viernes, 31 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Música electrónica ambiental abstracta, con cierta inclinación por profundizar en los reinos oscuros del género.

Algunas piezas combinan perfectamente la electrónica ambiental con la música de cámara clásica moderna, gracias a la presencia de un violín muy evocador.

Los dos movimientos de "Cabinet de curiosités" son quizás un poco demasiado abstractos y mínimos para causar una gran impresión, pero las composiciones restantes pueden llegar a ser muy absorbentes para alguien con la capacidad de atención adecuada.

Cosas muy intrigantes que probablemente exigen más de un par de escuchas para ser completamente asimiladas. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"That Woman Is Poison" es una canción del álbum de 1990 de Rufus Thomas titulado "That Woman Is Bad!". Es un álbum de R&B y funk que fue producido por Mark S. Berry y grabado en los estudios EZ Ed de Toronto, Canadá.

El álbum incluye otras canciones como "The Dog" y "Walking the Dog". "That Woman Is Poison" se convirtió en un gran éxito para Thomas, alcanzando el puesto número 5 en la lista de R&B de Estados Unidos en 1990.

El álbum es considerado uno de los mejores trabajos de Rufus Thomas y es muy valorado por los fanáticos del R&B y el funk de la época. 


Rufus Thomas fue un cantante estadounidense de R&B y soul que tuvo su mayor éxito a mediados de la década de 1960.

Es conocido por sus éxitos "Walking the Dog", "Do the Funky Chicken" y "Do the Push and Pull". También fue un presentador de radio y televisión muy conocido durante muchos años en Memphis, Tennessee.

Thomas actuó hasta sus últimos años, falleciendo en 2001 a los 84 años. "That Woman Is Poison" es un ejemplo del talento de Rufus Thomas para el funk y el R&B, y es una de sus canciones más recordadas y populares.

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jueves, 30 de marzo de 2023

DIRECTISIMO 81

"FM/Live" es un álbum en vivo lanzado por la banda de rock británica Climax Blues Band en 1973. Incluye grabaciones de dos conciertos en vivo, uno en la Academia de Música de la ciudad de Nueva York y el otro en el Teatro Capitol en Passaic, Nueva Jersey.  El álbum muestra el sonido de la banda en un escenario en vivo, con improvisaciones e improvisaciones extendidas que fueron el sello distintivo de sus actuaciones.


Climax Blues Band se formó en Stafford, Inglaterra, a fines de la década de 1960 y ganó popularidad por su música rock influenciada por el blues.  Tuvieron varios éxitos en los años 70 y principios de los 80, incluido "Couldn't Get It Right" de su álbum de 1976 "Gold Plated".  La banda experimentó varios cambios de formación a lo largo de su carrera, pero mantuvo seguidores leales en el Reino Unido y más allá. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“El clima de gravedad ante la muerte de Jimi Hendrix y Janis Joplin cayó francamente en Londres a fines del otoño de 1970.

Después de todo, al rock local le fue yendo muy bien.  George Harrison ofreció un hermoso regalo de Navidad en forma del triple álbum All Things Must Pass, coronado inmediatamente como número 1 a ambos lados del Atlántico.

Eric Clapton finalmente provocó el entusiasmo de los periodistas con su proyecto Derek & The Dominos y el lanzamiento de Layla & Other Assorted Love Songs.

Dave Edmunds es el sencillo número 1 con "I Hear You Knocking".  Black Sabbath está en 33 vueltas con Paranoid antes del segundo triunfo mundial consecutivo de Led Zeppelin (Led Zeppelin III) en la cima de las listas inglesas, estadounidenses, canadienses y australianas.

Fleetwood Mac, John Mayall, Mott The Hoople, Manfred Mann y otros Georgie Fame tocan en California como si estuvieran en una gira provincial.  Las sesiones en vivo de la BBC, dirigidas por John Peel, ofrecieron una gran cantidad de miniconciertos de radio en vivo.

El presentador estelar alcanzó la cuenta de dos mil artistas invitados.

El cartel fue multidireccional: desde el folk tranquilo de Fairport Convention hasta el hard rock de Deep Purple”.

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miércoles, 29 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Lanzado solo unos meses después del debut de la banda "Magnetic South", el autoproducido "Loose Salute" de 1970 sirvió para mostrar el gran volumen de material que Nesmith había escrito y a veces grabado durante su carrera en Monkees. Musicalmente, el álbum no fue un cambio importante desde el debut, Nesmith y compañía continuaron su exploración del country-rock de principios de la década de 1970

Al igual que el debut, este no era un álbum que probablemente atraera a los fanáticos incondicionales de los Monkees (está bien, podrían haberse metido en la versión de 'Listen To the Band'), pero entonces eso no era lo que Nesmith estaba buscando hacer. En el otro extremo del espectro, cualquiera que disfrutara de las excursiones de rock rural de The Byrds, o de la talla de The Flying Burrito Brothers, o Poco, podría encontrar esto entrañable.

Nesmith siempre fue la voz olvidada de los Monkees y en este set sonaba como si finalmente estuviera disfrutando de la libertad de su vida post-Monkee. Tranquilo y seguro de sí mismo, los resultados fueron muy agradables. 

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AYER VÍ 24

La serie resulta una grácil propuesta, de una belleza visual fascinante, siendo su ambientación extraordinaria, con una cinematografía sublime que crea cuadros sibaritas, con unas localizaciones sensacionales, con una música epidérmica que escucho mientras escribo, con un vestuario cuidado con mimo al realismo. Elementos estos que acompañan a historias rebosantes de humanidad, con personajes maravillosamente perfilados, con unos intérpretes casi todos fenomenales, que encajan en sus roles hasta fundirse en sus papeles, protagonistas con sus dudas, errores, dilemas morales, idealismo, pragmatismo, inseguros, amores fatales, todo con un ritmo fluido sucediendo los hechos que se encadena entre alegrías, esperanzas, sin sabores, tragedias, ilusiones. Los personajes van evolucionando orgánicamente a media que acontecen las temporadas, lo hacen de modo verosímil, calando sus vicisitudes, incorporando personajes nuevos que enriquecen y suman 

Es una serie totalmente adictiva.

Obviamente la estuve viendo en un par de semanas.

Se la recomiendo a todos los amantes del romanticismo y la historia

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martes, 28 de marzo de 2023

1971’s #1 UK ALBUM

2.10.1971-29.10.1971 

13.11.1971-24.11.1971 


Puede llevar un tiempo entrar en el tercer álbum de Rod Stewart, pero una vez que uno lo hace, es realmente un gran trabajo. El primer lado especialmente es profundamente impresionante, saltando de una gran parte de composición de country-rock de flujo de conciencia en la canción principal, al anhelo de gospel de Seems Like a Long Time, a la versión de Stewart sobre el clásico de blues That's All Right, un interludio de una acústica "Amazing Grace", y luego una versión de una oscura demo de Dylan que ¡El primer lado es espectacular! Tanto aquí, sonoramente hablando. El lado dos, aunque... una decepción, y a veces incluso aburrido. Maggie May está bien, pero nada especial, y las otras tres pistas son lo suficientemente buenas en cualquier otro contexto... pero no me conecté con ellas en la medida en que tuve con las primeras. Sin embargo, un buen álbum, empieza muy bien, y realmente vale la pena escucharlo  varias veces.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum "40 Blue Fingers, Freshly Packed & Ready to Serve" es ampliamente considerado como una de las obras fundamentales del movimiento de blues británico de finales de la década de 1960.  La banda Chicken Shack, dirigida por el vocalista y guitarrista Stan Webb, era conocida por su enérgica mezcla de blues, rock y boogie que rápidamente los estableció como uno de los nuevos actos más emocionantes de la escena musical británica.


