Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Hay álbumes de rap más innovadores y felices como una muestra (Fear Of A Black Planet, Three Feet High And Rising, Paul's Boutique), pero este es el que más toco. Muggs' crea algunos ritmos trippy usando Dusty Springfield y Junior Walker, y rimas de B Real y Sen Dog como Larry Blackmon de Cameo o'd-ing en demasiados videos de Cheech y Chong. Y oye, ¿es la armónica de Ozzy Osbourne la que escucho? Black Sunday es el drogadicto más divertido que han tenido desde Dark Side Of The Moon !
Muscle Shoals Sound Studio fue inaugurado a principios de 1969 por la sección de Ritmo Muscle Shoals (también conocida como the Swampers): David hood en el bajo, Jimmy Johnson en la guitarra rítmica, Roger Hawkins en la batería y Barry Beckett en las teclas. comenzaron a trabajar juntos en el Rick Hall’s Fame Studio en Muscle Shoals, Alabama, donde se hicieron muy conocidos en la industria discográfica por tocar un estilo único de R&B Funky con artistas como Aretha Franklin, Wilson Pickett y Etta James.
Los músicos decidieron convertirse en empresarios dejando sus trabajos en the fame y abriendo su propio estudio en 3614 Jackson Highway en Sheffield, Alabama, estableciendo Muscle Shoals Sound Studio.
Este estudio era único porque era el único estudio de grabación propiedad y operado por los músicos de sesión en ese momento.
Los cuatro músicos eran socios iguales en el esfuerzo, no solo como músicos de estudio, sino también como sesiones de reserva, el pago de las facturas y el manejo de todos los aspectos de un negocio en funcionamiento.
Jerry Wexler, vicepresidente de Atlantic records, tuvo una gran relación de trabajo con los músicos de su época en the Fame.
Weller fue una parte clave del inicio de MSS al prestar dinero a los músicos para conseguir equipo mientras continuaba trayendo clientes de Atlantic Records el primer lanzamiento de MSS fue el álbum debut en solitario de Cher, titulado 3614 Jackson Highway en 1969 la portada del álbum muestra una foto del edificio, con el título del álbum superpuesto sobre la fachada, que inspiró el ahora icónico cartel de la autopista 3614 Jackson.
Después de trabajar con artistas como Boz scaggs, Lulú y Arif Mardin a lo largo de 1969, el estudio tuvo su primer éxito comercial con "Take a Letter, Maria" de R.B. Greaves. el sencillo fue un éxito, alcanzando el punto máximo en el no. 2 en las listas y anotando a mss su primer récord de oro. la misma semana de grabación con greaves de día, The Swampers acogían a los Rolling Stones de noche. los Stones se detuvieron durante tres noches, cortando tres canciones de su lanzamiento de 1971 Sticky Fingers "Brown Sugar", "You Got to Move" y "Wild Horses".
MSS permaneció en la ubicación de Jackson Hwy durante nueve años, de 1969 a 1978. durante ese tiempo, The Swampers tocaron en más de 200 álbumes, con más de 75 discos de oro y platino de la Riaa, y cientos de canciones de éxito con artistas como Lynyrd Skynyrd, Bob Dylan, Duane Allman, Paul simon, Art Garfunkel, Bob Seger, Staple Hook y Eddie Hinton.
En 1978, the Swampers habían superado a las instalaciones de Jackson Highway y comprado un edificio más grande en la avenida alabama en Sheffield.
Desde la mudanza en 1978, la ubicación original de Jackson Highway ha albergado un minorista de audio profesional y un taller de reparación de electrodomésticos antes de quedar abandonado a finales de los 90. a principios de la década de 2000, el edificio fue comprado por un ciudadano local, para ser reabrido como museo y estudio en pleno funcionamiento. en 2009, los Black Keys grabaron su album In the studio. en 2013, el estudio fue comprado por Muscle Shoals Music Foundation para restaurarlo a su antigua gloria.
