lunes, 22 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Escuché este disco de Jethro Tull hace algunos años y en ese entonces, quienes sabían de él (porque lo habían escuchado) decían que era un disco complicado y a la sombra de su predecesor (Thick as a Brick). Ni lo uno ni lo otro me parece a mí, más bien creo que tiene su propio entorno, dosis adecuada de humor, letras inteligentes, pasajes musicales excelentes a sublimes y que no se vale por tanto, la comparación con el citado Thick as a Brick. Ahora que es distinto ver cuál de los dos te gusta más, pero en su momento se sabrá. 


Este disco a pesar de contener el exceso del rock progresivo en todo su esplendor, se defiende con temas bien armados, principalmente están separados, solo que el exceso de poner un tema gigante de un lado y otro del vinilo era atractivo en los setentas. Finalmente es un disco muy valioso que implica las capacidades de cada miembro de la banda en un verdadero trabajo de equipo y extraordinaria composición. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

There's The Rub de 1974 es otro de los mejores álbumes de Twin Guitar Hard Rock de la historia de Wishbone Ash. Es, además de Argus, su único álbum Masterpiece (aunque Pilgrimage está cerca). Sin embargo, a estas alturas su alineación había cambiado y el guitarrista Ted Turner había sido reemplazado por Laurie Wisenfeld. Esto permitió al bajista Martin Turner llevar su inmenso talento y dar un paso un poco más al frente, lo que hizo con buen estilo en la increíble pista F.U.B.B., que tiene una de las mejores líneas de bajo de cualquier canción de Hard Rock de la historia. There's The Rub también es notable por un par de las canciones más conmovedoras que Wishbone Ash jamás haya lanzado, el dolorosamente elegíaco Persephone, y “Bittersweet Silver Shoes”. Luego están los ardientes Rockers Don't Come Back y su ciudad natal. Este es uno de mis álbumes favoritos de Wishbone Ash, y es definitivamente uno de sus álbumes de mayor calidad. 

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domingo, 21 de mayo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2013)

Es delicado hablar de la banda sonora de una película cuya premisa invita a prescindir de todo tipo de fondo musical mientras que el profundo sentido del espectáculo que se intenta infundir en ella propicia el encuentro con la composición efectista tradicional.

En ese sentido, Gravity no huye de la posibilidad de construirse a sí misma como evento comercial para convertir en rentable un proyecto de magnitudes faraónicas, obligando a que la originalidad de sus planteamientos conviva con las más convencionales maniobras narrativas.


Pero no conviene tampoco condenar el producto con ligereza sólo por esa evidente vocación comercial: el trabajo que ha compuesto Steven Price, bajo ese prisma de la cultura del espectáculo, es tan impecable como adecuado.

El autor ha optado por otorgar protagonismo a la música electrónica como creadora de ambientes, al tiempo que le permite manipular los sonidos de la orquesta clásica para propiciar las sensaciones de angustia y caos que experimenta la protagonista del film.  


Entre los instrumentos que Price utilizó, se encuentran guitarras acústicas y eléctricas y armónicas de vidrio

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

America

Grupo de folk y soft rock de gran éxito comercial a comienzos los setenta. Compuesto por Dewey

Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley, en 1971 el trío alcanzó el número uno de las listas de venta con "A Horse with No Name", tema incluido en su álbum debut homónimo y que se transformaría en uno de los grandes clásicos de la época. Más allá de algún hit ocasional, como "Sister Golden Hair", la popularidad del grupo no se extendería mucho más allá de 1975.

Reducido a dúo tras la salida de Peek, durante las décadas sucesivas America continuó sin embargo realizando esporádicos discos y giras para la audiencia de pop adulto contemporáneo. En 2019 America celebró su 50. aniversario con una nueva gira y la recopilación America

50: Golden Hits. 

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sábado, 20 de mayo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La subestimación de Girogio Moroder de la película "Metropolis" ha sido tristemente ignorada y nunca volverá a ver la luz del día. La banda sonora en sí se eliminó después de su lanzamiento final.

Es una pena que probablemente nunca se vuelva a estrenar, ya que realmente resume la naturaleza de esta versión de la película y en realidad es una banda sonora bastante sólida.


