50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este probablemente habría sido un álbum decente, pero Allan Holdsworth en la guitarra es quien hace sea tan bueno.

Incluso cuando el fondo no es interesante, la guitarra principal añade suficiente sabor para que funcione.

Algunos de los movimientos que hacen estos chicos son brillantes, como en "Bundles" y "Land of the Bag Snake". El protagonista se sintetiza impresionantemente bien con los cambios de acorde. Algunos de los mismos, como "The Man Who Waved at Trains" y "Peff", suenan muy parecidos a Soft Machine anterior a Haroldsworth. "Four Gongs Two Drums" es una extraña pero breve pista solo para batería. El largo y sinuoso "Hazard Profile" de 5 partes es efectivo para atraerte, y el soñador y etéreo "Floating World" es efectivo para enviarte a la luna.

No tengo ninguna queja sobre este álbum. Nunca alcanza las alturas que parece que debería alcanzar, pero tampoco se sumerge en un territorio inescuchable. Todas las canciones son al menos algo buenas. 

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1972’s # 1 UK ALBUM

22.4.1972-5.5.1972 

13.5.1972-19.5.1972 

El álbum de 1972 de Deep Purple, Machine Head, es absolutamente una piedra angular del Hard Rock. Y es sin duda uno de los 10 mejores y más influyentes álbumes de Hard Rock de todos los tiempos. Para 1972, este album podría aplastar la tierra. Y el líder de la banda Ritchie Blackmore también lo sabía. Podría decirse que Purple ha grabado la mejor balada de toda su carrera en "When A Blind Man Cries" durante las sesiones de Machine Head. Ritchie se negó rotundamente a tenerlo en el álbum. Sabía que Purple había establecido una obra maestra de Metal para todas las edades y se negó a dejar que nada estropeara su imponente pesadez. Machine Head es ampliamente y legítimamente reconocido como el Magnum Opus de Purple. La pieza central del álbum, la aplastante y aplastante pista de metal clásica Smoke On The Water ha sido reconocida durante mucho tiempo como la mejor pista de Deep Purple, junto con el igualmente sobresaliente himno de Hard Rock Highway Star. Luego tienes el himno ardiente Pictures Of Home, y el increíble Lazy. Machine Head es realmente uno de los grandes de todos los tiempos, incluso tiene una exitosa banda de Metal que lleva su nombre.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si te gusta Eagles, entonces te gustará esto. Tan simple como eso. Seamos realistas, las primeras águilas eran las más grandes (lo siento glenn) y esto está justo ahí arriba, en términos de calidad, con el lado 2 de Desperado y partes de The Border.

Si Desperado vendió diez millones, esto debería haber vendido 12, es igual de bueno, si no mejor.

Pero, por desgracia, supongo que no había suficiente gente revisando los créditos de las portadas de LP para saber quién escribió muchas de esas increíbles canciones de Eagles que todos damos por sentadas.

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1969’s # 1 USA ALBUM

4.10.1969-31.10.1969 

¿Qué hace que un álbum sea una obra maestra? Esa es la pregunta que me viene a la mente con respecto al tramo de tres álbumes de clásicos absolutos de CCR que comienza aquí. Porque si lo es, su brillantez, principalmente una fusión de la composición sintética de Fogerty y las voces fantásticas con el ataque bien pulido de la banda, no significa nada. No rompen la tradición consolidan lo que aman de la música estadounidense en algo que no es necesariamente nuevo, como dije, es sintético, con ecos de blues, country y, por supuesto, rock and roll, pero es, al menos para mí, bastante notable. Para este tercer disco, habían dado todo el paso y Fogerty y la banda no pudieron hacer nada malo por dos álbumes más después de él.

Mi única queja que podría presentar aquí sería que el tiempo total de funcionamiento se registra en menos de 30 minutos.

Pero si la brevedad es el precio de dos grandes álbumes en un año, me conformo .

