DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Por alguna razón, este álbum de Roy Buchanan recibe críticas medias de la gente.

Voy a salir y decirte que esos críticos están equivocados y que "That Is What I Am Here For" de 1974 es una de las mejores ofertas de Buchanan. En aras de ser honesto, el álbum marcó un modesto cambio de dirección con respecto a su catálogo anterior. Si estuvieras totalmente comprometido con esos esfuerzos anteriores de blues-rock, este podría resultar problemático. Coproducido por Dennis Ferrante y Shelly Yakus, este álbum tenía dos cosas que hacer: 1.) Buchanan escribió la mayor parte del material (junto con los miembros de la banda Billy Price y John Harrison), y 2.) con frecuencia se sacudió como si no hubiera mañana. Así es, las aspiraciones de blues de Buchanan se echaron en gran medida al margen a favor de un rock and roll ardiente.

Los aspectos más destacados de mis oídos incluyeron su impresionante portada de "Hey Joe" (dedicada al difunto Jimi Hendrix), la "Canción de Rodney" al estilo de Allman Brothers (gran historia) y el éxito "My Baby Says She's Gonna Leave Me". Es cierto que el álbum no era perfecto. Como cantante principal, Price era un gusto adquirido 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Aunque Cluster fueron pioneros de la música industrial y la experimentación electrónica más avanzada a su tiempo en los primeros 70, este disco sigue la tónica ambient mucho más pausada de los trabajos de Eno de la época (es de 1977), la colaboración de Cluster añade al disco atmósferas y texturas, y lo hace más orgánico, dándole una belleza intemporal y alejándolo de la frialdad algo distante de otros trabajos ambient de Eno, a su vez Eno introduce orden en el caos propio de otros trabajos de Cluster, con lo que se complementan perfectamente. 

Un álbum que te transporta a otra dimensión, y te hace flotar dándote una gran paz, sin necesidad de sonidos espaciales y recargados, ni caer en la new age de postal, sino a través de su minimalismo bello y austero y al mismo tiempo adornado con matices atmosféricos, a medio camino entre Erik Satie, el ambient-tecno, anticipando el sonido ambient de los 90, y que hacen de este disco una de las obras clave del ambient de finales de los 70 (ambient que en este caso también se puede degustar con una escucha más atenta).

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El guitarrista Ry Cooder apareció en el renacimiento del folk-blues del sur de California a principios de la década de 1960.Mientras poseía el amor de un archivero por aprender de los artistas históricos de blues y folk y se comprometía a sonar auténtico,desde el principio estaba ansioso por reunir diversas influencias, especialmente del guitarrista bahame Joseph Spence. En 1966, Cooder cofundó los Rising Sons con el Taj Mahal con inclinación similar y tocó su álbum debut homónimo (1967).

Luego se unió a Captain Beefheart's Magic Band, pero se fue después de su primer álbum, Safe as Milk (1967). Cooder siempre ha estado en demanda como jugador de sesión. Grabó con los Rolling Stones en Let It Bleed (1969) y Sticky Fingers (1971). Cooder afirmó que el riff de "Honky Tonk Women" era suyo; su guitarra deslizante es prominente en "Sister Morphine". Cooder fue considerado como miembro de los Rolling Stones, pero fue rechazado por no poseer la imagen adecuada de los Stones. 

Paradise and Lunch (1974) incluyó un dúo con el pianista de jazz Earl "Fatha" Hines. No muy diferente a la banda, Chicken Skin Music (1976) conjuró recuerdos de un Estados Unidos anterior. Jazz (1978) exploró las raíces del jazz en ragtime y vaudeville. En Bop Till You Drop (1979), Cooder infundió rock con armonías gospel.

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DIRECTISIMO 76

La fórmula perfecta de Zappa. Combinar humor socarrón con música compleja y sencilla a la vez. Rock, jazz, blues, todo tenía cabida con una de las mejores bandas que rodeó al Maestro. 

Desde la instrumental impactante Zoot Allures, la divertida TInseltown Rebellion y dos clásicos de los Mothers, bien aceitados, con arreglos extra, pasando por sus nuevas canciones Hot Plate Heaven at the Green Hotel y What´s New in Baltimore? con sendos solos perrisimos de Zappa que no se abre ante las conjeturas de los solos extendidos, es decir, no lo piensa y fantasea con su guitarra, siguiendo sus propias líneas melódicas. 

En el paroxismo de la realización musical, llega el que es para mí su mejor instrumental: Let´s Move to Cleveland: extensa gira improvisatoria por parte de Alan Zavod (teclas), Chad Wackerman (baquetas) y claro, Zappa con una línea de bajo excelente que se ocupa de improvisar donde parece que no lo hacía a cargo de Scott Thunes. EL jefe Ray White aporta sus acordes con estruendo y finalmente con la ayuda inigualable de Bobby Martin, trayendo este resultado (la canción está editadísima) el pináculo de la obra zappiana.