El álbum comienza a la moda, con "Love Kills" de Freddie Mercury, una canción de asalto que está ambientada en una de las mejores escenas de la película. Desafortunadamente, esta es la mejor canción, y el resto del álbum no parece estar a la altura. A pesar de esto, hay varios números sólidos como la canción de amor de Pat Benatar "Here's My Heart" (tenga en cuenta que NO es la misma versión que en la película, donde Pat pone una voz más operística), la tensa y política "Cage of Freedom" de Jon Anderson, la sensual "Here She Comes" de Bonnie Tyler y el simplemente brillante "On Incluso las canciones menores también son buenas, con los instrumentales de Moroder realmente manteniendo el ritmo entre ambos lados del álbum y ayudando a que algunas de las mejores escenas de la película sean aún más emocionales.


Una buena banda sonora sólida para aquellos que están dispuestos a escuchar; ciertamente no es para aquellos que no pueden soportar la música de los 80. 

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viernes, 19 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tal vez el mayor obstáculo en la carrera en solitario de Cale es la dificultad que ha tenido para retener una buena banda de respaldo. Hasta 1973, se ocupó principalmente de oscuros proyectos clásicos con un solo colaborador. Incluso París 1919, una obra maestra, tuvo más éxito debido a la composición de canciones de Cale que a las actuaciones efectivas pero discretas de Little Feat.


En Fear, Cale cuenta con el apoyo de Roxy Music (Ferry excluido), una banda, como VU, cuyos primeros discos se definieron por la tensión entre un líder idiosincrásico y un atrevidamente instrumentista/genio que finalmente amenazó la autonomía del líder. Por supuesto, muchas bandas experimentaron conflictos creativos, pero lo que distinguió a Cale y Eno fue que no estaban interesados en escribir canciones mientras estaban en la banda, sino solo en la dirección creativa que la banda tomaría. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Slanted y Enchanted puede ser uno de los resultados más interesantes de principios de los 90, como uno como uno si es el más subestimado.


Lo llamaron "Lo-fi". Tonalidades de guitarra borrosas y ruidosas, producción distorsionada, pero con melodía honesta en lugar de reconocible.


No todo es perfecto, pero eso es lo que añade encanto. Es la robustez, el hecho de que estés escuchando a una banda tocando en un garaje, que ha puesto una cinta, en lugar del estante del cd de MTV lo que es lo mejor. Es la belleza en el potencial más que la producción.


Y en medio de la selección de canciones, hay una serie de momentos estelares: los contagiosos riffs exagerados en una simple línea de bajo de Summer Babe.


Todo es bueno, muy escuchable, muy melódico y, sin embargo, serio. Está lleno de ideas y mora a la vez en un amargo nihilismo, así como en una vida optimista y sin preocupaciones en la realidad del momento. Simple pero complejo, Slanted and Enchanted no hace falta decir, como su título, una bestia encantadora. 

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jueves, 18 de mayo de 2023

DIRECTISIMO 88

Emerson, Lake & Palmer es una de las bandas más influyentes y reconocidas del rock progresivo, y su álbum "Works Live" es un testimonio impresionante de la habilidad musical de la banda.

Este álbum en vivo fue grabado durante su gira "Works", una gira en la que la banda se enfocó en tocar material de su álbum doble "Works, Volume 1" y "Works, Volume 2". También se incluyen en el álbum algunas de sus canciones más populares, como "Lucky Man", "From the Beginning" y "Karn Evil 9".

El álbum "Works Live" es un ejemplo impresionante del virtuosismo de la banda, con las habilidades instrumentales de Keith Emerson en los teclados, Greg Lake en la guitarra y el bajo, y Carl Palmer en la batería. También demuestra la capacidad de la banda para fusionar diferentes géneros musicales, como el rock, el jazz y la música clásica.

Aunque el álbum recibió críticas mixtas en su lanzamiento, sigue siendo popular entre los fanáticos de ELP y de la música progresiva en general. Además, el álbum incluye una versión extendida de "Fanfare for the Common Man", una de las canciones más emblemáticas de la banda, que presenta una orquesta completa y un coro en vivo.

En resumen, el álbum "Works Live" de Emerson, Lake & Palmer es un testimonio impresionante de la habilidad musical de la banda y su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales. Si eres fanático de ELP o del rock progresivo en general, definitivamente deberías darle una oportunidad a este álbum en vivo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ra es una obra maestra progresiva. Los cuatro miembros de Utopía aparecen vocalmente, lo que crea capas de armonías exuberantes.