Después de todo, las nueve canciones de aquí son prácticamente perfectas, con un ritmo perfecto, perfectamente interpretadas. Si eso no lo convierte en una obra maestra, no sé qué lo hace. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Barclay James Harvest fue una de las pocas bandas que nunca perdió su fe hippie de paz y amor.

Les no tiene una voz fuerte, pero está bien. Su escritura es un cantante/compositor bastante estándar, pero sabe cómo pulir una melodía decente. Las melodías de John, en particular en este álbum, tienen un elemento folk/rock inglés distinto, que es muy bueno. La canción de Woolly, bueno... Creo que Woolly solo atrapó alrededor de un tercio de su melodía aquí.

La canción de apertura, "In my Life", es genial. El lado dos es un poco clásico, las últimas tres pistas son canciones muy bonitas.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mr. Fantasy es uno de los álbumes más eclécticos de la era sicodélica, lo cual no es poco decir en una época en que agregar cualquier ingrediente a la mezcla era algo común, pero que por si solo no garantiza nada.

Así, por un lado los constantes cambios de estilo en general dan buen resultado porque hay muchas buenas ideas dando vuelta y además buenos compositores y ejecutores, pero al mismo tiempo les pasa la cuenta ya que como suele suceder cuando se trata de abarcar demasiado, no todo funciona.

Pop sicodélico, toques de jazz y blues, ritmos latinos, baladas, sonoridades orientales e improvisaciones se dan cita aquí, y aprovechando la versatilidad de Steve Winwood y Dave Mason aparecen toda clase de instrumentos como flautas, saxos, cítaras, violines, melotrones y clavecines. "Dear Mr. Fantasy" y "House For Everyone" son los puntos altos mientras que los excesos corren por cuenta de "Utterly Simple", pero hay mucha imaginación y color aquí para quedarse un buen rato. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2012)

Además de ganar el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original, la banda sonora de "Life of Pi" también ganó el Globo de Oro a la Mejor Música Original en la ceremonia de los Globos de Oro de 2013. La música es conocida por su uso de instrumentos étnicos, como la flauta bansuri india, el violín chino erhu y el corno francés. La banda sonora también presenta una canción original titulada "Pi's Lullaby", interpretada por la cantante y compositora india Bombay Jayashri. La canción fue nominada al premio Óscar a la Mejor Canción Original en la misma ceremonia de los Premios de la Academia de 2013. 

Es una película estadounidense de aventuras y drama del año 2012, basada en la novela del mismo nombre escrita por Yann Martel. La película sigue la historia de un joven llamado Pi que naufraga en alta mar junto a un tigre de Bengala y otros animales después de un terrible accidente en un barco que transportaba animales. La película es visualmente impresionante y fue dirigida por Ang Lee.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una continuación del último álbum, pero esta vez con 2 éxitos masivos en la canción principal y el sublime "Everything I Own", que fueron los 5 mejores en los EE. UU. (no olvidemos el excelente "Diary" que llegó al número 15).

Por supuesto, ambos fueron proporcionados por el increíble David Gates, que tiene que ser uno de los compositores de pop más subestimados de la historia. Naturalmente, el otro gran compositor de Bread es James Griffin y proporciona seis pistas (dos en solitario, dos con Royer, una con Gates y una con el nuevo miembro Larry Knechtel). Como de costumbre, Gates roba el espectáculo aquí, pero las otras pistas tampoco son holgados (debo dar accesorios a la excelente "Dream Lady").

Este es probablemente su álbum más fuerte hasta la fecha. No pensé que superaría a Manna, pero en realidad, Bread estaba en su apogeo absoluto aquí y casi todas las canciones aquí son de buenas a excelentes, solo "I Don't Love You" es peor que eso. Es difícil superar esto cuando se trata de pan. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ser del sobrino del gran Ravi Shankar probablemente se le queda grande los zapatos para llenar el mundo de la música, pero en este debut Ananda se talla una identidad muy única. Esta toma de rock más psique de la música tradicional india es, sin duda, un poco kitsch, pero es tan singular en su sonido en algunos puntos de este álbum que lo compensa. Cuando Ananda no está ocupado cubriendo The Doors, está proporcionando una música india excelente y sumamente creativa que es una mezcla bastante maravillosa de música india y occidental tal como él imaginaba. Es fascinante, en pocas palabras. 

