sábado, 11 de marzo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

1972 es un homenaje al año de nacimiento de Josh Rouse, su guitarra y, por supuesto, la música: Neil Young, Nick Drake, Curtis Mayfield, Al Green, Marvin Gaye, Isaac Hayes, Van Morrison, T. Rex, Steely Dan, Jackson Browne y la radio AM.

Lo que es notable es que este no es un álbum de nostalgia.

Cada canción única y pulida evita sonar como cualquiera que no sea Rouse. "Love Vibration" es un singalong emocionante que merece su primer estatus de sencillo.

La percusión y las melodías de "Sunshine (Come On Lady)" son aún más edificantes. Aunque muchos de los temas líricos son oscuros, la música es mayormente alegre. "Comeback (Light Therapy" está dirigido por uno de los mejores riffs de bajo del año, mientras que "Under Your Charms" atenúa las luces y se vuelve seductor de una manera no tan sutil, mientras se embarca en un delicioso soul sinfónico. "Flight Attendant" recuerda la angustia de la infancia a una delicada mezcla de jazz, despegando hacia el azul allá al final en la cima de una sección de bocina en alto. "Sparrows Over Birmingham" presenta un magnífico coro de gospel-blues.

Cada canción es una pieza de estado de ánimo perfectamente realizada, con una producción bellamente limpia digna de sus inspiraciones.

Tan emocionalmente evocador como lo fue Under The Cold Blue Stars del año pasado, esto lo supera por una milla campestre. 

Pulsa aquí



viernes, 10 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Grass Roots tuvo una serie de grandes éxitos, en particular "Let's Live for Today", "Midnight Confessions", "Temptation Eyes" y "Two Divided by Love", que ayudan a definir la esencia de la mejor radio AM de la época.

Aunque los miembros del grupo ni siquiera estaban cerca de ser reconocibles, y su composición interna era casi irrelevante, los Grass Roots lograron obtener 14 éxitos en el Top 40, incluidos siete sencillos de oro y un sencillo de platino, y dos tenían colecciones de éxitos que sin esfuerzo se volvieron de oro.

La historia del grupo también es bastante complicada, porque había al menos tres grupos diferentes involucrados en la creación de las canciones identificadas como por "the Grass Roots".


The Grass Roots fue originado por el equipo de escritores/productores de P.F. Sloan y Steve Barri como un seudónimo bajo el cual lanzarían un cuerpo de folk-rock al estilo de Byrds/Beau Brummels. Sloan y Barri fueron compositores contratados para Trousdale Music, el brazo editorial de Dunhill Records, que quería sacar provecho del auge del folk-rock de 1965. 

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Puede que me guste este álbum más que el fan promedio de Garbage porque fue el primer álbum de Garbage que compré. Si ese es el caso, que así sea.

Probablemente no habría podido abrir mi mente a este álbum si hubiera escuchado la discografía de Garbage cronológicamente.

Dicho esto, también escucho mucha música pop, así que este nuevo estilo para ellos realmente no me alienó.


La mejor parte de este álbum es probablemente la voluntad de Garbage de probar y experimentar con muchos estilos de música diferentes.

En lugar de volver a la electrónica de rock alternativo de su primer álbum, que molestó a algunos fans de la Versión 2.0 (aunque no me decepcionó tanto), o un sonido anticuado, que arruinó Bleed Like Me, la banda probó muchos sonidos diferentes, la mayoría de los cuales funcionaron.

Desde el hip hop "Shut Your Mouth", hasta el influenciado por Phil Spector "Can't Cry These Tears", hasta el pop "Cherry Lips (Go Baby Go!)", Garbage se negó a ser categorizado como un poni de un solo truco para su tercer lanzamiento.


Este álbum tiene grandes momentos optimistas en canciones como "Can't Cry These Tears", "Til the Day I Die", "Breaking Up the Girl" y "Cherry Lips (Go Baby Go!)" que son tan agradables como sus éxitos anteriores, solo que menos rock alternativo y más pop. Tampoco escatima en baladas, con "Cup of Coffee", "Drive You Home" y "So Like a Rose". 

Pulsa aquí



jueves, 9 de marzo de 2023

DIRECTISIMO 78

Los directos creo que sirven para homogeneizar todas las grabaciones anteriores de una banda. Miguel Ríos es especialmente dispar en cuanto a producciones, que abarcan desde los sesenta hasta la actualidad. Para la época de edición de "Rock&Ríos" (1982) había hecho prácticamente de todo. En el disco parece que todos los temas sean de una misma tacada, compuestos para tal ocasión.

El mejor álbum en vivo de un artista del estado español. Tiene de todo: hard rock, blues, rock progresivo, pop, andalusí... La banda está a la altura y hay temas que son verdaderas obras de arte. Excelente trabajo de la base rítmica que le da un gran empaque a la grabación, más colaboraciones de lujo como Salvador Domínguez o Thijs Van Leer (Focus). Imprescindible en nuestra historia del R'N'R. 

