ARTISTAS QUE RENUEVAN LA ILUSIÓN 2 . JON BATISTE

Jon Batiste nació en Metairie (Luisiana), el 11 de noviembre de 1986 en el seno de una familia con tradición musical.

Genio precoz, a los 8 años tocaba la batería con la banda de sus hermanos. A los 11 años, cambió al piano por sugerencia de su madre

Con una amplia formación musical, compaginando los estudios con la creación, a los 17 años sacó su primer disco.

Recoge, rescata y recrea la tradición de la música negra, pero también de otros estilos. Escuchándolo nos parece encontrar ecos del Professor Longhair, Marvin Gaye, Michael Jackson, James Brown...

Polifacético e hiperactivo en su carrera, su actividad artística no se desarrolla solo en la música (composición, interpretación, pianista...), también hace teatro, cine y televisión. Es un verdadero agitador cultural. Impartió talleres y clases de música en los Países Bajos en escuelas del centro de la ciudad y barrios desfavorecidos.

Hay más de un Jon Batiste en Jon Batiste. Es lo que tiene su música que nos permite guarecernos en la tormenta bajo la manta del piano del artista, bailar, "atrapados en la pista de baile", con "Freedom". O estremecernos con los coros y trompetas de "We are".

Un artista que ya es una fuerte presencia, consagrado con solo 35 años. Ha recibido numerosas distinciones, entre otras un Óscar y cinco Grammy en este año.

A  esto habría que añadir, para conocerlo mejor, estas palabras que pronunció en la ceremonia de los Granmy:

"¿Sabéis qué? Creo de corazón que no existe el mejor músico, el mejor artista, el mejor bailarín o el mejor actor. Las artes creativas son subjetivas y llegan a las personas en un momento de su vida en el que más lo necesitan. Es como si una canción o un disco se hicieran y tuvieran un radar para encontrar a la persona cuando más lo necesita”.

Su nombre seguramente quedará con el paso del tiempo entre los grandes.

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1969’s # 1 UK ALBUM

Nacido en noviembre de 1916 en Attleboro, Massachusetts, Ray Conniff adquirió gran parte de su experiencia musical dentro de la casa. Su padre, un trombonista, dirigía una banda local, mientras que su madre tocaba el piano. Ray comenzó a dirigir una banda local mientras estaba en la escuela secundaria, empezó con el trombón por primera vez no mucho antes, y comenzó a escribir arreglos para él. Después de graduarse, se mudó a Boston y comenzó a tocar con los patrones musicales de Dan Murphy (además de tocar y organizar, Conniff condujo a la banda). A mediados de los años 30, estaba listo para el gran momento , aterrizando en Nueva York justo después del nacimiento de la fértil era del swing. 

His Orchestra, His Chorus, His Singers, His Sound es el único álbum número uno en el Reino Unido para el líder de banda y trombonista estadounidense Ray Conniff. Pasó tres semanas en la parte superior de la lista en 1969.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Message From the Country fue el último álbum de The Move, grabado simultáneamente con el debut homónimo de Electric Light Orchestra. Como el ELO era el foco serio de la banda, Message se llevó la peor parte de la ligereza. A menudo humorístico, a menudo juguetón, es un álbum muy divertido de escuchar. Los aspectos más destacados incluyen "Message From the Country", "It Wasn't My Idea to Dance", "Ben Crawley Steel Company" y el propio "My Marge" de los Beatles.

Álbum muy agradable, recomendado para cualquier fan de The Move o de los primeros ELO, aunque no hay absolutamente nada aquí para el club Xanadu.

Un álbum excelente para empezar, y las pistas adicionales como "Tonight", "Chinatown" y "Do Ya" hacen que el paquete sea mucho mejor. Excelente. Y qué portada de álbum.

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1965’s # 1 USA ALBUM

A estas alturas, los álbumes estadounidenses de los Beatles habían pasado de versiones optimizadas de sus primeros discos a compilaciones fragmentarias de cualquier cosa que Capitol Records pudiera encontrar. ¡Los Beatles VI podrían ser el peor  de todos, combinando las pistas más débiles de Beatles for Sale con las más débiles de Help, y rellenado con las sobras de las lados B y las tomas de estudio. Afortunadamente, incluso los Beatles en su peor momento todavía podrían superar a otros grupos en su mejor momento, por lo que su reputación no se vio completamente dañada por esta práctica; y de hecho, hay un puñado de aspectos destacados aquí ("I Don't Want to Spoil the Party" "Yes It Is" "Every Little Thing"). Simplemente carece de cualquier sentido de cohesión y enfoque. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Más conocido como la mano derecha y arreglista del productor Phil Spector y por su trabajo con los Rolling Stones o Neil Young, entre muchos otros, Bernard Alfred "Jack" Nitzsche también trabajó extensamente en bandas sonoras, especialmente para películas como Performance, The Exorcist y One Flew Over the Cuckoo's Nest (en 1983, ganó el Premio de la Academia a Como artista en solitario, anotó uno de los primeros éxitos pop del sello Reprise con su instrumental "The Lonely Surfer" en 1963.