Una mezcla bien ejecutada de música india y rock psicodélico de principio a fin. Combina este sonido distinto con una lista de canciones bastante consistente, y tienes un álbum sólido. Un álbum maravillosamente único, y uno que terminé disfrutando mucho más de lo que inicialmente pensé que lo haría.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este disco sigue siendo su mejor hasta la fecha; The Facts of  life tuvo momentos magníficos, tal vez más "obvios" grandes momentos pop que England Made Me pero el debut es una creación mucho más consistente.

No se detiene como lo hace el seguimiento; desde la disección juguetona y discreta del mundano tema que lo abre, "Girl Singing in the Wreckage", hasta el evocador "Hated Sunday" más cercano, este es un álbum cohesivo y fino. El estado de ánimo es silenciado, contemplativo y bastante lejos de los siguientes discos de la banda, que añaden producción pop y cierta descarada. Aquí, la instrumentación tiende hacia un uso limpio de guitarras ligeras y sonantes con algunos adornos, como el siniestro piano de "Ideal Home". Las letras se refieren al desajuste y la mundanidad en los suburbios de la Gran Bretaña moderna.

Sarah Nixey es un excelente hallazgo aquí; la suya es una voz con un toque ligero.

Lo más destacado para mí es "Es solo el fin del mundo"; que tiene un sonido absolutamente majestuoso, perfectamente sereno para complementar las palabras maravillosamente melancólicas. Un punto culminante en un álbum muy elegante. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 El mayor regreso del Rock desde Elvis en 1968

El regreso de Tina Turner al centro de atención ha sido aclamado como uno de los mejores regresos del rock 'n' roll. No es una hipérbole comparar a Tina en 1984 con Elvis en 1968.

Su resurgimiento comenzó cuando el dúo británico de la Nueva Ola de Martyn Ware y Greg Walsh (Heaven 17) persuadió a Tina para rehacer "Let's Stay Together" de Al Green. Lo sumergieron en un arreglo post-discoteca basado en sintetizadores mucho más elegante que cualquier cosa que ella hubiera grabado con su ex marido Ike. Sin embargo, se ajustaba a su look la garganta áspera incluso  sus vestidos.

El sencillo resultante alcanzó el puesto #26 en el Billboard Hot 100 y preparó el escenario para la triunfante carrera en solitario de Tina.

Ella interpreta estas diez canciones como una mujer de 45 años sin tiempo ni deseo de mirar hacia atrás en los errores del pasado. El corte de plomo, "I Might Have Been Queen", fue tristemente irónico a pesar de la ausencia de melancolía en la actuación de Tina. "What Love Got to Do With It" le dio a Tina su primer y único single #1, aunque "Better Be Good to Me" estuvo entre los cinco primeros. La canción principal es un tratado creíble y triste sobre la vida desolada de un bailarines de regazo. Turner también ofrece impresionantes interpretaciones de "I Can't Stand the Rain" de Ann Peebles y "1984" de David Bowie.

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DIRECTISIMO 89

“Live at the Fillmore" es un álbum en vivo de Tom Petty and The Heartbreakers, lanzado en 1999.

El álbum fue grabado en marzo de 1997 durante una serie de conciertos en el famoso Fillmore de San Francisco. 

El álbum incluye versiones en vivo de algunas de las canciones más populares de la banda, como "Mary Jane's Last Dance", "American Girl" y "Runnin' Down a Dream", así como algunas canciones menos conocidas como "County Farm" y "You Don't Know How It Feels". 

El álbum fue muy bien recibido por la crítica y los fanáticos de la banda, y se considera como uno de los mejores álbumes en vivo de Tom Petty and The Heartbreakers. La energía y la pasión de la banda en el escenario es evidente en cada canción del álbum. 