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El movimiento post-grunge de mediados y finales de los 90 produjo muchas bajas.

Después de un par de éxitos como "Good" y "Desperately Wanting", la gente, por cualquier razón, dejó de preocuparse por Better Than Ezra.

Después del experimento de 1999 ¿How Does Your Garden Grow?? Ezra  se quito la  etiqueta. El resultado es “Closer”.


11 pistas de gran pop-rock. Incluso la desafortunada y un poco embarazosa incursión en el hip-hop "Extra Ordinary" no está exenta de su encanto. DJ Toddy invitados en dos pistas aquí (el mencionado "Extra Ordinary" y el rockero sureño "Recognize") y se suma a ambos sin sonar fuera de lugar. "Misunderstood" es un comentario divertido y al mismo tiempo serio sobre la vida en Los Ángeles. "A Lifetime" es un rockero himno con un coro que simplemente no saldrá de la cabeza de los oyentes. Sin embargo, Ezra todavía sabe cómo reducir la velocidad, como se demostró en el frágil y hermoso "Get You In". Parece que volver a sus raíces indy es justo lo que Ezra necesitaba, porque Closer es un esfuerzo de primera categoría. Definitivamente recomendado. 

Pulsa aquí



miércoles, 8 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Es difícil exagerar la gran importancia y el legado de Pyromania en la música Rock, Pop y Heavy Metal. En 1983, este álbum explotó en una nube de setas de 100 megatones de riffs mortales y ganchos asesinos que se implantaron tan profundamente en la psique del mundo como cualquier álbum.

Es probable que la caída venenosa de la piromanía se sienta mientras exista Rock.

Este álbum llevó a los jóvenes de Estados Unidos como el Islam se llevó en el desierto. Tal vez sea el ejemplo por excelencia del álbum correcto en el momento adecuado.

Def Leppard tomó sus ganchos afilados y sus melodías despiadadas y los casó con las fiestas de dulces para los ojos de MTV y el resultado fue más que música, fue el nacimiento de un culto al Heavy Metal, una verdadera religión.

Pyromania hizo que el Heavy Metal fuera accesible a todo el planeta, y después de eso todo explotó. Pyromania es uno de los álbumes más grandes, esenciales e influyentes de todos los tiempos.

Pulsa aquí



AYER VÍ 21


Una película que en mi opinión está llena de enormes valores.

El pueblo Turco, muchas veces enormemente criticado debe recibir nuestro grandísimo agradecimiento por su generosidad con el bando Sur Coreano y especialmente con sus huérfanos (a milllares de ellos).

Esta película rescata para conocimento de todos, unos hechos ignorados a nivel histórico y también informativo. Turquía fue un pais muy generoso y se volcó en ayudar a millares, de niños huérfanos dándoles cariño, protección y educación.


Una película sencilla, conmovedora. Especialmente magistral la actriz que interpreta a la pequeñita Ayla. Prodigioso su talento y su encanto...por si sola ella lo llena todo. Muy bien acompañada, eso si, sería injusto no decirlo, por la frescura y la bondad de todo el resto del reparto. Bella fotografía, humanidad por todas partes, solidaridad y sobre todo mucho mucho cariño y amor auténtico. 

Pulsa aquí



martes, 7 de marzo de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM


14.8.1971-20.8.1971 


Los Moody Blues son una de las bandas más subestimadas a mis ojos. Tienen una gran cantidad de grandes canciones y álbumes, y en mi opinión son la mejor banda de rock progresivo de todos los tiempos. Con álbumes como Days of Future Passed, To Our Children's Children's Children, Seventh Sojourn y más, es difícil elegir un mejor álbum. Pero para mí, la corona va al álbum de 1971, Every Good Boy Deserves Favor.


El álbum comienza con la inolvidable introducción de "Procession". Este es uno de mis temas introductorios de álbumes favoritos. Establece el tono desolado del resto del disco y la instrumentación es fantástica. La canción conduce perfectamente a "The Story in Your Eyes". Esta tiene que ser una de mis canciones favoritas, y puede que sea mi canción favorita de Moody Blues. Desde la guitarra atemporal hasta la letra introspectiva, realmente es una gran canción. El siguiente es "Nuestro juego de adivinanzas", que es otra salida pegadiza que probablemente tendrás que repetir durante un tiempo". "La canción de Emily" es uno de los esfuerzos más personales de la banda". After You Came" es un verdadero rockero, junto con "Nice to Be Here", que pondrá una sonrisa en la cara de la mayoría de la gente. "One More Time To Live" es simplemente hermoso, y lo mismo se puede decir de "You Can Never Go Home", que no solo es una de las mejores canciones de Justin Hayward, sino también una de las mejores bandas. La canción más débil del disco es probablemente "My Song", que sigue siendo bastante buena.


