1962’s # 1 USA ALBUM

Aunque los musicales no es mi estilo favorito en la música , creo que hay un valor innegable en este disco. La instrumentación es increíble y me gustan mucho sus partes instrumentales. Un amigo mío dice que es un poco triste ver a Bernstein dirigiendo una sinfonía de Beethoven después de componer y dirigir esto. Estoy seguro de que Beethoven es mucho más aburrido.

Lo único que todavía no capto del todo son las voces. Supongo que tienen que reflejar la atmósfera de las "calles", pero a veces parecen demasiado forzadas. Sin embargo, después de ver el programa y volver a visitar la película, entiendo por qué la bandeja para alinear a los personajes con los diferentes enfoques vocales. Sin embargo, todavía no lo alineo. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Patti Smith nació en Chicago y creció en Nueva Jersey, expuesta a la influencia de poetas como Arthur Rimbaud y cantautores como Bob Dylan. Su carrera, a caballo entre la poesía y la música, se ha desarrollado siempre al margen del éxito comercial; sin embargo, su estilo descarnado se ha convertido en referencia imprescindible para artistas posteriores. Patti Smith se inició en el rock a través de su novio, Allen Lanier, de Blue Oyster Cult. Enseguida fue descubierta por el crítico de rock-guitarrista Lenny Kaye, que la animó a grabar y la rodeó de una banda formada por el mismo, el pianista Richard Sohl, el bajista Ivan Kral y el batería Dee Dau gherty. Su debut, Horses, apareció además con la garantía de John Cale (ex Velvet Un derground), que hizo de productor. El álbum incluía versiones y temas propios, a los que, en cualquier caso, aportaba su voz escalofriante y conmovedora. Entre las versiones, Gloria (Them) y el clásico Land of a thousand dances. En sus textos, referencias a ídolos como Jim Morrison y Jimi Hendrix. No fue un disco muy vendido, pero su influencia en la música rock posterior fue enorme. En las listas no pasó del cuarenta y siete, aunque su tercer y cuarto discos sí entraron en el top 20 de Esta dos Unidos. Pero sin medir la categoría por el dinero, éste es el gran álbum de Patti Smith y uno de los mejores trabajos dentro de la filosofía punky de la época. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Encabezados por la cantante, guitarrista y gran compositora Polly Jean Harvey, el trío PJ Harvey se formó en 1991, y muy poco después tenían su álbum de debut en la calle. Dry, que fue publicado por la independiente Too Pure en Inglaterra y por Island en Estados Unidos, fascinó tanto a la prensa como al público underground. Su rock dinámico, crudo, austero y sus letras provocativas centradas en la mujer fueron un revulsivo necesario en la escena musical del momento y todo un reto para los oídos acostumbrados a canciones accesibles. El descontento de Harvey con su cuerpo y su feminidad se convirtió en combustible inagotable para sus letras, exposiciones brutales y llenas de humor negro so bre sexo, amor y odio. Y a la vez, sus temas difíciles, estructurados como si fueran blues pero interpretados con la agresividad del punk, siguieron ganando adeptos con el segundo elepé del trío, Rid of me. A pesar de su relativo éxito, es difícil que una música tan cruda y que exige tanto del oyente llegue alguna vez a triunfar en los circuitos comerciales 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 62 (Quincenal)

Sorprenden estos britanicos cantando como si fueran de los páramos del centro de Norteamerica. Incluso Crosby, Stills and Nash debieron palidecer en su dia al escucharlos. Imagino que era la tendencia de la epoca, aunque suenan muy bien. Los mejores cortes, Sandman (Excelentes voces y acordes) A Horse With No Name (una obra de arte por el calor de la canción) y I Need You (balada interesante). Buen trabajo con guitarras acusticas.

Definitivamente, una edición más bien pasteurizada de CSN&Y. Agradable, algo tópico  y más bien inofensivo. Chicos sanotes, letras a veces de sonrojante "poesía", olor a campo abierto, bonito entramado de acústicas.

El desproporcionado e inmerecido éxito de Bad Company resulta sencillo de explicar en 1974, cuando el rock en general atravesaba un oscuro período creativo y la aparición de este supergrupo no hace más que reafirmar esa tendencia. Con su hard rock complaciente, pocas ganas de innovar y canciones francamente insulsas, es uno de los álbumes más sobrevalorados de su tiempo. 