Supongo que cuando los álbumes homónimos son lanzados por grupos establecidos, el grupo está ofreciendo algo que cree que representa la esencia de la banda. Pero en el caso de The Cult, eso simplemente no suena cierto, después de todo esta es una banda que había evolucionado enormemente de "Dream Time" a "Ceremony".
Dicho esto, y a pesar del sonido muy contemporáneo que ofrecía este álbum, en ese momento, hay algo muy The Cult en este album.
Desde los primeros segundos de la canción de apertura "Gone", tuve la impresión de que The Cult simplemente estaba tratando de copiar los sonidos geniales de la época, piensa en Soundgarden, por ejemplo...
Este es un álbum bastante largo (como era la moda en 1994), pero en realidad se mantiene muy bien unido.
Las raíces de los Pet Shop Boys se encuentran en la amistad y el amor compartido por el pop (del que planearán una buena agitación) de Neil Tennant y Chris Love. Estos dos chicos ingleses luchan un poco por encontrar visibilidad en su tierra natal; luego, el debut a larga distancia de Please (1986) marca un éxito que progresará con el tiempo, apoyado por ideas sólidas entre el kitsch decadente de la época y una concepción de la forma de canción evolucionada. Después de una serie de éxitos en los sintetizadores y ritmos de la danza (yuppiehouse), Behaviour marca uno de los puntos clave para la transición entre décadas, la evolución del ritmo y aún puro y simple (e incluso fácil, seamos realistas) hacia una concepción más profunda y irregular de la cultura popular, en una serie de pinturas ambiciosas, también, pero Las filas de participaciones (Angelo Badalamenti, Johnny Marr, el Cuarteto Balanescu) elevan la calidad ciertamente intrigante del trabajo de los dos. Las canciones se llaman How Can You Expect To Be Taken Seriously?, Being Boring... y se han convertido, con el tiempo, en una demostración de cómo puedes bailar sin perder necesariamente la cabeza..
Los fans de Prince habían estado esperando a que alguien rinda homenaje a los "años Perdidos" de Purple One, la década sobrecargada y poco apreciada entre su pelea con Warner Brothers en 1994 y su regreso a la conciencia popular en 2004. Ese período estuvo marcado por un notorio cambio de nombre, una guerra muy pública con la industria de la música y el lanzamiento de no menos de 12 álbumes (dos de los cuales eran sets de triple disco, y ninguno de los cuales tuvo un gran impacto en la radio convencional).
Había mucha buena música enterrada en estos lanzamientos, y los fans de Prince sabían exactamente dónde encontrarla.
Sin embargo, ¿el público en general? No tanto. No se les podía molestar en examinar los experimentos de jazz de 8 minutos, los conjuntos de CD de 3 horas y los álbumes conceptuales.
Avancemos hasta agosto de 2018, y la finca Prince nos regala una colección de 37 pistas titulada "Antología: 1995-2010" que cubre este período difícil de manejar, así como los siguientes seis años de relativo éxito general. Y no debería sorprender que esta colección sea tan difícil de manejar como la carrera que documenta... e igual de inspirada.
Pero, ¿qué se puede decir de un disco como este? Tal vez en 1988 las guitarras del Dream Syndicate sonaron como ninguna otra, en este directo (para dar fe a las notas, ni siquiera remezcladas) y luego en "Ghost stories": el sonido de seis cuerdas más hermoso de los años 80, o nunca, como diría el corazón.
Sí, porque aquí el fan pronto tiene razón sobre el espíritu crítico, estas canciones son un concentrado de emociones y perdonas fácilmente los deslizamientos, probablemente marchitas, evidentes en "John Coltrane Stereo Blues". Ya el doble vinilo original, 1989, era muy hermoso, aquí estamos al borde de lo sublime: gran comienzo con "Mira que mi tumba se mantenga limpia", y luego siempre al mismo nivel, testimonio de un estado de gracia que no duraría ni un año.