"Live at the Fillmore" también incluye algunas colaboraciones especiales, como la participación del guitarrista Bo Diddley  y la aparición del cantante y guitarrista Johnny "Guitar" Watson en la canción "You Don't Know How It Feels". 

En resumen, "Live at the Fillmore" es un álbum en vivo imprescindible para cualquier fanático de Tom Petty and The Heartbreakers, y un excelente ejemplo de la energía y el talento de la banda en el escenario

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mi álbum favorito de Traffic es generalmente el más universalmente despreciado. Es una pena, ya que este es un álbum fantástico. Este es un asunto bastante jazz, pero no de la manera "Low Spark...". Suena como si Little Stevie estuviera escuchando muchos de los álbumes de la era Mwandishi de Herbie Hancock. Hay un uso excelente de Moog Synth, Mellotron y piano. El Hammond B-3 parece estar menos a la derecha, pero todavía está acostumbrado a un buen efecto.

Entre los temas de canciones se encuentran algunos de mis favoritos personales. El álbum comienza con "Something New" que comienza el álbum con una nota divertida. "Dream Gerrard" y "Graveyard People" nos llevan al reino del jazz espacial. Ambos son excelentes. El sombrío "Walking in the Wind" es un tour-de-force, comenzando con el bajo de Rosko Gee y luego con el piano de Winwood. ¡Muy encantador! 

El coro de doble tiempo proporciona momentos de gran felicidad. "Love" es un pequeño y agradable atasco de jazz, con la flauta de Chris Wood. ¡Un solo que desearía que fuera más largo!

Una joya que a menudo se ha pasado por alto. Un espléndido canto del cisne.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tío, ¡este álbum solía asustarme! Creo que fue la asociación que hice con las pinturas horribles pero extrañamente hermosas del folleto.

Pero ahora, a la edad de 65. años, ¡me encanta! Este es uno de mis álbumes favoritos. Simplemente no puedes vencer a la voz de Richard Burton que conduce a las puñaladas orquestales de apertura de "Eve of the War" y simplemente mejora a partir de ahí. La gente siempre dice que la primera mitad es la mejor, pero yo diría que la segunda mitad es igual de buena, si no mejor. En lugar de ser francamente aterrador, es silenciosamente espeluznante e hipnótico. "The Red Weed" y "Dead London" son realmente bastante hermosos de una manera extraña. "Brave New World" podría haber sido una mierda si no hubiera sido casi irónico debido a que era el sueño de un loco. 

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AYER VÍ 32

"El silencio de los corderos" es una película estadounidense de thriller psicológico lanzada en 1991, dirigida por Jonathan Demme y protagonizada por Jodie Foster y Anthony Hopkins. La trama gira en torno a la agente del FBI Clarice Starling y su búsqueda de un asesino en serie apodado "Buffalo Bill". Clarice debe entrevistar al famoso psiquiatra forense, el Dr. Hannibal Lecter, quien se encuentra encarcelado en un hospital psiquiátrico de máxima seguridad, para poder obtener información sobre la mente del asesino y así poder detenerlo.

La banda sonora de la película fue compuesta por Howard Shore y es considerada una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Sus temas musicales oscuros y emotivos complementan perfectamente la atmósfera tensa y psicológica de la película.

Howard Shore, creó una partitura inquietante y tensa que complementa perfectamente la atmósfera oscura y aterradora de la película.

La música es reconocida por su uso de coros masculinos y femeninos, así como por su uso repetitivo de ciertos fragmentos en momentos clave de la trama. De hecho, la música se ha convertido en un icono en sí misma, y la pieza principal, "Clarice", es reconocida en todo el mundo como un tema asociado con el suspense y el misterio.

Shore ganó un Premio Oscar por la banda sonora, y es considerada como una de las más icónicas en la historia del cine. Personalmente, creo que la música es una parte esencial de la película y contribuye enormemente a su atmósfera aterradora.

