lunes, 27 de febrero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Jazz, progresivo , psicodelia y toda una gran cantidad de instrumentos y herramientas musicales diferentes, todos encontrados aquí mismo. Teclados hipnóticos e instrumentación embriagadora que te perderán dentro de ti (escucha A2, A3, B1 y B3 si no estás convencido), ¡se encuentran ahí mismo!

Voz poderosa y dominante, cortesía de Linda Hoyle, encontrada aquí mismo.

La segunda mejor versión de All Along The Watchtower que he escuchado, también se se encuentra en este disco.

Hermosa obra de arte de portada influenciada por el ácido.

Música celestial para ser arrastrada y absorbida.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Homenaje increíblemente entusiasta y auténtico a la psicodelia de los años 60. Como gran fan de Psych y XTC, aquí es una mezcla absolutamente perfecta.

Melodías interesantes y pegadizas, auténtica producción de los años 60 y una capacidad extremadamente impresionante para recrear a algunos de sus artistas más queridos (Beach Boys pastiche en "Pale And Precious" es absolutamente perfecto... qué hermosa canción).

Un álbum extremadamente divertido de escuchar y la composición y la increíble atención al detalle con permanecer en el rango 1967-1968 son excelentes.

Tampoco creo que nadie pueda emular a Pink Floyd/Syd Barrett tan bien como esto. Cualquiera que sea incluso un poco escéptico sobre XTC debería escuchar esto. 

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domingo, 26 de febrero de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2020)

La banda sonora de la película Soul, compuesta por Trent Reznor, fue la ganadora de la 93.ª edición de los Premios Óscar en la categoría de mejor banda sonora original 

Soul es una película animada estadounidense de aventura, drama y comedia dirigida por Pete Docter y producida por Pixar Animation Studios. Narra la historia de un profesor de música que sufre un accidente antes de poder cumplir su sueño de convertirse en un reconocido exponente del jazz, por lo que debe embarcarse en un viaje al más allá para volver a la vida. 

Óscar a la mejor película animada y a mejor banda sonora.

Una pieza realmente pacífica de pianos de anhelo etéreo que crea un lugar espacial casi de inexistencia de paz y longevidad eternas. Es una partitura muy electrónica que parece que la banda sonora de Daft Punk' TRON murió, una delicia divina de piezas ambientales con un enfoque a veces minimalista que crea una sensación relajante

La otra parte de la partitura son las piezas de música de jazz de Jon Batiste para el entorno más común de Nueva York, principalmente la banda sonora de las secuencias que tienen lugar en el mundo mortal. Es muy decente y tiene un montón de momentos brillantes. Se las arregla para ser accesible y, en realidad, ser un jazz bien diseñado. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Formada en 1969, Embryo fue una banda alemana de rock cuya visión abarcaba el mundo.

Sus grabaciones fueron muy superiores a la mayoría de la "música mundial" comercializada bajo ese estilo en la década de 1990.

Basado en el Rock pero expansiva, las diversas fusiones que lograron sonaban orgánicas en lugar de preconcebidas.

Junto con la línea habitual de guitarras, bajo, batería y teclados, los miembros de Embryo tocaban vientos de madera, vibráfono, marimba, violín y instrumentos de cuerda del Cercano Oriente como el Laud y el dulcimer martillado persa llamado santur.

La banda grabó parte de su música en giras fuera de carretera por la India y Afganistán.


Embryo también estuvo en sintonía con la introducción de instrumentos eléctricos en el jazz que comenzó con In a Silent Way (1969) de Miles Davis, realizando fusión jazz-rock a un nivel de energía más alto que la mayoría de los practicantes de ese género. Grabaron con el pianista Mal Waldron, un expatriado afroamericano que había tocado con John Coltrane y Eric Dolphy, y con el saxofonista Charlie Mariano, un sideman de Stan Kenton y Charles Mingus.

Aunque varios miembros principales se fueron en 1981 para formar disidentes, Embryo sigue activo en el siglo XXI. 

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sábado, 25 de febrero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS



 

La historia de Spyro Gyra es larga y distinguida. De hecho, la historia de la banda abarca 30 años, y sus éxitos de gira y grabación la han convertido en una de las piedras angulares del jazz contemporáneo, no creo que sea una exageración decir eso.

La banda había sufrido cambios de alineación y con "The Deep End", habían lanzado 28 álbumes, incluyendo 3 antologías (incluyendo un raro set de 2 discos) y 2 sets en vivo sobresalientes hasta ese momento .


