50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Si los músicos se inspiran en la ubicación, entonces Portland, Oregón, debe ser el hogar de algunos barrios muy oscuros y espeluznantes. En lugar de un centro metropolitano, parece más probable que Tu Fawning haya gravitado juntos desde una remota comunidad de los bosques.

Etiquetar Tu Fawning una banda de folk gótico no estaría muy lejos de la marca, pero, a pesar de que se apoyan en gran medida en la atmósfera y juegan con la oscuridad y la luz, A Monument es más orgánico, más fluido. La forma inteligente en que la banda permite que la música se construya y crezca lentamente desde el más básico de los comienzos es similar a nutrir cuidadosamente una planta desde la plántula hasta la plena floración. Como medio para atraer al oyente en el dispositivo funciona bien, pero A Monument perdería rápidamente su ímpetu si fuera todo lo que Tu Fawning tenía para ofrecer. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

¿Qué tan genial puede ser un hombre? Piensa en J.J. Cale, ¡y tiene la respuesta.

No solo influyó en el "lento" Eric Clapton de los años 70, el gran Mark Knopfler y millones de otros músicos de todo el mundo, sino que también logró mantener su vida privada privada y permanecer casi desconocido como rostro público.

Esta fabulosa compilación contiene 50  Pistas de su carrera entre 1970 y 1994, y solo hay un puñado de ellas, que definitivamente no son mi agrado.

No me cansaré de la música totalmente relajada de Cale, que está claramente influenciada por el Blues, pero seguramente no es solo Blues.

De hecho, está jugando en su  propia liga y es bastante difícil de describir. En cualquier caso, nunca me cansaré de escuchar esta música. Calma mis insomnios como una mezcla perfecta de valeriana. 

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DIRECTISIMO 116

Barón al rojo vivo es el álbum insignia en directo de la mítica formación madrileña. Fue grabado en plena gira de Metalmorfosis en el año 1984, en concreto en sus dos conciertos consecutivos del mítico Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, y contó con la que fue la formación clásica de la banda, Armando De Castro a las guitarras solistas, Carlos De Castro a las voces y guitarras, Sherpa al bajo y voces, y Hermes Calabria a la batería.

Todo un símbolo de una generación del Rock en Castellano, en la cual  yo todavía era demasiado joven, aunque siempre supe apreciar el talento de esta gente y mostrando desde siempre todo mi respeto.

El disco presenta un muy buen sonido, contando con la producción, nada más y nada menos, del mítico Chris Tsangarides, aunque quizás los cortes entre tema y tema, le quitan algo del dinamismo y la vitalidad que deben ir implícitos a cualquier disco en directo.

Inicio pletórico con su gran "Barón Rojo" y buen repaso a su corta discografía hasta el momento, a lo que unieron el estreno de cinco nuevos temas, un instrumental, "Buenos Aires", y cuatro temas con voz, "Mensajeros De La Destrucción", "El Mundo Puede Ser Diferente", única canción en la historia de la banda con la firma de Hermes, "Atacó El Hombre Blanco" y el fantástico "Campo de Concentración", con el sello de Sherpa tanto en melodías como letra. Además, por si fuera poco, brindan homenaje a Led Zeppelin con una adaptación de su imperecedero "Whole Lotta Love".

Barón Rojo es sin duda la formación bandera del Heavy Metal en Castellano, y aquí en Barón al rojo vivo legaron de por vida, para todos sus fans, la magia del Rock en vivo y en directo. Casi  40 años  contemplan ya a los míticos Barón, que por siempre volarán tan alto como en aquellos dorados años 80'. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

En Feels de Animal Collective, el equipo coral avant-pop incluyó más estructura en sus rondas vocales psicodélicas y gritos posteriores a Pet Sounds.

Cuando los miembros clave del grupo, Avey Tare y Panda Bear, grabaron juntos por primera vez en 2000, en el álbum Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished, la música era ambiental, desconectada, resonaba y de sobra; curiosamente, a medida que ganaban miembros e impulso, y se trasladaban a diferentes partes del Mundo (uno se fue a Portugal, los otros se quedaron en Nueva York y Baltimore, su música se hizo más cohesiva.

Desde entonces, la banda ha descrito a Feels como su "Love Record”, pero que conserva un sonido ligeramente deformado, que vino de afinar sus instrumentos a bucles del piano desajustado de un amigo.

"Grass", el primer sencillo gorgoteante, percusivo y chillón del álbum, dura exactamente tres minutos, ofreciendo un gran ejemplo de cómo a medida que Animal Collective se desarrollaba, lograron empujar firmas fuera de lugar y ganchos experimentales pegadizos en estructuras más pequeñas y dinámicas.

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LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 11

No es necesariamente malo ser conocido como One Hit Wonder.