De hecho, Ra podría presentar el mejor uso de las armonías en cualquier disco de rock. Todos los miembros tienen mucho talento en su instrumento, ninguno más talentoso que Todd Rundgren en la guitarra.

En mi opinión, el trabajo de Todd en este disco es el mejor trabajo de guitarra que he escuchado. Todd y el teclista Roger Powell hacen un dúo en cierto sentido a lo largo de todo el álbum.

Esto le da a las canciones una calidad casi jazzística. Además, Ra es uno de los discos más cinematográficos que existen. Apaga las luces y cierra los ojos cuando escuches. Deja que el álbum te lleve en su viaje.

El álbum tiene una producción de primera clase. El crédito es de Todd Rundgren, que produjo artistas como XTC, Patti Smith, Meat Loaf, The Band y The Psychedelic Furs. Es un gran álbum de auriculares. Todas las canciones son apretadas, pero libres de respirar. Una joya total en los días de rock progresivo. 

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miércoles, 17 de mayo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Si "Destroyer" fue el primer (y exitoso) intento de hacer un álbum "épico" de Kiss, "Rock ´n´roll over" podría verse como una antítesis de su predecesor. Eddie Kramer entra, y con él un enfoque "de vuelta a las raíces" para el sonido de Kiss. ¡Y funciona perfectamente! Muchos consideran a "Destroyer" como uno de los mejores álbumes, si no el mejor, y puedo estar de acuerdo en que es un gran álbum, ¡pero este álbum es definitivamente igual de bueno!


En realidad, este álbum es un poco como "Dressed to kill" - Me encantan todas las canciones, con la posible excepción de "Love ´em and leave ´em", que es un poco más débil que el resto. Pero algunos de mis favoritos de todos los tiempos se pueden encontrar aquí: "Te quiero", "Baby Driver", "Mr Speed" (¡el riff del coro es uno de los mejores jamás escritos!) Y "Makin´ Love". Las otras canciones también son geniales. Uno de los álbumes de Kiss más consistentes y el sonido crudo sin pulir realmente encaja como un guante. 

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AYER VÍ 31

Los sociólogos llaman ‘anomia’ a la situación en que se encuentra una sociedad carente de leyes y en proceso de degradación.

Así es el Nueva York al que regresa de Vietnam Travis Bickle, joven veterano, tocado. Se apunta al turno de noche como taxista, para estar ocupado durante el insomnio crónico.

Está llamado a ser la respuesta visceral a la anomia.

Entre parrafadas de un saxo envolvente (música a cargo del gran Herrmann, muerto nada más terminar), suena en off el lacónico diario de Travis. Patrulla entre lluvia, fumarolas de alcantarillas, semáforos, neones de clubs y locales, luminosos multicolores de Broadway y Times Square. Observa en silencio el trasiego de putas y macarras en las aceras, se mosquea instintivamente con los negros, estudia por el retrovisor a los pasajeros, limpia luego estoicamente del asiento trasero los flujos corporales.


Maneja una elemental decencia de cowboy que va por costumbre a los cines porno con las botas lustradas. No bebe alcohol. Toma muchas pastillas sin determinar. Trata a fría distancia a sus colegas.

Su soledad es absoluta. La ciudad superpoblada la multiplica.

Pretende torpemente a una chica con clase que le retrata como contradictorio. Lo que en realidad ha notado es desequilibrio mental, patente.

La incógnita sobre el alcance de ese desequilibrio, hasta dónde llevará a Travis, cada noche más crispado a bordo del taxi, será el potente motor de la película, que apenas sale de su cabeza, en aturdido e incesante rodar entre Harlem y Manhattan, Brooklyn y el Bronx.

A través de un personaje a quien encarna, un pasajero exaltado, Scorsese en persona atizará el proceso al introducir la idea de las armas en la coctelera que es la cabeza de Travis.

Con la densidad de las imágenes filmadas en el Nueva York nocturno, un selvático microcosmos de asfalto, la dirección de Scorsese logra una perfecta conversión a cine del soberbio guión. 

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martes, 16 de mayo de 2023

1972’s # 1 UK ALBUM

18.3.1972-24.3.1972 


Fácilmente uno de los mejores álbumes de principios de los 70. Tiene un sonido discreto, casero e introspectivo que me encanta, sin embargo, está lleno de toneladas de grandes melodías, algunas canciones increíblemente pegadizas y que se sienten bien a pesar de algunas letras oprimidos (especialmente "Mother & Child Reunion").

