domingo, 4 de septiembre de 2022

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA



Nos engañaron con ese acople inicial y la desbocada "Non Alignment Pact". No, no era punk, era MUUUUCHO más. Con la pretensión de arañar el arte, parieron un disco extremo en muchos sentidos. Entre Captain Beefheart y Can, entre MC5 y Ornette Coleman debía haber un hueco para la expresión y los de David Thomas lo encontraron en su obra magna.


Rock visceral, raro y apetitoso. Guitarras en el filo, gaitas beodas, ruídos de cristales que estallan en tus neuronas. Todo un arsenal de recursos para demostrar que el arte serio pude ser lo más divertido del mundo. Para ello hay que buscar el equilibrio entre abstracción y humor, entre concepto y emoción. Pere Ubu lo logran más que nunca en una obra rugosa, histérica y sutil que nos golpea una y otra vez gracias a su infinidad de capas. Un disco que eleva la carne cruda del punk a la categoría de alta cocina, sin pretensiones y con la libertad a toda máquina. Por mucho que David Thomas se empeñe, esto le acaba gustando a cualquiera. 

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sábado, 3 de septiembre de 2022

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 107 (Quincenal)



Hace unos días me dio por sumergirme un poco en ver películas y documentales,pero claro todo lo que veo lo relaciono con la música,yo creo que veo que una película sin música es  casi como ver una película de cine mudo(por lo menos es mi opinión).

Y ahí va la primera que veo Hijos del Sur,una película que contiene elementos históricos de la segregación racial ocurrida en Alabama(con muy buena banda sonora).

El documental que estuve viendo era 20 Pasos a la Fama relatando las historias de unas coritas de oro de la cual una de ella me llamo la atención,era Merry Clayton que le ofrecieron los coros de Sweet Home Alabama siendo jovencita, casi sin saber su contenido político y su finalidad. 


La respuesta que daba Neil Young al publicar dos canciones 'Southern Man' y 'Alabama' haciendo referencia al racismo y al racismo y al Ku Klux Klan en un momento en que la tierra del sur estaba empezando a ser más tolerante con la raza negra.

Sin casi dame cuenta la película y el documental estaba entrelazada.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA



Para armar esta obra, Bowie se trasladó a la misma Philadelphia donde reunió un equipo de ensueño formado por músicos locales curtidos en los vericuetos del soul y el funk. El equipo perfecto para fabricar una música que se percibe negra por peso y categoría pero que al final resulta en un sonido de blancura glacial. No es de extrañar, cuando el guitarrista Carlos Alomar describió a Bowie como "el hombre más blanco" que había visto jamás. Si esto importó algo, seguro que fue para dotar a su noveno disco de estudio de un aura sintética que ha hecho que perdure. 


Tampoco quiero insinuar que esto sea gloria. Poniendo las cosas en su sitio puedo afirmar que este es un gran disco, uno de esos especiales y diferentes en la discografía del maestro. Y no sólo por "Young Americans" o "Fame". 

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viernes, 2 de septiembre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS



Poco después del lanzamiento del álbum debut de la banda, Shepherd dejó la banda y Cameron fue elegido para reemplazar a Jack Irons como baterista del grupo de rock Pearl Jam .Sin embargo, Cameron y McBain tenían la intención de mantener a la banda como un proyecto paralelo permanente, y con Cameron asumiendo las funciones vocales principales, la banda lanzó tres álbumes más de Wellwater Conspiracy después de su álbum debut. El segundo álbum de la banda, Brotherhood of Electric: Operational Directives , fue lanzado el 9 de febrero de 1999 a través de Time Bomb Recordings . Greg Prato de AllMusic dijo que Wellwater Conspiracy "ofrece otra colección intrigante de canciones con tintes de los sesenta". 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Hope Against Hope fue el álbum debut de Band of Susans, compuesto a lo largo de su carrera como el cantante/guitarrista Robert Poss y la cantante/bajista Susan Stenger, acompañada por el baterista Ron Spitzer y otros dos guitarristas.


En Hope Against Hope, ya vemos los elementos que harían los mejores álbumes de los Susan en los próximos años en las guitarras densas, pero siempre extremadamente melódicas, la ardiente batería de Spitzer en kits muy simples y la voz alta pero espontánea de Poss. En algunas canciones, como la melodía del título, la banda muestra que ya habían adquirido toda la habilidad que perfeccionarían en álbumes posteriores, pero con demasiada frecuencia Hope Against Hope se ve empañada por el canto infantil, incluso pretencioso, y las letras de Poss. 