? Y los Mysterians encabezaron las listas en 1966 con el ahora clásico "96 Tears". La canción cuenta con un riff de órgano inolvidable y una voz principal distintiva del cantante principal del grupo, Rudy Martínez, que lleva gafas de sol. Una vez que escuchas la canción, es difícil sacarla de la cabeza. La producción de repuesto y el estilo único de la melodía la han convertido en una de las favoritas desde hace mucho tiempo de muchos rockeros, especialmente de bandas de punk como The Ramones, The Cramps y X, que la consideran algo así como un himno proto-punk. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Repetidas escuchas y la comparación con la música de lo que va de década (que creo que es de las más desastrosas de la historia del pop-rock) me hacen elevarlo a la categoría suprema. Un disco impresionante de una altura lírica y musical que anonada y de una atemporalidad que sólo los muy grandes consiguen.

Solo cabe seguir preguntándose por qué un coloso compositivo y una de las tres mejores intérpretes de la historia siguen siendo figuras cuasi minoritarias.

Destacan Streets of Paradise (con su letra punzante), Nights Comes In (curso magistral de como tocar la guitarra) y Dimming of the Day (una de las canciones mejor cantadas de las que conozco), pero el resto es igualmente excepcional. 

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1974’ # 1 UK ALBUM

22.12.1973-4.1.1974 

El disco de rock total que se inventó el pianista británico con su séptimo album mantiene intacta su aura y su poder devastador. Así se hacían las cosas en los gloriosos 70, con materiales de una calidad a prueba de bomba e inmunes al paso del tiempo. Se le daba valor al poder del sonido y se cuidaban los detalles, la producción, el envoltorio, en fin todo lo que hace que un álbum pueda aspirar a ser una pieza memorable.

Este "Goodbye Yellow Brick Road" es un doble de esos que están más que justificados. Un grupo selecto de obras que dan buen uso a su extenso minutaje. Como no podía ser de otra forma Mr. John se desmelena aquí como nunca y da rienda suelta a su eclecticismo de manera casi obscena. El disco empieza con una pieza de rock sinfónico más que sospechosa. En medio lo intenta también con el reggae. Dos de las extravagancias más curiosas del disco. Los dos momentos que menos me gustan, también. Y eso que el de Londres clava los palos como si hubiera estado toda su vida componiendo en dichos estilos. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Me gusta mucho el primer álbum de Fruupp, Future Legends.

El álbum tiene un fantástico sonido progresivo sinfónico desde la primera canción hasta la última nota aquí. Pero como dijo alguien , este álbum podría incluir demasiadas voces. En realidad, ese es el único defecto que encontré en este álbum, por lo demás bastante buenísimo .

Algunos de los aspectos más destacados incluyen "Decisión" y "Canción para un pensamiento", por ejemplo, pero el resto del material también es sólido como el infierno. Si no quieres echar un vistazo a todo el álbum, al menos escucha esas dos canciones brillantes. Estoy bastante seguro de que si te gusta el programa sinfónico, disfrutarás de este álbum.

El álbum es un álbum de rock prog casi perfecto de este grupo de Irlanda del Norte

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1972’s # 1 USA ALBUM

25.3.1972-28.4.1972 

Un disco que define la música rock de principios de los 70, o al menos el rock suave de esa época. Fue un período un poco de transición; acababa de salir de los años 60 y lo que parecía un Summer of Love sin fin, las bandas todavía se aferraban a algunos de los estilos musicales hippies y temas líricos, mientras que el rock y el metal "duro" aún no se habían hecho cargo. Este estilo suave y ventoso de la música rock es más notable aquí en canciones como "Children" y "Never Found the Time", donde Estados Unidos se apoya en sus influencias de Crosby, Stills y Nash y hace todo lo posible en sus armonías vocales. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

"Children of Sanchez" es un álbum doble del trompetista y compositor Chuck Mangione, lanzado en 1978. La música del álbum es una mezcla de jazz, música latina y temas cinematográficos. Está inspirado en la banda sonora que Mangione creó para la película del mismo nombre, basada en la novela de Oscar Lewis.

La obra presenta una amplia variedad de estilos, desde piezas energéticas hasta baladas melódicas. La inclusión de una variedad de instrumentos, como trompetas, flautas, percusiones y cuerdas, contribuye a la riqueza sonora del álbum. "Children of Sanchez" fue bien recibido y se convirtió en uno de los trabajos más conocidos de Chuck Mangione.

Una curiosidad interesante sobre "Children of Sanchez" es que Chuck Mangione compuso la banda sonora para la película del mismo nombre, dirigida por Hall Bartlett. La película está basada en la novela de Oscar Lewis y cuenta la historia de una familia mexicana. La colaboración entre Mangione y Bartlett permitió que la música del álbum complementara eficazmente la narrativa cinematográfica, creando una experiencia única tanto en la pantalla como en la grabación musical.

