En 1960, Jimmy Smith ya había grabado 19 álbumes fenomenales para Blue Note. Ese mismo año grabó cuatro más, dos de ellos (Midnight Special y Back At The Chicken Shack) de la misma sesión en el estudio de grabación de Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Producido por Alfred Lion, este último sentó el precedente para cada disco dirigido por órgano Hammond, ya que con su ritmo instantáneamente contagioso y valiente con las líneas de bajo para caminar y los solos de la mano derecha de Smith. (También se debe mencionar la llamativa portada de Francis Wolff: "Tomemos algunas fotos con "grasa", dijo Smith, de ahí la foto de él en la granja de un amigo, con un atuendo desagradable, con el perro Elsie y un gallo).

Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
viernes, 30 de septiembre de 2022
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Them in Reality fue el primer álbum de estudio que esta banda hizo en la década de 1970. Musicalmente continúa su estilo orientado al rock psicodélico y también incluye elementos de hard rock, blues rock y garage rock crudo. En mi opinión, este disco es mejor que su anterior álbum S/T. Ese álbum incluía algunos elementos de country rock que no me gustan, pero por suerte se han ido en este álbum. A cambio, han añadido algunas influencias de funk rock a su sonido en este álbum.
Creo que Them in Reality es un esfuerzo bastante equilibrado. Todas las canciones son bastante agradables aquí y no hay momentos claros destacados.
jueves, 29 de septiembre de 2022
DIRECTISIMO 55
The Last Roundup fue el tercer álbum en vivo planeado para ser lanzado por la banda de rock country Poco después de Deliverin' de 1970 y Poco Live en '74.
Se grabó en vivo en julio de 1977 en el Auditorio Cívico de Santa Mónica en California durante la gira de verano de la India.
Los planes para liberarlo se suspendieron cuando Tim Schmit anunció que se iba para unirse a The Eagles para reemplazar al exmiembro de Poco Randy Meisner. Finalmente se publicó en noviembre de 2004.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Una joya olvidada de la escena glam rock de principios de los 70. Jobriath a menudo demostró ser como un imitador de (era Aladino Sane) David Bowie, debido a sus estilos vocales poco convencionales y su apariencia andrógina.
Dejando a un lado las similitudes superficiales, encuentro que Jobriath es un talento único cuya música es a la vez más teatral y más blues que la producción de Bowie a principios de los 70.
Más aún que Bowie, esta música también es descaradamente melodramática (en el buen sentido).
En su día, este era un álbum increíblemente valiente y todavía se mantiene en retrospectiva como una maravillosa colección de canciones que se mantiene junto a artistas más icónicos y conocidos como Bowie y Elton John.
miércoles, 28 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Nunca fui un gran defensor de Joe Walsh en su día. Parece que su entrega vocal solía molestarme. En realidad, nunca me importó el "Rocky Mountain Way" que se tocó con demasiada frecuencia. Bueno, esa canción no está aquí y tal vez debería haber explorado un poco más a fondo.
La primera mitad de los temas del álbum prometen, mostrando una espléndida ejecución por parte de Walsh y su banda. Pero el segundo lado es donde se encuentra el material más fuerte. "Turn to Stone" por supuesto es excelente y las guitarras suaves de "Help Me Thru the Night" se unen muy bien en la extendida "Country Fair".
Con el tiempo me doy cuenta de que me he enamorado del estilo de guitarra de Walsh. Su capacidad para unir pasajes a menudo resulta en un tapiz sutil que mantiene las cosas interesantes.
CLÁSICOS DEL ROCK 115
Screamadelica" que, a 31 años de su edición, se conserva lozano, potente e intacto en su capacidad narcotizante. Ante tan pasmosa evidencia, se antojan ya superfluos los debates sobre el peso del productor Andy Weatherall en la autoría del disco, o sobre las contradicciones de un Bobby Gillespie que decreta la muerte de la concepción melódica del rock y, entre pelotazo y pelotazo dance, se refugia en baladas tan inequívocamente stonianas como "Damaged". Afortunadamente para todos, la lucidez del efímero percusionista de The Jesus & Mary Chain está en sus composiciones mucho antes que en sus frases lapidarias, que determinada prensa y no pocos aficionados reciben como el maná de la revelación.
La década de 1980 no fue una buena década para muchos cantantes y bandas que se habían hecho sus nombres en los años 60 o 70. No creo que las técnicas de producción que prevalecían en ese momento ayudaran, pero algunos, Neil Young, se esforzaron demasiado por seguir siendo relevantes, algunos tuvieron problemas y otros desaparecieron. Y algunos tomaron la decisión, o se les impuso esa decisión, de tratar de vender discos y ganar algo de dinero. Y eso se aplica a John Martyn.
Un álbum interesante que parece prometer más de lo que ofrece. Personalmente, no creo que se mida con City to City: Night Owl y The Way You Do It on side one son repetitivos y no tan perspicaces líricamente, mientras que gran parte del lado dos no está inspirado. Sin embargo, el primer lanzamiento es genial, mientras que Why Won't You Talk to Me and Get It Right Next Time se clasifica con el mejor trabajo de Rafferty.
Esto no es en absoluto lo que esperaba de Judas Priest basado en los otros dos álbumes que escuché: el épico Sad Wings of Destiny con temática de fantasía y el high-fly thrash metal de Painkiller. Pero eso no es un problema en absoluto. Este me gusta mucho. Realmente tiene un sonido arenoso, duro y callejero similar al primer (y, en mi opinión, el mejor) álbum de Iron Maiden. Esto no es tan bueno como el indiscutible clásico Painkiller - hay un par de números aquí como "United" (que es un poco cursi) y "Grinder" (que suena sospechosamente como uno de los dos grandes éxitos de este álbum), pero eso no es un problema demasiado grande.
Una joya del pop. Es curioso que sea más conocida Kate Bush por su aportación al tema de Peter Gabriel "Don`t Give Up", que por excelentes trabajos como este. La cara A es brutal, todos los temas son exquisitos. En cuanto a la cara B del vinilo llamada "The Ninth Wave", la británica apuesta por composiciones más progresivas, dejando una impronta al escucharlo de auténtica excelencia. De lo mejorcito de los ochenta.