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jueves, 1 de septiembre de 2022

DIRECTISIMO 51

Live at the Star-Club, Hamburg es una entrada curiosa en los libros mayores de la historia temprana del rock n' roll. Su intérprete, Jerry Lee Lewis, es legendario y notorio. Después de un fiasco de relaciones públicas en 1958, cuando los detalles de la vida personal de Lewis se revelaron a las masas implacables (que él, un niño de veintitrés años, estaba casado con su prima segunda de trece años), Lewis pasó de ser uno de los nombres más grandes del Rock&Roll a un recuerdo cubierto de polvo de la noche a la mañana. Por lo tanto, la aparición y el éxito de esta grabación de 1964 (tomada de un espectáculo en abril de ese año) de un espectáculo en Hamburgo, Alemania, el ruidoso puerto marítimo conocido por su vaporoso distrito de luz roja y como el lugar donde, dos años antes, en el mismo club, los Beatles sirvieron su aprendizaje, parece aún más anómalo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¿Podría ser este mi disco en solitario favorito de Peter Gabriel? , Su trabajo en esta banda sonora evoca con éxito imágenes de un tiempo y un lugar lejanos. A pesar de las conexiones de reemplazo (es decir, ¿qué tiene que ver África Occidental con los kurdos?), la mezcla es evocadora y absorbente. ¿Quién necesita imágenes visuales cuando el paisaje sonoro es tan intrigante como este?

Mi mente va en un largo viaje mientras escucho la Pasión, mucho más allá de la música como tal. Sublime. Fácilmente el mejor que Gabriel haya lanzado bajo su propio nombre o el de cualquier otro.

La fantástica batería africana mezclada con el trabajo de estudio de Gabriel y la voz sutil es una épica fantástica. 

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miércoles, 31 de agosto de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Stephin Merritt es un puto genio. Y esta es la prueba viviente de esa cualidad tan fácil de dar. Tal vez no sea tan conocido como otros "héroes" falsos contemporáneos, y esto se debe a la injusticia eterna que devasta nuestro mundo. La injusticia que reduce a las cenizas cualquier cosa proyectada en la parte posterior del mercantilismo vacío e inerte. Para su sexto álbum, liderando The Magnetic Fields, sacó 69 pistas de su manga para construir un álbum triple que es un elogio al exceso, el humor, el sarcasmo, la pasión... todos los temas que rodean los suburbios del amor roto, agrio, devoto y sufrido durante mucho tiempo. Un álbum que no se recomienda a todos esos corazones de piedra, metalheads inconscientes, chicas mimadas y cualquiera que nunca se haya rendido a las lágrimas. Para el resto del mundo, 69 Love Songs es la puerta de entrada a un mundo mágico donde el pop se arregla dulcemente, está amueblado con electrónica, a veces sin coser, algunas otras terminadas con dedicación, y siempre redondeada en melodía, letras y simplicidad. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 111

Siempre he admirado el trabajo de Tom Waits, pero no fue hasta hace poco que profundicé en su discografía más amplia, y comencé a escuchar discos fuera de mi tríptico de la zona de confort de Alice, Swordfishtrombones y Bone Machine. No puedo explicar por qué, pero durante mucho tiempo, esos fueron los únicos registros de Waits con los que estaba íntimamente familiarizado. Dada la reputación de grandeza de Mule Variation y mi satisfacción uniforme con cada álbum posterior a Swordfish Wait que he escuchado, ni siquiera se me ocurrió que podría no gustarme Mule Variations. Incluso esperaba poder llamarlo mi álbum favorito de Tom Wait, un título que actualmente se tambalea con incertidumbre entre Rain Dogs y Bone Machine, dependiendo de si estoy de humor para el jazz o el blues.


Indudablemente juvenil pero con una gracia ineludible e imposible de no disfrutar, el primer LP de los Arctic Monkeys llego para ser inmortalizado, y nada que la banda haya producido posteriormente lo ha podido superar. 

Salvaje y sensible, sarcastico e incluso soberbio en momentos, Alex Turner es la gran figura, el icono al frente con el que identificamos a la banda pero nadie me puede negar que los riff y punteos de O´Malley son de lo mejor del rock de la última decada.


El álbum debut de Living Colour no está a la altura de su reputación.

Sus cualidades:

- los solos de guitarra son realmente impresionantes. Aquí, Vernon Reid se presenta como uno de los mejores guitarristas de su generación. Y aún hoy, no hay tantos guitarristas que puedan tocar a ese nivel.

- la letra es excelente. Político, comprometido e inteligente.

Sus defectos:

- ¡la producción es horrible! Sonido típico de los 80. Especialmente en los tambores que están sobrecargados de reverberación fea,

Etc….


