1971’s # 1 UK ALBUM

14.8.1971-20.8.1971 

Los Moody Blues son una de las bandas más subestimadas a mis ojos. Tienen una gran cantidad de grandes canciones y álbumes, y en mi opinión son la mejor banda de rock progresivo de todos los tiempos. Con álbumes como Days of Future Passed, To Our Children's Children's Children, Seventh Sojourn y más, es difícil elegir un mejor álbum. Pero para mí, la corona va al álbum de 1971, Every Good Boy Deserves Favor.

El álbum comienza con la inolvidable introducción de "Procession". Este es uno de mis temas introductorios de álbumes favoritos. Establece el tono desolado del resto del disco y la instrumentación es fantástica. La canción conduce perfectamente a "The Story in Your Eyes". Esta tiene que ser una de mis canciones favoritas, y puede que sea mi canción favorita de Moody Blues. Desde la guitarra atemporal hasta la letra introspectiva, realmente es una gran canción. El siguiente es "Nuestro juego de adivinanzas", que es otra salida pegadiza que probablemente tendrás que repetir durante un tiempo". "La canción de Emily" es uno de los esfuerzos más personales de la banda". After You Came" es un verdadero rockero, junto con "Nice to Be Here", que pondrá una sonrisa en la cara de la mayoría de la gente. "One More Time To Live" es simplemente hermoso, y lo mismo se puede decir de "You Can Never Go Home", que no solo es una de las mejores canciones de Justin Hayward, sino también una de las mejores bandas. La canción más débil del disco es probablemente "My Song", que sigue siendo bastante buena.

Mi declaración final es que Every Good Boy Deserves Favor es un álbum impresionante en el que más deberían escuchar. 

Pulsa aquí 

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

No sé pero estos hermanos mellizos me han acompañado toda la vida ,incluso cuando todavía  no sabía lo que era el rock cuando aporreaban sus pupitres con su estilo personal.

En cierto modo fui un privilegiado pues tuve la oportunidad de escucharlos en su estado embrionario.

Y mira por donde a lo largo de mi vida siempre los he seguido,cogiendo caminos distintos y por azar del destino nos cruzamos por ese amor a la musica en una entrevista que le hicimos en las Mañanas de Onda Capital 95.1 FM

Quizás hubieran sido todavía más leyenda de lo que son si no hubiera sido por una maldita mili en una época en blanco y negro que les tocó vivir.

Después de 50 años siguen con fuerza.

En Montilla han dado fe de ello hace pocos días.

Pulsa aquí

1968’s # 1 USA ALBUM

10.8.1968-6.9.1968 

Wheels of Fire fue el intento de Cream por combinar su preciso y un tanto pulido sonido de estudio con la libertad total de su propuesta en vivo.

Las diferencias entre estas dos facetas musicales quedaron bien claras, así como también las limitaciones del grupo en ambos frentes, en especial en vivo.

El álbum de estudio tiene algunos clásicos tremendos como “White Room”, “Politician” y “Deserted Cities of the Heart”, en las que Jack Bruce asoma como el único compositor de peso.

Al parecer Eric Clapton estaba tan absorto en su guitarra que no aporta nada en este sentido, lo que le permite a Ginger Baker incluir tres composiciones, de las cuales sólo “Those Were The Days” se salva. 

La mitad en vivo se inicia con la intensa versión de “Crossroads” en la que el grupo muestra toda su potencia y habilidad de manera concisa, sin extenderse más de lo necesario, algo que por desgracia olvidaron por completo a continuación. La trillada “Spoonful” se alarga demasiado aunque tiene pasajes de alto vuelo, mientras “Traintime” aunque relativamente breve resulta bastante tediosa.

Los 16 minutos de “Toad” son lejos lo peor del álbum y sólo gracias a los dos minutos iniciales logra evitar el desastre total.

Hay quienes pueden tolerar solos de batería interminables y sin mucho brillo pero esto ya es excesivo.