Lanzado en 1968, "40 Blue Fingers, Freshly Packed & Ready to Serve" incluía una mezcla de material original y versiones de canciones clásicas de blues de artistas como Willie Dixon y Howlin' Wolf.  Las pistas más destacadas del álbum incluyen "I'd Rather Go Blind", una balada de combustión lenta que muestra la emotiva voz de Webb y su conmovedora forma de tocar la guitarra, así como la alegre "When the Train Comes Back", un número de blues que pisa fuerte y que perfectamente captura la energía cruda de la banda y la melodía contagiosa.


El álbum fue un éxito comercial y de crítica desde su lanzamiento, alcanzando el top 20 de la lista de álbumes del Reino Unido y ganando elogios tanto de los fans como de la crítica.  A lo largo de los años, ha seguido siendo un favorito de los fanáticos y una piedra de toque del sonido británico de blues-rock, inspirando a innumerables generaciones de músicos a tomar una guitarra y unirse a la tradición del blues.


En general, "40 Blue Fingers, Freshly Packed & Ready to Serve" es una escucha esencial para cualquier persona interesada en la historia del rock y el blues británicos, así como para los fanáticos de Chicken Shack y otras bandas pioneras de la época.  Sigue siendo una obra de arte clásica que merece ser recordada y apreciada por los amantes de la música de todo el mundo. 

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lunes, 27 de marzo de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

12.10.1968-15.11.1968 

30.11.1968-20.12.1968 


Janis Joplin es conocida por su expresiva y poderosa voz femenina opuesta a la escena musical dominada por los hombres de finales de los años 60. Con una banda de blues rock que la respaldaba, sirvió canciones psicodélicas de soul con un nervio tan intenso.

Este álbum es un extracto de un ambiente musical crudo y floreciente; pesado psicodélico, intenso y ansioso con un impacto emocional masivo.


El grupo Big Brother & The Holding Company proporcionan atascos ruidosos y rimbombantes detrás de la impresionante voz de Janis, a veces lenta pero sólida.

Las guitarras están demasiado impulsadas hasta el extremo, y generalmente tienen un papel muy importante en el sonido de "Cheap Thrills".

Los solos masivos dan la sensación de este pico de un arrebato musical, en el que la banda es muy buena.

El sonido general de la banda no es muy profesional, pero en realidad eso no es un factor importante.

Es más la energía y el espíritu que viven en la música que las habilidades técnicas, y este espíritu se muestra realmente cuando los amplios solos de guitarra cantan junto con la hermosa voz de Janis.

Esto demuestra el hecho de que la banda no sería nada grande sin Janis, porque ella es el eslabón perfecto en el sonido vanguardista y pesado de Big Brother and the Holding Company. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 

Una importante figura detrás de escena en la música popular durante 40 años, el compositor/productor/arreglista/músico de estudio Jack Nitzsche desempeñó una función crucial en el rock & roll de la década de 1960, aportando los conocimientos de un músico capacitado para influir en el trabajo de los rockeros más instintivos de una manera que complementó y profundizó.

Los Rolling Stones y Neil Young en particular se beneficiaron de sus talentos. Nitzsche también fue un escritor capaz que escribió un par de grandes éxitos y desarrolló una carrera como compositor de cine que incluyó casi tres docenas de partituras de películas. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Iggy realmente cambió las cosas con este álbum. Musicalmente, tiene entre un césped de rock alternativo ligeramente genérico y un pop-punk ligeramente genérico, pero hace el trabajo y es más convincente que, por ejemplo, el trabajo de metal por números que se ofrece en Instinct, y cuando combinas eso con la mejor actuación vocal de Iggy y el conjunto de letras más fresco en años, obtienes algo realmente especial. Solo de vez en cuando se enoja de plano, Iggy ofrece un conjunto de estados de ánimo más variado de lo habitual aquí.

Es el álbum terapéutico que afirma la vida de Iggy Pop, y suena mucho mejor de lo que cabría esperar de esa descripción. 

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domingo, 26 de marzo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La cosecha del 69 nos dejo esta Maravilla. Un tesoro con influencias de jazz , Heavy Blues , Rock Sicodelico . Peter Haycock (guitarra ) Y Colin Cooper (vientos ) son dos genuinos innovadores.

Flight el tema que abre el album debe considerarse como uno de los mejores temas de Jazz rock de la historia. 

A pesar de varios momentos en que Peter Haycock redefine la guitarra, puede ser difícil agradecer este esfuerzo general con demasiados elogios.

A primera vista, este es un álbum de blues bastante bueno de su época que cubre todas las expectativas.

En realidad, probablemente sea tan bueno como el Fleetwood Mac de Peter Green, ya que es similar.

En el lado positivo, me gusta el territorio que explora "Cubano Chant" con sus riffs latinos.

El cierre "Crazy "Bout My Baby" utiliza una guitarra de cambio de fase que mejora lo que es la otra mejor canción del álbum.

Al igual que varios álbumes de Climax Blues Band, este álbum llama a la puerta, pero nunca intenta derribarla. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2018)

La banda sonora de Black Panther fue compuesta por Ludwig Göransson, un reconocido compositor sueco. La banda sonora incluye música de orquesta, tambores africanos y una mezcla de hip hop y música popular africana.

También cuenta con colaboraciones de artistas como Kendrick Lamar, The Weeknd y SZA, entre otros.

El álbum de la banda sonora fue lanzado el 9 de febrero de 2018 y recibió el premio Grammy por Mejor Álbum de Compilación de Banda Sonora para Medios Visuales. 


Goransson combinó música sinfónica, así como música africana llena de instrumentos exóticos y, algo más moderno, trap.

Combina todos estos componentes en diferentes combinaciones, tocando las leitmotivas más importantes con mucha habilidad.

La banda sonora es bastante larga, no aburrida ni agotadora, y cada agente utilizado se utiliza con mucha habilidad y para diferentes propósitos.

Es una banda sonora extremadamente reflexiva, adaptada uno a uno a los eventos en pantalla.

Y lo más importante, es música animada, en la que pasan muchas cosas, y a menudo es épica.

El Oscar era obligatorio.