El conflicto está servido. "Let England Shake" es un título que se las trae. La Gran Guerra con sus montañas de muertos y el dolor sangrante vertebran un disco que enseña su título en portada y letras grandes. "Que tiemble Inglaterra" parece un recordatorio de un pasado doloroso y también es una advertencia de lo que nos vamos a encontrar dentro. Y es que PJ Harvey no se anda con chiquitas y nos sorprende con su actitud más crítica. Dispuesta a no dejar títere con cabeza carga contra su querida Inglaterra. Contra su colonialismo y su sed de sangre. Y a la vez está cargando contra la avaricia, la desidia, la falta de humanidad y la injusticia mundial. Y eso es lo que en realidad ha hecho siempre aunque antes era a través de sus heridas profundas. Pero aquí la cantautora se muestra más humana y más sincera. La madurez le sienta bien, no hay duda. La veo más certera en sus ataques y por eso el disco duele tanto.
martes, 27 de septiembre de 2022
1969’s # 1 UK ALBUM
El álbum anterior de Elvis (The NBC-TV Special) le hizo darse cuenta de que todavía tenía una gran demanda y que todavía tenía el carisma para entusiasmar completamente a la audiencia.
Después de una diversión a través de la música cinematográfica que podemos olvidar colectivamente (incluidas las propias películas), Elvis vuelve a sus raíces: Memphis. Mientras tanto, había cogido el microbio del soul y tenía algunas canciones por ahí que quería grabar.
Se convirtió en su álbum más animado desde su debut. Es principalmente la música soul la que domina el álbum, pero todavía hay viajes al country, el blues y el rock and roll. Todo va muy bien para él y su voz, aunque un poco más profunda que al principio, sigue siendo cálida y emocional.
Elvis renació
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Este fue el octavo álbum de estudio de Harvey y, a casi dos décadas de la dinámica magullada de su brillante debut Dry, fue asombrosamente inesperado. La energía extraída del deseo sexual y la lucha por creer que el amor era optimista habían definido la mayoría de sus obras anteriores, ya sea alegremente accesible en Stories from the City, Stories from the Sea de 2000 o fríamente, terriblemente divertida en White Chalk de 2007. Y de una manera que continuó en Let England Shake, excepto que el receptor no era un mero hombre, sino su tierra natal.
lunes, 26 de septiembre de 2022
1965’s # 1 USA ALBUM
Lo que me pasa con Help! es que en realidad es un disco que me había pasado desapercibido. Fue de los primeros discos Beatles que escuché y yo me clavé más en el Sargento y en Magical Mistery Tour desde el inicio. Este disco me parecía más de ese despreciable pop que hace muchos años no me gustaba escuchar. Por lo que el hecho de que Ticket to Ride y Yesterday me gustaran medio me conflictuaba. Como sea, es un disco al que le ha tomado severos años (digamos unos diez) poder entrar en mis gustos.
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Aunque el grupo es legendario, siempre parece que los Pretenders nunca obtienen el respeto que merecen musicalmente. Claro, podrías comprar el álbum "The Singles" y estar bastante bien, pero te estarías haciendo el mayor favor comprando al menos los tres primeros álbumes del grupo. Aunque los Pretenders estaban en un sello importante, la actitud encontrada en este primer álbum es inusualmente grande, y eso se debe, por supuesto, a la voz de Chrissie Hynde. Siempre parecía "inclinar" en lugar de "cansar", y eso funciona muy bien con la música. La primera pista del álbum, "Precious", es una buena señal de las cosas por venir.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Kate Bush tenía 27 años cuando se lanzó Hounds of Love, pero para gran parte del álbum no suena tan sabia más allá de sus años, sino simplemente atemporal. El quinto álbum del cantautor es un repositorio de sabiduría profundamente sentida y expresión artística extendida, aliado a la innovación técnica y a un sentido muy británico de la música pop como el más placenteso de los experimentos creativos. El disco, que normalmente parecía estar completamente formado justo en el momento en que los críticos y los fanáticos se preguntaban qué había sido de Bush, compartió el centro de atención a finales de 1985 con Like a Virgin de Madonna, y más de un cuarto de siglo ha eclipsado totalmente a ese rival.
En la apertura "Running Up That Hill", que establece el marco de percusión prominente, melodías llamativas y un uso extensivo del entonces nuevo sintetizador Fairlight, Bush canta que: "Si tan solo pudiera, haría un trato con Dios", pero el álbum surgió de su necesidad de control. Bush, con la ayuda de Dave Gilmour de Pink Floyd, había firmado con EMI a mediados de la década de 1970 mientras seguía asistiendo a una escuela católica de niñas en Londres. Le dieron tiempo para completar sus estudios y madurar artísticamente. Pero poco después de que "Wuthering Heights" y su álbum debut, The Kick Inside, la anunciaran en 1978, estaba afirmando su independencia.
domingo, 25 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 72
The Lonely Surfer" no era música de surf en el sentido clásico: no había guitarras eléctricas al estilo de Chuck Berry, saxos de bocina ni rollos de batería crujientes a la vista. En cambio, era algo así como un tema de banda sonora apropiado para un documental de surf, las líneas de bajo bajo y reverberación que establecen el estado de ánimo para las tomas de las ondas de construcción y caídas, realzado por cuerdas altas y vientos de influencia latina con un barrido épico. Su éxito allanó el camino para un álbum del mismo nombre, con notas de Phil Spector.
Soy un poco un novato clásico del rap, así que tuve que revisar esto para empezar. Después de escuchar, incluso puedo decir que este disco es esencial y destaca en la historia del hip hop. Este proyecto tiene una producción única, arenosa, contundente y reducida acompañada de letras agresivas y violentas. Estos elementos definen esencialmente los géneros hardcore de hip hop que estaban aumentando lentamente durante este período de tiempo, a diferencia de los sonidos de funk de los 80 y más géneros en la música rap.
Sammi Smith (5 de agosto de 1943 - 12 de febrero de 2005) fue una cantante y compositora de música country muy aclamada con una voz claramente expresiva y husky que se hizo famosa a principios de la década de 1970. Nacida como Jewel Faye Smith en el condado de Orange, California, pasó su infancia en Oklahoma y otros estados del suroeste y comenzó a cantar profesionalmente a los 11 años en clubes nocturnos. Es más conocida por su éxito de crossover country-pop de 1971, "Help Me Make It Through The Night", una canción que abrió nuevos caminos en la música country con sus letras sexualmente sugerentes. Poco después, Smith se convirtió en una de las pocas mujeres que se convirtió en parte del movimiento Outlaw country de la década de 1970.