De aquí van a salir buena parte de las improvisaciones sin sentido tan abundantes en los próximos años, por lo que si ese fue uno de los principales legados de Cream no queda más que lamentarse. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 

Rubber Factory es el avance comercial de 2004 de los Black Keys de Ohio. Si decides buscarlos, no podrás escapar de las comparaciones con los White Stripes: ambos grupos provienen del Medio Oeste; ambos son devotos del blues minimalista; ambos son bandas de dos piezas.

La principal diferencia es que Jack White es un guitarrista mucho más talentoso que Dan Auerbach, y Meg White es un baterista mucho menos talentoso que Patrick Carney. Pero a cada uno lo suyo, ya que el estilo de White Stripes depende de la moderación pulsante de la batería de Meg.

Los Black Keys intercambian la restricción por una arenosidad exuberante, y el gemido agudo de la aerolínea de Jack White se ahoga en la cuneta de la sinfonía difusa y propulsada por reverberación de Auerbach.

Rubber Factory es el tercer álbum del dúo, después de Thickfreakness, un álbum muy difícil de encontrar (incluso en línea) que fue grabado, mezclado y terminado en un total de 14 horas un día en el estudio del sótano de Carney. Ese álbum produjo, además de la canción principal, "Set You Free", un sencillo que se abrió camino en la escuela de rock de la película Jack Black.

Y este álbum de seguimiento es una maravilla: musicalmente, suena como una demo perdida de ZZ Top; líricamente, suena como Robert Johnson si hubiera tenido una sensibilidad moderna. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Kamakiriad no es un álbum de Steely Dan, pero eso es solo de nombre. Todo lo demás de este álbum, su estilo, sonido vocal, calidad de producción, nivel de experiencia, no solo grita a Steely Dan, sino que básicamente está en la misma línea de tendencia a la que Aja estaba llevando, más que incluso el primer álbum en solitario de Donald Fagen, The Nightfly, que en realidad tuvo algunas desviaciones del sonido de Steely Dan.

Esto es algo suave, y un poco de saxofón de David Sanborn no estaría fuera de lugar aquí.

En todo caso, todo es un poco demasiado suave y no se esfuerza mucho. Todas las canciones son agradables, sin nota fuera de lugar, una sección de trompas y ritmo muy apretada, y un coro de cantantes de fondo de voz dulce.

Solo la propia entrega vocal de Donald Fagen, con su alcance algo limitado y su wispy nasalidad, es un sonido único. 

Pulsa aquí

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2020)

Los nominados para la mejor canción original en la Gala de los Oscar de 2020, fueron:

«Husavik»  Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga

Música y letra: Rickard Göransson, Fat Max Gsus y Savan Kotecha.

Fight for You»

Música: D'Mile y H.E.R., letra: H.E.R. y Tiara Thomas

«Io sì (Seen)». La vita davanti a sé

 Música: Laura Pausini • Letra: Diane Warren y Laura Pausini.

«Speak Now». One Night in Miami

Música y letra: Sam Ashworth y Leslie Odom Jr.

«Hear My Voice». El juicio de los 7 de Chicago

Música: Daniel Pemberton • Letra: Daniel Pemberton y Celeste.

La ganadora fue "Fight for You"

Música: D'Mile y H.E.R., letra: H.E.R. y Tiara Thomas

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

Primero dejemos de lado la gran queja: un mayor éxito de CSN sin "Woodstock" no es de ninguna manera un gran éxito. (Y no empecemos con "Ohio"; claro, es de CSNY, pero ¿quién es el que toca la guitarra en "Carry On"?)

Dicho esto, si alguna vez te has preguntado cuál es el alboroto de esos viejos hippies, este es el mejor lugar para averiguarlo.