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sábado, 25 de marzo de 2023

MIRANDO LAS ESTRELLAS 14. David Bowie

Miramos hoy al universo y nos deslumbra una constelación formada por 7 estrellas con forma de rayo. Su nombre, David Bowie. Así homenajearon un grupo de astrónomos al músico por considerarlo  "un artista de fuera de este mundo". En bastantes ocasiones se inspiró en el universo. A un artista que no fue uno solo sino múltiples personajes le correspondían varias estrellas.


David Bowie fue uno de los músicos y artistas más influyentes e innovadores del siglo XX. Nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Comenzó a tocar la guitarra y a escribir canciones desde una edad temprana.


En 1969 lanzó su primer gran éxito, el sencillo "Space Oddity". A partir de ahí, Bowie continuó evolucionando su sonido y estilo a lo largo de su carrera, adoptando una amplia variedad de influencias musicales y experimentando con diferentes géneros y estilos.


A lo largo de su carrera, publicó una serie de álbumes aclamados por la crítica y muy influyentes, como "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", "Heroes" y "Scary Monsters (and Super Creeps)". Su sello personal fue siempre reinventarse a sí mismo, adoptando diferentes personajes y alter egos en sus actuaciones y vídeos musicales.


 Tuvo una exitosa carrera como actor, apareciendo en películas como "The Man Who Fell to Earth", "Labyrinth" y "The Prestige".


Murió el 10 de enero de 2016 a los 69 años. Su legado musical e impacto en la cultura popular continúan siendo enormes, y su música sigue siendo muy influyente en la actualidad.


Fue un artista innovador y visionario, que combinó elementos de rock, pop, electrónica, jazz, soul y otros géneros para crear su propio sonido distintivo. Su álbum "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (1972) fue un gran éxito y se considera uno de los discos más influyentes de la historia del rock.


Pocos artistas cultivaron la imagen y la personalidad escénica como él. Su estilo andrógino y sus extravagantes trajes y peinados inspiraron a toda una generación de artistas y tuvieron un impacto significativo en la moda y la cultura popular.


La revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En su espectáculo podemos encontrarnos versiones de TRIANA y otros grupos de rock andaluz, y sus propios temas que corresponden a su primer disco llamado NUESTRO TIEMPO 

Sus canciones se mueven en diversos terrenos, desde temas netamente rock, baladas melódicas de estribillos poderosos, a temas que dejan percibir influencias más étnicas. Viajan desde atmósferas lentas y melódicas a potentes desarrollos de rock, pasando por paisajes de marcado aire andaluz.

Anairt es Triana al revés, porque la música del grupo está inspirada en la que hacía Triana.

Su estilo es rock pero con raíces de la tierra a la que pertenece. Construyen sobre bases rítmicas en clave de pop-rock, sonidos de teclado con atmósfera setenteras, pianos cuasi clásicos, guitarras eléctricas (unas veces armoniosas y otras cargadas de fuerza), desarrollan melodías vocales con un gran arraigo y acento, jugando muchas veces con dobles voces que enfatizan el aire andaluz que les caracteriza. Rock Andaluz fresquito y renovado. 

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viernes, 24 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Visage fue una banda británica de new wave y synthpop que se formó en Londres en 1978 y desempeñó un papel importante en el desarrollo de la música electrónica y la moda en la década de 1980.  La banda fue fundada por Steve Strange, quien era una figura muy conocida en la escena de clubes londinenses de fines de la década de 1970, y Rusty Egan, quien era el baterista de Rich Kids, una banda de punk rock que incluía al futuro bajista de Sex Pistols, Glen Matlock. .


Visage se estableció rápidamente como una banda poco convencional con una estética musical y visual única.  Combinaron instrumentos electrónicos y acústicos para crear un nuevo sonido fuertemente influenciado por los pioneros alemanes de la música electrónica, como Kraftwerk y Neu!.  La música de Visage se caracterizó por el uso de sintetizadores, cajas de ritmos, riffs de guitarra y arreglos orquestales, que a menudo se yuxtaponían con el estilo de canto distintivo de Strange.


 La banda ganó popularidad con su sencillo debut, "Tar", que fue lanzado en 1979 y se convirtió en un éxito de club en el Reino Unido.  Siguieron eso con su primer avance, "Fade to Grey", que fue lanzado en 1980 y se convirtió en un éxito internacional.  La canción fue un ejemplo por excelencia de los géneros new wave y synthpop, y todavía se considera una de las canciones más icónicas de la década de 1980.


 Visage lanzó su álbum debut homónimo en 1980, que incluía "Fade to Grey", así como otras pistas populares como "Mind of a Toy" y "Visage".  El álbum fue bien recibido tanto por la crítica como por el público, y ayudó a establecer a Visage como una banda líder en las escenas new wave y synthpop.


 El segundo álbum de la banda, "The Anvil", se lanzó en 1982 y contó con colaboraciones de músicos de renombre como Midge Ure y Billy Currie de Ultravox, John McGeoch de Siouxsie and the Banshees y Dave Formula de Magazine.  El álbum fue otro éxito comercial y de crítica, e incluyó éxitos como "The Damned Don't Cry" y "Night Train".


 A pesar de su éxito, Visage se disolvió en 1985, y Steve Strange y Rusty Egan siguieron carreras en solitario.  Sin embargo, su música e influencia continuaron sintiéndose mucho después de su ruptura, y muchos artistas citaron a Face como una influencia importante en su propio trabajo.  Hoy en día, Visage es recordado como pionero de la música y la moda electrónicas, y como una banda fundamental que ayudó a definir la década de 1980. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Toto es una banda de rock estadounidense que ha cautivado al público con su combinación única de varios estilos musicales durante más de cuatro décadas.  La banda se formó en Los Ángeles en 1977 y rápidamente ganó popularidad con sus ritmos infecciosos, asombrosas armonías vocales e increíbles interpretaciones instrumentales.


 Al principio de su carrera, Toto fue reconocido por su maestría musical excepcional, y sus miembros habían establecido carreras exitosas como músicos de sesión, tocando algunos de los mayores éxitos de la época.  Los miembros fundadores Steve Lukather, David Paich y Jeff Porcaro eran músicos de estudio muy solicitados y unieron sus talentos colectivos para crear Toto.  La incorporación de otros músicos talentosos como Mike Porcaro, Steve Porcaro y el vocalista Bobby Kimball completó el sonido que se convertiría en el estilo característico de Toto.


 Una de las canciones más perdurables de la carrera de Toto es "Africa", con su introducción reconocible al instante y su estribillo pegadizo que sigue siendo muy querido por el público de hoy.  Otro tema famoso de la banda es "Hold the Line", con su ritmo de conducción y riffs de guitarra electrizantes.  La música de Toto se caracteriza por su fusión de rock, funk, jazz y pop, lo que lo convierte en un sonido único que ha seguido entreteniendo a los fanáticos durante generaciones.