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1972’s # 1 UK ALBUM

25.3.1972-21.4.1972 

Como recién llegado a Lindisfarne, realmente no estaba seguro de qué esperar. La mayor parte de mi colección son sonidos underground de los años 60 y 70, y como Lindisfarne no es exactamente un nombre familiar, pensé en probar este álbum.

Aunque no estaba exactamente en mi onda, tampoco me decepcionó. Por el contrario, este álbum es una sorpresa muy agradable, ya que es casi en su totalidad folk/rock impulsado por la guitarra acústica con una calidad extremadamente consistente de composición de principio a fin.

Sentí que casi todos los cortes eran solo "bastante buenos", ya que cada canción parecía carecer de algún u otro elemento que impulsaría la canción a una sólida calificación "buena".

Pero son lo suficientemente buenos como para recibir mi sello de aprobación, así que también buscaré sus otros lanzamientos. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La culminación de la trilogía que completan Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995) y Machina/The Machines of God (2000) condensa la compleja historia musical de Smashing Pumpkins.

Pocos artistas tienen las ganas de ir más allá de Billy Corgan, quien se mueve como pez en el agua en los caminos de lo grandilocuente.

El resultado de su ambición es ATUM, una obra épica con tres actos y 33 canciones.

La perfección de esta obra puede parecer un trabajo rutinario para el talento de Corgan aunque resulta impensable en la discografía de muchos de sus contemporáneos. 

Este majestuoso proyecto de ópera rock se ha cocinado a fuego lento. Empezó a ensamblarse en 2018, con la vuelta del guitarrista James 

Iha supuso un paso decisivo a la hora de solidificar el universo del álbum. 

Durante casi dos horas y media, ATUM despliega un complejo mosaico de distopías, desde los peligros de la tecnocracia y el fatalismo a los ataques consentidos contra la libertad de expresión. Aunque, su significado queda abierto a interpretaciones. 

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1969’s # 1 USA ALBUM

20.9.1969-3.10.1969 

Los supergrupos a menudo son machacados y anulados , algunos implosionan incluso antes de despegar (como XYZ, un intento de proyecto de ex miembros de Yes y Led Zeppelin), algunos son un acto único (hacer un espectáculo/single antes de disolverse rápidamente, como Automatic Baby, compuesto por miembros de R.E.M. y U2).

Blind Faith es un ejemplo de la marca de supergrupo "trabajar y prosperar, pero caer". Los miembros de la banda no necesitan presentación, bueno, tal vez el bajista Ric Grech, anteriormentr de Family, sí, pero Steve Winwood, Eric Clapton y Ginger Baker no.

No mucho después de que Cream se separara a finales de 1968, Clapton había comenzado a improvisar con frecuencia con Winwood, anteriormente de Traffic (que se disolvió poco después de Cream), y pronto la idea de formar su propia banda fue tentadora. De alguna manera, el ex baterista de Cream Baker se dio cuenta de esto y estaba ansioso por participar. En resumen, se une a la banda, invitan a Grech a convertirse en bajista, y el grupo se forma oficialmente.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Escuché este disco de Jethro Tull hace algunos años y en ese entonces, quienes sabían de él (porque lo habían escuchado) decían que era un disco complicado y a la sombra de su predecesor (Thick as a Brick). Ni lo uno ni lo otro me parece a mí, más bien creo que tiene su propio entorno, dosis adecuada de humor, letras inteligentes, pasajes musicales excelentes a sublimes y que no se vale por tanto, la comparación con el citado Thick as a Brick. Ahora que es distinto ver cuál de los dos te gusta más, pero en su momento se sabrá. 

