AYER VÍ 46

Spielberg se nos hace mayor. Ya no quiere filmar choques de trenes. Tampoco escenas de acción. No tiene que aprender el oficio rodando películas caseras en casa. No quiere volver a las montañas del Himalaya. O a las playas de Normandía. Eso ya lo ha hecho. 

Ahora, con los 70 años cumplidos hace tiempo, Spielberg nos cuenta su vida mientras hace calceta y bebe té calentito. Tiene todo el derecho del mundo. También se ha ganado el derecho a reflexionar sobre el cine y las propiedades mágicas de la cámara. Sobre sus efectos (la lista en “The Fabelmans” es larga) en nuestra mirada. Sobre el arte y John Ford.

En estas memorias con el mismo tono de fábula de siempre, Spielberg aprovecha para hacer un homenaje a sus padres. De hecho, la película es, más que una autobiografía, un canto de amor a los creadores que se han ido. Una oración fúnebre.

Spielberg tiene todo el derecho del mundo a hacerse mayor. Y nosotros a recordar con nostalgia aquellas películas de juventud, en las que la aventura y la emoción no dejaban tiempo para mirar el reloj. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los años setenta ni siquiera habían terminado cuando los Raincoats definieron el sonido y la actitud del indie rock amateur antes de que hubiera un nombre para él.

Su musicalidad descaradamente no entrenada encaja estrechamente con el espíritu punk, pero su sonido no es punk en absoluto.

Se remonta al rock folk de garaje de los años sesenta y a menudo recuerda al Velvet Underground, especialmente con el violín de Vicky Aspinall y la rudimentaria batería disfuncional de Palmolive, y vale la pena mencionar que la banda coprodujo The Raincoats con el legendario Mayo Thompson y el jefe de Rough Trade, Geoff Travis.

Me encanta la versión surrealista de "Lola" de los Kinks, que aumenta aún más la confusión de género. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Yesterday & Today, que llevan el nombre de un LP de los Beatles, ya habían lanzado dos discos de estudio, que desafortunadamente no tuvieron éxito y no consieron otro contrato discográfico.

La banda era bien conocida, porque abrieron para bandas famosas como Kiss, Journey, Boston e incluso Queen en su gira "A Night at the Opera".

En 1981, la banda finalmente consiguió un nuevo contrato discográfico y decidió cambiar el nombre de la banda a Y & T. El mismo año en que se lanzó su tercer disco de estudio, el primero con el nuevo nombre. El álbum fue un gran paso adelante y fue muy aclamado por la crítica, pero no fue el gran avance que la banda esperaba.

Hasta el día de hoy, "Eartshaker" se menciona a menudo como el apogeo de la banda y es un álbum muy conocido en la escena del hard rock de Los Ángeles. Por ejemplo, Tesla solía llamarse a sí mismo después de este LP en los primeros años de su carrera y también otros músicos como Lars Urlich de Metallica o los chicos de Mötley Crüe mencionan "Y & T" como una gran influencia.

En mi opinión, "Eartshaker" es un gran álbum de hard rock con muchas canciones atemporales que todavía son interpretadas en vivo por la banda californiana.

Mis canciones favoritas son el himno de apertura "Hungry for Rock", el homenaje final de Free Bird "I Believe in You", el pegadizo "Squeeze", "Hurricane" y mi canción favorita es probablemente "Rescue Me" y también las pistas restantes son muy buenas.

La interpretación de la guitarra de los guitarristas Dave Meniketti y Joey Alves es muy buena, especialmente en la canción final "I Believe in You" y algo que quiero señalar. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este grupo imaginativo fue formado en Chicago, Illinois, EE. UU., por George Edwards (guitarra, voz) y David Michaels (teclados, viento de madera, voz). Hicieron su debut en 1967 con una lectura de folk rock de "Anyway That You Want Me", una composición de Chip Taylor revivida con éxito por los Troggs.

Su álbum debut, H.P. Lovecraft, fusionado con material inquietante y folclórico con composiciones gráficas contemporáneas. Contó con interpretaciones conmovedoras de

"Wayfaring Stranger" y "Let's Get Together", pero lo más destacado fue "The White Ship",

H.P. Lovecraft fusionaba el rock psicodélico con influencias folk y progresivas. Aunque no lograron un gran éxito comercial, su música ha ganado seguidores con el tiempo y ha sido considerada una joya del rock psicodélico underground.