 A lo largo de su carrera, Toto ha sufrido cambios en la formación, pero su música se ha mantenido imperecedera, con la banda vendiendo más de 40 millones de discos en todo el mundo.  Además de sus ventas de discos, Toto ha obtenido numerosos elogios, incluidos varios premios Grammy, consolidando su lugar como una de las bandas más respetadas e influyentes en la historia del rock.  Aunque la banda ha enfrentado desafíos y tragedias a lo largo de su viaje, incluida la pérdida del miembro fundador Jeff Porcaro, Toto se ha mantenido dedicado a su oficio y continúa de gira y lanzando nueva música para sus fanáticos. 

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jueves, 23 de marzo de 2023

DIRECTISIMO 80

La banda de rock Reef se formó en Glastonbury, Inglaterra, en 1993. Dirigido por el aullido blues y grave del guitarrista/vocalista Gary Stringer, Reef inyectó una rebanada de rock 'n' roll alegre y de buen tiempo en la escena del Britpop de mediados de la década de 1990. Originalmente con el nombre de Naked, echaron los dientes  sirviendo de apoyo para Paul Weller, los Rolling Stones y Soundgarden antes de que el álbum debut Replenish (1995) fuera nombrado por Kerrang! Revista como el décimo mejor álbum del año. 

Aquí una muestra de su potente directo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ocean Rain es un álbum increíblemente hermoso, tiene todos los tonos de la medianoche . Se rompe con su irregular sonido post-punk, añadiendo una sección de cuerdas vibrante y cinematográfica. "Lo que sea que se queme, se quema eternamente", canta McCulloch en "Nocturnal Me" autoexaprobando las tendencias góticas de la banda, los temas de la oscuridad, el fuego, el hielo, la religión y el romance condenado, las canciones de amor vampíricas. Esa portada, de la banda remando un bote a través de cuevas de agua de color azul profundo, McCulloch probando las aguas por delante, es precioso y evocador. Al igual que la mayoría de las portadas de sus álbumes, tiene un cierto peso mítico, una sensación de algo atemporal y vasto, oceánico. Sintieron que lo que estaban haciendo era el mejor álbum jamás hecho, y esa confianza satura la música, incluso cuando la banda estaba empezando a romperse y a romperse. 

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miércoles, 22 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

¿Alguna vez te has preguntado por qué los únicos éxitos que han tenido han sido versiones de canciones de otras personas?

Escucha este álbum de UB40 para obtener más detalles.

Tampoco disfruto específicamente de sus remakes, principalmente debido al hecho de que Buddy tiene una de las voces más lloriqueantes conocidas por la humanidad.

Creo que vi la película  Sliver y escuché su remake de "Can't Help Falling In Love" y compré este álbum. Algunas cosas que puedes mirar hacia atrás y ver qué mierda eran, pero esta la compré y me arrepentí al instante. 

PNo me malinterpretes, el verdadero reggae está bien para mí, pero bueno, llamémoslo como es, es música contemporánea para adultos con un poco de sensación de reggae. Aparte de "Can't Help Falling In Love", "Promises And Lies" y "Higher Ground" apenas eran tolerables, puedo pensar en cosas peores que ser obligado a escuchar este álbum de nuevo, pero no muchas. 

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AYER VÍ (23)

Harriet Tubman es uno de esos personajes sobre los que escribir una gran historia. Habiendo nacido como esclava en el estado de Maryland, su fuga a Filadelfia para encontrar la libertad, su posterior papel ayudando a afroamericanos en su huida hacia el norte y su participación en la guerra civil, sitúan su trayectoria vital en ese marco épico tan del gusto de Hollywood. Una heroína en toda regla, cuyo periplo confluye con ese idealismo americano de lucha por la libertad. Viendo ‘Harriet’, último trabajo de la directora Kasi Lemmons, tengo la impresión que este no será el biopic conclusivo sobre su figura.


Lemmons ofrece un tratamiento lineal a la epopeya emprendida por esta mujer. Las escenas de acción, acompañadas de reiteradas elipsis, reflejan el naufragio de su autora a la hora de entroncar las proezas de Harriet (Cynthia Erivo) con el cine de aventuras. Prefiere explotar los sentimientos de los protagonistas. Introducirnos en el sufrimiento derivado de la barbarie esclavista y lo enfermizo de las relaciones humanas a las que da lugar, pero sucumbiendo ante el melodrama de características más tradicionales.


Contando una tragedia durísima, nunca provoca el sobresalto. Se impone una narración acomodaticia, ajustada a esos cánones, muy en uso de un tiempo a esta parte, de no arriesgar. No aportando nada nuevo al subgénero, ‘Harriet’ es el tipo de obras desperdiciadas por su conformismo.


Negros esclavizados y libres; hacendados sureños venidos a menos cuyo patrimonio se expresa en número de siervos; algún negro traidor a su raza que actúa como cazarrecompensas; la figura del pastor haciendo equilibrismos imposibles, ofreciendo una religiosidad ad hoc, que igual vale para un roto que para un descosido; y gente anónima comprometida con la causa del abolicionismo, constituyen un elenco en el que ningún secundario desentona.


En este aspecto destaca el papel estelar de Cynthia Erivo. Sus variados semblantes para secundar los avatares a los que es sometida, componen la carta de presentación de una actriz mayúscula, aunque no le ayude el guión. El cara a cara entre Harriet y su dueño Gideon (Joe Alwyn), se hace esperar, aunque se divisa desde lejos. Y resulta tan superficial como la mayor parte de la película.

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martes, 21 de marzo de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM

Los lanzamientos de Deep Purple en 1971 y 1972 fueron un verdadero golpe de la fuerza metálica de Deep Purple en el apogeo de su destreza.

El primero, Fireball de 1971, fue, aparte de los tres primeros álbumes de Black Sabbath, lo más pesado del planeta en ese momento.

Las canciones de Fireball son imponentes, monstruos Proto-Metal del más alto nivel.

El álbum está construido en torno a una de las mejores canciones de la Era original del Heavy Metal, el invencible Demon's Eye.