Mi declaración final es que Every Good Boy Deserves Favor es un álbum impresionante en el que más deberían escuchar. 

Pulsa aquí 



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

No sé pero estos hermanos mellizos me han acompañado toda la vida ,incluso cuando todavía  no sabía lo que era el rock cuando aporreaban sus pupitres con su estilo personal.

En cierto modo fui un privilegiado pues tuve la oportunidad de escucharlos en su estado embrionario.

Y mira por donde a lo largo de mi vida siempre los he seguido,cogiendo caminos distintos y por azar del destino nos cruzamos por ese amor a la musica en una entrevista que le hicimos en las Mañanas de Onda Capital 95.1 FM


Quizás hubieran sido todavía más leyenda de lo que son si no hubiera sido por una maldita mili en una época en blanco y negro que les tocó vivir.

Después de 50 años siguen con fuerza.

En Montilla han dado fe de ello hace pocos días.

Pulsa aquí



lunes, 6 de marzo de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

10.8.1968-6.9.1968 


Wheels of Fire fue el intento de Cream por combinar su preciso y un tanto pulido sonido de estudio con la libertad total de su propuesta en vivo.

Las diferencias entre estas dos facetas musicales quedaron bien claras, así como también las limitaciones del grupo en ambos frentes, en especial en vivo.

El álbum de estudio tiene algunos clásicos tremendos como “White Room”, “Politician” y “Deserted Cities of the Heart”, en las que Jack Bruce asoma como el único compositor de peso.

Al parecer Eric Clapton estaba tan absorto en su guitarra que no aporta nada en este sentido, lo que le permite a Ginger Baker incluir tres composiciones, de las cuales sólo “Those Were The Days” se salva. 


La mitad en vivo se inicia con la intensa versión de “Crossroads” en la que el grupo muestra toda su potencia y habilidad de manera concisa, sin extenderse más de lo necesario, algo que por desgracia olvidaron por completo a continuación. La trillada “Spoonful” se alarga demasiado aunque tiene pasajes de alto vuelo, mientras “Traintime” aunque relativamente breve resulta bastante tediosa.

Los 16 minutos de “Toad” son lejos lo peor del álbum y sólo gracias a los dos minutos iniciales logra evitar el desastre total.

Hay quienes pueden tolerar solos de batería interminables y sin mucho brillo pero esto ya es excesivo.

De aquí van a salir buena parte de las improvisaciones sin sentido tan abundantes en los próximos años, por lo que si ese fue uno de los principales legados de Cream no queda más que lamentarse. 

Pulsa aquí



50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 

Rubber Factory es el avance comercial de 2004 de los Black Keys de Ohio. Si decides buscarlos, no podrás escapar de las comparaciones con los White Stripes: ambos grupos provienen del Medio Oeste; ambos son devotos del blues minimalista; ambos son bandas de dos piezas.

La principal diferencia es que Jack White es un guitarrista mucho más talentoso que Dan Auerbach, y Meg White es un baterista mucho menos talentoso que Patrick Carney. Pero a cada uno lo suyo, ya que el estilo de White Stripes depende de la moderación pulsante de la batería de Meg.

Los Black Keys intercambian la restricción por una arenosidad exuberante, y el gemido agudo de la aerolínea de Jack White se ahoga en la cuneta de la sinfonía difusa y propulsada por reverberación de Auerbach.


Rubber Factory es el tercer álbum del dúo, después de Thickfreakness, un álbum muy difícil de encontrar (incluso en línea) que fue grabado, mezclado y terminado en un total de 14 horas un día en el estudio del sótano de Carney. Ese álbum produjo, además de la canción principal, "Set You Free", un sencillo que se abrió camino en la escuela de rock de la película Jack Black.

Y este álbum de seguimiento es una maravilla: musicalmente, suena como una demo perdida de ZZ Top; líricamente, suena como Robert Johnson si hubiera tenido una sensibilidad moderna. 

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Kamakiriad no es un álbum de Steely Dan, pero eso es solo de nombre. Todo lo demás de este álbum, su estilo, sonido vocal, calidad de producción, nivel de experiencia, no solo grita a Steely Dan, sino que básicamente está en la misma línea de tendencia a la que Aja estaba llevando, más que incluso el primer álbum en solitario de Donald Fagen, The Nightfly, que en realidad tuvo algunas desviaciones del sonido de Steely Dan.

Esto es algo suave, y un poco de saxofón de David Sanborn no estaría fuera de lugar aquí.

En todo caso, todo es un poco demasiado suave y no se esfuerza mucho. Todas las canciones son agradables, sin nota fuera de lugar, una sección de trompas y ritmo muy apretada, y un coro de cantantes de fondo de voz dulce.