Este disco a pesar de contener el exceso del rock progresivo en todo su esplendor, se defiende con temas bien armados, principalmente están separados, solo que el exceso de poner un tema gigante de un lado y otro del vinilo era atractivo en los setentas. Finalmente es un disco muy valioso que implica las capacidades de cada miembro de la banda en un verdadero trabajo de equipo y extraordinaria composición. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

There's The Rub de 1974 es otro de los mejores álbumes de Twin Guitar Hard Rock de la historia de Wishbone Ash. Es, además de Argus, su único álbum Masterpiece (aunque Pilgrimage está cerca). Sin embargo, a estas alturas su alineación había cambiado y el guitarrista Ted Turner había sido reemplazado por Laurie Wisenfeld. Esto permitió al bajista Martin Turner llevar su inmenso talento y dar un paso un poco más al frente, lo que hizo con buen estilo en la increíble pista F.U.B.B., que tiene una de las mejores líneas de bajo de cualquier canción de Hard Rock de la historia. There's The Rub también es notable por un par de las canciones más conmovedoras que Wishbone Ash jamás haya lanzado, el dolorosamente elegíaco Persephone, y “Bittersweet Silver Shoes”. Luego están los ardientes Rockers Don't Come Back y su ciudad natal. Este es uno de mis álbumes favoritos de Wishbone Ash, y es definitivamente uno de sus álbumes de mayor calidad. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2013)

Es delicado hablar de la banda sonora de una película cuya premisa invita a prescindir de todo tipo de fondo musical mientras que el profundo sentido del espectáculo que se intenta infundir en ella propicia el encuentro con la composición efectista tradicional.

En ese sentido, Gravity no huye de la posibilidad de construirse a sí misma como evento comercial para convertir en rentable un proyecto de magnitudes faraónicas, obligando a que la originalidad de sus planteamientos conviva con las más convencionales maniobras narrativas.

Pero no conviene tampoco condenar el producto con ligereza sólo por esa evidente vocación comercial: el trabajo que ha compuesto Steven Price, bajo ese prisma de la cultura del espectáculo, es tan impecable como adecuado.

El autor ha optado por otorgar protagonismo a la música electrónica como creadora de ambientes, al tiempo que le permite manipular los sonidos de la orquesta clásica para propiciar las sensaciones de angustia y caos que experimenta la protagonista del film.  

Entre los instrumentos que Price utilizó, se encuentran guitarras acústicas y eléctricas y armónicas de vidrio

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

America

Grupo de folk y soft rock de gran éxito comercial a comienzos los setenta. Compuesto por Dewey

Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley, en 1971 el trío alcanzó el número uno de las listas de venta con "A Horse with No Name", tema incluido en su álbum debut homónimo y que se transformaría en uno de los grandes clásicos de la época. Más allá de algún hit ocasional, como "Sister Golden Hair", la popularidad del grupo no se extendería mucho más allá de 1975.

Reducido a dúo tras la salida de Peek, durante las décadas sucesivas America continuó sin embargo realizando esporádicos discos y giras para la audiencia de pop adulto contemporáneo. En 2019 America celebró su 50. aniversario con una nueva gira y la recopilación America

50: Golden Hits. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La subestimación de Girogio Moroder de la película "Metropolis" ha sido tristemente ignorada y nunca volverá a ver la luz del día. La banda sonora en sí se eliminó después de su lanzamiento final.

Es una pena que probablemente nunca se vuelva a estrenar, ya que realmente resume la naturaleza de esta versión de la película y en realidad es una banda sonora bastante sólida.

El álbum comienza a la moda, con "Love Kills" de Freddie Mercury, una canción de asalto que está ambientada en una de las mejores escenas de la película. Desafortunadamente, esta es la mejor canción, y el resto del álbum no parece estar a la altura. A pesar de esto, hay varios números sólidos como la canción de amor de Pat Benatar "Here's My Heart" (tenga en cuenta que NO es la misma versión que en la película, donde Pat pone una voz más operística), la tensa y política "Cage of Freedom" de Jon Anderson, la sensual "Here She Comes" de Bonnie Tyler y el simplemente brillante "On Incluso las canciones menores también son buenas, con los instrumentales de Moroder realmente manteniendo el ritmo entre ambos lados del álbum y ayudando a que algunas de las mejores escenas de la película sean aún más emocionales.