Es un poco difícil discutir la interpretación musical individual de Fireball porque todos son muy buenos. Deep Purple Mark II era una unidad súper cohesiva en este momento, y todos en la banda están en su cúspide individual.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Don es el peor artista del mundo”.  Todos le habrían pagado para sacarlo del escenario.  El cumplido es de Wilson Pickett y, con el debido respeto, lo entendió todo mal.  Así que déjalo escuchar "Precious You" y esa voz quebrada susurrando palabras de amor.  Déjese llevar por “El lugar de siempre”, donde Covay encarna de lleno una balada donde la falta nunca se expresa con claridad sino que resuena por doquier.  Sin ofender a Pickett, Don Covay es un cantante sólido, pero es sobre todo como autor que se destaca al comienzo de su carrera.  Gravitando alrededor del Brill Building en Nueva York, aprendió el oficio de los expertos del sector: Otis Blackwell, Jesse Stone y Jerry Wexler en particular, quienes le permitieron componer algunos éxitos para Solomon Burke durante su etapa en Atlantic.  Fue en este sello donde publicó See-Saw, y el título "Mercy, Mercy" en 1964, y popularizó un soul donde la guitarra es omnipresente, influyendo así en artistas como Peter Wolf o Mick Jagger.  Esta canción, en la que un joven desconocido llamado Jimi Hendrix toca su guitarra, es un puente entre el country soul “y el rock de las siguientes décadas.  Una conexión lógica teniendo en cuenta que Don Covay se curtió con Little Richard, cuyas influencias se pueden sentir en "See-Saw".  Escrito por Steve Cropper y grabado en Stax, el título se distingue por su estribillo embriagador y su percusión metálica, como una sierra cavando un surco entre los metales.  Sensación prolongada en "Sookie Sookie", compuesta por el mismo Cropper donde las palabras de Covay suenan como un bajo y todo parece caer hacia un suelo pisado por bailarines en trance.  "Iron Out The Rough Spots", también escrita en Stax con Booker T. Jones y David Porter, sacude el otro lado de la fiesta, con sus ritmos de bossa nova y trompas perezosas, antes de que "I Never Get Enough Of Your Love" no lo haga. se inclina hacia el gospel, siendo aquí más discreta la guitarra.  Poco después, Don Covay será uno de los impulsores del Soul Clan, un supergrupo de soulmen que reúne en torno a él a Burke, Pickett, Joe Tex y Otis Redding, que no irá más allá de una sola canción y unos cuantos conciertos.  Un fracaso relativo para aquellos que, como si el alma tuviera nada más que ofrecerle, se vuelve al blues en su siguiente álbum, The House Of Blue Lights. Un regreso a los orígenes para el hombre que compartiría con gusto el título de “Rey del rock’n’soul” con Solomon Burke.

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lunes, 20 de marzo de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

28.9.1968-4.10.1968


Este ha sido uno de mis álbumes más reproducdos casi siempre. Después de los Beatles y los Stones, creo que los Rascals fueron la mejor banda de los años 60.

Lo único que te hace no pensar en ellos de esa manera es la cantidad y no la calidad.

Su catálogo es un poco delgado y no tienen la gran cantidad de cosas geniales como todas las otras bandas de primer nivel de los años 60, pero la calidad y la variedad son increíbles. No puedo pensar en nadie más que haya sobresalido en una variedad tan grande de música.

Sus primeros éxitos fueron más o menos garage rock y versiones de clásicos de RnB o Rock, pero pronto se hicieron conocidos por sus canciones autoescritas que iban desde el pop directo hasta el soul suave y el rock psicodélico.

Y sobresalieron en todos ellos, mientras que al mismo tiempo siempre sonaban como ellos mismos, por lo que ni siquiera te diste cuenta de cómo se movían sin problemas y sin esfuerzo entre los diferentes estilos.

Pero de todos modos, esta compilación suena como un álbum de lanzamiento regular y nunca suena como un álbum de grandes éxitos que está tratando de pegar material de relleno entre los éxitos para completar la duración del álbum.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Esta es sin duda una mejora con respecto a su álbum anterior , que era un poco demasiado ligero para mis gustos.

La voz de Paula Cole está más en plena exhibición aquí y es capaz de cambiar de una cantante y compositora ultra accesible a una más confesional.

Las melodías también son inmediatas y, aunque algunas de las canciones tienen letras que podrían haberse sacado de una serie de comerciales de Dove (Strong Beautiful Woman), la mayoría de las veces puede equilibrar el optimismo con la sincera verdad. Esta es tal vez su colección más fuerte desde su álbum de revelación, Amen. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Grupo alicantino formado a mediados de los 70, que firmó  por el sello Chapa, con influencias latinas y toques de funk, no estaba muy cercano al estilo predominante en el sello. Posteriormente, pasar a Zafiro, y lograron algunos éxitos menores, como Orgía de Neptuno, lo que garantizó durante varios años que el grupo tuviera una más que aceptable agenda veraniega de directos. Sin embargo, su legado discográfico no es muy recordado, pese al buen  sonido que conseguían sacar a sus temas.

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domingo, 19 de marzo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2019)

Los Premios Óscar 2019 a la mejor canción original tuvieron los siguientes nominados:


"I Can't Let You Throw Yourself Away" de Toy Story 4 - Música y letra de Randy Newman.


"(I'm Gonna) Love Me Again" de Rocketman - Música de Elton John y letra de Bernie Taupin.


"I'm Standing With You" de Breakthrough - Música y letra de Diane Warren.


"Into the Unknown" de Frozen 2 - Música y letra de Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez.


"Stand Up" de Harriet - Música y letra de Joshuah Brian Campbell y Cynthia Erivo.


El ganador del Premio Óscar a la mejor canción original fue "(I'm Gonna) Love Me Again" de Rocketman. 


La canción, escrita por Elton John y Bernie Taupin, cuenta la historia del famoso cantante y compositor británico, Elton John. La canción se destacó por su estilo retro y su energía contagiosa, que capturó perfectamente el espíritu del biopic musical de Elton John.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA


Lo primero que se oye de los Electric Prunes es la guitarra pulsante y zumbando. Debería convertirse en la marca registrada de la banda. El álbum se inaugura con "I Had Too Much to Dream (Last Night)", el mayor éxito de Prunes. Las 11 canciones restantes del LP subrayan que la banda pertenece a la crème de la crème de la escena musical de garaje estadounidense en 1967. Casi todas las pistas alcanzan con dificultad la marca de los 2:30 minutos, hacen lo que se necesita y transmiten exactamente la atmósfera un poco sombría y loca que se espera de un álbum de este género.


No es el rock psicodélico como The Doors. Más bien como Forever Changes de Love


Pudo haber sido algo monumental y sólo se quedó en muy bueno. La primera mitad del disco contiene 3 verdaderas joyas sicodélicas, comenzando obviamente por el sueño en ácido de “I Had Too Much To Dream”, siguiendo con la floydiana “Are You Lovin’ Me More” y terminando con los aires exóticos de la bizarra “Sold To The Highest Bidder”.

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sábado, 18 de marzo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sigue sorprendiéndome cuántas gemas ocultas hay por ahí de las que de repente escuchas hablar y luego las escuchas y te juro que tenías una opinión completamente diferente sobre su estilo de música.


Conocía el nombre de la banda Earth de Manfred Mann y siempre pensé que era una especie de blues basado en el piano. Sin embargo, después de escuchar este álbum, me sorprendió gratamente que al menos este álbum esté muy orientado al rock/prog con una guitarra asesina tocando en varias canciones. y nunca he oído hablar de David Flett, cuyo estilo parecía similar a Snowy White y Brian Robertson de Thin Lizzy.


Lo más destacado: Casi todo el álbum, el único al que aún no me he convencido es Matha’s Madman 


Con la gran voz, sintetizador y teclados de Chris Thompson, la Earthband de Manfred Mann es fácilmente reconocible. Sus canciones son abstractas pero memorables. Este es uno de sus mejores álbumes. Me encanta "Davey's on the Road again".

