Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Admito algo ahora: que en realidad creo que este álbum de 10cc es realmente genial. Lo curioso que ya no vino después de eso, pero este sí. "Woman In Love" es un clásico muy bonito de 10cc, "Wonderland" y "Welcome To Paradise" y "Green Eyed Monster" y "Shine A Light in the Dark" son grandes números que me gusta escuchar. El resto son plumas estilográficas algo extrañas, pero también tienen cierto encanto. Me gusta el álbum.
Tal cual.
Steppenwolf lanzó algunos buenos álbumes, pero este es uno de sus más fuertes de adelante hacia atrás. Los excelentes "Snowblind Friend" y "Ball Crusher" son canciones imprescindibles de los años 70. Hay algunos otros excelentes cortes de este álbum "Hippo Stomp", siendo uno de los mejores momentos de la banda en mi opinión. La voz principal de John es convincente y la maravillosa línea de bajo vende esta canción fácilmente.
En mi opinión, la banda nunca volvió a alcanzar este nivel de coherencia.
Antonio Martínez y José Sánchez
En la décimo séptima ceremonia anual estuvo el incorporado Isaac Hayes, autor de muchos éxitos de soul con su compañero de composición David Porter, incluyendo "Soul Man" y "Hold On, I'm Comin'". Aunque probablemente sea más conocido por cantar el tema principal de la película "Shaft".
"Es una experiencia muy emocionante y validadora ser reconocido... junto con todos esos gigantes del negocio de la música", dijo Hayes.
Otros miembros fueron Tom Petty and the Heartbreakers, The Ramones, el guitarrista Chet Atkins, el cantante y compositor Gene Pitney, la cantante Brenda Lee.
Petty, cuyas canciones incluyen "I Need to Know", "Refugee" y "Free Fallin'", dijo que estaba "verdaderamente halagado " por ser añadido a la lista de inscritos.
Fue incorporado también Jim Stewart, cofundador de Stax Records, el sello independiente de rhythm and blues y soul que contó a Hayes, Otis Redding y Sam and Dave entre sus artistas.. Se le atribuye la creación de música soul contemporánea.
"Me siento como Cenicienta en el baile", dijo Lee, quien grabó sus dos canciones más conocidas, la balada "I'm Sorry" y el estándar navideño, "Rockin' Around the Christmas Tree", antes de cumplir 16 años. "Está muy lejos el campo de algodón de Georgia al Waldorf-Astoria".
El líder de Pearl Jam, Eddie Vedder, habló durante más de 20 minutos sobre cómo The Ramones influyó en su carrera musical antes de entregar a los nativos de Nueva York sus premios.
Joey Ramone, uno de los miembros fundadores del grupo, había fallecido, pero su madre, Charlotte Lescher, dijo que confiaba en que el grupo lo lograría con el tiempo.
"Se sentía bastante segura de que iban a ser admitidos", dijo. "Era importante que tuviera reconocimiento por lo que hicieron. Nunca sintió que fueran realmente reconocidos".
En el comienzo de los años 60 era realmente Jimmy Smith en su forma original , casi todo lo que lanzó era oro para el órgano de jazz, y esto ocurrió un año antes de Chicken Shack. Es un poco diferente porque Jimmy tiene una big band que lo respalda en lugar de solo un trío o cuarteto como estaba acostumbrado en sus álbumes anteriores, y esta big band estaría presente en muchos de sus álbumes a lo largo de los años 60, con arreglos del famoso saxofonista de jazz Oliver Nelson, que sería un amigo cercano de Smith en los años 60 y trabajaría con él en varios álbumes.
Los 2 aspectos más destacados de esto son Walk on the Wild Side, que en realidad irrumpió en la cartelera principal y alcanzó el puesto #21 y fue el único éxito real de Smith y la única canción en entrar en el top 50 y, por supuesto, la canción principal. Wild Side es una canción de jazz pegadiza que consiste principalmente en la big band arreglada por Oliver Nelson, pero Smith consigue un solo de órgano de 2 minutos a mitad de la canción.
FORAJIDOS DEL ROCK
Del hartazgo con la purpurina y el conservadurismo de los mandamases de la «máquina» de Nashville durante las décadas de 1960 y 1970 nació un nuevo movimiento, el «outlaw country» o «country forajido», cuyos artistas insistían en hacer las cosas a su modo. Al frente se encontraban las estrellas del country tejano Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson. (en los años 80, el trío crearía un supergrupo llamado The Highwaymen junto al notorio rebelde Johnny Cash). Como parte de su rebelión, incorporaron elementos del rock sureño, se dejaron el pelo largo y se pusieron chaquetas de cuero en vez de vestir el «uniforme oficial» del estilo: trajes con incrustaciones de pedrería.