El disco finaliza con Whippin´Post, con la excelente voz de Martin y las guitarras de los Zappas, padre e hijo. 

¿Fisuras? no hay,¿desmadre? total. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Tim Buckley surgió de la misma escena folclórica del sur de California a mediados de la década de 1960 que Jackson Browne, y a pesar del hecho de que ambos eran cantantes y compositores con una inclinación por las canciones intensamente emocionales e introspectivas, los dos artistas apenas podrían haber seguido trayectorias profesionales más divergentes.

Si bien Browne nunca se alejó de la corriente principal del soft rock que prevalecía en la década de 1970, el enigmático Buckley nunca mostró mucho interés en el éxito comercial, como lo demostró una visión musical que dio giros salvajes y cambios inesperados.

El camino de Browne condujo a la superestrella internacional, mientras que Buckley se lo ganó el estatus de figura de culto por su estilo vocal único y su creatividad inquieta. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Es el récord más diferente que ha hecho Orbital. Lo que parecía una experimentación en Middle Of Nowhere se demostró como una partida en The Altogether.

Sus exuberantes pistas de teclado y sus melodías impulsadas por Kraftwerk ya no están obviamente presentes, aunque todavía se podía escuchar de dónde venían.

Se trata más de los ritmos. ¡Incluso breakbeats! Pero una vez más, todavía puedes darte cuenta desde la primera escucha de que es orbital. Es extraño, pero cierto.

Las muestras también desempeñan un papel importante en estos lanzamientos.

Las pistas se basan en ellas y los ejemplos más obvios son Tootled (con usos de la línea de bajo de Tool (!?!?) "Sober") y una de sus mejores pistas en toda su carrera musical ¿Doctor? (¿Quién usa el famoso Doctor Who? Tema del título)

¡Es un disco muy raro para Orbital donde incluso puedes escuchar una canción electrónica-country/bluegrass/hillbilly/call-it-how-u-want (Waving Not Drowning)!

Lo que es más raro es que todavía suena como Orbital... 

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AYER VÍ 19

Mudbound, basada en la novela homónima de Hillary Jordan, publicada en 2008, nos devuelve a la América enfangada del estado de Mississippi, en la década de los cuarenta, justo después de que finalizara la Segunda Guerra Mundial, para denunciar una vez más la discriminación racial, que ni estaba resuelta entonces, ni lo está ahora, pues con demasiada frecuencia salta la noticia de jóvenes negros muertos por los disparos de policías blancos, que luego resultan impunes.

Pero si bien el tema no es nuevo, a mi modo de ver el principal mérito de Mudbound no consiste en el retrato de una sociedad podrida, como puede observarse en Matar a un ruiseñor (1962), ni en proclamar la identidad intelectual de la población de color, como podríamos argumentar en el caso de En el calor de la noche (1967), de Norman Jewinson, sino que Ree Dees, a pesar de su desconcertante juventud concentra su foco en profundizar en la psicología de cada uno de los personajes y acomete, además, la soberbia empresa de analizar dos familias en paralelo, una blanca y otra negra, con las interacciones que entre ellas se producen, todo ello, claro, dentro de una espesa atmósfera sureña.

Es como si la maldad procediera de la tierra pervertida, barro en realidad y de ahí el título, observado todo ello a través de los ojos de una joven madre blanca (Hillary Jordan también lo es) quien ha recibido una educación exquisita, que incluye el piano: se trata de Carey Mulligan en el papel de Laura McAllan.

La película denuncia todo lo que tiene que denunciar, pues es injustificable que un soldado negro que se jugó la vida contra los nazis en Europa sea humillado y escarnecido hasta límites sangrientos cuando regresa a Mississippi. «Esto es Mississippi», le dicen, cuando quiere salir de una tienda por la puerta delantera, todavía con su uniforme puesto, y tienen que hacerlo por la de atrás.

De manera que, narrada con realismo, eficacia y un importante protagonismo de los primeros planos, hemos de buscar los mejores logros de esta película en ese afán por buscar las causas del mal, que pueden ser telúricas, como ya mencionamos, o históricas basadas en todas las décadas de esclavitud en el sur de los Estados Unidos, el país tecnológicamente más avanzado del planeta Tierra, pero todavía con resabios neolíticos sin resolver. 

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1971’s # 1 UK ALBUM

5.6.1971-18.6.1971

Ahora sí McCartney se recupera y graba un álbum que le hace honor a su nombre y vuelve a mostrar en parte ese innato y no siempre respetado talento melódico. Pero lo mejor del álbum no es la famosa "Uncle Albert" sino que va por el lado de la desconocida "Smile Away", por lejos lo menos representativo aquí con sus sucias guitarras con un dejo a glam. Es una lástima que McCartney no haya intentado hacer más cosas en ese estilo más duro que siempre funcionó, siendo “Helter Skelter” el mejor ejemplo. 