Durante un tiempo, un corto tiempo, por supuesto, realmente fueron los Beatles de Estados Unidos. Felicitaciones a Joel Bernstein y Graham Nash por una compilación tan dab; con su variada secuencia, en realidad es un mejor escaparate que la mayoría de sus álbumes.

Una selección bastante buena de su música, especialmente para el fan casual que puede que no tenga todo lo que ha puesto.

La queja menor es que podrían haber incluido "Woodstock" y "Almost Cut My Hair". 

Pulsa aquí

MIRANDO LAS ESTRELLAS 13 JANIS JOPLIN

Bucear en los entresijos de la historia de la música rock ha sido momento a momento un pasatiempo tan mágico como fascinante. Cuando vemos una película estamos contemplando en menos de dos horas el trabajo de muchos meses de un equipo de personas. 

Cuando oímos una canción, de tres, cuatro o cinco minutos, nos estamos asomando muchas veces al alma de su autor o de su intérprete. Cuando asistimos a un gran concierto de rock, somos testigos de lo más externo y superfluo. Recibimos descargas decibélicas, adrenalina en dosis total, participamos del shock y de la comunión como acólitos fieles y somos parte del gran espectáculo. Pero hemos de saber que el espectáculo no siempre está de cara al escenario, sino a espaldas de éste. La vida de las estrellas del rock no es fácil.

Y algunos se quedan en el camino muy jóvenes,dándole un mitifico sentido a su música.

Ese es el caso de Janis Joplin

La afirmación y el compromiso de las artistas femeninas se generalizaron en los años sesenta. El avance de las divas de la música negra inspira a una nueva generación de rockeras. En la vanguardia, Janis Joplin hace suyo el lema “sex, drugs and rock’n’roll”. Se impone como emperatriz del soul psicodélico y heredera de las blueswomen de los años veinte.

Janis Lyn Joplin nació en enero de 1943, en la ciudad obrera de Port Arthur, Texas, en un entorno bastante conservador. En desacuerdo con las costumbres del Sur, no se reconoce ni en la segregación ni en el modelo femenino que se le propone. Desde la infancia, se acostumbró a vestirse como un niño, negándose a usar faldas y vestidos, un hábito que mantendrá toda su vida. Mal en su piel, burlada por su físico, se refugia en la música, cultivando un fuerte gusto por las voces y actitudes de Billie Holiday, Odetta, Big Mama Thorton y Bessie Smith, cuya presencia y libertad admira.

También le gusta Etta James y Aretha Franklin, de los que toma prestada su energía. Su cultura musical es afroamericana y femenina. Orientada a las artes gráficas y la literatura, ella misma no llega al canto hasta finales de la adolescencia. 

En la escuela secundaria, se funde en el universo inconformista de los beatniks y hace sus primeras experiencias hacia los márgenes. Le gusta la embriaguez y las drogas, prueba la homosexualidad, al igual que las heroínas blues cuyas discos escucha. 

Janis Joplin fue conocida por su poderosa voz y la gran intensidad de su interpretación.

Tras publicar tres álbumes, murió de una sobredosis de heroína a la edad de veintisiete años. Un cuarto álbum, Pearl, fue publicado en enero de 1971, tres meses después de su muerte. Aun a pesar de que se encontraba todavía en fase de elaboración, este álbum fue un éxito de ventas, alcanzando el número uno en las listas de Billboard.

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

De todos los artistas del mundo, soy verdaderamente neófito de la música de Springsteen.

Vale, todo el mundo ha oído hablar de Born In The USA, pero nunca lo he escuchado.

Así que como mi última escucha de CD no esperaba mucho de Devils & Dust. Limitando la mayor parte del tiempo con el country, el folk y el soft rock, se parecía mucho al trabajo de Fleetwood Mac.

Al menos tiene sus letras bajo control, el contenido lírico del álbum va desde simple hasta muy explícito pero poéticamente hermoso, en la canción "Reno" describe vívidamente una escena de sexo con una prostituta, tal vez la precisión lírica más honesta del comercio sexual.