El cuarto y en gran parte desconocido LP de Chairmen of the Board ... "Skin I'm In" de 1974 es uno de esos álbumes que era oscuro cuando se lanzó y hoy es todo menos desconocido. Esto no es más que especulación por mi parte, pero un par de factores parecen haber conspirado para relegarlo a la oscuridad. En 1974, el sello Invictus estaba casi muerto, lo que significaba que el álbum fue lanzado con el mínimo soporte del sello. Además del problema, insatisfecho con los resultados, el cantante principal General Johnson esencialmente se alejó del álbum, negándose a apoyarlo de cualquier forma o forma.
Supongo que obtuve lo que me merecía por pensar que un álbum de Mötley Crüe no sería totalmente horrible. La pista principal fue mi primera señal de advertencia, ya que se supone que es una de las mejores pistas aquí. No fue terrible, pero ciertamente no lo disfruté. Y resulta que estuve de acuerdo con el consenso, porque esa fue fácilmente la canción que más disfruté aquí. En medio del álbum llegamos al mal "Dios bendiga a los hijos de la bestia" y a la abominación que es "Helter Skelter".
"Adventures" es básicamente un conjunto experimental ambiental, excepto el tema que abre de cada uno de los CD ("Little Fluffy Clouds" y "Perpetual Dawn"). Mientras que la primera es, con mucho, la canción de baile más convencional de todo el álbum, la otra es un toque temprano en dub techno. El resto de la grabación son estados de ánimo prolongados, casi sin ritmo, con la moda después de los interludios de Brian Eno y Pink Floyd (la portada estadounidense de "Adventures" hace referencia directamente a "Animals" de Floyd).
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Inspirado en pioneros del rock pesado como Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple y Cream, el naciente sacerdote grabó su debut, Rocka Rolla, en 1974. Pero fue dos años después, con Sad Wings Of Destiny, que la banda encontró su sonido característico. En la década de 1980, Priest se convirtió en una de las bandas de metal más grandes del mundo, con álbumes de éxito como British Steel y Screaming For Vengeance.
En los años 90 hubo días más oscuros: primero, cuando se presentó una demanda contra la banda tras la muerte de dos jóvenes fanáticos de Nevada en un pacto suicida supuestamente inspirado en la música de Priest; luego, cuando Halford renunció para formar una nueva banda, Fight, y fue reemplazado por el cantante nacido en Ohio Tim 'Ripper' Owens.
sábado, 24 de septiembre de 2022
MIRANDO LAS ESTRELLAS 9. LED ZEPPELIN
La banda formada por el vocalista Robert Plant, el guitarrista Jimmy Page, el bajista/teclista John Paul Jones y el batería John Bonham se creó en Londres en 1968.
Hay bastante unanimidad en considerar a los cuatro miembros de Led Zeppelin entre los mejores de su especialidad. Y ahí se encuentra también John Bonham como uno de los mejores bateristas. Un instrumento que suele quedar en segundo plano, ante la mayor presencia del vocalista y las guitarras.
Pero es justo decir que la gloria del grupo también se debe a este músico genial, estrella que nos dejó hace 42 años.
Nació un 31 de mayo de 1948, en pocos años revolucionó la concepción del instrumento y su influencia fue central para las generaciones musicales posteriores. Murió trágicamente, tras haber consumido enormes cantidades de alcohol, el 25 de septiembre de 1980, a los 32 años. Y este fue el punto y final para la legendaria banda
Con influencias del blues y el folk, dieron un vuelco al rock y sus diferentes estilos derivados, como hard rock, hard rock blues, heavy rock, heavy metal. No habría que olvidar su influencia en el punk.
Atlantic Records firmó un contrato dándoles libertad artística. Grabaron ocho álbumes de estudio en una década. Su debut en 1969, aunque tuvo una crítica muy negativa de la revista Rolling Stones, fue un éxito de público entrando en el top 10 de varios países. Su cuarto álbum sin título, conocido comúnmente como Led Zeppelin IV (1971), fue uno de los discos más vendidos de la historia, con 37 millones de copias. Su álbum “Stairway to Heaven” es una de las obras más populares e influyentes de la historia del rock.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA
Lamentablemente, a veces se necesita la muerte de un artista para que uno se profundice en su catálogo posterior. Como muchos, solo estaba familiarizado con la maravillosamente maravillosa pero exagerada "Baker Street". Su álbum principal "City To City" se siente un poco forzado y inconexo para estos oídos, mientras que este seguimiento en gran parte olvidado no se esfuerza en absoluto y se entrega sin renunciar nunca. Posiblemente en detrimento de aquellos que dieron la bienvenida al menudo extraño y desconcertante safari de estilo técnico en su predecesor, las diez pistas de "Night Owl" están cortadas de la misma tela, lo que hace que este álbum sea algo más fácil de digerir de una sola vez. Los tonos pastel y granates del arte de la portada sirven adecuadamente al contenido: la naturaleza reflexiva y optimista e introspectiva de sus canciones que proviene de una superestrella global demasiado de repente famosa que no quería ni sabía cómo jugar al juego de la fama y cuya única reacción posible fue refugiarse en si mismo, cada vez más llena de alcohol, escribiendo algunas más de esas canciones tan maravillosamente bien hechas.
viernes, 23 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Aunque finalmente puedo entrar un poco en el resto de las pistas, les falta el bocado de "Little Fluffy Clouds". Mientras escribo estas palabras, estoy tratando de convencerme de que este álbum llegue a una puntuación alta porque sin duda es un punto de referencia, un hito, etc...
Recomiendo encarecidamente este álbum a los oyentes que ya están en el carro de Orb, pero encuentro que muchos de los álbumes posteriores de Orb son más estimulantes, profundos y gratificantes.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Autoproducido, "Piece By Piece" de 1986 encontró a John Martyn abrazando y reforzando sus sofisticados movimientos de jazz-pop. Llenas de movimientos de producción de los 80, estas nueve canciones estaban muy envueltas en sintetizadores y otros toques de producción de la época.
A Martyn se le acreditaron sintetizadores de guitarra, Foster Paterson inundó las pistas con lavados de sintetizador y Danny Cumming agregó extensas líneas de percusión y batería de sintetizador. Para ser justos, no podrías culpar a Martyn por querer sonar relevante y seguir los gustos populares.
jueves, 22 de septiembre de 2022
DIRECTISIMO 54
Me lo pasé bomba, con Jagger quitándole la falda a Tina Turner, con el gallo de LeBon, con Daltrey y Townsend dando locos brincos por ahí, o con Bowie bordando "Heroes" y luciendo unos dientes más amarillos que nunca. Y con Queen, claro, que siempre serán recordados por su actuación ese día. A pesar de los cortes de DVD -lástima-, suelo ponérmelo muy a menudo.