Pero estamos en presencia del arquitecto del pop de The Beatles, así es que eso es lo que abunda en Ram y a pesar de que sólo "The Back Seat Of My Car" y " Dear Boy" están a la altura de sus mejores canciones del pasado, el conjunto es bastante consistente y con mínimos altibajos. No posee el lirismo del Lennon de Imagine pero si tuviera que elegir entre ambos álbumes tendría que pensarlo un buen rato.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Uno de los grandes discos pop de los ochenta. En las filas de la banda militaba la mismísima Björk, muy lejos de los registros a los que nos acostumbró con su carrera en solitario; en "Life's Too Good" predominan las guitarras, músicas post punk y con reminiscencias de la new wave, con especial mención a The B-52'S. Muy bueno. 

El sonido audazmente ecléctico y el peculiar ataque vocal gemelo de Bjork y Einar todavía suenan como nada más que haya escuchado. Si solo sus lanzamientos posteriores hubieran sido tan buenos, podrían haber sido como una de las "grandes" bandas independientes de todos los tiempos en lugar de solo una nota al pie de página. Tal como está, sin embargo, este es el único álbum de esta banda al que todavía vuelvo una y otra vez y obtengo un placer sin fin.

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1968’s # 1 USA ALBUM

25.5.1968-14.6.1968 

29.6.1968-26.7.1968 

Con Bookends Simon & Garfunkel alcanzó el número 1 en las listas ayudado por la enorme popularidad de Mrs.

Robinson y su aparición en El Graduado.

Aquí los arreglos se van haciendo más complejos y hasta aparecen improbables instrumentos como en el caso de “Save The Life Of My Child” y su desconcertante moog. La inmortal “America” es junto con “Sound Of Silence” su mejor canción y otros clásicos menores como “Old Friends”, “Punky’s Dilema”, “A Hazy Sahde Of Winter” y “At The Zoo” son suficientes para pelear con Parsley… el segundo lugar como el mejor álbum del grupo un poco por debajo de Sound Of Silence. “Voices Of Old People” viene siendo lo único fuera de lugar aunque ni siquiera se trata de una canción, por lo que es mejor hacer como que no existe. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El último "álbum" del Rubber Band "original", Jungle Bass, ve a Bootsy, Maceo Parker, Fred Wesley y Bill Laswell armar una mermelada sumamente funky y luego... ponerla en el mismo proyecto un par de veces más! 

Sí, este proyecto es básicamente solo la pista principal y los remixes.

La canción en sí es muy buena, de hecho, fusionando su funk de la vieja escuela con un poco de percusión de la casa, y cambia a través de múltiples fases de ritmo y atmósfera, y suena muy, muy bien.

Las líneas de bajo son apretadas, los metales suenan fantásticos, los coros son geniales, e incluso si los remixes son solo trozos de la canción fuera de contexto, podría escuchar esta canción para siempre, así que estoy absolutamente de acuerdo con ella. Solo... ¿así es como revives la banda elástica después de más de una década de silencio? ¿En serio? 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Decir que este álbum ha caído en decadencia puede estar exagerando un poco las cosas, pero la calificación que esta teniendo para un disco que, al lanzamiento, estaba prácticamente a la vanguardia no es justa.

En el apogeo de House y Acid House, Soul II Soul fusionó nuevos estilos con virtudes anticuadas (Soul, cantautoras ), creando algo capaz de informar al futuro manteniendo sus vínculos con el pasado.

Hay un acento en la positividad, y en cierto sentido Club Classics, Volume One es un álbum aspiracional, que se aseguraría si no fuera una aspiración en el sentido de los grandes del Soul de un cuarto de siglo antes, en lugar de en el sentido de la nación yuppie de Thatcher.

Verdaderamente edificante. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2021)

De las 84 canciones que se enviaron para optar a la mejor creación original pasaron a la final los siguientes artistas (llama la atención la diversidad de generaciones): Van Morrison (76 años), Diane Warren (65), Lin-Manuel Miranda (42), Beyoncé (40) y Billie Eilish (20).

"Be Alive", de El método Williams (Beyoncé y Dixson)

Beyoncé, una de las reinas del R&B, pop y música de baile y con una solida carrera basada en su poderosa voz y la experimentación rítmica, reinterpretando estilos y tendencias de décadas pasadas.

"Be alive" es un canto al trabajo duro, la familia y el orgullo de raza.El tema comienza emulando un coro acompañada al piano y continúa con  una batería obsesiva, cuya base rítmica pertenece a la canción "Five to one", de The Doors.