Link Wray es uno de los pocos que mantuvo viva la llama del rock and roll durante la "era oscura" a principios de la década de 1960. ¡Y cómo! Esta compilación incluye 20 pistas ordenadas cronológicamente de 1958-1966, todas las cuales son al menos buenas y muchas son simplemente geniales (por último, dos pistas posteriores de 1969 y 1979 y una pista en vivo). Además de los éxitos "Rumble", "Rawhide" y "Jack the Ripper", también hay perlas más oscuras como el prototipo de blues "Ain't That Lovin' You Baby", el maravilloso "The Black Widow".


Eurythmics debutó como una explosión a principios de los 80 y con sus vídeos creativos y un sonido oscuro sobre ritmos de dance pop fue un éxito instantáneo. Sweet Dreams era como una canción definitoria de esa época en la que MTV y los vídeos se apoderaban de la escena musical.

Por supuesto que nunca escuché sus álbumes, ya que tuvieron suficientes éxitos durante ese tiempo y mucha otras músicas para escuchar. Ahora, casi 40 años después, tratando de explorarlos un poco más, decidí escuchar este álbum. Sí, hay algunos números pulidos en las primeras pistas reales y luego en Sweet Dreams, pero el resto del álbum está muy orientado al club, como las cajas de ritmos, la repetición de ritmos.


Su adhesión casi religiosa a las influencias Blondie / Wire, significa que cualquier fanático de estos dos grupos, como yo, encontrará algo que atraiga en este álbum, que aunque nunca alcanza las alturas de sus mentores, es lo suficientemente divertido como para ser una escucha lo suficientemente agradable.

Cuando se trataba de los artistas de Britpop de frente femenino. Elastica eran los favoritos de los críticos y los únicos que clasificaban constantemente como uno de los grandes del movimiento. Los elásticos eran muy importantes.

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martes, 30 de agosto de 2022

1969’s #1 UK ALBUM

Un álbum engañoso. Por un lado, su mítica portada y, por otro, un contenido decepcionante. ¿Decepcionante? Bueno, no exactamente. Es cierto que la primera idea que me viene a la mente es: "Algo le ha cambiado", pero algunas escuchas más tarde podemos percibir no solo su astucia.

Nos está diciendo: "¿Crees que no puedo cantar? ¡Ya verás!" Y se convierte en un pequeño Frank Sinatra 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mientras  que bandas como Sleeper y Lush eran indiscutiblemente hijos de la revolución Britpop, Elastica estaba más alineada con las bandas grrrl estadounidenses Sleater-Kinney, Veruca Salt y Hole con Justine Frischmann haciéndose pasar por la chica de rock arquetípica con la intención de empoderamiento femenino. Su música contenía todas las influencias pop contemporáneas de la época mezcladas con la pasión descarada y thrash del punk de los 70. Su debut contiene dieciséis pistas, pero solo registra a los cuarenta minutos. Sus canciones son chillosas, bucales, sexys y simplemente divertidas. Tardaron cinco años en darle seguimiento, liberaron The Menace y luego se separaron rápidamente. ¡Muy punk! 

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lunes, 29 de agosto de 2022

1964’s #1 USA ALBUM

Poco a poco de una banda sonora casi perfecta como The Sound of Music, esta película estaba llena de un paquete de canciones muy respetable. Existen los estándares de Disney como "A Spoonful of Sugar", "Supercalifragilisticexpialidociuous" y "Chim Cim Cher-ee" que vivirán para siempre.

Sin embargo, otros son igual de agradables, como "Jolly Holiday", "Step in Time", la encantadora "Stay Awake" y la melancolía "Feed the Birds (Tuppence a Bag)". Imposible escucharlos y no pensar en las imágenes vívidas de la película.

Digno de estar en la colección de cualquier niño (o adulto). 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Hay discos que son un mundo sonoro propio,personal e intransferible.

Colecciones de canciones que no se parecen a nada ni a nadie :el molde empieza y acaba alli.

Para mi gusto,uno de los ejemplos perfectos de esta introduccion es"Rock bottom",media docena de temas imperecederos realizados por Wyatt y sus amigos.Temas lentos,densos,atmosfericos ,que dejan un poso melancolico.Un disco de sensaciones:o entras en su ritmo propio o no hay nada que hacer.

Momentos magicos,muchos,pero si tuviera que elegir una maravilla como pocas me quedaria con la trompeta de Mongezi Feza en "Little Red Riding Hood hit the road":desparrame sonoro en unos de los mejores minutos que he oido nunca.Pero hay muchas otras maneras de poner un nudo en la garganta,como la acuatica "Alife" o la intensa apertura de "Sea song", donde la vocecilla de Robert emociona. 