Devils & Dust tiene éxito en muchas áreas, hermosa en las baladas y jubilosa en las pistas rocosas.

Este es simplemente un hallazgo preciado. 

Puede que peque de cansino en algunos tramos, muy pocos, pero el disco ofrece un conjunto sólido de alto voltaje emocional.

Los demonios surgen de las cenizas del pasado, del polvo de los años y, a pesar de los pesares, está claro que esa voz siempre nos cautivará, y que esa guitarra nos ayudará a soportar esta existencia.

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La historia de Spyro Gyra es larga y distinguida. De hecho, la historia de la banda abarca 30 años, y sus éxitos de gira y grabación la han convertido en una de las piedras angulares del jazz contemporáneo, no creo que sea una exageración decir eso.

La banda había sufrido cambios de alineación y con "The Deep End", habían lanzado 28 álbumes, incluyendo 3 antologías (incluyendo un raro set de 2 discos) y 2 sets en vivo sobresalientes hasta ese momento .

La composición de Jeremy Wall “Summer Fling” es un tema que abre ,agradable y suavemente funky que muestra el sólido bajo rockero y siempre melódico de Scott Ambush, Dave Samuels en marimba y el sublime saxo alto de Jay Beckenstein.

La guitarra de aquí también es una alegría. También hay una buena guitarra en Eastlake Shuffle, que se abre en un estilo Larry Carlton muy genial.

Monsoon contiene algunas de las músicas más aventureras que he escuchado tocar a la banda desde "Stories Without Words".

Desde su exótica apertura con matices de música india hasta su cierre rocoso con una guitarra ardiente de Julio Fernández, es un drama.

Tiene sabores de jazz-rock de los años 70 y me encanta.

El estado de ánimo se aclara para el bonito As You Wish, que comienza con el trabajo de guitarra más delicado de Fernández. Todo el mundo debe ser admirado por el toque ligero que aportan a esta canción. Hay la cantidad correcta de todo. ¡El solo del teclado es espectacular. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En el momento del "lanzamiento" no tradicional de 2001 del Yankee Hotel Foxtrot, estaba en medio de un exilio de dos años lejos de la ciudad natal que comparto con la banda.

Mientras que las multitudes de rock se alinearon para alabar el experimentalismo del álbum, el martirio de screw-the-Record-Company-Man y la relevancia accidental del 11 de septiembre, simplemente me pareció una fotografía de postal que resume perfectamente todas las cosas que amas de una ciudad, un mapa sónico de cada contorno de Chicago.

Poner YHF en el estéreo fue todo lo que se necesitó para ofrecer una presentación de diapositivas mental de la paleta de la ciudad: "Reservas" los tonos grises de un lago Michigan congelado, "Heavy Metal Drummer" la naranja húmeda de un festival de Grant Park, y "Radio Cure" el tono marrón de los callejones de El-track. 

Pulsa aquí

DIRECTISIMO 77

Señores descúbranse ante uno de los más grandes discos grabados en vivo en la historia de la música popular de los últimos 60 años. Así de sencillo.

Grabado en 1963 en el club Harlem Square de Miami; concierto de Sam Cooke y su banda. Mr. Soul desgranado sus más conocidas piezas ante una audiencia totalmente entregada. Todos los temas son composiciones de Sam y están interpretadas con el vigor característico del cantante de Clarksdale (Mississippi). Su voz, auténtico volcán expresivo, modula el mejor estilo soul-gospel de la época, y de siempre. Sus párrafos, también cuando habla con los asistentes, son fiel ejemplo de un hombre dotado de una gran convicción: ser el mejor y transmitir su tremenda vitalidad artística a todos aquellos que pudieran compartir su emoción.