Entre el 14 y el 23 de enero de 1974, Jack Nitzsche grabó un álbum homónimo en Cinderella Studios en Madison, Tennessee, y se fijó una fecha de lanzamiento para el 26 de abril, antes de que el jefe del sello fuera retirado del programa del sello, Morris "Mo" Ostin. El proyecto fue una colaboración entre Nitzsche y el cineasta underground Robert Downey.

El álbum permaneció inédito, abandonado en una instalación de almacenamiento de North Hollywood que los empleados de Warner llaman "la Bóveda", hasta que Rhino Handmade incluyó las once pistas en su colección Jack Nitzsche Three Piece Suit: The Reprise Recordings 1971-1974, un CD inédito solo en Internet emitido con gran aclamación de la crítica en 2001. Este lanzamiento de Hanky Panky / Mapache LP marca la primera vez que se ha puesto a disposición en vinilo, como se pretendía originalmente. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Primer y único disco de esta superbanda creada en homenaje a Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone que falleció por sobredosis. El nombre Temple of the Dog proviene de la letra del tema Man of Golden Words de Wood. Fue formado por el cantante Chris Cornell (entonces cantante de Soundgarden), quien sería principal compositor en esta efímera banda.

Los otros miembros fueron Stone Gossard, Jeff Ament (ambos entonces miembros de MLB), Mike McGready y Matt Cameron (batería de Soundgarden).

También colaboró Eddie Vedder, cantando junto a Cornell en una magnífica Hunger Strike, que contó con el gran honor de reunir dos de las mejores voces del rock/grunge. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 71 (Quincenal)

Robert Wyatt 

La simpatía que provoca el hombre y sus circunstancias. Músico británico, más o menos progresivo, miembro fundador del grupo Soft Machine - columna vertebral del Canterbury Sound -, más tarde componente de Matching Mole (autores de esa maravilla pop que es "O Caroline"), presente en toda o casi toda aventura musical y artística y en cualquier colaboración en el mundillo del jazz y rock de las Islas, y bla, bla, bla........, que diría una enciclopedia del rock al uso. Probablemente, añadiría que una noche loca de fiesta, borrachera y otras sustancias, allá por 1973, cayó por una ventana desde un cuarto piso y quedó parapléjico y confinado de por vida a una silla de ruedas. Siendo su instrumento principal la batería, cabía imaginar un futuro no precisamente halagüeño. Además, se apuntaría su condición de irreductible y peligroso rojo, facción british, y en consecuencia, sospechoso habitual. Y sin embargo........ 

Sí, Sr. Merrit es un genio, por si acaso hay alguien que todavía no lo sabe. Todo porque hay unos pocos que, como él, se atreven a entregar casi tres horas de música y ganar el concurso. Lo fácil es experimentar por el bien de la experimentación, pero esto es lo difícil. Juega trucos sucios a los arreglos sobre una base melódica deliciosa, pura y simple a la infinita. El resultado es, en la mayoría de las canciones, increíble. En la medida en que podamos hablar de un clásico contemporáneo que el tiempo no hará más que aumentar su valor. Ya está entre los excepcionales.

The Wellwater Conspiracy 

Otro ejemplo más de las alegrías ilimitadas que se pueden descubrir en los vastos mares de psicodelia.

Una colección de los primeros sencillos de la banda junto con un montón de canciones nuevas. Suena como una joya perdida de finales de los 60.

Pocos cantantes y compositores locales han llegado a la escena del Reino Unido con tanto bombo bien intencionado como Damon Gough, pero tal era el peso de las expectativas en su álbum debut, que al escucharlo ahora, es difícil escuchar por qué la prensa se había metido tanto en una espuma sobre él.

Aunque de ninguna manera es un desastre, The Hour of Bewilderbeast hace honor a su nombre, tal vez demasiado bien, ya que, por su duración de sesenta minutos, puede dejar al oyente perdido y confundido. Es un guiso burbujeante de música, partes sabrosas y placenteras en el palé, otras partes no identificables y de valor nutricional cuestionable. Que un hombre tuviera tantas ideas musicales alrededor de su cabeza es loable, sin embargo, ¿tuvo que compartirlas todas con nosotros, independientemente de la calidad?