Con Fairport Convention, el Pentangle de Bert Jansch y John Renbourn fueron extraordinarios innovadores del folk británico, en cuyo tejido insertaron con habilidad y buen gusto el blues, el jazz y elementos (proto) progresivos. Esta Basket of Light da testimonio con particular eficacia del camino inicial de la banda, que se desarrolló entre finales de los años 60 y principios de la década de 1970 y terminó con una separación temporal: nueve episodios de gracia sublime, construidos sobre entrelazamientos electroacústicos articulados y evocadores en los que domina la voz celestial de Jacqui McShee. Junto con la posterior Hermana Cruel, compuesta principalmente por reordenamientos tradicionales, es el artículo más valioso del catálogo de quintetos; así como el único que ha llegado a las áreas altas (incluso el número 5) allende de ultramar.
Pocos blancos han hecho tanto por la música negra como Johnny Otis. Hijo de padres griegos que emigraron a California, que crecieron perfectamente cómodos entre las personas de color, Otis solo tenía la piel blanca. El alma, musicalmente hablando, siempre ha sido muy negra. El apodo de "padrino de r'n'b" se lo ha ganado con su incansable trabajo de buscador de talentos: Little Richard, Esther Phillips, los Robins (más tarde Coasters), Big Mama Thornton, Jackie Wilson son solo algunos de sus descubrimientos, pero su larga y multifacética carrera como músico, ahora, merece tantas medallas. Capitol Years habla de la brillante mezcla de swing, rock'n'roll, jumpin' jive y rhythm'n'blues que caracterizó la actividad de Otis y su big band en la década de 1950, pero sabe que incluso muchos discos de las décadas siguientes, más pegados a los tonos de blues, jazz y funk, son imprescindibles.
Cambio de bajista y de productor, la colaboración de Rick Wakeman y ese constante afán por cambiar se conjugaron para darle por fin a Bowie su primer álbum exitoso. Sonando más como un trabajo solista que grupal, el hard rock de “Man Who Sold The World” es erradicado y en su lugar Bowie gira hacia sutiles y contagiosas melodías pop donde predomina el acompañamiento de piano de Wakeman, dejando la guitarra de Mick Ronson en un segundo plano.
Primer indiscutible del grupo,primera portada de Neon Park (elemento imprescindible tambien),primer gran himno de Lowell ("Willin´,versión definitiva de la canción que estrenó en el disco de debut de LF), y descubrimiento de un guitarrista y compositor inolvidable.Por no hablar de su técnica con la slide ("A apolitical blues" y tantas otras) que impulsaban a las canciones a una dimensión diferente.Temas que picoteaban de todo el acervo musical sureño para dar lugar a una mezcla irresitible,como da muestra este "Sailin´shoes" un disco ideal para iniciarse en los secretos de este gran grupo,al que es de justicia reivindicar siempre.
Musicalmente no tengo ninguna duda de que es superior a "Vivid"; los desarrollos son más complejos y tiene cabida desde el metal al jazz. Otra cosa es los sorpresivo del álbum. Con su debut la banda dio un puñetazo sobre la mesa y demostró que los negros no solo sabían hacer funk, rap, blues, soul o jazz; el hard rock y el metal en todas sus vertientes también era una opción. En definitiva un disco muy notable de una banda excepcional y, bajo mi punto de vista, no lo suficientemente reconocida.
Play es una cosa bastante cómoda.
Alcanza motivos suficientes para convencer a casi cualquier paladar, el muy orientado al pop, el propenso a las maquinitas, el enfrascado en las tendencias e incluso el nostálgico de la buena música negra.
¿A qué suena bien el invento? Pues sí, el invento suena bastante bien en general.
Moby sabe hacer cosas chulas. Pero nada de lo que hace me hace vibrar, en absoluto.
Me parece así como...no sé...demasiado ¿Cerebral?