Cuesta de creer, años vista, que mi afición a Paul Weller la generara Style Council y no The Jam, pero viendo su esforzado show lo comprendo.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
La música de los años noventa se puede caracterizar por la búsqueda de algo nuevo. Muchos artistas, incluido el Nirvana, estaban tratando de crear algo nuevo.
La mayor parte de la música de esta década es difícil de definir, porque es música muy mixta. El ordenador creó una nueva forma de hacer música, y la nueva tecnología fue explorada y utilizada en gran medida.
Las nuevas posibilidades crearon una creciente escena rave de la que Primal Scream formaba parte. Crearon un nuevo sonido original fusionando música de baile de ritmo rápido con el rock y el soul más tradicionales en un álbum extático y edificante.
miércoles, 21 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Motley Crue era una banda atrapada entre el diablo y la purpurina con el pelo escardado. O en otras palabras, nunca supieron si querían ser los rockeros glam comercialmente repugnantes al estilo Kiss, o ser rockeros satánicos de mierda como Black Sabbath, ya sabes, la adoración del diablo y todo eso... Parecían fusionar a los dos, no estoy exactamente seguro de si esto fue un éxito, comercialmente sí, tal vez, cambiaron muchos álbumes, pero musicalmente tengo la impresión de que se retuvieron y jugaron con la idea de simplemente convertirse en un grupo de rock de estadio convencional y más tarde entre las imágenes satánicas y toda su parafernalia.
CLÁSICOS DEL ROCK 114
Tal como Fleetwood Mac, Free y otros grupos que comenzaron haciendo blues rock a fines de los 60’s y pronto cambiaron hacia otras territorios, el debut de Jethro Tull es un aceptable aunque nada espectacular álbum con notorias influencias jazz y en el que la guitarra del futuro Bloodwyn Pig Mick Abrahams es lógicamente el instrumento conductor, aunque la flauta de Ian Anderson marca presencia y aporta ese toque distintivo que lo diferencia de otras bandas en la misma corriente.
Los covers instrumentales de “Serenade To A Cuckoo” y “Cat’s Squirel” están hechos para el lucimiento de ambos músicos, aunque ninguno sea lo mejor del álbum.
En Spin Doctors no veo por qué estos chicos son tan criticados. Tienen buenas canciones de rock con pequeñas dosis de funk y un gran groove, especialmente el estilo del bajista es genial. Todo funciona bien, y la guitarra y la voz encajan bien con la música que tocan. Básicamente no hay nada de qué quejarse,Eso no es cosa de Spin Doctors.
Probablemente el hecho de que no caigan exactamente bajo este o este otro estilo no ayuda a los oyentes de mente menos abierta a "adoptarlos".
No tuve la oportunidad de escuchar otros discos de ellos. Supongo que debería intentarlo.
The Supremes son probablemente mi grupo de chicas favorito de este período de música, y uno de mis grupos favoritos de Motown. "You Can't Hurry Love" es una canción deliciosa (obviamente no en este álbum, pero merece mención de todos modos). La primera mitad del álbum es increíble, resaltada por la canción principal y "When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes", que es un título que podría ser mucho más corto. La segunda mitad se queda sin energía, pero este es definitivamente un álbum sólido.
Difícil dudar por qué este disco es uno de los momentos más fuertes de la discografía de Waits. Por un lado, lo cocinado en Blue Valentine y horneado en Swordfishtrombones, aquí se muestra servido y definitorio. El sonido de Waits escala sus propios lugares, recogiendo la influencia bluesy y jazzy sin soltarse de una sana experimentación. Sus caminos amargos, oscuros, delirantes y melancólicos se ven bien explotados y recorridos. Su voz alcanzó esa madurez excepcional que sólo el añejamiento de los nudos en la garganta coleccionados ante la frustración y la soledad de la vida, pudieron matizar y nos mece en olas caóticas, sentenciando sus historias entre urbanas y oníricas encima del escucha. Waits en Rain Dogs es un trago de whiskey y párrafos de Heminghway gritados al cielo nocturno: un gozo único.
Los sonidos que hinchan esta obra pisan terrenos no explorados por los de Sheffield. Aunque todo sigue siendo eminentemente pop, también se atreven con la truculencia y todo está bañado de una solemnidad y un terciopelo que apela a la vez a lo sedoso y a lo maligno. Sigue habiendo dosis ingentes de Bowie y Roxy Music, cómo no. Y no, no me parece este un disco de masas. Su oscuridad requiere de tiempo y ganas por parte del oyente. Eso suele ser bueno.
No sé si este "This Is Hardcore" podrá llegar a calificarse como disco generacional. Lo que sí es seguro es que se ha convertido en una auténtica obsesión para muchos
Uno de esos álbumes de soul de los 70 que toma sus influencias del Jazz, la big band,Blues y el funk tanto como de superestrellas como Roberta Flack y Gladys Knight.
Muy bien tocado, grandes arreglos con algunas cuerdas encantadoras y magníficamente cantadas. Suave pero contundente, excelente.
Casi una Janis Joplin más profesional, más funky, incluso más pacífica, si queremos, y sólo en apariencia (que como siempre engaña) menos desesperada
martes, 20 de septiembre de 2022
ARTISTAS QUE RENUEVAN LA ILUSIÓN 3
Benjamin Biolay nació el 20 de enero de 1973 en Villefranche-sur-Saône (Rhône).
Inició su formación en el conservatorio local. Practicó el violín y la tuba. A los 15 años fue a estudiar al Conservatoire Supérieur de Musique de Lyon. Allí ganó un primer premio de trombón. Se cultivó también con la guitarra y el piano.
Tras unos trabajos iniciales, en 1999 participa con Keren Ann en la escritura del álbum "Chambre avec vue" para el gran cantante nacido en la Guayana francesa, Henri Salvador. El disco, que obtuvo gran éxito a nivel mundial, vendiendo dos millones de copias, consagró al ya octogenario cantante y dio un gran impulso a la carrera de Biolay.
Se le consderó desde sus comienzos como el heredero de Serge Gainsbourg, el nuevo representante de la chanson francesa. Sin embargo, aunque admira a los clásicos de la música de su país, reconoce su inclinación por los sonidos de Nueva York, Liverpool, Manchester... Confiesa que su ídolo absoluto es John Lennon. Otros músicos que admira: Morrissey, Arctic Monkeys o The Strokes.