Una buena banda sonora sólida para aquellos que están dispuestos a escuchar; ciertamente no es para aquellos que no pueden soportar la música de los 80. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tal vez el mayor obstáculo en la carrera en solitario de Cale es la dificultad que ha tenido para retener una buena banda de respaldo. Hasta 1973, se ocupó principalmente de oscuros proyectos clásicos con un solo colaborador. Incluso París 1919, una obra maestra, tuvo más éxito debido a la composición de canciones de Cale que a las actuaciones efectivas pero discretas de Little Feat.

En Fear, Cale cuenta con el apoyo de Roxy Music (Ferry excluido), una banda, como VU, cuyos primeros discos se definieron por la tensión entre un líder idiosincrásico y un atrevidamente instrumentista/genio que finalmente amenazó la autonomía del líder. Por supuesto, muchas bandas experimentaron conflictos creativos, pero lo que distinguió a Cale y Eno fue que no estaban interesados en escribir canciones mientras estaban en la banda, sino solo en la dirección creativa que la banda tomaría. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Slanted y Enchanted puede ser uno de los resultados más interesantes de principios de los 90, como uno como uno si es el más subestimado.

Lo llamaron "Lo-fi". Tonalidades de guitarra borrosas y ruidosas, producción distorsionada, pero con melodía honesta en lugar de reconocible.

No todo es perfecto, pero eso es lo que añade encanto. Es la robustez, el hecho de que estés escuchando a una banda tocando en un garaje, que ha puesto una cinta, en lugar del estante del cd de MTV lo que es lo mejor. Es la belleza en el potencial más que la producción.

Y en medio de la selección de canciones, hay una serie de momentos estelares: los contagiosos riffs exagerados en una simple línea de bajo de Summer Babe.

Todo es bueno, muy escuchable, muy melódico y, sin embargo, serio. Está lleno de ideas y mora a la vez en un amargo nihilismo, así como en una vida optimista y sin preocupaciones en la realidad del momento. Simple pero complejo, Slanted and Enchanted no hace falta decir, como su título, una bestia encantadora. 

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DIRECTISIMO 88

Emerson, Lake & Palmer es una de las bandas más influyentes y reconocidas del rock progresivo, y su álbum "Works Live" es un testimonio impresionante de la habilidad musical de la banda.

Este álbum en vivo fue grabado durante su gira "Works", una gira en la que la banda se enfocó en tocar material de su álbum doble "Works, Volume 1" y "Works, Volume 2". También se incluyen en el álbum algunas de sus canciones más populares, como "Lucky Man", "From the Beginning" y "Karn Evil 9".

El álbum "Works Live" es un ejemplo impresionante del virtuosismo de la banda, con las habilidades instrumentales de Keith Emerson en los teclados, Greg Lake en la guitarra y el bajo, y Carl Palmer en la batería. También demuestra la capacidad de la banda para fusionar diferentes géneros musicales, como el rock, el jazz y la música clásica.

Aunque el álbum recibió críticas mixtas en su lanzamiento, sigue siendo popular entre los fanáticos de ELP y de la música progresiva en general. Además, el álbum incluye una versión extendida de "Fanfare for the Common Man", una de las canciones más emblemáticas de la banda, que presenta una orquesta completa y un coro en vivo.

En resumen, el álbum "Works Live" de Emerson, Lake & Palmer es un testimonio impresionante de la habilidad musical de la banda y su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales. Si eres fanático de ELP o del rock progresivo en general, definitivamente deberías darle una oportunidad a este álbum en vivo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ra es una obra maestra progresiva. Los cuatro miembros de Utopía aparecen vocalmente, lo que crea capas de armonías exuberantes.

De hecho, Ra podría presentar el mejor uso de las armonías en cualquier disco de rock. Todos los miembros tienen mucho talento en su instrumento, ninguno más talentoso que Todd Rundgren en la guitarra.

En mi opinión, el trabajo de Todd en este disco es el mejor trabajo de guitarra que he escuchado. Todd y el teclista Roger Powell hacen un dúo en cierto sentido a lo largo de todo el álbum.