Las cosas cambian: en la década de 1990 consideraba "Nothing Compares 2 U" una canción sobrevalorada y exagerada, ahora la considero un clásico. Esperaba que I Do Not Want What I Haven't Got pudiera contener más música que sonara como esa canción, pero desafortunadamente, me equivoqué. Las pistas son demasiado largas casi todo el camino, mientras que solo algunas de ellas (por ejemplo, "Three Babies" y "Jump in the River") suenan musical y artísticamente válidas. "I Am Stretched on Your Grave" presenta a un buen espíritu de los 90 en el acompañamiento, pero su duración se ha estirado demasiado.
Entertainment!", con su portada soviétizante, su inagotable surtido de proclamas antisistema y sus ritmos selváticos, es una llamada a bailar la revolución. Gang of Four han cerrado la puerta al nihilismo punk, pero hay en ellos algo demasiado oscuro como para tomarles por adelantados de esa efímera Nueva Ola. Y mucha imaginación hay que echar para ver algún antecedente del synth-pop, incluso en su vertiente más "gótica".
Me encanta Cream, especialmente sus dos primeros álbumes, Fresh Cream y Disraeli Gears.
Pero Goodbye apenas es un álbum. Toma una canción bastante buena, que ni siquiera se consideraría una buena canción si no fuera por un solo de guitarra muy, muy corto de George Harrison, añade algunas grabaciones de estudio desechables que suenan más a Traffic que a Cream, y añade algunas pistas en vivo en buena medida. Lo que tienes después de todo es un trabajo muy débil que carece de unidad o cohesión. Aunque las pistas en directo son bastante buenas, el álbum en general no lo es.
Si querían cuestionar los datos básicos de una sociedad occidental moderna, es decir, el ciclo de la vida cotidiana y la suposición de que el trabajo y el ocio son cosas separadas, entonces Leeds en el año impío de 1977 era el lugar perfecto para comenzar.
Hubo violentos enfrentamientos en las calles y en los pubs entre el Frente Nacional de extrema derecha y quienes se oponían a ellos.
Los álbumes de Clash and the Sex Pistols proporcionaron una banda sonora al descontento social, y el gobierno laborista de James Callaghan estaba tropezando con el olvido mientras se avecinaban Margaret Thatcher y el Thatcherismo. En tales circunstancias, ¿cómo podrían Gang of Four no tener mucho sentido?
La banda que se formó en torno al entorno de la Universidad de Leeds en 1977, el vocalista Jon King, el guitarrista Andy Gill, el bajista Dave Allen y el baterista Hugo Burnham, lanzó su álbum debut en 1979 y Entertainment sigue siendo uno de los lanzamientos clave de la entonces naciente era post-punk.
Es de bordes duros en el sonido, como si una prensa de máquinas de metal hubiera comenzado a funcionar mal, y furiosamente inquisitiva en términos de su visión del mundo. Es uno de esos álbumes en los que puedes identificar lógicamente los diversos precursores del cuarteto, pero el resultado final es una revelación.
Una película mejor que la media de los años sesenta de Elvis, con una buena banda sonora. Little Egypt es la atracción estrella aquí, complementada por algunos rockeros menores, pero capaces, como Hard Knocks y One Track Heart. Las baladas aguantan bien: It's a Wonderful World (seleccionado a la mejor canción del Oscar), Big Love Big Heartache y el número de título con clase.
Las defraudaciones son las canciones y novedades tipo carnaval (Poison Ivy League) que se ajustan a la acción de la película, pero suenan secas en el álbum.
El álbum que casi los convirtió en estrellas de las grandes ligas, principalmente por el exitoso sencillo 'Burlesque', que sigue siendo un tema apto para la radio hasta el día de hoy. En otros lugares, sus ideas originales continuaron abundando con 'Bolero Babe, con su violín arremolinado, y la nostálgica 'Coronation' mostró que Chapman y Whitney tenían mucho reservado.