El sonido de la banda, de la grabación en vivo en definitiva, es trasunto fidedigno del ambiente creado en el concierto. Los instrumentos suenan con una profundidad armónica envidiable. King Curtis (saxofón) y su banda arrollan con sus notas extensas, hermanadas con la prodigiosa voz de Sam, alcanzando cimas dificilmente superables en un concierto en directo.

No por hacer menos extensa mi opinión quisiera dejar de destacar algún tema sobre otro. Lo verdaderamente destacable es todo el concierto en sí. Desde la presentación de Curtis Ousley, calentando a los asistentes con sus palabras, hasta los comentarios y expresiones gozosas de los mismos, que se escuchan nítidamente durante una gran parte de la grabación; desde "Feel It (Don´t Fight It)", hasta "Having A Party" (el deseo de Sam para que la sensación de fiesta perdure después del concierto) como final de la grabación.

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Para muchos, Californication es el mejor Chili, su mejor hora sin igual, y un alimento básico de la cultura musical de finales de los 90, todas las cuales son declaraciones justas. Desafortunadamente, también fue este talento excesivo el que finalmente se sofocó.

La destreza inignorable de este álbum era tan pegajosa que la radio y MTV no paraban de apuñalarlo hasta que los propios recuerdos correlativos del público anularan cualquier antiguo culto compositivo, y a su vez, nos cansamos de ello.

¡Muchas gracias, medios corporativos! Además, las mejores canciones eran tan enormes que accidentalmente derribaron a las canciones de menor que el viaje, que unieron una colección muy irregular en el mejor de los casos. Aún así, si puedes recordar esas escuchas iniciales, evocarás algo verdaderamente mágico en ese aire de verano estadounidense.

Frusciante había estado viviendo en un pozo de adicción casi mortal a la heroína durante ocho años, y fue aquí donde sus hermanos lo sacaron 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este álbum tiene una sensación muy comercial y pulida que puede no complacer a todos los fans de New Order. Las pistas de la uno a la cuatro son excelentes, y hay otros aspectos destacados que incluyen "Guilt Is A Useless Emotion" y "Turn".

Algunas de las pistas son pop en el extremo, véase "Jetstream" y "Morning Night and Day" y un par de las pistas son pobres: "Working Overtime" y "I Told You So".

En resumen, este álbum no será recordado como un clásico de New Order, pero esta banda establece estándares muy altos, y creo que, en general, las pistas fuertes hacen que este álbum sea digno de ser escuchado 

Pulsa aquí

AYER VÍ 20

HUÉRFANOS DE BROOKLYN (Motherless Brooklyn). 

Edward Norton, literalmente dirige, actúa, produce y escribe este filme que se nota que tiene toda la intención de hacerla con amor ya que es un homenaje a ese cine que ama; así que nos trae una cinta al más puro estilo de las grandes historias de antaño; con un enfoque nostálgico del cine Negro. Pero el Norton que mejor funciona es el que se luce más como actor que como director/guionista.

Motherless Brooklyn es un filme Noir con gangsters, jazz y corrupción política en NYC, años '50: Larga 144 minutos que se sienten al ser un film más pausado que se toma su tiempo para contar la historia, con largos diálogos explicativos , con escasa fluidez y pérdidas de ritmo; pero que por momentos es fascinante y más por la reconstrucción de época y la fotografía que es exquisita, la atmósfera juega un papel importante para la construcción del relato, buenos climas y gran elenco que sostiene la trama pero peca al tener mucho personaje que no se desarrolla como debiera ser. Y en sus casi dos horas y media nunca los plantea, sólo los pone a uso del personaje principal, Motherless Brooklyn podría permitirse ser más ajustada, pero es una interesante muestra de un género que fácilmente cae en los clichés de la corrupción.

Si algo tengo que destacar por encima de todo es la hermosa partitura de Daniel Pemberton (cada vez me convenzo que es mi compositor favorito de estos tiempos) la música funciona como un bello complemento a la historia y la canción de Thom Yorke es perfecta. 

Pulsa aquí