Resulta difícil creer que la mitad de Free y la guitarra de Mick Ralphs estén detrás de todo esto. Al parecer la famosa “Can’t Get Enough” fue suficiente para convencer y es por lejos lo más destacado

Muy pocos podían presagiar que parte de los sonidos más innovadores y sicodélicos de 1966 iban a ser creación de una banda de blues eléctrico, y todavía es más sorprendente que en los 10 meses que pasaron desde su debut el grupo expandiera su música de forma tan radical. Pese a ello esa marca registrada que es el blues de Chicago todavía está presente en buena parte del álbum, destacando sobre todo la furiosa toma de “Two Trains Running” y el slow blues “I Got A Mind To Give Up Living”, una magnífica muestra de cómo se debe hacer blues, con un cautivante solo y un Paul Butterfield entregando una de sus mejores interpretaciones.

Puedo entender que este álbum no tenga una calificación tan alta,

Pero tengo que decir que, a pesar de toda su producción y sonidos anticuados, me gusta bastante, y hay una razón:

Es la artesanía superior a la media detrás de las canciones.

Aunque, en términos comerciales, este "regreso" no funcionó,

Esos chicos todavía sabían cómo escribir buenas canciones con buenas letras.

Si alguna vez pensaste que a la salsa le faltaban largos solos de guitarra entonces esto es para ti, por que es lo que es, música de salsa con solos de guitarra. No intento ser malo (jeje) con el grupo pero así lo percibí, aunque en su defensa, esas percusiones y la batería se escuchan algo mas alocadas para de lo que suelen ser en la salsa común, además de que los solos de guitarra son muy buenos.

Sería prácticamente imposible revisar este álbum sin mencionar a otra banda de rock de influencia latina, así que ni siquiera intentaré no... ¡Santana! ¡Santana! ¡Santana! Si te gusta ese sonido (primeros años), entonces te va a gustar esto. Si no es así... evítalos 

Hair, subtitulado The American Tribal Love/Rock Musical, es una ópera beat sobre la cultura hippie de los años 1960 en los Estados Unidos, incluyendo el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual produjo cierto impacto en la época, incluidos los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas. Más allá de todo esto, el musical Hair ha dejado algunas de las canciones más conocidas en todo el mundo hasta hoy en día, como «Aquarius» o «Let the Sunshine in», a pesar de que mucha gente no conoce el musical al que pertenecen. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¿En que otro álbum puedes escuchar a Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan (en su última grabación), Miles Davis, Joe Zawinul, Dizzy Gillespie, George Benson, Ray Charles, Bobby McFerrin, Al Jarreau, y también Luther Vandross, Dionne Warwick, Barry White, Chaka Khan y los entonces famosos raperos Ice-T y Big Daddy Kane, y muchos otros? ... Es una producción muy de los 80, pero ha envejecido mejor que la mayoría, debido a los enormes talentos que incluyen. Es un collage operístico, que reúne en un solo disco toda la música negra: jazz, soul, gospel, rap, brasileño, lo que sea... algunos originales, algunas portadas... No he guardado mucho de lo que probé en ese entonces, pero este álbum sigue conmigo y se quedará conmigo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lo fácil es despachar el disco como una apertura hacia lo comercial con la que poco menos que se venden a la industria. Y no, no es eso. Este "Porcupine", difícil tercer disco tras una dupla ejemplar, es su primera cumbre de verdad. A pesar de que no parece a priori muy superior a "Heaven Up Here" (1981), tiene suficientes puntos de fuga para diferenciarse y descollar por encima de su hermano mayor.

Por una vez la supervisión del sello discográfico resultó definitiva para lo bueno. Las grabaciones primigenias que podemos "disfrutar" en ediciones recientes del álbum demuestran que el grupo no estaba por la labor de endulzar su sonido. La inclusión de esos violines de Shankar y todos los elementos que han acabado suavizando el resultado final fueron en cierta forma impuestos, pero no puedo decir que sean un error, sino todo lo contrario, un acierto absoluto. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Esto tiene los ingredientes de una banda sonora realmente buena. Al igual que la película, sin embargo, en algún lugar hacia el final se desvía hacia Dullsville. Se las arregla para encontrar que está volviendo a una conclusión emocionante con la canción de cierre, "FLESH FAILURES/LET THE SUNSHINE IN" *****

Hay un gran funk de los 70 en este álbum. "AQUARIUS" y la canción principal son increíbles. También recomiendo a Nell Carter cantando "WHITE BOYS", un álbum sólido, si no del todo genial.

A pesar de tener más de 45 años, las canciones de amor, paz y hermandad en este, el musical tribal de rock original, suenan refrescantemente modernas. El sonido es extremadamente bueno en la edición remasterizada.