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DIRECTISIMO 103

Al parecer, los conciertos de Temptations fueron muy divertidos. Excelente calidad para un álbum en vivo grabado en 1967, justo en el escenario.

En lugar de solo una colección de versiones en vivo de canciones de sus primeros cuatro LP, este álbum te lleva virtualmente a una actuación en vivo de Temptations.

Todas las canciones están entre las mejores hasta este momento de su carrera y se desempeñaron extremadamente bien.

También está su interpretación de "Yesterday", que tiene una particularísima version.

Aunque es posible que no quieras añadir estas pistas individuales a tu selección de escucha, el álbum en su conjunto es una experiencia agradable.

Es tan destartalado como cabría esperar, pero si eres un gran fanático de Temptations como yo y tienes curiosidad por saber cómo sonaban en concierto durante sus primeros años, puede que te diviertas un poco con este.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ace se formó a partir de las cenizas de varias bandas inglesas de los años 60, en gran parte Action and Warm Dust, en 1972. Para cuando salió su álbum debut en 1974, cualquier signo de su pasado se había ido; Five-a-Side estaba sólidamente arraigado en el pop-soul de principios de los 70, basado en el órgano y la voz de Paul Carrack y el bajo de Tex Comer.

El sonido era algo que cientos de otras bandas de pub-rock estaban haciendo, pero a Ace se le ocurrió "How Long", una canción sobre un ex miembro de la banda que se fue después de revelar que había estado tocando con otro grupo. La canción fue malinterpretada como una canción de ruptura, y el excelente gancho (junto con la voz de Carrack), de repente tuvieron un gran éxito en sus manos. Tan importante que es una de las canciones maravillosas de un solo éxito de los años 70. 

Aunque la banda logró sacar dos álbumes más, nunca pudieron duplicar el éxito de "How Long". Parte del problema era que el sencillo de seguimiento, "Rock and Roll Runaway", simplemente estaba bien. "Know How It Feels" terminó siendo un lado bueno. Dale la vuelta a eso y tienes un buen golpe de uno a dos que podría haber hecho que la banda fuera más reconocible, aunque la producción todavía habría sido demasiado suave para que hayan sobrevivido a mediados de los 70.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Incluso las canciones que tenía archioídas sobadas del album como There must be an Angel o Sisters are doing for themselves cobran nueva vida dentro del contexto del lp. Es uno de los discos con mejor producción que haya oído jamás, pero además de una superproducción tiene alma, no es una producción vacía que se come a las canciones como le pasaba a tantos disco sobreproducidos de mediados de los 80, por el contrario realza las canciones aún más si cabe. 

Mientras casi todos los grupos tecnopop a mediados de los 80 dieron giros poco afortunados a su carrera Eurythmichs se descolgaron con su mejor disco junto al Sweet Dreams. Annie Lennox hace una de las mayores exhibiciones vocales que recuerde en disco alguno, se mueve como pez en el agua en todos los registros inimaginables, y a su vez el grupo pasa con una facilidad pasmosa del rock casi garagero (aunque impecablemente producido) de Would I lie to You que envidiarían muchos presuntos grupos rockeros actuales, al gospel, al emocionante soul barroco de I Love you like a ball and a chain, al pop sofisticado de Alright, todo tan pulido como elegante, intenso y emocionante, en fin la perfección hecha pop y sin duda uno de los mejores ejemplos de comercialidad bien entendida. 

Comprendo que a priori el nombre de Eurythmics pueda producir cierto rechazo y hace mucho que perdí la pista a Annie Lennox y Dave Stewart, y ya nada espero de ellos pero de veras que la reescucha de disco ha sido una más que grata sorpresa. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una de las historias más catastróficas de la música popular. Croce, en el verano de

1973 estaba en algún lugar en el camino hacia el estrellato, su estilo era baladista y estaba entre James Taylor y Gordon Lightfoot, con una calidad con los pies en la tierra que probablemente vino de su experiencia directa de la carretera y a pesar de los éxitos y la exposición que nunca perdió. Croce acababa de llegar a la cima cuando perdió la vida en un accidente de avión.