Canciones como "Duncan", "Congratulations" y "Run That Body Down" son cosas de absoluta belleza, como caminar por una hermosa calle cubierta de nieve solo y sentirse en paz, tal vez incluso usando un abrigo como el que Paul lleva en la portada. "Día del Armisticio" y "Peace Like A River" deberían ser clásicos, además de los 2 sencillos de éxito que también son fantásticos. "Hobo Blues" es una pieza de relleno corta, pero además de eso, cada canción es de oro, y para un álbum de este tipo dominado principalmente por guitarras acústicas, hay una cantidad bastante sorprendente de variedad para un álbum de "cantante/compositor", ya que ninguna canción suena como ninguna de las otras.

Paul fue realmente uno de los mejores compositores de esta época.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 


La obra maestra conceptual de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" comienza con la suntuosa, pero lúgubre, canción del título con arreglos de metal, una invitación perfecta para este inquietante y glamoroso viaje a través de la noche.

"Devil's Food / The Black Widow" sigue, una magnífica secuencia comisariada por el propio Sr. Campy Horror: Vincent Price, que se ha escuchado que representa las características letales de la araña viuda negra con deleite morboso.

La siguiente parada es el estilo vaudeville "Some Folks", que se convirtió en "Only Women Bleed", una balada de Neil Diamond con letras interesantes que resultó ser uno de los mayores éxitos de Alice.

El segundo lado comienza con los brillantes rockeros "Department of Youth" y "Cold Ethyl", marcando un profundo contraste con el segmento "Years Ago / Steven", con una orquestación épica, cortesía del productor Bob Ezrin y el arreglista A. Macmillan.

A medida que "The Awakening" fluye hacia "Escape", el oyente llega para presenciar el desenlace de esta horrible ópera de rock convertida en un sueño, o viceversa...

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lunes, 15 de mayo de 2023

1969’s # 1 USA ALBUM

23.8.1969-19.9.1969 


No creo que nadie en la historia de la música haya ofrecido dos álbumes en vivo con solo un año de diferencia que fueran esenciales para la colección de discos de nadie. Pero el Hombre de Negro lanzó "Live in Folsom Prison" en 1968 y se dio la vuelta y lanzó "Live in San Quentin" en 1969. ¡Extraordinario! Las canciones "I Walk the Line", "A Boy Named Sue" y una repetición de "Folsom Prison Blues" valen solo el precio de la entrada. Johnny Cash fue un icono único en la música y la cultura estadounidenses, un rebelde rockabilly, una superestrella del country y un hombre perseguido por demonios la mayor parte de su vida. Si solo deseas tener dos álbumes de Cash en tu colección, entonces "Live at Folsom Prison" y "Live at San Quentin" son todo lo que realmente necesitas. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar el extraordinario ingenio de Cash, y su fácil respuesta con los reclusos muy agradecidos solo podría ser obtenida por un hombre que ha estado allí y ha hecho eso.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Grabado durante el verano de 1973 en el Château d'Hérouville en Francia para evitar impuestos considerados demasiado altos en UK.

Uriah Heep, en la cima de su arte, vuelve a entregar un álbum impresionante.

Con composiciones más concisas y más “rock” por regla general, la banda continúa su evolución musical fusionando esta vez el lirismo desarrollado en Demons & Wizards y Magician's Birthday con una cierta idea de un hard rock “inteligente”, digamos.

Todos los ingredientes están reunidos:  Hammond omnipresente, guitarra incisiva, a veces saturada pero siempre perfectamente dominada, rítmica apoyada en una línea de bajo hiper-melodica.

Más que estos 2 predecesores de 1972, este álbum se escucha a gran volumen. Energía a tope.

No es realmente una balada aquí, sino más bien una espléndida pieza acústica “Circo”, guitarra acústica, percusión, voz flexible y relajada de Byron... una delicia sin límites.

El título que cierra el álbum original, “Peri Pilgrim” es un vértice de lirismo psicodélico casi barroco: la quintaesencia del estilo de Uriah Heep empujado a su último atrincheramiento.

Casi íbamos a olvidar que este álbum contiene quizás el mejor título de la banda, a saber, “Stealin”. ¿Y si este álbum fuera simplemente el mejor? 

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