El humor prevalecía mucho más en las letras de Family que en cualquier otra banda de esta época, a veces enterrado bajo el rock. Esta vez, es 'Broken Nose' y el remate, 'el día que dejé de amarte fue el día que me rompiste la nariz'. Finalmente, el maravilloso 'My Friend The Sun' está ahí para recordarnos qué gran banda fueron y nunca sintieron la necesidad de volver a formar.
La artista irlandesa se impone definitivamente con I Do Not Want What I Haven’t Got, que mantiene y desarrolla las promesas del debut The Lion And The Cobra; es la canción Nothing Compares 2 U, firmada por Prince, la que la lanza al Olimpo del Pop, pero es el álbum que lo contiene el que revela sus extraordinarias habilidades interpretativas y su eficacia compositiva.
Las canciones, ya sean bailadas por orquestación medida o formas esenciales de rock, transmiten una voz de belleza cristalina, el resultado de elementos heterogéneos: una formidable fusión de raíces irlandesas, espiritualidad e ira civil.
Aún no encarcelado por el deseo de estar contra la corriente a toda costa, una actitud que con demasiada frecuencia ha relegado la música a los márgenes, O'Connor es aquí el portador de una tensión emocional inolvidable.
Algunas pistas geniales y el bajo es increíble cuando se toca lo suficientemente fuerte. Sin embargo, no sé en qué estaban pensando hacer una colaboración con Aerosmith.
"My Adidas" es una de mis pistas de hip-hop favoritas de todos los tiempos.
Han pasado más de 30 años desde el lanzamiento, este álbum sigue siendo atractivo.
Me gusta más la guitarra de Joe Perry en "Walk This Way" que la versión original de Aerosmith.
Pocas veces se alinean los astros para iluminar el parto de una criatura tan bella como este cuarto disco de Wilco. Si bien ya habían dado buena muestra de su genio en momentazos previos como "Being There" (1996) o "Summerteeth" (1999), es con este "Yankee Hotel Foxtrot" con el que rompen la baraja y llevan sus ansias experimentadoras a otra dimensión.
Un espléndido ejemplo de cómo la música progresiva y el jazz, pasada por el filtro del rock'n'roll, pueden ligar y ofrecer un resultado más que satisfactorio. Es el típico producto que saca de quicio a los defensores a ultranza del 'one, two, three, four' popularizado por Ramones: desarrollos largos y en ocasiones enrevesados, instrumentistas de alto nivel, sonido límpio y pulido en la producción... en definitiva un disco realizado por buenos músicos para todo aquel que se quiera acercar al mundo del jazz moderno, sin prejuicios.
La profunda voz bajo-profunda de Linton Kwesi Johnson recita sus cuentos líricos desde lo más profundo de esta odisea musical a cámara lenta. La nítida producción de doblaje empapada de eco de Dennis Bovell, un grupo inspirado de músicos, con las palabras cortantes de LKJ que siguen siendo un emocionante pico para la música reggae. Y esta es la más alegre y humorística de sus primeras grabaciones clásicas.
Es un fascinante breche espacio-temporal ofrecido por John Keating en este muy buen álbum, recuerdo en particular "Stereoskopia" y "Earthshine", dos composiciones originales y bastante melancólicas, pero especialmente estas dos famosas portadas: "Lucy in the Sky With Diamonds" de los Beatles y "Life on Mars" de Bow
The La's llegaron a influir en muchos otros artistas de rock alternativo británico durante los siguientes veinte años. La banda tuvo gran influencia en el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990 y ha sido citado como una influencia de artistas como Oasis, Paul Weller, The Charlatans y Travis. Pete Doherty de The Libertines y Babyshambles también ha citado al grupo como una influencia.También han influido en muchas bandas posteriores de Liverpool incluyendo las bandas "Cosmic Scouser" de la década de 2000 como The Coral y The Zutons.