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viernes, 17 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cuando se trata del Soul profundo, no hay ningún argumento de que Otis Clay era el rey. Junto con Otis Redding, Tyrone Davis, Wilson Pickett, Johnnie Taylor y Sam y Dave, ayudó a dar forma al sonido de la Nueva Generación en los años 60 con su actuación incendiaria, desgarradora, llena de vientos y teñida de gospel.


Hoy, a los 80 años que hubiera cumplido de no morir en 2016, la leyenda del West Side de Chicago lleva firmemente la antorcha, entregando la música a una nueva audiencia mucho después de que la mayoría de sus primeros contemporáneos conocieran su reposo. Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Blues y fue nominado en dos categorías para los Blues Music Awards 2014, pero no muestra la más mínima señal de desaceleración.


Cada vez que Clay subía al escenario, los ángeles se detenían a escuchar. Es a partes iguales de arena, gruñido y alegría celestial, fusionando a la perfección los mundos del blues y el gospel en uno con un toque de otros estilos musicales lanzados en buena medida. Otras personas hacen lo mismo, pero Otis ha construido un gran número de seguidores tanto en el lado secular como en el espiritual de la calle. Sus lanzamientos de soul han sido frecuentes, consistentemente frescos y bien recibidos, y un álbum de gospel en particular sigue siendo un vendedor constante 20 años después de salir a la calle.


No es de extrañar que pueda hacer malabares con ambos mundos tan bien cuando se considera su educación. Muchos artistas nacidos cuando fue mal visto por los miembros de la sociedad "adecuada" por elegir un camino en el blues, pero la dualidad es su derecho de nacimiento. El más joven de diez hijos, es el hijo de Anthony y Elizabeth Clay, y vino al mundo el 11 de febrero de 1942, en la zona rural de Waxhaw, no lejos del río en el noroeste de Mississippi.


"Realmente solo había un tipo de música en la casa", recuerda Otis, "y ese era el evangelio. Pero mi padre ahora era un granjero; era un inquilino; y un empresario. Tenía un juke joint, y en la habitación de atrás, ya sabes lo que estaban haciendo... estaba jugando y todo eso. Mi madre era una señora de la iglesia. Pero en la casa, dijera lo que dijera mi madre, esa era la ley.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Varios conciertos benéficos para el huracán Katrina en 2005 inspiró a Allen Toussaint y Elvis Costello a trabajar juntos de nuevo.

Los resultados son impresionantes.

Los Imposters tocan algunos ritmos increíbles, Costello canta tan bien como siempre y los fabulosos arreglos de trompas de Toussaint son la guinda del pastel.

Su increíble sonido da nueva vida a los viejos de Allen Toussaint y también hace que sus nuevas canciones sean clásicos instantáneos.

Ya sea en baladas de soul relajadas como "The sharpest thorn" o los surcos de tempo ascendente de "Tears, tears and more tears" y "Who's gonna help brother get further?", todo el mundo está en plena forma de principio a fin.

Este tipo de alma de Nueva Orleans no es algo que esperarías de Elvis Costello & the Imposters, pero en este álbum suenan como si hubieran estado haciendo esto durante años.

Un triunfo para todos los involucrados y sin duda una de las sorpresas más agradables de 2006. 

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jueves, 16 de marzo de 2023

DIRECTISIMO 79

Nacido como Johnny Otis, Jr. el 30 de noviembre de 1953, en Los Ángeles, California, el formidable talento musical de Otis apareció a una edad temprana. Comenzó su carrera profesional alrededor de 1965.

Tocó un solo de guitarra en el éxito de R&B número 29 de su padre Johnny Otis de 1969 "Country Girl", publicado por Kent Records.

Sus habilidades con la guitarra eran tan expertas que, durante su adolescencia, tendría que usar gafas oscuras y aplicar estratégicamente tinta negra entre la nariz y la boca para parecer lo suficientemente mayor como para actuar en clubes con su padre.


El guitarrista, cantante, compositor, productor y multiinstrumentista Shuggie Otis puede no ser un nombre familiar, pero su "Strawberry Letter 23" está en una multitud de colecciones de discos domésticos.

La versión de la canción de los Brothers Johnson ha vendido más de un millón de copias, alcanzando el número uno de R&B y el número cinco del pop en las listas de Billboard en el verano de 1977.

Estuvo en su LP Right on Time, que llegó a ser platino, vendiendo más de un millón de copias, manteniendo el puesto número uno de R&B durante tres semanas, y llegando al número 13 pop en la primavera de 1977. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En el Dr. John's Gumbo se convierte en Dr. John y vuelve a las raíces de Nueva Orleans. Así que eso significa principalmente blues y bluegrass con una porción muy resistente de piano. La voz cruda del Dr. John solo hace que todo sea más auténtico, pantanoso y, ciertamente, mucho más divertido.

De hecho, a veces todo suena muy funky.

Aprendió mucho de Ray Charles, pero sin la big band y el sonido simplemente se trasladó a su Nueva Orleans.

No puedes conseguirlo más americano. Su versión de los tradicionales Iko Iko o Stack-A-Lee (anteriormente también manipulada por Bob Dylan) parece haber sido escrita especialmente para él.

Estúpido, blues oscilante con mucho alma y estilo muy localista.

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miércoles, 15 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Espectacular. Música americana cósmica, de hecho. En los momentos más fascinantes de No Other, Gene Clark es como un mago de las colinas que encanta una furiosa tormenta de sonidos arremolinados y enérgicos como los que el mundo nunca ha escuchado. "Strength of Strings", por ejemplo, no es solo una canción, sino una experiencia inmersiva para la vista. En términos más literales, si puedes imaginar un álbum psicodélico pulido con fuertes infusiones de country/western y, en menor medida, jazz, blues e incluso funk, puedes tener una idea de cómo suena No Other. Es un valor atípico de otro mundo en los anales del material de cantante y compositor de la década de 1970. Y aunque no es del todo perfecto, su escala, concepción y creatividad altamente imaginativa y ambiciosa son impresionantes. 

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AYER VÍ (22)

THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA)


Pocas personas más interesantes, relevantes e injustamente desconocidas que el británico Alan Turing (1912-1954), matemático de inusitado talento, visionario de la inteligencia artificial y padre putativo de los modernos ordenadores que pueblan nuestra cotidianeidad.

Héroe silenciado y oculto de la II Guerra Mundial, villano según la legislación británica del momento que lo sometió a una aberrante castración química, desfigurándole por completo y haciéndole físicamente imposible cualquier trabajo intelectual por la inyección de estrógenos que arruinaron su brillante mente y le incapacitaron para la vida.

Una añeja leyenda urbana no verificada – pero verosímil – es que el famoso logo de Apple de Steve Jobs es un sutil y discreto tributo a Alan Turing, quien se suicidó tomando unos bocados de una manzana impregnada de cianuro… ¿Y cuál fue su supuesta abominación? Ser homosexual.