Este álbum completado antes de su muerte, pero lanzado después, es irónicamente su más logrado - lo que habría seguido solo se puede adivinar, ciertamente estaba estirando la idea aceptada de cantantes y compositores de folk, y era popular, en el resplandor tanto de la canción principal y "Time In A Bottle", un canción realmente triste.

1973’s # 1 UK ALBUM

24.3.1973-30.3.1973

Obra Maestra

Al igual que con todos los álbumes que logran este estatus clásico, fue perseguido por el creador durante toda su carrera, la única diferencia fue que Alice realmente captó esto más de una vez. Esta fue su segunda obra maestra, Killer, siendo la primera.

Si no has escuchado este álbum en su totalidad, entonces debes hacerlo. Hay grandes álbumes, pero esto está fácilmente entre los 5 mejores de la historia. Alice Cooper como banda todavía en este momento era tanto Buxton, Bruce, Dunaway como Vincent Furnier (también conocido como Alice Cooper).

La escritura colectiva fue imprescindible para el éxito de este álbum. Alice era la líder y el punto focal, pero esta seguía siendo una banda y una que estaba trabajando juntos creando algunas de las mejores y más influyentes músicas de la historia. Puedo señalar canciones y cantar sus alabanzas, pero tienes que escuchar este álbum y descubrir su grandeza por ti mismo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Desde Big Mama Thornton a Madonna, la más mujer sexualmente agresiva siempre ha tenido una fascinación especial para los fanáticos del pop. Con Exile In Guyville, Liz Phair se convirtió en la última y, con mucho, la adición más asquerosa de la línea. Su misión era poner una uña lacada en la parte posterior del establecimiento "Guyville" del rock alternativo. Ella

El modelo era el exilio en la calle principal de los Rolling Stones y su retrato de un mundo solitario y nihilista. La voz ingenua de Phair, los arreglos despojados y las melodías pegadizas la hicieron sonar como una mujer Jonathan Richman. Sin embargo, fue su mordida letra la que atrajo más la atención, haciendo de Exile In Guyville uno de los álbumes más aclamados por la crítica de 1993. 

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1971’s # 1 USA ALBUM

20.2.1971-26.2.1971 

1.5.1971-14.5.1971 

Andrew Lloyd Webber compuso esta ópera de rock única o álbum conceptual.

Tim Rice escribió la letra, causando controversia en los círculos religiosos al presentar a Jesús como un activista humano por la paz con debilidades, a María de la Magdalena como una prostituta que lo amaba y a Judas como un observador con el que podías simpatizar.

Webber combinó instrumentos de rock con instrumentos clásicos y un sintetizador Moog monófono. Usó compases irregulares como 7/8 (parte de "Heaven on Their Minds") y 5/4 ("Everything's Alright"). Yvonne Elliman como Mary M. y Murray Head como Judas dan maravillosas actuaciones vocales. "I Don't Know How to Love Him" de Mary sigue siendo mi canción favorita.

Se pregunta si es solo otro hombre de carne y hueso.

Durante la crucifixión se pueden escuchar grupos de vanguardia.

Es una toma del evangelio del siglo XX, inspirada en el cambio de moral durante las protestas contra Vietnam y los movimientos de emancipación. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

A finales de la década de los 70 la aparición de artistas como Elvis Costello supusieron una bocanada de aire fresco en el, entonces ya, un poco saturado mundo del rock. Los que por aquellos tiempos ya llevábamos algún tiempo metidos en éste divertimento, andábamos un tanto "desinflados" con las propuestas que nos ofrecía la industria musical. 

La "new wave" y el "punk" dieron un nuevo aliento a esa situación. La primera más en la onda "pop-rock", el segundo más cercano al rock crudo y cruzado con la rebelión social. En esa tesitura la aparición del segundo disco de Elvis Costello, y la primera con The Attractions, "This Years Model", establece las que desde entonces serán las nuevas reglas del juego.