No está dotado de una gran voz, pero con su timbre grave y cavernoso consigue sonar como un verdadero crooner, envuelto en la cuidada producción de sus creaciones. Siempre elegantes, consigue sorprender con sus arreglos de cuerdas, que él mismo se encarga de escribir, con introducción de voces ajenas (la maravillosa Marilyn Monroe en " Les cerfs volants"), coros o duetos.
En sus canciones se habla de amor y desamor, se define como un nostálgico, pero la melancolía queda atenuada frecuentemente con ritmos
Biolay también ha desarrollado una carrera cinematográfica, como compositor de bandas sonoras y como actor.
https://youtu.be/ml_-qHzhtQA
bailables.
1969’s # 1 UK ALBUM
A lo largo de los años mis preferencias en cuanto a discos de Jethro Tull han ido cambiando, hoy por hoy y después de multitud de escuchas, si me tengo que quedar únicamente con un solo álbum, me quedo con “Stand Up”. Quizás el disco de Jethro Tull sin un solo segundo para desperdiciar.
Jethro Tull es por derecho propio una banda inmortal que ha atravesado diversas etapas con mayor o menor éxito.
En “Stand Up” el grupo aun no se ha convertido a la “religión progresiva” del todo pero va camino. Un trabajo seminal y que tuvo una influencia enorme en bandas posteriores, ciertamente es el disco donde se clarifica un estilo propio y novedoso nunca antes visto. Las mezclas de folk, música clásica, hard rock y blues rock alcanzan en este disco cotas elevadísimas. La adaptación de la pieza de Bach es un clásico inmediato y sería imposible destacar una canción sobre otra entre el resto. Definitivamente un disco que es un hito en el Rock.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Esther Phillips tuvo una larga y histórica carrera y todas sus grabaciones para el sello Kudu tienen algo bueno, pero esta es probablemente la mejor.
Los créditos de "From A Whisper To A Scream", el debut en Kudu de Esther en 1972, considerado por muchos como su mejor álbum para el sello, enumeran a músicos tan reconocidos como Hank Crawford en el saxofón, Eric Gale y Cornell Dupree en la guitarra, Bernard Purdie en la batería, Richard Tee en los teclados y Gordon Edwards en el bajo.
También alistando la crema de los cantantes de fondo (Joshie Armstead, Hilda Harris y Tasha Thomas) dando a Esther el cojín vocal adecuado para sus interpretaciones de blues de obras de todos, desde el poeta/cantante Gil Scott-Heron y el gran Marvin Gaye hasta la leyenda de Nueva Orleans Allen Toussaint y el hombre del soul Eddie Floyd.
lunes, 19 de septiembre de 2022
1965’s # 1 USA ALBUM
Out of Our Heads es la adaptación norteamericana del LP de The Rolling Stones en el Reino Unido Out of Our Heads; un álbum que todavía se estaba grabando en el momento en que se lanzó apresurada esta versión norteamericana. ¿Ya estás confundido?
Efectivamente, la edición estadounidense y canadiense de Out of Our Heads es el segundo de los tres álbumes recopilatorios de los Rolling Stones de América del Norte publicados en 1965 en lugar de los lanzamientos principales de las bandas. Su lista de canciones se compone de sencillos del Reino Unido lanzados anteriormente, tomas inéditas y material de la edición británica aún por completar de Out of Our Heads (lanzado dos meses después).
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Buen álbum de soul/funk con una sorprendente cantidad de intensidad. Seguro que hay algo de inspiración de Stevie Wonder en este álbum (especialmente en las voces), que no es un mal lugar para inspirarse. "Everybody Party All Night" comienza las cosas con una nota funky fuerte y poderosa.
El resto de la primera mitad se mantiene al mismo nivel, con un fuerte bajo y percusión y un poco de sintetizador arremolinado para llenar las canciones.
La segunda mitad va más al territorio del alma, volviéndose más relajada e impulsada por las voces (aunque "Finders Keepers" ciertamente trae de vuelta el funk al final). Ambas partes son buenas, aunque con más distinción de lo que esperaba.
Un buen álbum, con canciones para los amantes del funk y el soul.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA
Bueno, amigos, esto es todo. Este extraño hombre de Britpop se desquicia, finalmente sin ninguna preocupación por vestir sus perversiones con el abrigo de balada que se puso a lo largo de muchos de los mejores cortes de Different Class, como Underwear o las otras 100 canciones sobre sexo.
This Is Hardcore es oscuro y obsesivo y no es en absoluto kitsch e incómodo como la pista anterior. Es una sorda personificada.
La big band, las pomposas trompetas, los éxitos orquestales: es un inframundo más grande que la vida y Jarvis es Dios, esbozando su doctrina tan pronto como llega su oportunidad. Eres Hardcore. Me pones duro.
domingo, 18 de septiembre de 2022
SALON DE LA FAMA 27(2012)
Antonio Martínez y José Sánchez
La 27ª edición de la ceremonia del Rock and Roll Hall of Fame celebrada el 14 de abril de 2012 en Cleveland, reclutó como miembros de la organización a The Small Faces/The Faces, Freddie King (en la categoría de artista influyente), Laura Nyro, Donovan, Red Hot Chili Peppers, The Beastie Boys, Guns N’ Roses, y seis grupos de acompañamiento, The Midnighters, The Blue Caps, The Famous Flames, The Crickets, The Comets y The Miracles.
Al final todo quedó en nada. Las esperanzas de una posible reunión de los Guns N’ Roses originales con motivo de Rock and Roll Hall of Fame de este año quedó en nada. La gala se celebraba en Cleveland (Ohio) y acudieron diversas personalidades del mundo de la música. No sólo los premiados, sino también los presentadores de las «investiduras» otorgaron a la gala de un glamour y entretenimiento que no había tenido durante los últimos años. Finalmente, tal y como había dicho Axl Rose, ni él ni su banda actual estuvieron en la gala.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
sábado, 17 de septiembre de 2022
SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 108 (Quincenal)
Si no has ido al sur de Estados Unidos, entonces tienes una buena razón para darte un gusto en Atlanta, Nashville y Nueva Orleans.