La composición de Jeremy Wall “Summer Fling” es un tema que abre ,agradable y suavemente funky que muestra el sólido bajo rockero y siempre melódico de Scott Ambush, Dave Samuels en marimba y el sublime saxo alto de Jay Beckenstein.

La guitarra de aquí también es una alegría. También hay una buena guitarra en Eastlake Shuffle, que se abre en un estilo Larry Carlton muy genial.


Monsoon contiene algunas de las músicas más aventureras que he escuchado tocar a la banda desde "Stories Without Words".

Desde su exótica apertura con matices de música india hasta su cierre rocoso con una guitarra ardiente de Julio Fernández, es un drama.

Tiene sabores de jazz-rock de los años 70 y me encanta.

El estado de ánimo se aclara para el bonito As You Wish, que comienza con el trabajo de guitarra más delicado de Fernández. Todo el mundo debe ser admirado por el toque ligero que aportan a esta canción. Hay la cantidad correcta de todo. ¡El solo del teclado es espectacular. 


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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Por alguna razón, este álbum de Roy Buchanan recibe críticas medias de la gente.

Voy a salir y decirte que esos críticos están equivocados y que "That Is What I Am Here For" de 1974 es una de las mejores ofertas de Buchanan. En aras de ser honesto, el álbum marcó un modesto cambio de dirección con respecto a su catálogo anterior. Si estuvieras totalmente comprometido con esos esfuerzos anteriores de blues-rock, este podría resultar problemático. Coproducido por Dennis Ferrante y Shelly Yakus, este álbum tenía dos cosas que hacer: 1.) Buchanan escribió la mayor parte del material (junto con los miembros de la banda Billy Price y John Harrison), y 2.) con frecuencia se sacudió como si no hubiera mañana. Así es, las aspiraciones de blues de Buchanan se echaron en gran medida al margen a favor de un rock and roll ardiente.

Los aspectos más destacados de mis oídos incluyeron su impresionante portada de "Hey Joe" (dedicada al difunto Jimi Hendrix), la "Canción de Rodney" al estilo de Allman Brothers (gran historia) y el éxito "My Baby Says She's Gonna Leave Me". Es cierto que el álbum no era perfecto. Como cantante principal, Price era un gusto adquirido 

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viernes, 24 de febrero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Aunque Cluster fueron pioneros de la música industrial y la experimentación electrónica más avanzada a su tiempo en los primeros 70, este disco sigue la tónica ambient mucho más pausada de los trabajos de Eno de la época (es de 1977), la colaboración de Cluster añade al disco atmósferas y texturas, y lo hace más orgánico, dándole una belleza intemporal y alejándolo de la frialdad algo distante de otros trabajos ambient de Eno, a su vez Eno introduce orden en el caos propio de otros trabajos de Cluster, con lo que se complementan perfectamente. 


Un álbum que te transporta a otra dimensión, y te hace flotar dándote una gran paz, sin necesidad de sonidos espaciales y recargados, ni caer en la new age de postal, sino a través de su minimalismo bello y austero y al mismo tiempo adornado con matices atmosféricos, a medio camino entre Erik Satie, el ambient-tecno, anticipando el sonido ambient de los 90, y que hacen de este disco una de las obras clave del ambient de finales de los 70 (ambient que en este caso también se puede degustar con una escucha más atenta).

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El guitarrista Ry Cooder apareció en el renacimiento del folk-blues del sur de California a principios de la década de 1960.Mientras poseía el amor de un archivero por aprender de los artistas históricos de blues y folk y se comprometía a sonar auténtico,desde el principio estaba ansioso por reunir diversas influencias, especialmente del guitarrista bahame Joseph Spence. En 1966, Cooder cofundó los Rising Sons con el Taj Mahal con inclinación similar y tocó su álbum debut homónimo (1967).

Luego se unió a Captain Beefheart's Magic Band, pero se fue después de su primer álbum, Safe as Milk (1967). Cooder siempre ha estado en demanda como jugador de sesión. Grabó con los Rolling Stones en Let It Bleed (1969) y Sticky Fingers (1971). Cooder afirmó que el riff de "Honky Tonk Women" era suyo; su guitarra deslizante es prominente en "Sister Morphine". Cooder fue considerado como miembro de los Rolling Stones, pero fue rechazado por no poseer la imagen adecuada de los Stones. 