Rock urbano, con melodías pop y estructuras instrumentales que incorporan, además de las consabidas guitarras, bajos y baterías, los teclados, no en plan "moog" o "mellotron", sino como instrumentos que enmarcan un sonido inmediato, rápido, instantáneo, porque así son las historias y textos que los grupos y solistas intentan transmitir a la audiencia. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Colaboración entre Costello y bacharach que en su mayor parte funciona como un sueño

Elvis no es técnicamente el mejor cantante que hay, pero se deleita en los escenarios de estas canciones maduras de amor ilícito, amor que se está muerto y amor nuevo, hasta el punto de que aporta una verdadera profundidad de emoción al material. Seguro que se esfuerza en los registros superiores y puede sonar torpe, pero es adecuado para estas canciones mucho más que cualquiera de los otros colaboradores a lo largo de los años.

Es un álbum para adultos, sin duda, muy orquestado, pero líricamente muy en la mente de las personas que han experimentado profundamente el amor y la pérdida. Todavía no siento que haya llegado a una audiencia tan grande como podría.

Costello es uno de los grandes artistas porque siempre se estira para probar algo ambicioso como esto, puede parecer dilatador a veces, pero creo que su amor general por la música en su conjunto lo impulsa desde componer ballets hasta escribir canciones pop. "pintado de memoria" podría ser uno de sus mayores logros.

Este es un álbum para atesorar. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1999)

Esta película cuenta la historia a través de tres siglos de un precioso violín Stradivarius, desde su 'concepción', en 1861, hasta nuestros días.

La película tiene tres puntos de interés claros.

Por un lado, la narrativa utilizada es muy interesante, mezclando lo mejor de la linealidad temporal y 'rompiendo' esa regla durante toda la película para la primera y la última historia, que son los dos eslabones narrativos.

Esta última, que se desarrolla en nuestros días, está hábilmente estructurada, repitiéndose y completándose cada vez que sabemos algún dato más de la historia del violín. El objetivo no es sino dotar de intriga y tensión a la última parte de la película, algo que se consigue.

El segundo punto de interés está en el diseño de producción. La azarosa aventura del violín le lleva por todo el globo, desde Italia a Austria, pasando por Inglaterra, China y, por último, Canadá, pero con una diferencia de 300 años.

Pues bien, todos estos lugares en cada una de sus épocas están conseguidos estupendamente. Quizás se lleven la palma las escenas que recrean Shanghai, seguidas de cerca por las que se desarrollan en Viena.

Y, por último, como no podía ser de otra manera, la música. El violín es el protagonista, y se hace notar durante toda la partitura. Ganó el Óscar en el  apartado de Banda Sonora.

Pero los logros no acaban aquí, todos los actores están realmente bien. La fotografía es muy atrayente, porque huye de buscar las típicas 'postales' en la recreación de época para mostrar las escenas de una forma completamente realista, con puntos de luz naturales, incluidos la luz de las velas.

La dirección está muy conseguida, y la narrativa es clara y precisa. Destacan algunas secuencias que muestran el paso del tiempo, muy bien resueltas. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Graham Parker nunca tuvo el éxito que se merecía. A diferencia de sus colegas Joe Jackson y Elvis Costello, nunca tuvo un éxito y sus álbumes nunca fueron considerados por los críticos como clásicos. 

Pero escuchando este álbum, Parker ya estaba haciendo en 1976 lo que Costello y Jackson no estaban haciendo hasta alrededor de 1978/1979.

Lo que Graham Parker hizo fue inventivo e innovador, aunque no mucha gente se dio cuenta.

Estaba haciendo new wave rock incluso antes de que llegaran los punks y en un momento en que bandas como Emerson Lake & Palmer, ELO y Jethro Tull todavía se consideraban geniales. Su composición en este álbum puede no ser tan fuerte como en su obra maestra “Squeezing out sparks”, pero la canción de apertura y el "Fool's gold" más cercano son pistas de las que la mayoría de los compositores estarían orgullosos.

“Squeezing out sparks”sigue siendo el punto de partida para cualquier oyente principiante de Graham Parker, pero aquellos que quieran escuchar más deberían echar un vistazo a este álbum. 

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