Puedes encontrar una mezcla de gente amistosa, hospitalidad legendaria, paisajes sensacionales, deliciosa cocina sureña y mucha música e historia en tres de las mejores ciudades del país. Cada una de ellas ofrece experiencias únicas, pero comparten similitudes en cuanto a la auténtica cultura y encanto del sur. La música está entrelazada en el corazón de cada ciudad y eso ayuda a mostrar una mayor historia del pasado y del presente de ellas. Desde el rap y la música indie de Atlanta, pasando por el jazz de Nueva Orleans y el country y el rock de Nashville, te invitamos a descubrir la música y los músicos que han ayudado a definir estas legendarias ciudades. Ir de una ciudad a otra es muy fácil y es la mejor introducción al sur y a su cultura, música e historia.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
viernes, 16 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Sammi Smith era una cantante difícil de clasificar. A lo largo de la línea entre el exuberante country-pop y el country idiosincrásico fuera de la ley, no pertenecía a ninguno de los dos mundos, lo que no afectó a la calidad de su música, pero a veces podría significar que se deslizó entre la aclamación de la crítica y las ventas comerciales.
Ella tampoco quería, pero tampoco llegó al nivel que se merecía, como ilustra la excelente compilación de Varese Sarabande de 1996, The Best of Sammi Smith.
El gran descanso de Smith llegó en 1971 con su interpretación de "Help Me Make It Through the Night" de Kris Kristofferson. La canción había estado dando vueltas durante varios años y había sido grabada muchas veces antes de que la dolorosa y sensual versión de Smith finalmente la contujera en un éxito cruzado, llevándola al número uno en las listas country y dentro de las vistas de la cima de las listas pop.
Su versión no fue solo un éxito, su producción, que logró sentirse rica y opulenta mientras conservaba el coraje campestre y la sensualidad.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Los Spin Doctors estaban sufriendo una crisis de identidad que finalmente resultó demasiado onerosa de manejar. Por un lado, su música encajaba a la perfección en el floreciente ritmo grunge iniciado por personas como Nirvana y Pearl Jam. Por otro lado, sus letras estaban muy orientadas al pop, lo que los convirtió en los favoritos de corta duración de la radio y MTV por igual. No es sorprendente que hayan encontrado un éxito casi inmediato con el enorme sencillo "Two Princes", ni que desaparezcan tan abruptamente como llegaron, al menos en este lado del Atlántico.
jueves, 15 de septiembre de 2022
DIRECTISIMO 53
Álbum en directo de TALKING HEADS realizado para el film del mismo nombre. y uno que merece sobrevivir, ya que es una de las mejores grabaciones de conciertos de Rock jamás realizadas.
La calidad es tal que el oyente puede olvidar que es en directo: sólo la batería directa y cruda delata el juego.
En otra parte. Byrne actúa majestuosamente, dando nueva vida a los viejos maestros. Tanto Psycho Killer' como 'Once In A Lifetime' se benefician de versiones más frescas y el final largo e hipnótico, 'Take Me To The River', está garantizado que permanecerá en tu cabeza durante días.
Talking Heads suena mejor en esto que en el álbum, si sabes a lo que me refiero.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Un debut increíble. Una madurez que encaja muy bien entre el blues y el prog. Mick Abrahams era el niño mimado de los clubes y, por un breve momento, sostuvo a Clapton como una vela, especialmente con su obra maestra 'Cat's Squirrel'. Abrahams pronto se fue para formar Blodwyn Pig. Anderson, el líder indiscutible, vestía un gran abrigo, tocaba la flauta y se ponía de pie como un lindo flamenco (no). En vivo fueron tremendos, y en el disco fueron incluso mejores que esto. 'Song For Jeffrey' fue el single elegido. Otros temas interesantes son 'Serenade For a Cuckoo' dirigida por flauta (escrita por Roland Kirk) y 'Dharma For One', con un solo de batería que no resulta aburrido.
miércoles, 14 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Musicalmente hablando, este álbum sigue ese patrón que tanto caracteriza al hip hop; ése de repetir una melodía o sampleo en el fondo ad naseum mientras un rapero nos lanza rítmicamente sus letras.
Siendo que este álbum ha sido tan aclamado y ocupa posiciones privilegiadas en este sitio y otras publicaciones musicales, pensé que sería una buena muestra para expandir mis horizontes más allá de Kanye, uno de mis artistas favoritos. Pero este álbum suena como una concentración de las peores pistas de él: aquéllas que son largas y repetitivas.
Aún líricamente hablando, las letras nos reiteran lo peligroso que es este clan y la violencia que infligen a sus oponentes, además de los peores clichés que afligen a la comunidad Negra, lo cual es, a la larga, algo bastante negativo si consideramos su popularidad (uno de mis mayores problemas con el reggaetón, similarmente).
CLÁSICOS DEL ROCK 113
De hecho, a principios de 1985 los Minds ya tenían un nombre en el panorama europeo, pero los intentos de penetrar también en las listas estadounidenses habían sido decepcionantes. El caso quiso que una canción que debía terminar en la banda sonora de una película de culto para adolescentes, The Breakfast Club (que, me permito añadir, está muy bien hecha y merece una visualización), se ofrecía a la banda, que amablemente rechazó la invitación. ¿La razón? Demasiado pop.
La intercesión de Chrissie Hynde (cantante de los Pretenders) hizo que su marido (Kerr) diera consejos más suaves, y los Simple Minds grabaron una nueva versión que desató las listas de medio mundo. Esa pieza fue Don’t You (Forget About Me) y cambiará para siempre la historia de un grupo que, saboreó un desembarco en el extranjero con estilo.
Albert King con su blues eléctrico y soulero vino a casi debutar discográficamente con su nombre con este Born Under a Bad Sign, (casi, porque ya tenía un disco bajo el brazo de 1963 que tuvo una mala distribución ) un disco que le llevó prácticamente un año en grabar, editar y poner en el mercado, después de una miriada de intentos en forma de single desde 1954 que nunca pegaron. King encontró notoriedad hasta este momento en que su estilo se pudo fusionar con los intereses mainstream del rock and roll de la época,sobre todo ese que rescató al blues de sus oscuros pantanos, cosa que más notoriamente hicieron los Rolling Stones pero que otras bandas ya realizaban en el momento, sobre todo las basadas en el llamado rythm and blues.
En A Song for You, es fácil decir que nos encontramos con The Temptations en el último minuto de su era clásica. Norman Whitfield, responsable de las experimentaciones psicodélicas y progresivas del alma de la banda, estaba fuera. Jeffrey Bowen produjo este álbum en cooperación con el Sr. El propio Berry Gordy, asegurándose de que A Song for You fuera un lanzamiento de Motown en lo bueno y en lo malo. Esto significa que los números largos, audaces pero a veces exhaustivos se habían ido (aunque las dos versiones de "Happy People" de apertura y cierre de Side A como una suite se pueden contar seis minutos y medio juntos, pero esto es principalmente un juego de pensamiento) y la música del álbum es un soul y funk bastante "ordinarios" del día, incluida una notable influencia disco. Aún así, A Song for You es un álbum reconocible de Temptations, un esfuerzo de alta calidad.