Protesta, drogas, antivietnam, brecha generacional, libertad, sexo, hermanos y hermanas...ah, esos días. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Escuchar el refinado debut discográfico de Roberta Flack, en sus mejores momentos, te hace saborear esa atmósfera mágica de un club de jazz nocturno ahumado. Apoyar esta sensación es, como la guinda del pastel, el extraordinario trabajo de Ron Carter en el contrabajo.

Lo más destacado es el impresionante éxito "The First Time Ever I Saw Your Face", pero también destacan "Tryin' Times" y la hermosa "Compared to What", que abre el álbum. No todo funciona ("Angelitos negros" es bastante agotador), pero el debut de este gran artista, a menudo subestimado, merece absolutamente ser escuchado. 

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DIRECTISIMO 34

Grand Funk Railroad formó parte de la primera oleada de bandas Hard Rock: (1968/69). Fueron una máquina de rock duro al estilo americano: tan frívolos y divertidos como aplastantes. Entre 1969 y 1973, se transformaron en un boom de ventas en USA. En sus primeros 13 meses de vida, publicaron cuatro discos, 3 de ellos, de estudio. Llenaron estadios sin cesar, y se hacían llamar "La banda Americana". 

Su contemporaneidad con Led Zeppelin (como todas las demás bandas de este pelaje) les jugó en contra; ya que fueron eclipsados por estos, y el paso del tiempo desgastó su imagen y relevancia. 

Este disco se grabó en el mejor momento de la banda, con una atmósfera frenética, bajo con fuzz, y adrenalina juvenil vigorosa. Con el sudor del vivo, el vivo de verdad, sin retoques ni overdubs, en crudo.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Seguro que su madre ya le decía aquello que lo de toda la vida siempre ha funcionado. Que no hay que forzar nada, que sale solo, poniéndole alma. La verdad es que este disco sigue al anterior perfectamente sin maquillajes ni demasiadas vueltas. Soul, le llaman. Con creerse lo que uno hace, tienes la mitad del trabajo hecho. Luego, las letras, la repetición de determinados criterios, el aire que sople entre el rock y la balada, entre el funky y el soul, harán la amalgama del asunto. Si resulta que el señor Field es un compositor como la copa de un pino, dos piedras y lo tendrá hecho. Una puerta se abrirá en cualquier sitio, entrará la luz y las voces del respetable le pedirán más, otra canción, más discos. Y así se reiniciará una leyenda, otra más, con la madera que sólo tienen los hombres fervorosos como este Lee. Que las puertas se abran y azote el viento, pensará la madre. Con razón. Y que nos llueva encima, a ser posible. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Malo estaba llamado a ser el segundo gran grupo del rock latino, tras la senda abierta por Santana. Pero no llegó a cuajar como tal. Grupos como El Chicano o incluso Osibisa, aunque con toques más africanos, les desbancaron de ese viceliderato y les llevaron a la desaparición en tan sólo tres años y cuatro álbumes. ¿Por qué se pensaba que podrían ser la escolta ideal de Santana? Porque el líder de Malo era Jorge Santana, hermano de Carlos y discípulo suyo. Pero sin su talento o su preparación. Malo apareció en el horizonte musical en el año 1971 y editó su primer disco en las primeras semanas de 1972, este que comentamos, sin más título que el nombre del grupo. Este mismo año editaron Dos, y en los dos siguientes los elepės Evolution y Ascención, tras lo cual se disolvieron. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 94

La pista 1 "Stay on These Roads" es una de las mejores canciones que he escuchado en mucho tiempo. Me sorprende que no haya recibido más aclamación cuando se lanzó, ya que es fácilmente una de sus canciones más pegadizas y, en última instancia, hay una mejor canción a lo largo de toda su carrera como músicos. Ha envejecido bien e incluso hoy en día la canción no se puede delegar para que suene cursi o cursi solo porque esté perfectamente compuesta. La mejor canción de rock/pop de Noruega.

Me voy a mojar aquí y decir que este es probablemente mi álbum favorito de Tim Hardin. No estoy seguro de por qué, tal vez sea un poco más accesible y sea más fácil de escuchar que algunas de las cosas anteriores más profundas. Me pareció mucho más consistente y menos irregular que algunos de los otros álbumes, aunque todavía no creo que vaya a ser una escucha regular. "Bird On The Wire" es el punto culminante obvio, "Andre Johray" es el punto débil y el resto es algo lo suficientemente agradable en promedio sin amenazar con ser nada fuera de lo común.

