, no a ella, pero en absoluto. Desafortunadamente, me parece que no queda mucho de los buenos y viejos Coldplay. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Su actuación vocal aquí es absolutamente increíble.

Collins era una cantante tremenda, hermosa y pura.

Aquí se aleja del folk orquestado de sus últimos 2 álbumes y va por algo que se inclina más hacia el country rock con una banda de acompañamiento que incluye a Stephen Stills, Jim Gordon, Van Dyke Parks y James Burton.

La elección de canciones se mantiene fiel a su visión, combinando sus propias canciones "my father", viejas baladas folclóricas "pretty polly" y versiones de Dylan y con sus 2 piedras de toque. Su lectura de Sandy Dennys en la pista principal casi rivaliza con la original, pero por otro lado exagera "bird on a wire".

Lo mejor de todo es la tición fantasmal de la balada de asesinato tradicional "pretty Polly"

Aún así, un álbum muy sólido de los años 60 de Collins. 

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LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 16

La década 2000's, esos diez años tan fértiles en One Hit Wonders, que hasta ahora se siguen confirmando o desmintiendo. Uno de esos viene de Estados Unidos, un país donde surgen cientos de bandas tras el éxito de otros precursores de un estilo. Y si bien esta banda pasó colada en su momento, hasta ahora se les puede seguir escuchando con este single del Post-Grunge. Con ustedes, el grupo The Calling y su hit Wherever You Will Go. 

Wherever You Will Go es una canción incluida en el disco Camino Palmero de 2001, escrita por Alex Band y Aaron Kamin y producida por Marc Tanner. Ha aparecido en varias películas y series. Por mencionar una: Love Actually (2003) 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

¿Es Carly Simon o es Rod Steward? Al igual que Rod, a quien se le ha dado la reinterpretación tanto de sus estándares como los de los demás; Carly, una de las artistas que defendió por primera vez la noción de soft-rock, mucho antes de que Fleetwood Mac hiciera de ellos un pilar en la mesa de tres acordes del rock, nos ha presentado algunos de los clásicos suaves más mantecosos, que no solo han sido refinados, sino que se han derretido todos los bordes, lo que me hace preguntarme qué pensé que había escuchado en un número como "Your So Vain".

Honestamente, tuve que volver y escuchar la versión original solo para sentir una sonrisa, y disfrutar un poco de la arrogancia y la actitud de esa pista clásica. 

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1974’s # 1 UK ALBUM

25.5.1974-31.5.1974 

En mi opinión, Wakeman sigue siendo uno de los teclados electrónicos más inspirados del mundo, incluso si a menudo es autoindulgente y narcisista sobre sus habilidades.

De todos modos, este álbum sigue siendo un verdadero tour de force cerca de una obra maestra. En el género de rock sinfónico pertenece a los 3 mejores artistas con The Moody Blues y Alan Parsons Project.

La mayoría de estas piezas largas tienen muchos temas inspirados, el narrador es excelente e incluso podría ser claramente entendido por un hablante que no habla inglés. Sus antecedentes musicales ayudan a entender este maravilloso cuento de hadas de Julio Verne. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Tras su debut,su otro gran disco.La asociacion Hunter-Ronson en pleno apogeo,con un puñado de temas inspiradisimos,parte importante de su repertorio desde entonces.Himnos como "Cleveland rocks" o "Just another night" no se paren todos los dias,y cosas tan sentidas como "Standin' in my light" tampoco.Ademas estan esos medios tiempos de sonido denso y especial,como "Bastard" o "Ships" para hacerlo variado y adictivo .

Colaboracion de John Cale,que en mi caso siempre es un dato positivo,y un Mick Ronson demostrando porque le echamos tanto de menos. 

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1972’s # 1 USA ALBUM

19.8.1972-20.10.1972

"Chicago V" supone como era costumbre en un éxito para esta banda, teniendo eso sí como novedad el hecho de ser el primer LP no doble, siendo más pop y dejando un poco de banda las largas suites de sus predecesores.

Contó con dos buenos singles como Saturday in the Park y sobre todo la fantástica Dialogue (Part I & II), donde Kath y Cetera alternan sus complementarias voces.

Robert Lamm fue el compositor de la mayor parte de canciones, siendo casi testimonial en esta ocasión Terry Kath en estos menesteres, aunque fue autor de una emotiva Alma Mater. Del resto me quedo con State of the Union. Disco que no está mal, pero tampoco pasará a la historia y queda por debajo de la trilogía inicial. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Después del intento de Marvin Gaye de comentarios sociales, este es un bienvenido cambio de ritmo de la melancolía de Inner City Blues (Make Me Wanna Holler) o Mercy Mercy Me (The Ecology).

En lugar de hacer otro álbum en la línea de What's Going On (que intentó con su álbum You're The Man).

Decidió crear un álbum dedicado a los placeres carnales y la sensualidad. En pocas palabras, Let's Get It On es una obra maestra de Motown y del género Soul en general.

La primera canción y la primera pista principal comienza con el arenoso riff de guitarra wah-wah y la progresión de Doo-Wop al estilo de los años 50, mientras que Marvin da una de sus actuaciones vocales más excelentes jamás escuchadas en el disco, coloreando la pista con una mezcla de sus poderosas voces de falsete y su fuerte tenor.

Please Stay (Don't Go Away) no alcanza los máximos de la pista anterior, pero posee un gran ritmo y arreglo cortesía de René Hall. 

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