Tengo que confesar. Solía ser muy crítico cuando se trataba de Eminem. Solo había escuchado a sus singles y, aunque disfruté de varios de ellos, para mí era un imbécil pretencioso y más o menos un payaso. Pero entonces, en realidad me molesté en escuchar un álbum entero de él y edd de taba equivocado. El LP de Marshal Matters es un gran álbum con un equilibrio saludable entre canciones divertidas y más serias, añadiendo algunas agresivas para completar el paquete. Las letras son ingeniosas, los ritmos son funky y las melodías pegadizas. Pero a pesar de ser un álbum con un gran flujo, tiende a ser un poco excesivo en el lado explícito de las duras letras. Y ese factor realmente perjudica la apreciación general.
Firmado por "Temple of the Dog", proyecto efímero y concreto formado por miembros de Soundgarden y Pearl Jam. Tanto que se limitó a este álbum. Tiene sentido, ya que el disco surgió como homenaje para llorar la muerte de Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone, una figura muy querida por la escena local de Seattle.
Se trata de un compendio de composiciones de Chris Cornell, en su mayoría, que trataban de canalizar el dolor por la pérdida. Un disco emocional por tanto, de nudo en la garganta, que se regodea de manera impúdica en el dolor. Muy apropiado para el grunge que se destilaba en esos primeros 90 y algo que con la perspectiva del tiempo ha perdido vigencia, también. No es algo que me pudiera engatusar a priori. El aire de jam session que tienen la mayoría de los temas tampoco. Está claro que no es un disco elaborado y de acabado fino, sino más bien un exabrupto, pero lo cierto es que a ellos les sirvió para exorcizar sus penas y lanzar sus carreras.
Era hora de despedirse de The Move. Jeff y Roy ya habían comenzado a trabajar en ELO en ese momento , y se pueden escuchar sutiles pistas sobre el futuro de estos dos en un futuro próximo. Realmente puedes escuchar las influencias de los Beatles de Jeff Lynn en este álbum. Creo que Jeff tenía Revolver en lo profundo de su mente al hacer este álbum, junto con otros. Este álbum debería haber recibido mucha más aceptación y elogios por lo que hizo en 71. Jeff Lynn y Roy Wood habían alcanzado su punto máximo con The Move y habían superado los límites en el estudio con este lanzamiento con doblajes y lo que los instrumentos podían hacer en ese momento. Este álbum es imprescindible para los fans de ELO y Move. Una gran transición de lo que estaba a punto de llegar a ser.
ARTISTAS QUE RENUEVAN LA ILUSIÓN 2 . JON BATISTE
Jon Batiste nació en Metairie (Luisiana), el 11 de noviembre de 1986 en el seno de una familia con tradición musical.
Genio precoz, a los 8 años tocaba la batería con la banda de sus hermanos. A los 11 años, cambió al piano por sugerencia de su madre
Con una amplia formación musical, compaginando los estudios con la creación, a los 17 años sacó su primer disco.
Recoge, rescata y recrea la tradición de la música negra, pero también de otros estilos. Escuchándolo nos parece encontrar ecos del Professor Longhair, Marvin Gaye, Michael Jackson, James Brown...
Polifacético e hiperactivo en su carrera, su actividad artística no se desarrolla solo en la música (composición, interpretación, pianista...), también hace teatro, cine y televisión. Es un verdadero agitador cultural. Impartió talleres y clases de música en los Países Bajos en escuelas del centro de la ciudad y barrios desfavorecidos.
Hay más de un Jon Batiste en Jon Batiste. Es lo que tiene su música que nos permite guarecernos en la tormenta bajo la manta del piano del artista, bailar, "atrapados en la pista de baile", con "Freedom". O estremecernos con los coros y trompetas de "We are".
Un artista que ya es una fuerte presencia, consagrado con solo 35 años. Ha recibido numerosas distinciones, entre otras un Óscar y cinco Grammy en este año.
A esto habría que añadir, para conocerlo mejor, estas palabras que pronunció en la ceremonia de los Granmy:
"¿Sabéis qué? Creo de corazón que no existe el mejor músico, el mejor artista, el mejor bailarín o el mejor actor. Las artes creativas son subjetivas y llegan a las personas en un momento de su vida en el que más lo necesitan. Es como si una canción o un disco se hicieran y tuvieran un radar para encontrar a la persona cuando más lo necesita”.
Su nombre seguramente quedará con el paso del tiempo entre los grandes.
martes, 13 de septiembre de 2022
1969’s # 1 UK ALBUM
Nacido en noviembre de 1916 en Attleboro, Massachusetts, Ray Conniff adquirió gran parte de su experiencia musical dentro de la casa. Su padre, un trombonista, dirigía una banda local, mientras que su madre tocaba el piano. Ray comenzó a dirigir una banda local mientras estaba en la escuela secundaria, empezó con el trombón por primera vez no mucho antes, y comenzó a escribir arreglos para él. Después de graduarse, se mudó a Boston y comenzó a tocar con los patrones musicales de Dan Murphy (además de tocar y organizar, Conniff condujo a la banda). A mediados de los años 30, estaba listo para el gran momento , aterrizando en Nueva York justo después del nacimiento de la fértil era del swing.
His Orchestra, His Chorus, His Singers, His Sound es el único álbum número uno en el Reino Unido para el líder de banda y trombonista estadounidense Ray Conniff. Pasó tres semanas en la parte superior de la lista en 1969.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Álbum muy agradable, recomendado para cualquier fan de The Move o de los primeros ELO, aunque no hay absolutamente nada aquí para el club Xanadu.