Su mejor disco. Elegante, refinado, potente, compacto. “Song for the Bearded Lady” es puro esplendor jazz-rock con Miles en el corazón; “Sun Child” todo un desenredo de wah-wah fracturado que casi parece estar delante de Sly & The Family Stone... Aquí, entonces, la melancolía de puntillas de “Lullaby for a Lonely Child”, los matices orquestales de la pista de título, el estado de ánimo Zappiano de “Ballad of Joe Pimp” y las excelentes extracciones libres del saxo en “Easter 1916”.

Wild and Peaceful es probablemente la mejor opción de un álbum de Kool & The Gang de sus días como equipo de Funk/Jazz (en términos de historia de la música, su encarnación más sustancial). Tiene sus himnos Funk más reconocibles (muestreados hasta la muerte por actos de hiphop). Y el final culminante es la larga canción del título, una canción de jazz latino de mal humor y melancólica con mucho espacio para la improvisación, recordando de una manera segura y relajada lo genial que fueron una vez. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

El rapero/cantante de la costa oeste de Eminem fue una vez un drogadicto y dejó de cantar durante 4 años. Más tarde salió con un nuevo álbum llamado relapse.

Relapse fue un gran éxito que todo el mundo disfruta escuchando a Eminem. La gente podría pensar que es una mala persona, pero a otras personas les gusta porque sus canciones tienen significados y un mensaje que todos podrían relacionarse con sus vidas.

Creció en una carretera de 8 millas de Detroit, Michigan. Eminem se metió en la industria de la música cuando fue descubierto por el Dr. Dre a la edad de 20 años. Marshall Mathers fue lanzado en 2001. Ese álbum también fue un gran éxito. A todo el mundo parecía gustarle ese álbum y así es como se hizo más famoso. El tema predominante del álbum de Eminem Marshall Mathers es cuando tienes una oportunidad en la vida, porque oportunidades como esa solo llegan una vez en la vida.

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 8. ARETHA FRANKLIN

Este pasado mes de agosto se cumplieron cuatro años de la muerte de Aretha Franklin.

Pocas estrellas de la música concitan una admiración tan unánime.

La prensa reflejaba así la reacción que suscitó su desaparición:

"Miles de seguidores, políticos, artistas y activistas se citan en un funeral de más de ocho horas en Detroit. Música góspel y discursos homenajean a la reina del soul".

Nació en Memphis, el 25 de marzo de 1942.

Cantante, dotada de una voz prodigiosa, compositora, pianista. Fue una de las  figuras más relevantes de la edad de oro de la música afroamericana: gospel, rhythm'n'blues, soul.

Comenzó a cantar en la iglesia y a tocar el piano de forma autodidacta. El góspel fue siempre su querencia principal, aún incluso cuando enfocó su carrera hacia el jazz, el blues, el soul, el R&B.

 Su carrera recibió numerosos reconocimientos: mejor cantante de todos los tiempos para Rolling Stone, la segunda mujer con más Premios Grammy de la historia, y la segunda en entrar en el UK Music Hall of Fame, así como la primera mujer negra en aparecer en la portada de la revista Time. En 1987 se convertía en la primera mujer que entraba en el Salón de la Fama del Rock.

Estuvo comprometida en la lucha por los derechos civiles de la población negra, el reconocimiento de la liberación femenina y con el movimiento pacifista contra la guerra de Vietnam.

Referente, con su carrera y su actitud, para nuevas generaciones en todo el mundo.

.«Ser la Reina no se trata solo de cantar y ser un diva no se trata solo de cantar. Tiene mucho que ver con tu servicio hacia la gente y contribución social hacia tu comunidad, así como tu contribución cívica». AF

«Todos requerimos y queremos respeto. Hombre o mujer, negro o blanco. Es nuestro derecho humano básico». AF

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Es extraño decirlo, pero siguiendo una serie de éxitos clásicos de Motown, llega este inesperado álbum de funk de los cinco fabulosos que resulta ser un gran álbum. A pesar de que no estaba lleno de éxitos, hubo 4 sencillos notables sacados del álbum, todos los cuales le dan a Earth, Wind & Fire y Kool & The Gang una buena oportunidad por su dinero.

Los sencillos fueron los números funky "Happy People", "Shakey Ground" y "Glass House" junto con la balada de notas azules "Memories".