Paradise and Lunch (1974) incluyó un dúo con el pianista de jazz Earl "Fatha" Hines. No muy diferente a la banda, Chicken Skin Music (1976) conjuró recuerdos de un Estados Unidos anterior. Jazz (1978) exploró las raíces del jazz en ragtime y vaudeville. En Bop Till You Drop (1979), Cooder infundió rock con armonías gospel.

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jueves, 23 de febrero de 2023

DIRECTISIMO 76

La fórmula perfecta de Zappa. Combinar humor socarrón con música compleja y sencilla a la vez. Rock, jazz, blues, todo tenía cabida con una de las mejores bandas que rodeó al Maestro. 

Desde la instrumental impactante Zoot Allures, la divertida TInseltown Rebellion y dos clásicos de los Mothers, bien aceitados, con arreglos extra, pasando por sus nuevas canciones Hot Plate Heaven at the Green Hotel y What´s New in Baltimore? con sendos solos perrisimos de Zappa que no se abre ante las conjeturas de los solos extendidos, es decir, no lo piensa y fantasea con su guitarra, siguiendo sus propias líneas melódicas. 

En el paroxismo de la realización musical, llega el que es para mí su mejor instrumental: Let´s Move to Cleveland: extensa gira improvisatoria por parte de Alan Zavod (teclas), Chad Wackerman (baquetas) y claro, Zappa con una línea de bajo excelente que se ocupa de improvisar donde parece que no lo hacía a cargo de Scott Thunes. EL jefe Ray White aporta sus acordes con estruendo y finalmente con la ayuda inigualable de Bobby Martin, trayendo este resultado (la canción está editadísima) el pináculo de la obra zappiana.

El disco finaliza con Whippin´Post, con la excelente voz de Martin y las guitarras de los Zappas, padre e hijo. 

¿Fisuras? no hay,¿desmadre? total. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Tim Buckley surgió de la misma escena folclórica del sur de California a mediados de la década de 1960 que Jackson Browne, y a pesar del hecho de que ambos eran cantantes y compositores con una inclinación por las canciones intensamente emocionales e introspectivas, los dos artistas apenas podrían haber seguido trayectorias profesionales más divergentes.

Si bien Browne nunca se alejó de la corriente principal del soft rock que prevalecía en la década de 1970, el enigmático Buckley nunca mostró mucho interés en el éxito comercial, como lo demostró una visión musical que dio giros salvajes y cambios inesperados.

El camino de Browne condujo a la superestrella internacional, mientras que Buckley se lo ganó el estatus de figura de culto por su estilo vocal único y su creatividad inquieta. 

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miércoles, 22 de febrero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Es el récord más diferente que ha hecho Orbital. Lo que parecía una experimentación en Middle Of Nowhere se demostró como una partida en The Altogether.

Sus exuberantes pistas de teclado y sus melodías impulsadas por Kraftwerk ya no están obviamente presentes, aunque todavía se podía escuchar de dónde venían.

Se trata más de los ritmos. ¡Incluso breakbeats! Pero una vez más, todavía puedes darte cuenta desde la primera escucha de que es orbital. Es extraño, pero cierto.

Las muestras también desempeñan un papel importante en estos lanzamientos.

Las pistas se basan en ellas y los ejemplos más obvios son Tootled (con usos de la línea de bajo de Tool (!?!?) "Sober") y una de sus mejores pistas en toda su carrera musical ¿Doctor? (¿Quién usa el famoso Doctor Who? Tema del título)

¡Es un disco muy raro para Orbital donde incluso puedes escuchar una canción electrónica-country/bluegrass/hillbilly/call-it-how-u-want (Waving Not Drowning)!

Lo que es más raro es que todavía suena como Orbital... 

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AYER VÍ 19

Mudbound, basada en la novela homónima de Hillary Jordan, publicada en 2008, nos devuelve a la América enfangada del estado de Mississippi, en la década de los cuarenta, justo después de que finalizara la Segunda Guerra Mundial, para denunciar una vez más la discriminación racial, que ni estaba resuelta entonces, ni lo está ahora, pues con demasiada frecuencia salta la noticia de jóvenes negros muertos por los disparos de policías blancos, que luego resultan impunes.