Lo dicho,una joya sin referentes anteriores o posteriores. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Sweet Dreams (Are Made ofThis)", un sencillo número uno de principios de la década de 1980,mostraba una de las direcciones que tomó la música de baile en la era posterior a la discoteca. Con su gran dependencia de sonidos sintetizados electrónicamente, bucles secuenciados y lo que se ha descrito como un tono emocional genial o austero, "Sweet Dreams" señala el camino hacia estilos musicales posteriores centrados en la tecnología, como el techno. Al igual que algunos de los grupos de techno más exitosos de la década de 1990 (véase el capítulo 14), Eurythmics consistía en un núcleo de solo dos músicos: la cantante Annie Lennox (nacida en 1954 en Escocia) y el teclista y genio técnico Dave Stewart (nacido en 1952 en Inglaterra).


La primera aparición de Eurythmics en las listas de éxitos en los Estados Unidos se produjo con el lanzamiento de su segundo álbum, Sweet Dreams (Are Made ofThis), en 1983. 

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domingo, 28 de agosto de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 70 (Quincenal)

Entre 1968 y 1972, Family había lanzado seis álbumes en cuatro años, y la tensión había estado empezando a mostrarse en álbumes recientes. Bandstand de 1972 vio a la banda haber prescindido de gran parte de su progresividad para un enfoque de rock más directo, y la alineación temporalmente estable tampoco dolió. Canciones como los temas secundarios "Burlesque" y "My Friend the Sun" mostraron que su potencial de éxito todavía estaba ahí, particularmente con este último número acústico, fácilmente una de las mejores canciones de toda su carrera. Trouble was, el resto del álbum se parece mucho al rock de los 70 por números en estos días, con solo el destello muy ocasional de inspiración fuera de los dos números antes mencionados y claramente más cerca de "Top of the Hill".


Johnny Otis, ahora conocido como el Padrino del R&B, nació en Vallejo, California, el 28 de diciembre de 1921, de padres inmigrantes griegos, Alexander e Irene Veliotes. En 1940, la big band jazz de Count Basie y Duke Ellington le había inspirado a empezar a aprender la batería, progresando más tarde al piano y las vibraciones. En 1946 cambió de un pequeño grupo de boogie-blues a una banda de jazz-swing de 16 piezas, firmó un contrato con Excelsior Records y obtuvo su primer éxito, "Harlem Nocturne". La banda despegó en una gira nacional con Louis Jordan, Nat 'King' Cole y los Inkspots.


Para armar esta joya de Pet Shop Boys, el dúo británico se valió de su talento y de unas cuantas colaboraciones que dieron enjundia al proyecto. No fueron demasiadas, ellos saben muy bien que estas cosas es mejor espolvorearlas como las buenas especias, pero sí que son notorias. Sobre todo destacan las orquestaciones de todo un Angelo Badalamenti en un par de temas y la guitarra del genial Johnny Marr en otros dos. Son nombres con el suficiente peso como para dejar su sello, pero no llegan a tergiversar el pop colosal que nuestro dúo favorito siempre ha sabido fabricar. Aquí como nunca.


¿Por qué es diferente Anastacia? En primer lugar, tiene una voz que puede volarte la cabeza a 50 metros . Es una voz inolvidable que es tan distintiva como la de Janis Joplin, tan poderosa como Hazel O Connor, tan conmovedora como Aretha Franklin y tan rock como PJ Harvey.

En segundo lugar, hay una exuberancia e inteligencia indefinibles que emanan de la chica. Tal vez provenga de vencer al cáncer de mama, pero su amor por la vida, la música y su sonido brilla claramente a través de sus canciones, que son increíbles disturbios de sonido. Tiene la mente de un Tori Amos o Suzanne Vega combinada con los instintos musicales de poprock de una Kylie Minogue o Madonna.


Ahora este es un álbum decente de Violent Femmes y tiene al menos una canción clásica genuina que puede hacer que todos, desde abuelas, hasta góticos, bailen, pero cómo eso justifica los elogios que siempre recibe es algo que nunca entenderé. Sinceramente, hay momentos en los que he oído y pensado que las letras eran a veces sexistas e incluso rayaban en la misoginia.


Una bondad y una elegancia tan inmaculadas, que los de Robin Pecknold corren el riesgo de ahogarse en la melaza de unas voces como no había oido en décadas, orquestadas a las mil maravillas sobre unas melodías que esquivan la obviedad con solvencia y que sacan el máximo partido de unos arreglos fantasiosos y nada acomodaticios. Con todo esto, al final, por mucho que se enarque la ceja, es prácticamente imposible escapar de las redes de unos músicos que saben cómo se fabrica un clásico y que demuestran gusto, sapiencia y buen hacer en todo momento.

Fleet Foxes merece una oportuna escucha.

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