A veces la timidez enfermiza y la torpeza para relacionarse socialmente suele tomarse como orgullo, arrogancia, vanidad o altanería, cuando en verdad se trata de una viscosa, compacta y compleja capa de protección que personas demasiado vulnerables y sensibles se construyen, muy a su pesar, para protegerse de las brusquedades, zafiedades y atropellos de sus (supuestos) semejantes.

Poner distancia en el trato para sentirse seguro en su mundo de delicados matices y diferencias que los demás no saben, no quieren o no pueden apreciar, ni valorar, ni entender. Poner distancia entre uno mismo y los demás para no quemarse y para no sucumbir al doloroso calvario de creerse diferente y socialmente inadecuado, para no tener que dar datos personales (proporcionar información es dar potenciales armas letales al enemigo) que exhiban su vulnerabilidad y expongan su extremada fragilidad.


Esta es una muy honesta y primorosa película sobre la tortura de saberse diferente (y señalado por el dedo acusador) por los motivos equivocados y sobre la imposibilidad de salvarse buscando en la inteligencia y altanería intelectual la tabla salvífica que nos redima de nuestros pecados, que nos limpie o exonere de nuestra mancha original, como si tuviéramos que purgar o expiar una profunda culpa que permanece acechante como una espada de Damocles sobre nuestras atribuladas cabezas heridas. Y nunca hay suficiente esfuerzo ni sacrificio que nos permita alcanzar la meta anhelada: la paz interior, la tranquilidad, la reconciliación con la sociedad, la relajación emocional. Por ello el interminable juego lacerante del disimulo, de la mentira, de la ocultación.


Brillante, sorprendente y reconfortante película británica, dirigida por un noruego talentoso que acierta en el tono, en la recreación de un momento histórico y en el reflejo de un sufrimiento íntimo y que sabe dotar de luminosa claridad expositiva la contribución indeleble de Alan Turing a la historia contemporánea. Muy necesaria y recomendable. 

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martes, 14 de marzo de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM

18.9.1971-24.9.1971 

Uno de los mejores álbumes de rock

Sin duda, este es el mejor álbum de estudio de Who de largo y uno de los grandes álbumes de rock de todos los tiempos.No soy tan fanático de la música rock clásico en estos días, pero si hay un álbum de ese género, entonces Who's Next probablemente lo sería. Aparte de su una vez controvertida portada , es famoso por al menos 2 canciones familiares de Who, Baba O' Riley y Won't Get Fooled Again. Pero hay muchas gemas igualmente merecedoras incluidas, como las 2 baladas, The Song Is Over y Behind Blue Eyes. una canción versionada por otros artistas como Sheryl Crow y, más recientemente, Limp Bizkit. Si hay una debilidad en este álbum es la canción de Entwhistle, My Wife, que es la extraña pista en un set por lo demás casi perfecto.


La musicalidad es de primera categoría y Roger Daltrey está en plena forma como vocalista en todo momento. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“The Rising" es uno de los álbumes más profundos de la carrera de Springsteen. Junto con "Born In The U.S.A." y "Born To Run", se clasifica como la obra maestra definitiva y es realmente difícil de creer que Bruce Springsteen haya grabado tal belleza en una época de dominio del pop plástico y la música de baile. Siempre fiel a sí mismo y a sus creencias, Springsteen una vez más dio a sus oyentes algo que recordar, musical y líricamente. "The Rising" es una belleza lírica, pero la música también se mantiene por sí sola, proporcionándonos melodías, ganchos y arreglos memorables. Es un álbum largo y mucha gente puede darse por vencido después de unas pocas canciones, pero en mi opinión este álbum debe llevar algo de tiempo y comprensión. No es fácil, en medio de la música de carretera que llena el espacio de radio de entonces , a pesar de que a veces Springsteen puede llegar a una bonita melodía que se quedará en tu cabeza durante mucho tiempo. "Lonesome Day", "Into The Fire", "Nothing Man", "Paradise" y la canción principal son puros clásicos. Pero para ser honesto, cada canción merece atención y vale la pena apreciarla. 

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lunes, 13 de marzo de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM


7.9.1968-27.9.1968 

5.10.1968-11.10.1968 


Esta es una obra maestra psicodélica. Bueno, en realidad toda la carrera de The Doors fue una obra maestra. Esto tiene algunas de las canciones más conocidas de The Doors como "Hello, I Love You", "Love Street" y "The Unknown Soldier". Aquí no hay pistas débiles. El gigante psicodélico "Not to Touch the Earth" es quizás la mejor canción de este álbum. "My Wild Love" es también una de las mejores canciones de The Doors y una de mis favoritas personales. "Five to One" es una gran pista final y hay un solo increíble de Krieger. Sin disparos débiles.


Me encanta la música psicodélica de los años 60 y soy un gran fan de The Doors. Este es, una vez más, un álbum perfecto de The Doors.


La revista Rolling Stone, con sede en San Francisco y ultra sesgada, comenzó a volverse en contra de los Doors en esta época, acusando a los Doors de repetirse mientras continuaban exactamente en el mismo modo que los dos primeros álbumes, incluso llevando algunas de las melodías y cadencias. Excelente sonido con alta moudulación, limpio y brillante. Dominado por voces y teclados con guitarra tenue. Five to One con su enorme riff de joroba, debería haber sido un sencillo, una de sus mejores canciones de la historia. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Siempre me ha encantado esta banda de Jo Jo Gunne

Grandes canciones como I Wanna Love You, Red Meat, High School

Como To The Island muestra un lado más comercial 

Banda subestimada. El álbum termina con Turn The Boy Loose.


Definitivamente la canción más pesada del álbum.

Sobregrabó el solo de guitarra un millón de veces.


Jumpin' the Gunne es el tercer buen álbum de hard rock consecutivo para esta banda. Tenían un ambiente de boogie hard rock y la guitarra principal de Matt Andes era superior


Buen aporte rockero de testosterona de principios de los setenta. Si te gusta el rock duro que está dominado por la guitarra, seguro que te debería gustar este grupo. Buena música para escuchar mientras se conduce por la noche. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Arthur Conley hubiera cumplido el 2 de enero 77 años.

Nacido en Atlanta (Georgia, EE UU) en 1946, el cantante saltó a la fama gracias a la tutela que ejerció el mítico Otis Redding.

Todo el mundo lo recuerda por su imperecedero clásico Sweet soul music de 1967, pero Conley comenzó su carrera en 1959 cuando estaba al frente de Arthur and the Corvets. Heredero del estilo de Sam Cooke, adaptó su Yeah, Man junto a Redding, convirtiéndola en un tributo al soul en Sweet soul music.

El binomio también funcionaría muy bien ese mismo año con Yeah man.

Otros éxitos menores de Conley fueron Funky street y People sure act funny.

Aunque pertenecía a la escudería de artistas del sello Atlantic, Arthur Conley realizó giras bajo el paraguas del otro gran sello de soul de la época, Stax, en la famosas Stax/Volt Revue con otros artistas de la época como Booker T. & the MGs o Sam & Dave. Más adelante, Atlantic le integraría en el efímero supergrupo Soul Clan, formado junto a otros grandes como Solomon Burke, Joe Tex, Don Covay y Ben E. King.