Pero si bien el tema no es nuevo, a mi modo de ver el principal mérito de Mudbound no consiste en el retrato de una sociedad podrida, como puede observarse en Matar a un ruiseñor (1962), ni en proclamar la identidad intelectual de la población de color, como podríamos argumentar en el caso de En el calor de la noche (1967), de Norman Jewinson, sino que Ree Dees, a pesar de su desconcertante juventud concentra su foco en profundizar en la psicología de cada uno de los personajes y acomete, además, la soberbia empresa de analizar dos familias en paralelo, una blanca y otra negra, con las interacciones que entre ellas se producen, todo ello, claro, dentro de una espesa atmósfera sureña.


Es como si la maldad procediera de la tierra pervertida, barro en realidad y de ahí el título, observado todo ello a través de los ojos de una joven madre blanca (Hillary Jordan también lo es) quien ha recibido una educación exquisita, que incluye el piano: se trata de Carey Mulligan en el papel de Laura McAllan.


La película denuncia todo lo que tiene que denunciar, pues es injustificable que un soldado negro que se jugó la vida contra los nazis en Europa sea humillado y escarnecido hasta límites sangrientos cuando regresa a Mississippi. «Esto es Mississippi», le dicen, cuando quiere salir de una tienda por la puerta delantera, todavía con su uniforme puesto, y tienen que hacerlo por la de atrás.


De manera que, narrada con realismo, eficacia y un importante protagonismo de los primeros planos, hemos de buscar los mejores logros de esta película en ese afán por buscar las causas del mal, que pueden ser telúricas, como ya mencionamos, o históricas basadas en todas las décadas de esclavitud en el sur de los Estados Unidos, el país tecnológicamente más avanzado del planeta Tierra, pero todavía con resabios neolíticos sin resolver. 

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martes, 21 de febrero de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM

5.6.1971-18.6.1971


Ahora sí McCartney se recupera y graba un álbum que le hace honor a su nombre y vuelve a mostrar en parte ese innato y no siempre respetado talento melódico. Pero lo mejor del álbum no es la famosa "Uncle Albert" sino que va por el lado de la desconocida "Smile Away", por lejos lo menos representativo aquí con sus sucias guitarras con un dejo a glam. Es una lástima que McCartney no haya intentado hacer más cosas en ese estilo más duro que siempre funcionó, siendo “Helter Skelter” el mejor ejemplo. 


Pero estamos en presencia del arquitecto del pop de The Beatles, así es que eso es lo que abunda en Ram y a pesar de que sólo "The Back Seat Of My Car" y " Dear Boy" están a la altura de sus mejores canciones del pasado, el conjunto es bastante consistente y con mínimos altibajos. No posee el lirismo del Lennon de Imagine pero si tuviera que elegir entre ambos álbumes tendría que pensarlo un buen rato.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Uno de los grandes discos pop de los ochenta. En las filas de la banda militaba la mismísima Björk, muy lejos de los registros a los que nos acostumbró con su carrera en solitario; en "Life's Too Good" predominan las guitarras, músicas post punk y con reminiscencias de la new wave, con especial mención a The B-52'S. Muy bueno. 

El sonido audazmente ecléctico y el peculiar ataque vocal gemelo de Bjork y Einar todavía suenan como nada más que haya escuchado. Si solo sus lanzamientos posteriores hubieran sido tan buenos, podrían haber sido como una de las "grandes" bandas independientes de todos los tiempos en lugar de solo una nota al pie de página. Tal como está, sin embargo, este es el único álbum de esta banda al que todavía vuelvo una y otra vez y obtengo un placer sin fin.

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lunes, 20 de febrero de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

25.5.1968-14.6.1968 

29.6.1968-26.7.1968 


Con Bookends Simon & Garfunkel alcanzó el número 1 en las listas ayudado por la enorme popularidad de Mrs.

Robinson y su aparición en El Graduado.

Aquí los arreglos se van haciendo más complejos y hasta aparecen improbables instrumentos como en el caso de “Save The Life Of My Child” y su desconcertante moog. La inmortal “America” es junto con “Sound Of Silence” su mejor canción y otros clásicos menores como “Old Friends”, “Punky’s Dilema”, “A Hazy Sahde Of Winter” y “At The Zoo” son suficientes para pelear con Parsley… el segundo lugar como el mejor álbum del grupo un poco por debajo de Sound Of Silence. “Voices Of Old People” viene siendo lo único fuera de lugar aunque ni siquiera se trata de una canción, por lo que es mejor hacer como que no existe. 

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