El resto del álbum se complementa con el sonido casi de Broadway "The Prophet", "I'm A Bachelor" y "Firefly". Realmente puedo disfrutar de este álbum en su conjunto, probablemente incluso más que sus cosas de la época clásica, donde sus sencillos fueron el mayor punto de venta.

Para mí, fue uno de sus álbumes más fuertes. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 “Wild and Peaceful" es un álbum que muestra a Kool & the Gang poniendo ritmos funk duros pero pegadizos con una infusión significativa de fusión soul y jazz, además sin miedo de mezclarlos cuando lo consideren adecuado. "Funky Stuff" y su secuela inmediata "More Funky Stuff" son simples y pegadizas, y francamente eso es todo lo que realmente necesitan tener. 

Como se ha dicho muchas veces, "Jungle Boogie" es fenomenal y, sin duda, una canción clásica del género funk. "Heaven at Once" puede ser un poco predicador con sus letras de palabras habladas, pero su ejecución lo compensa con creces, así como su mezcla perfecta de soul y jazz. "Hollywood Swinging" contiene lo que probablemente sea uno de mis ritmos de funk favoritos de todos los tiempos (y, por supuesto, la voz de "Hollywooooooooood"). 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Según mí opinión , Albert King no entra en los 10 blues más importantes de la historia, pero al menos si en el top 20, cosa que no se puede discutir, la influencia que tuvo, su forma atípica de tocar, y especialmente el hecho de que fue uno de los artistas más populares del tipo Blues. Lo que es bastante sorprendente cuando uno lo piensa, es que Albert King se origina de la segunda ola Electric Blues de después de la guerra, comenzando en los años cincuenta, pero reconocido en realidad solo desde los años sesenta después del período de Blues Revival, que en sí mismo son algunas cosas raras. Además de la similitud del nombre artístico, Albert King logró unirse a B.B. La abrumadora popularidad de King para que el género se convirtiera en uno de los mejores guitarristas del mundo, surfeando entre Electric Blues y Soul Blues hasta 1992 durante una carrera de 40 años. 

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DIRECTISIMO 52

El primer álbum oficial en vivo de Tangerine Dream, Ricochet, es en gran medida un álbum de dos lados, cada uno desarrollando su sonido recientemente pionero de la Escuela de Berlín en nuevas direcciones. El primero es pesado en guitarra eléctrica y percusión, por primera vez desde sus álbumes en Ohr a principios de la década, aunque la dirección aquí está más enfocada y, combinada con capas de sintetizador y mellotron, está más en línea con el rock progresivo que sus inclinaciones de krautrock anteriores.

El segundo lado es particularmente intrigante. Comenzando con su música más sencilla hasta la fecha, una hermosa pieza de piano en solitario, se inicia rápidamente en la sección del secuenciador, y luego nunca se detiene. Ricochet Part Two es una de las piezas musicales más intensas que TD haya grabado, ¡y verla en vivo debe haber sido increíble! A medida que la pieza se transforma y cambia gradualmente en el transcurso de veinte minutos, la verdadera habilidad de la banda como programadores brilla, y es una verdadera pena que nunca hayan logrado hacer nada en esta escala de nuevo. Por otro lado, se podía ver como ellos empujando el sonido basado en la secuencia hasta donde podría llegar, por lo que pasaron a cosas más nuevas. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

A mediados de los 80, Simple Minds estaba en una posición precaria, habiéndose establecido como un grupo post-punk, se habían alejado lenta pero seguramente de las listas del Reino Unido a un modesto éxito con su duro y sin humor de synth-pop de sabor europeo. Sin embargo, aparentemente se habían convertido accidentalmente en megaestrellas al otro lado del charco cuando "Don't You Forget About Me" apareció en la banda sonora de la increíblemente popular banda sonora del Breakfast Club. Esto les permitió saltar al circuito de los estadios americanos, donde podían codearse con U2 y todo tipo de bandas estadounidenses de hair-metal y aprovechar que necesitaban un álbum de rock de estadio.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Aunque creo que las dos últimas composiciones del álbum están bastante estropeadas por la inclusión de voces, We'll Talk About It Later sigue siendo una continuación muy segura y capaz de Elastic Rock, con Nucleus continuando practicando su propio estilo distintivo de fusión. 

Debate sobre si tuvieron o no alguna influencia en su material inicial de In a Silent Way o Bitch's Brew aparte, en este punto están arando su propio surco, desarrollando un estilo de jazz-rock que terminaría teniendo una influencia deslumbrante en bandas de Canterbury de fase tardía como Matching Mole, Hatfield and the North, National Health y, por supuesto, los álbumes posteriores de Soft Machine.

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