"Down to joy" (Van Morrison) de "Belfast"

Belfast, dirigida por Kenneth Branagh, nos lleva  a los años sesenta  con un drama optimista, en el que se alternan humor y sufrimiento, en la tumultuosa Irlanda del Norte.

La composición "Down to joy" es una de las muchas que el “león de Belfast” creó para la banda sonora. La imponente voz de Morrison aporta un toque de nostalgia. Merecido reconocimiento para uno de los grandes cantantes del siglo XX.

"Somehow you do" (Diane Warren)

Mila Kunis imita a una heroinómana en el filme de Rodrigo García Cuatro días. Basada en una historia real, los sentimientos de amor, fracaso, culpabilidad, compresión y apoyo, van construyendo el relato de esta enferma que recibe el apoyo incondicional de su madre. 

La cantautora Diane Warren no ha conseguido todavía el premio, aunque tiene una larga lista de canciones nominadas y artistas que las han interpretado: Toni Braxton, Aerosmith, Starship, Laura Pausini, Lady Gaga, Celine Dion, Gloria Stefan, Faith Hill o Cher, entre otras. Para esta nueva nominación -la quinta consecutiva, titulada "Somehow you do" (Diane Warren), ha acudido a la estrella del country, Reba McEntire.

"Dos oruguitas" (Lin-Manuel Miranda)

Una historia de amor y muerte en el pasado, Encanto, de la factoría Disney y nominada también al mejor largometraje de animación y mejor partitura para Germaine Franco.

Interpretada por el actor y cantante de pop latino y reguetón Sebastián Yatra, comienza como una canción de cuna que evoca con carácter metafórico la transformación de las orugas en mariposas.

No time to die" (Billie Eilish/Finneas O’Conell)

La canción que consiguió el Oscar "No time to die" (Billie Eilish/Finneas O’Conell) acompaña a la película Sin tiempo para morir que termina el “ciclo Daniel Craig”.

La artista más joven en participar de la banda sonora de una película de Bond. Eilish escribió la canción titular junto con su hermano mayor, el coproductor Finneas. Los productores Michael G Wilson y Barbara Broccoli dijeron que la canción de Eilish ha sido "impecablemente elaborada para trabajar dentro de la historia emocional de la película". "No Time to Die" refleja un Bond, oscuro, solitario y atormentado.

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https://youtu.be/DkIeWdxwpEU

            https://youtu.be/u6R_flCWidw

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Cuando Wendell y Sherman Holmes hicieron su debut discográfico en 1990, habían estado tocando sin fanfarria en el área de la ciudad de Nueva York durante 20 años.  Que una música tan potente pueda pasar desapercibida durante tanto tiempo es uno de los misterios de la vida.

La clasificación más fácil para la música que ofrecen los hermanos es soul clásico con una fuerte base espiritual.

Sus canciones compuestas por ellos mismos delatan profundas raíces evangélicas, pero la variedad de su material los muestra igualmente cómodos con el clásico de Stax-Volt ("When Something Is Wrong With My Baby", de In the Spirit), Sam Cooke ("That's Where  It's At" de Where It's At), Jimmy Reed ("Baby, What You Want Me to Do" de In the Spirit) y Hank Williams ("I Saw the Light" de Where It's At).  Wendell Holmes también está mostrando un crecimiento considerable como compositor.

El suyo es el falsete sobrenatural que interpreta tan bien contra los estilos vocales agresivos de sus compañeros, agregando ternura y delicadeza a las salidas bulliciosas y un toque suave a su canto en general.

Su voz principal en "The Final Round" de In the Spirit lo encuentra declamando a la Otis Redding,In the Spirit y Where it’s at are son altamente recomendados.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El segundo año de The Jungle Brothers es uno de los álbumes más frescos del año, por alguna extraña razón no tomado demasiado en serio por los fans.

El grupo proporciona temas más afrocéntricos que el debut experimental, lanzando letras inteligentes y socioconscientes entregadas con un rap simple, divertido, suave y fácil de llevar de Africa Baby Bam y Mike G, por encima de una producción entre las mejores de los años ochenta.

Lleno de cortes de droga, el álbum se encuentra entre los más creativos, enérgicos, coherentes y sólidos de 1989, entre los mejores esfuerzos en el campo del rap alternativo, sin renunciar a las piezas conscientes y bailables: el álbum siempre ofrece temas y música variados y diferente, en particular desde el punto de vista musical, es excelente y prácticamente impecable, gracias a su eclecticismo.

Ayudado por ritmos mínimos, esqueléticos y crepitantes, y excelentes puentes, toca casi todos los géneros de muestreo de música funky, soul y africana dando vida a sonidos melódicos, ligeros y brillantes, sin sacrificar la house y el jazz: libera un estado de ánimo impulsor, positivo y agradable que lo hace destacar en medio de la escena por su naturaleza innovadora. 

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