Además, el álbum incluye la participación del famoso baterista Steve Gadd y del saxofonista Gerry Niewood, quienes contribuyen significativamente al sonido distintivo de "Children of Sanchez". Este proyecto consolidó aún más la posición de Chuck Mangione en el panorama musical de la época.

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1988)

Conozco bien la banda sonora realizada por Dave Grusin y buena parte de su obra. 

Este compositor posee un estilo que combina la sobriedad con el virtuosismo, la melodía lograda con la sofisticación armónica del jazz moderno. Yo creo que nunca ha contado con el favor del gran público ("gran" de numeroso) porque apreciar su trabajo exige cierta educación musical que no abunda o, en su defecto, una sensibilidad atenta (que tampoco abunda).

Nótese que no hablo de gustos sino de mera apreciación ya que considero que, aunque no te guste su obra, lo mínimo que merece un músico semejante es que se aprecie su calidad.

Para aquellos libres de prejuicios adolescentoides y etiquetas estériles (como "suena muy ochentero"). 

Para aquellos que no necesitan que la letra de las canciones les diga lo que tienen que pensar.

Para aquellos que aman la música y no la imagen que la música proyecta de ellos ante sus amigotes 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Soy un gran fan de Wilco, así que son la razón de mi interés en la serie Mermaid Avenue. He intentado que me guste Billy Bragg, pero su trabajo en solitario no es para mí. Sin embargo, estoy muy impresionado con su trabajo en este volumen de Mermaid Avenue. Way Over Yonder in the Minor Key es una canción increíblemente conmovedora y anhelante (hecha aún mejor con los coros de mi amada Natalie Merchant). Natalie también canta Birds and Ships y Billy también escribió una hermosa música para eso.

También me encanta su escritura para Ingrid Bergman, que convierte una letra de Woody sobre su enamoramiento por una actriz famosa en algo lleno de maravillas dolorosas; I Guess I Planted y She Came Along to Me tienen más letras de estilo de comentarios sociales (ambas siguen siendo relevantes hoy en día: la primera es sobre las uniones, la segunda una maravillosa pieza de feminismo) y ambas obtienen grandes arreglos de rock completos con melodías muy fuertes de Billy. 

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ROCK&ARTE 8

Una foto descolorida, tomada accidentalmente y desenfocada, que muestra a un bajista negro oscurecido destrozando su Fender Precision contra el suelo durante una frustrante gira por Estados Unidos. De ahí salió una de las portadas más icónicas de la historia del punk: la de London Calling, el histórico disco de los Clash.

Pennie Smith, la fotógrafa que tomó esa foto, se encontró dando decenas de entrevistas y contando la historia de esa toma, pero, como siempre ha reiterado, ella ni siquiera quería tomar esa foto "el dedo se fue solo" y salió una toma que, si fuera por ella, habría sido incluso descartada. En cambio, Joe Strummer insistió, discutió y finalmente convenció a todos, incluso a Pennie Smith, porque esa foto representaba muy bien el espíritu de la banda y su ira.

Las portadas de los discos punk no se planifican en una reunión de empresa, toman forma siguiendo el instinto y así fue aquella vez también, pero con el pequeño detalle de que aquella foto, entonces, hizo la historia del punk, y más en general de toda una generación que estuvo marcada por el activismo político, el deseo de libertad y el cambio. Para eso están los símbolos, para encarnar en una sola imagen a miles de personas y sus pasiones, sus sentimientos. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Hay algo de música que te hace sentir seguro y protegido, por lo tanto, Time Off, una agrupación suelta y perezosa y sin esfuerzo de canciones de Steve Gunn [la mitad de Gunn-Truscinski Duo, y de nuevo miembro de Kurt Vile's Violators] que no devastará tu alma, sino que te provocará por un camino inesperado con una suave brisa a tu espalda.

La música de Gunn es más que cómoda aquí, es casi despreocupada , atrae imágenes del legendario J.J. Cale.

Gunn, a quien le gusta J.J. Cale, está a punto de ofrecer canciones expresivas con una selección ágil y acentos refrainados que dependen en gran medida de patrones que suenan improvisados y fuera del puño, mientras que presenta un ritmo suave que es tan ponible como una camisa vaquera con botones a presión descolorida.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCO

Un cultivador lento, tal vez como todos sus álbumes. ¡Tanta alma en este hombre! Creo que prefiero "Haw" y "Poor Moon" a este, pero a pesar de todo hay muchas canciones geniales en este álbum.

Mi única preocupación es que la versión del álbum de "Lateness of Dancers" no me parece tan intensa como, por ejemplo, las versiones en vivo de la canción. A veces prefiero MC Taylor con solo una guitarra y nada más, pero en otros casos la instrumentación añadida es maravillosa.

En cualquier caso, me siento muy afortunado de haber oído hablar de este artista hace unos dos años. Hay algo espiritual, o tal vez mágico, en la forma en que canta sobre una vida humilde de dificultades y alegría. 

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