Solo la propia entrega vocal de Donald Fagen, con su alcance algo limitado y su wispy nasalidad, es un sonido único. 

Pulsa aquí



domingo, 5 de marzo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2020)


Los nominados para la mejor canción original en la Gala de los Oscar de 2020, fueron:


«Husavik»  Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga

Música y letra: Rickard Göransson, Fat Max Gsus y Savan Kotecha.


Fight for You»

Música: D'Mile y H.E.R., letra: H.E.R. y Tiara Thomas


«Io sì (Seen)». La vita davanti a sé

 Música: Laura Pausini • Letra: Diane Warren y Laura Pausini.


«Speak Now». One Night in Miami

Música y letra: Sam Ashworth y Leslie Odom Jr.


«Hear My Voice». El juicio de los 7 de Chicago

Música: Daniel Pemberton • Letra: Daniel Pemberton y Celeste.


La ganadora fue "Fight for You"

Música: D'Mile y H.E.R., letra: H.E.R. y Tiara Thomas

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

Primero dejemos de lado la gran queja: un mayor éxito de CSN sin "Woodstock" no es de ninguna manera un gran éxito. (Y no empecemos con "Ohio"; claro, es de CSNY, pero ¿quién es el que toca la guitarra en "Carry On"?)

Dicho esto, si alguna vez te has preguntado cuál es el alboroto de esos viejos hippies, este es el mejor lugar para averiguarlo.

Durante un tiempo, un corto tiempo, por supuesto, realmente fueron los Beatles de Estados Unidos. Felicitaciones a Joel Bernstein y Graham Nash por una compilación tan dab; con su variada secuencia, en realidad es un mejor escaparate que la mayoría de sus álbumes.

Una selección bastante buena de su música, especialmente para el fan casual que puede que no tenga todo lo que ha puesto.


La queja menor es que podrían haber incluido "Woodstock" y "Almost Cut My Hair". 

Pulsa aquí



sábado, 4 de marzo de 2023

MIRANDO LAS ESTRELLAS 13 JANIS JOPLIN

Bucear en los entresijos de la historia de la música rock ha sido momento a momento un pasatiempo tan mágico como fascinante. Cuando vemos una película estamos contemplando en menos de dos horas el trabajo de muchos meses de un equipo de personas. 

Cuando oímos una canción, de tres, cuatro o cinco minutos, nos estamos asomando muchas veces al alma de su autor o de su intérprete. Cuando asistimos a un gran concierto de rock, somos testigos de lo más externo y superfluo. Recibimos descargas decibélicas, adrenalina en dosis total, participamos del shock y de la comunión como acólitos fieles y somos parte del gran espectáculo. Pero hemos de saber que el espectáculo no siempre está de cara al escenario, sino a espaldas de éste. La vida de las estrellas del rock no es fácil.


Y algunos se quedan en el camino muy jóvenes,dándole un mitifico sentido a su música.

Ese es el caso de Janis Joplin

La afirmación y el compromiso de las artistas femeninas se generalizaron en los años sesenta. El avance de las divas de la música negra inspira a una nueva generación de rockeras. En la vanguardia, Janis Joplin hace suyo el lema “sex, drugs and rock’n’roll”. Se impone como emperatriz del soul psicodélico y heredera de las blueswomen de los años veinte.


Janis Lyn Joplin nació en enero de 1943, en la ciudad obrera de Port Arthur, Texas, en un entorno bastante conservador. En desacuerdo con las costumbres del Sur, no se reconoce ni en la segregación ni en el modelo femenino que se le propone. Desde la infancia, se acostumbró a vestirse como un niño, negándose a usar faldas y vestidos, un hábito que mantendrá toda su vida. Mal en su piel, burlada por su físico, se refugia en la música, cultivando un fuerte gusto por las voces y actitudes de Billie Holiday, Odetta, Big Mama Thorton y Bessie Smith, cuya presencia y libertad admira.


También le gusta Etta James y Aretha Franklin, de los que toma prestada su energía. Su cultura musical es afroamericana y femenina. Orientada a las artes gráficas y la literatura, ella misma no llega al canto hasta finales de la adolescencia. 


En la escuela secundaria, se funde en el universo inconformista de los beatniks y hace sus primeras experiencias hacia los márgenes. Le gusta la embriaguez y las drogas, prueba la homosexualidad, al igual que las heroínas blues cuyas discos escucha. 


Janis Joplin fue conocida por su poderosa voz y la gran intensidad de su interpretación.

Tras publicar tres álbumes, murió de una sobredosis de heroína a la edad de veintisiete años. Un cuarto álbum, Pearl, fue publicado en enero de 1971, tres meses después de su muerte. Aun a pesar de que se encontraba todavía en fase de elaboración, este álbum fue un éxito de ventas, alcanzando el número uno en las listas de Billboard.

Pulsa aquí