Un álbum excelente para empezar, y las pistas adicionales como "Tonight", "Chinatown" y "Do Ya" hacen que el paquete sea mucho mejor. Excelente. Y qué portada de álbum.
lunes, 12 de septiembre de 2022
1965’s # 1 USA ALBUM
A estas alturas, los álbumes estadounidenses de los Beatles habían pasado de versiones optimizadas de sus primeros discos a compilaciones fragmentarias de cualquier cosa que Capitol Records pudiera encontrar. ¡Los Beatles VI podrían ser el peor de todos, combinando las pistas más débiles de Beatles for Sale con las más débiles de Help, y rellenado con las sobras de las lados B y las tomas de estudio. Afortunadamente, incluso los Beatles en su peor momento todavía podrían superar a otros grupos en su mejor momento, por lo que su reputación no se vio completamente dañada por esta práctica; y de hecho, hay un puñado de aspectos destacados aquí ("I Don't Want to Spoil the Party" "Yes It Is" "Every Little Thing"). Simplemente carece de cualquier sentido de cohesión y enfoque.
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Entre el 14 y el 23 de enero de 1974, Jack Nitzsche grabó un álbum homónimo en Cinderella Studios en Madison, Tennessee, y se fijó una fecha de lanzamiento para el 26 de abril, antes de que el jefe del sello fuera retirado del programa del sello, Morris "Mo" Ostin. El proyecto fue una colaboración entre Nitzsche y el cineasta underground Robert Downey.
El álbum permaneció inédito, abandonado en una instalación de almacenamiento de North Hollywood que los empleados de Warner llaman "la Bóveda", hasta que Rhino Handmade incluyó las once pistas en su colección Jack Nitzsche Three Piece Suit: The Reprise Recordings 1971-1974, un CD inédito solo en Internet emitido con gran aclamación de la crítica en 2001. Este lanzamiento de Hanky Panky / Mapache LP marca la primera vez que se ha puesto a disposición en vinilo, como se pretendía originalmente.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Primer y único disco de esta superbanda creada en homenaje a Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone que falleció por sobredosis. El nombre Temple of the Dog proviene de la letra del tema Man of Golden Words de Wood. Fue formado por el cantante Chris Cornell (entonces cantante de Soundgarden), quien sería principal compositor en esta efímera banda.
Los otros miembros fueron Stone Gossard, Jeff Ament (ambos entonces miembros de MLB), Mike McGready y Matt Cameron (batería de Soundgarden).
También colaboró Eddie Vedder, cantando junto a Cornell en una magnífica Hunger Strike, que contó con el gran honor de reunir dos de las mejores voces del rock/grunge.
domingo, 11 de septiembre de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 71 (Quincenal)
Robert Wyatt
La simpatía que provoca el hombre y sus circunstancias. Músico británico, más o menos progresivo, miembro fundador del grupo Soft Machine - columna vertebral del Canterbury Sound -, más tarde componente de Matching Mole (autores de esa maravilla pop que es "O Caroline"), presente en toda o casi toda aventura musical y artística y en cualquier colaboración en el mundillo del jazz y rock de las Islas, y bla, bla, bla........, que diría una enciclopedia del rock al uso. Probablemente, añadiría que una noche loca de fiesta, borrachera y otras sustancias, allá por 1973, cayó por una ventana desde un cuarto piso y quedó parapléjico y confinado de por vida a una silla de ruedas. Siendo su instrumento principal la batería, cabía imaginar un futuro no precisamente halagüeño. Además, se apuntaría su condición de irreductible y peligroso rojo, facción british, y en consecuencia, sospechoso habitual. Y sin embargo........
Sí, Sr. Merrit es un genio, por si acaso hay alguien que todavía no lo sabe. Todo porque hay unos pocos que, como él, se atreven a entregar casi tres horas de música y ganar el concurso. Lo fácil es experimentar por el bien de la experimentación, pero esto es lo difícil. Juega trucos sucios a los arreglos sobre una base melódica deliciosa, pura y simple a la infinita. El resultado es, en la mayoría de las canciones, increíble. En la medida en que podamos hablar de un clásico contemporáneo que el tiempo no hará más que aumentar su valor. Ya está entre los excepcionales.
The Wellwater Conspiracy
Otro ejemplo más de las alegrías ilimitadas que se pueden descubrir en los vastos mares de psicodelia.
Una colección de los primeros sencillos de la banda junto con un montón de canciones nuevas. Suena como una joya perdida de finales de los 60.
Pocos cantantes y compositores locales han llegado a la escena del Reino Unido con tanto bombo bien intencionado como Damon Gough, pero tal era el peso de las expectativas en su álbum debut, que al escucharlo ahora, es difícil escuchar por qué la prensa se había metido tanto en una espuma sobre él.
Aunque de ninguna manera es un desastre, The Hour of Bewilderbeast hace honor a su nombre, tal vez demasiado bien, ya que, por su duración de sesenta minutos, puede dejar al oyente perdido y confundido. Es un guiso burbujeante de música, partes sabrosas y placenteras en el palé, otras partes no identificables y de valor nutricional cuestionable. Que un hombre tuviera tantas ideas musicales alrededor de su cabeza es loable, sin embargo, ¿tuvo que compartirlas todas con nosotros, independientemente de la calidad?
Su mejor disco. Elegante, refinado, potente, compacto. “Song for the Bearded Lady” es puro esplendor jazz-rock con Miles en el corazón; “Sun Child” todo un desenredo de wah-wah fracturado que casi parece estar delante de Sly & The Family Stone... Aquí, entonces, la melancolía de puntillas de “Lullaby for a Lonely Child”, los matices orquestales de la pista de título, el estado de ánimo Zappiano de “Ballad of Joe Pimp” y las excelentes extracciones libres del saxo en “Easter 1916”.
Wild and Peaceful es probablemente la mejor opción de un álbum de Kool & The Gang de sus días como equipo de Funk/Jazz (en términos de historia de la música, su encarnación más sustancial). Tiene sus himnos Funk más reconocibles (muestreados hasta la muerte por actos de hiphop). Y el final culminante es la larga canción del título, una canción de jazz latino de mal humor y melancólica con mucho espacio para la improvisación, recordando de una manera segura y relajada lo genial que fueron una vez.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA
Relapse fue un gran éxito que todo el mundo disfruta escuchando a Eminem. La gente podría pensar que es una mala persona, pero a otras personas les gusta porque sus canciones tienen significados y un mensaje que todos podrían relacionarse con sus vidas.
Creció en una carretera de 8 millas de Detroit, Michigan. Eminem se metió en la industria de la música cuando fue descubierto por el Dr. Dre a la edad de 20 años. Marshall Mathers fue lanzado en 2001. Ese álbum también fue un gran éxito. A todo el mundo parecía gustarle ese álbum y así es como se hizo más famoso. El tema predominante del álbum de Eminem Marshall Mathers es cuando tienes una oportunidad en la vida, porque oportunidades como esa solo llegan una vez en la vida.