Antes de su célebre carrera en solitario como uno de los mejores blues-rockers que lo hayan hecho, Rory Gallagher se ganó sus galones en el power trio irlandés Taste. Este, su segundo y último álbum (no hablamos de la reunión sin Rory Wall To Wall de 2009) muestra un lado de Gallagher que fue abandonado en su mayoría una vez que partió por su cuenta: el jazz. No contento con ser simplemente un gran guitarrista, Gallagher también fue un saxofonista consumado. It's Happened Before It'll Happen Again muestra esto en su prolongada pausa instrumental, donde el saxo alto y los solos de guitarra son interpretados por el mismo tipo. La composición de Gallagher también suena muy bien en la canción principal más oscura y malhumorada, y la encantadora y brillante See Here también destaca. Sin embargo, creo que el mejor trabajo de Gallagher está en esa carrera en solitario una vez que realmente se comprometió con el blues: varios de los rockeros aquí, aunque están bien, están un poco por los números. Aun así, la inusual combinación de jazz inteligente de On The Board con blues-rock directo lo convierte en un álbum distintivo en su obra.
Muy pocos podían presagiar que parte de los sonidos más innovadores y psicodélicos de 1966 iban a ser creación de una banda de blues eléctrico, y todavía es más sorprendente que en los 10 meses que pasaron desde su debut el grupo expandiera su música de forma tan radical. Pese a ello esa marca registrada que es el blues de Chicago todavía está presente en buena parte del álbum, destacando sobre todo la furiosa toma de “Two Trains Running” y el slow blues “I Got A Mind To Give Up Living”, una magnífica muestra de cómo se debe hacer blues, con un cautivante solo y un Paul Butterfield entregando una de sus mejores interpretaciones.
Pero nada se compara a la grandeza de los dos instrumentales que hicieron legendario y precursor a éste álbum y sobre todo al inmenso Mike Bloomfield. La toma de “Work Song” de Cannonbal Adderley es transformada en un espectacular ejercicio de virtuosismo y cuenta con un solo fenomenal de Bloomfield, que de paso hace ver a Eric Calpton, su único rival de entonces, como un guitarrista del montón.
El camino de Tim Hardin es ligeramente similar al de Paul Simon; ambos sacaron todas sus grandes canciones del camino en los años 60, a principios de los años setenta aparentemente estaban listos para explorar otro territorio, aunque por lo general se quedaban dentro de su cómodo nicho de cantante/compositor. Tim Hardin no tuvo la suerte de experimentar el inevitable "regreso" en los años 80, pero eso es lo que te hará un hábito de heroína. “Bird on a Wire”encuentra a Hardin entrando más en el jazz que antes (y recuerda, la banda en vivo en Tim Hardin 3: Live in Concert ya era bastante jazzístico
Si alguien duda de la fuerza de la voz de Diana Ross, le sugiero que escuche este álbum doble en directo. Fue lanzado en 1977 justo antes de su magnífico set de estudio "Baby It's Me". La primera canción "Here I Am" muestra lo espectacular que puede ser la cantante Diana si quiere. Hay tantas gemas en este álbum que es difícil decir cuál es la mejor canción aquí. Si buscas los créditos en solitario de Diana, obtendrás "Ain't No Mountain High Enough", "Touch Me In The Morning", "Do You Know Where You're Going To" y el clásico de la discoteca "Love Hangover". Si quieres escuchar a Diana cantando el cancionero de Motown, obtendrás sus éxitos con The Supremes, así como canciones que se hicieron famosas por The Temptations y Stevie Wonder. Y también está el segmento de jazz con cosas de Billie Holiday, que muestra su capacidad como cantante de jazz. Escuché "Live & More" de Donna Summer, pero para ser honesto, no es la mitad de bueno que "An Evening With Diana Ross". ¡Solo hay una reina y es Diana!
Dos años después de Scoundrel Days y una melodía de Bond Theme que los devolvió al top 5 a-ha regresaron con su tercer disco que mostró que todavía quedaba algo de gas en ellos antes de que los adolescentes les dieran la espaldas .
Stay On These Roads es mi disco favorito de su período anterior, canciones pegadizas y 5 sencillos de grandes éxitos, así como el excelente "Out of Blue Comes Green", que es una de mis canciones favoritas de a-ha, el disco es muy "de su tiempo", así que si odias todas las cosas de los 80, lo tienes claro.
Aunque me gusta volver a él de forma bastante regular y siempre me parece una escucha agradable.
Con Bad Company no cabe más definición que la de banda de rock. Añadir además que eran británicos y que sus componentes se llamaban Paul Rodgers (cantante), Mick Ralphs (guitarra), Simon Kirke (batería) y Bozz Burrell (bajo). Los antecedentes de todos ellos eran de auténtico lujo, por lo que es difícil resistirse a la tentación de considerarlos una superbanda. Paul y Simon habían tocado en Free, otra banda de rock fuerte. Ralphs era guitarrista de Mott the Hopple. Y Burrell, el bajista, había tocado en King Crimson. Con este historial se comprende que su inicio fuera explosivo y que este disco, el primero de su carrera, llegara al número uno en Estados Unidos y al número tres en Inglaterra. Tenían todas las bazas para competir con las más grandes bandas de rock del momento, incluidos los ya míticos Led Zeppelin. Sus cinco primeros álbumes, editados entre 1974 y 1979, superaron los 11 millones de copias en el mercado norte americano. Ofrecieron una sabia combinación de buenas canciones y tratamiento duro y contundente, que en este primer elepé se concretó en canciones como Can't get Enough o Movin' on, que triunfaron como singles. En 1982, coincidiendo con la publicación de su sexto álbum, Paul Rodgers dejó el grupo para formar parte de The Firm. A partir de ese momento disminuyeron las ventas y abundaron los cambios, aunque el grupo ha sabido mantenerse en buena forma hasta los años noventa. Holy Water, su álbum de 1990, estuvo más de 70 semanas en las listas norteamericanas.