A principios de la década de los 70, Arthur Conley se retiró de Estados Unidos, descontento con la dirección artística que tomaba su carrera, presionada por Atlantic.

Se afincó en Holanda tras vivir en varios países. En 1986 grabó un disco en directo en Amsterdam, Soulin', bajo el nombre de Lee Roberts & the Sweaters. 

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domingo, 12 de marzo de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2019)

Hildur Guðnadóttir es la primera mujer en obtener el Óscar a la mejor música original en este siglo. La última ganadora fue Anne Dudley, que obtuvo el premio con la banda sonora de 'Full Monty' en 1998, cuando la categoría estaba dividida en dos, música dramática y música de comedia.


La música de Joker es muy particular y está muy alejada del estilo tradicional de Hollywood. Es una obra maestra en relación al trabajo con el concepto musical que unido a la trama, a la construcción del personaje y al concepto estético de la película, crean una obra audiovisual única. 

No es el estilo de banda sonora que hace que el espectador salga  cantando el tema principal cuando sale del cine. Realmente está tan unida al todo de la película que no podemos separarla. La música es la película, tanto como lo es la imagen, el sonido y todos los elementos que la conforman. 


Es una música que necesita del tiempo del oyente para ser escuchada.


Te sumergen y te llevan a otra dimensión. Realmente hay que sentarse a escuchar y dejar que los sonidos te atraviesen. 


Es una banda sonora que cuenta con mucha personalidad y que hace que no sea una más de la lista de favoritos. Es sin lugar a dudas algo diferente, novedoso y contemporáneo.


Hildur Guðnadóttir es una compositora que viene de la rama clásica, ya que sus padres también son músicos. Participó en coros y tocó en diversos grupos de rock y pop, luego comenzó a sumergirse en lo experimental y electrónico, viéndolo como un juego.

Se define como una compositora lenta, en el sentido de que le gusta tomarse el tiempo para pensar y componer, no le gusta hacer las cosas rápido como suele suceder en la mayoría de las producciones cinematográficas. 

(Fuente Cinegavia) 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Luna me llevó a dar otro paseo en este álbum, y aunque algunas de las canciones no hicieron clic conmigo al principio, me alegro de no haberme bajado del coche... porque mientras rodaba por la carretera, me llamó la atención un esplendor simple pero complejo, el lavado de sonidos, las capas, el paisaje onírico y la felicidad del mendigo.

Luna a menudo logra esta hazaña, y cada vez que sucede me sorprende que hayan sido capaces de capturar tan completamente la esencia de mi ser interior.

Pup Tent es un álbum pasado por alto, aunque sin duda, es su presentación más oscuramente compleja y orquestada, que muestra que Luna tiene una profundidad aquí para no ser reconocida por la mayoría de la gente, y eso es una vergüenza, ya que este lanzamiento tiene aún más fuerza hoy en día, de lo que lo hizo cuando se grabó inicialmente. 

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sábado, 11 de marzo de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

1972 es un homenaje al año de nacimiento de Josh Rouse, su guitarra y, por supuesto, la música: Neil Young, Nick Drake, Curtis Mayfield, Al Green, Marvin Gaye, Isaac Hayes, Van Morrison, T. Rex, Steely Dan, Jackson Browne y la radio AM.

Lo que es notable es que este no es un álbum de nostalgia.

Cada canción única y pulida evita sonar como cualquiera que no sea Rouse. "Love Vibration" es un singalong emocionante que merece su primer estatus de sencillo.

La percusión y las melodías de "Sunshine (Come On Lady)" son aún más edificantes. Aunque muchos de los temas líricos son oscuros, la música es mayormente alegre. "Comeback (Light Therapy" está dirigido por uno de los mejores riffs de bajo del año, mientras que "Under Your Charms" atenúa las luces y se vuelve seductor de una manera no tan sutil, mientras se embarca en un delicioso soul sinfónico. "Flight Attendant" recuerda la angustia de la infancia a una delicada mezcla de jazz, despegando hacia el azul allá al final en la cima de una sección de bocina en alto. "Sparrows Over Birmingham" presenta un magnífico coro de gospel-blues.

Cada canción es una pieza de estado de ánimo perfectamente realizada, con una producción bellamente limpia digna de sus inspiraciones.

Tan emocionalmente evocador como lo fue Under The Cold Blue Stars del año pasado, esto lo supera por una milla campestre. 

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viernes, 10 de marzo de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Grass Roots tuvo una serie de grandes éxitos, en particular "Let's Live for Today", "Midnight Confessions", "Temptation Eyes" y "Two Divided by Love", que ayudan a definir la esencia de la mejor radio AM de la época.

Aunque los miembros del grupo ni siquiera estaban cerca de ser reconocibles, y su composición interna era casi irrelevante, los Grass Roots lograron obtener 14 éxitos en el Top 40, incluidos siete sencillos de oro y un sencillo de platino, y dos tenían colecciones de éxitos que sin esfuerzo se volvieron de oro.

La historia del grupo también es bastante complicada, porque había al menos tres grupos diferentes involucrados en la creación de las canciones identificadas como por "the Grass Roots".


The Grass Roots fue originado por el equipo de escritores/productores de P.F. Sloan y Steve Barri como un seudónimo bajo el cual lanzarían un cuerpo de folk-rock al estilo de Byrds/Beau Brummels. Sloan y Barri fueron compositores contratados para Trousdale Music, el brazo editorial de Dunhill Records, que quería sacar provecho del auge del folk-rock de 1965. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Puede que me guste este álbum más que el fan promedio de Garbage porque fue el primer álbum de Garbage que compré. Si ese es el caso, que así sea.

Probablemente no habría podido abrir mi mente a este álbum si hubiera escuchado la discografía de Garbage cronológicamente.

Dicho esto, también escucho mucha música pop, así que este nuevo estilo para ellos realmente no me alienó.


La mejor parte de este álbum es probablemente la voluntad de Garbage de probar y experimentar con muchos estilos de música diferentes.

En lugar de volver a la electrónica de rock alternativo de su primer álbum, que molestó a algunos fans de la Versión 2.0 (aunque no me decepcionó tanto), o un sonido anticuado, que arruinó Bleed Like Me, la banda probó muchos sonidos diferentes, la mayoría de los cuales funcionaron.

Desde el hip hop "Shut Your Mouth", hasta el influenciado por Phil Spector "Can't Cry These Tears", hasta el pop "Cherry Lips (Go Baby Go!)", Garbage se negó a ser categorizado como un poni de un solo truco para su tercer lanzamiento.


Este álbum tiene grandes momentos optimistas en canciones como "Can't Cry These Tears", "Til the Day I Die", "Breaking Up the Girl" y "Cherry Lips (Go Baby Go!)" que son tan agradables como sus éxitos anteriores, solo que menos rock alternativo y más pop. Tampoco escatima en baladas, con "Cup of Coffee", "Drive You Home" y "So Like a Rose". 

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