En cuanto al blues-rock en mi mundo hoy en día, entonces la única persona que todavía puede generar algo de salida para mí es el Sr. Gallagher. Tal vez la composición de On The Boards no siempre sea tan innovadora como en algún otro álbum de blues aleatorio de la época, pero hay algo en este hombre que me hace volver a él. El álbum aquí no es con grandes sorpresas, una mezcla bastante convencional de hard rock y tomas más tradicionales en el paradigma del blues-rock. Lo único que estaba un poco fuera de lugar son algunas de estas pistas de jazz "It's Happened Before, It'll Happen Again"

El problema con este álbum es algo que he mencionado algunas veces : contiene los arreglos consumados pero algo estridentes de la big band de estudio de Oliver Nelson. En este contexto, durante mucho tiempo no estoy seguro de si me gusta o no. Creo que quita demasiado el sonido, creo que domina demasiado el sonido, creo que evita que el grupo se estire naturalmente y, francamente, nunca me gustó mucho el sonido del órgano Hammond mezclado con banda grande porque el órgano es un recipiente tan poderoso por sí solo que cuando se mezcla con una banda grande se ahoga inusualmente o crea una especie de sobrecarga sensorial.

El álbum de Steppenwolf en su conjunto es genial. Ejecución, secuenciación, actuación, canciones... El favorito personal es el recuerdo del líder John Kay de que él y su familia escaparon de Berlín cuando eran niños en "Renegade".

Es una pena que el guitarrista Larry Byrom se fuera después de este lanzamiento, ya que era una contraparte perfecta de las habilidades de composición de John Kay.

Las voces y las guitarras son la principal atracción aquí en el album de Y&Ty se hace ambas cosas. Cuanto más cerca esté I Believe in You, tiene las voces y melodías más fuertes y es un aplastamiento de 7 minutos. Otros geniales incluyen Hungry for Rock, Rescue Me, Hurricane, Knock You Out y Shake It Loose. Todas las canciones cuentan con coros memorables, un trabajo de guitarra pegadizo, tanto en los solos como en los riffs. 

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1966’s # 1 UK ALBUM

Se sabe que los Monkees hicieron muy poco más que cantar en su debut y que los verdaderos responsables de casi todo fueron Tommy Boyce y Bobby Hart, los que compusieron y produjeron la mayoría de las canciones, además de tocar ocasionalmente en ellas junto con un ejército de músicos de sesión. Aparte de los éxitos distinguibles como “Theme From The Monkees” y “Last Train To Clarskville”, las mejores canciones del álbum son aquellas en las que el grupo (o mejor dicho quienes estaban atrás) buscan alejarse del pop y se aproximan a la sicodelia en “Sweet Young Thing” o al garaje en “Let’s Dance On”, en ambos casos las guitarras toman protagonismo y se acercan más a los sonidos de avanzada. Por el contrario, “Gonna Buy Me A Dog” y la toma de los Hollies “I’ll Be True To You” son absolutamente olvidables y hacen de éste un álbum disparejo que llegó a estar 13 semanas en el número 1, pero eso fue por la maquinaria de los Monkees y no por la música.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Más de lo mismo de una de las bandas de la década de los 80 que sabía cómo hacerlo bien.

Este es uno de sus primeros lanzamientos, y aunque es un buen álbum sólido, se parece a muchos de los álbumes de esta banda en que tiene algunas buenas canciones, pero en general no puede salir de la calificación de álbumes "buenos" a la categoría de álbumes "grandes".

Las grandes canciones, como "Hurricane", "Squeeze", "Young And Tough" y "Knock You Out" simplemente no pueden sacar este álbum de lo normal, lo normal y lo cotidiano. Y eso no tiene nada de malo. Este sigue siendo un buen álbum y un placer ponerlo y escucharlo. Pero cuando lo comparas con otros álbumes a lo largo de la historia, no se puede considerar por encima de ellos. 

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1962’s # 1 USA ALBUM

"Moon River" es probablemente la mejor canción original que haya aparecido en una película (junto con "Somewhere over the rainbow" de "Wizard of oz"), Henry Mancini es una garantía. Los delicados arpegios de guitarra construyen un clímax melancónico que fluye en un estribillo de cuerda (mientras la guitarra sigue tocando) que se abre lentamente emitiendo un laberinto de emociones. La voz de Audrey (que no es una cantante profesional) es muy suave y suave, encaja perfectamente en la canción, una verdadera cereza en el pastel. Sí, muchos otros en sus años lo cubrieron, seguramente más hábiles y poderosos como cantantes que Audrey (mencionaría a Barbra Streisand y Judy Garland), pero el tono elegante de la película sigue siendo insuperable. 

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