El álbum debut de Galadriel los encuentra abordando una intrigante mezcla neoprog de los lados más suaves de Yes, Genesis y la escena RPI (representada por PFM o Locanda Delle Fate). Dado un trabajo de producción ligeramente mejor, este álbum podría haber sido precioso, tal como está, su belleza es evidente pero oscura. Dividido en dos mitades, The Day Before the Harvest y The Year of the Dream, el álbum evoca los tonos pastorales medievales del Génesis de la era Trespass.
Demasiado, demasiado pronto. El grunge estaba en la cresta de la ola y Alice in Chains, más que surfearla, se dejó zarandear con una violencia que por poco no termina con ellos. Grabado entre Seattle y California, entre revueltas raciales, visitas al desierto, peleas con el productor, alcohol y drogas duras, lo extraño no es que llegara a buen puerto, sino que todos se mantuvieran con vida al final de su grabación.
Así salió lo que salió. En "Dirt", los vaqueros metálicos subliman un estado de ánimo y una tortura que debía arder como el núcleo terrestre en sus almas atormentadas.
Sorprendentemente, shuggie solo tenía 18 años cuando escribió y grabó esto con su padre ayudándole .
Su toque de guitarra se muestra desde el principio, con la increíble psique instrumental 'oxford gray' antes de dirigirse al funk, el soul de la ciudad, los homenajes al blues e incluso a una portada de hermanos. Parece que realmente no había límites para este tipo. Es una escucha sólida.
Con su segundo larga duración, TLC "maduró" y reinventó su sonido a un estilo R&B suave y firme. Como resultado, el rap y las contribuciones de Lisa se minimizaron a un estado de apoyo, y T-Boz, con su distintiva corona de octava inferior, se convirtió en el tono vocal principal, mientras que Chilli agregó su entrega conmovedora más tradicional para compensar los versos añadiendo florecimiento a los coros.
El título Diva fue quizás un nombre ligeramente engañoso para el álbum debut de Annie Lennox. Por otra parte, tal vez no. El término Diva se utiliza muy a menudo para describir a las cantantes femeninas en el nicho disco/dance, de ahí el término Disco Diva. Los fans que esperaban un álbum de alegres canciones de singalong pop probablemente se quedaron un poco sorprendidos por la gran intensidad y, a veces, los momentos dolorosos de Diva. Sin embargo, eso no quiere decir que Diva sea un álbum deprimente de ninguna manera. Todavía tiene muchos momentos de estilo eurítmico, particularmente con los excelentes sencillos y, al igual que cuando Morrissey se fue solo, Diva muestra que Lennox puede sobrevivir sin su otra mitad musical.
Vangelis es uno de los maestros tanto de la música electrónica progresiva como de las partituras de cine, por lo que es difícil no elevar subjetivamente los estándares de expectativa.
Pulstar es una explosión desgarradora de una gran canción y una forma maravillosa de empezar las cosas. Las pistas restantes también son buenas, pero luchan por estar a la altura de esa promesa temprana.
"Revolver" es un adiós nada elegíaco a los días de la inocencia, a la inmediatez de un pop tan elemental como magnífico, a los tumultos protagonizados por teenagers histéricas en conciertos inaudibles. Pero como es un amable adiós y no (todavía) un violento portazo, "Revolver" conserva las fragacias más arrebatadoras del encanto yeyé mientras se abre a nuevos mundos de experimentación sonora y a supuestas inquietudes cívico-generacionales que supondrán la transformación de The Beatles de fenómeno juvenil a referencia cultural insoslayable.
"Pulstar", el tema que abre el álbum, se hizo muy popular en el estado español gracias a unos informativos. Ello conlleva a que esa melodía es parte de la memoria colectiva de una generación.
Años después, recuperado el álbum con todo lo que en él plasma Vangelis, puedo asegurar que es un notable trabajo de música electrónica. El ambient, con la Berlín School como bandera, pero también los ritmos electrónicos con bases de percusión, son los pilares de "Albedo 0.39".
A principios de los años 60, la voz de Elvis estaba en su apogeo. No estaba tan meciéndose como los días del Sun Records, pero tenía el control total y estaba sacando gemas perfectas de pop/rock. De hecho, parece que en este momento podría haber grabado un suministro interminable de álbumes como este (lo que no me importaría en absoluto). Entonces, ¿qué nos queda? Un álbum sin un solo fallo. Y aunque puede que no tenga un suministro abundante de canciones imprescindibles aquí, satisface hasta el final.