Esto le da a las canciones una calidad casi jazzística. Además, Ra es uno de los discos más cinematográficos que existen. Apaga las luces y cierra los ojos cuando escuches. Deja que el álbum te lleve en su viaje.

El álbum tiene una producción de primera clase. El crédito es de Todd Rundgren, que produjo artistas como XTC, Patti Smith, Meat Loaf, The Band y The Psychedelic Furs. Es un gran álbum de auriculares. Todas las canciones son apretadas, pero libres de respirar. Una joya total en los días de rock progresivo. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Si "Destroyer" fue el primer (y exitoso) intento de hacer un álbum "épico" de Kiss, "Rock ´n´roll over" podría verse como una antítesis de su predecesor. Eddie Kramer entra, y con él un enfoque "de vuelta a las raíces" para el sonido de Kiss. ¡Y funciona perfectamente! Muchos consideran a "Destroyer" como uno de los mejores álbumes, si no el mejor, y puedo estar de acuerdo en que es un gran álbum, ¡pero este álbum es definitivamente igual de bueno!

En realidad, este álbum es un poco como "Dressed to kill" - Me encantan todas las canciones, con la posible excepción de "Love ´em and leave ´em", que es un poco más débil que el resto. Pero algunos de mis favoritos de todos los tiempos se pueden encontrar aquí: "Te quiero", "Baby Driver", "Mr Speed" (¡el riff del coro es uno de los mejores jamás escritos!) Y "Makin´ Love". Las otras canciones también son geniales. Uno de los álbumes de Kiss más consistentes y el sonido crudo sin pulir realmente encaja como un guante. 

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AYER VÍ 31

Los sociólogos llaman ‘anomia’ a la situación en que se encuentra una sociedad carente de leyes y en proceso de degradación.

Así es el Nueva York al que regresa de Vietnam Travis Bickle, joven veterano, tocado. Se apunta al turno de noche como taxista, para estar ocupado durante el insomnio crónico.

Está llamado a ser la respuesta visceral a la anomia.

Entre parrafadas de un saxo envolvente (música a cargo del gran Herrmann, muerto nada más terminar), suena en off el lacónico diario de Travis. Patrulla entre lluvia, fumarolas de alcantarillas, semáforos, neones de clubs y locales, luminosos multicolores de Broadway y Times Square. Observa en silencio el trasiego de putas y macarras en las aceras, se mosquea instintivamente con los negros, estudia por el retrovisor a los pasajeros, limpia luego estoicamente del asiento trasero los flujos corporales.

Maneja una elemental decencia de cowboy que va por costumbre a los cines porno con las botas lustradas. No bebe alcohol. Toma muchas pastillas sin determinar. Trata a fría distancia a sus colegas.

Su soledad es absoluta. La ciudad superpoblada la multiplica.

Pretende torpemente a una chica con clase que le retrata como contradictorio. Lo que en realidad ha notado es desequilibrio mental, patente.

La incógnita sobre el alcance de ese desequilibrio, hasta dónde llevará a Travis, cada noche más crispado a bordo del taxi, será el potente motor de la película, que apenas sale de su cabeza, en aturdido e incesante rodar entre Harlem y Manhattan, Brooklyn y el Bronx.

A través de un personaje a quien encarna, un pasajero exaltado, Scorsese en persona atizará el proceso al introducir la idea de las armas en la coctelera que es la cabeza de Travis.

Con la densidad de las imágenes filmadas en el Nueva York nocturno, un selvático microcosmos de asfalto, la dirección de Scorsese logra una perfecta conversión a cine del soberbio guión. 

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1972’s # 1 UK ALBUM

18.3.1972-24.3.1972 

Fácilmente uno de los mejores álbumes de principios de los 70. Tiene un sonido discreto, casero e introspectivo que me encanta, sin embargo, está lleno de toneladas de grandes melodías, algunas canciones increíblemente pegadizas y que se sienten bien a pesar de algunas letras oprimidos (especialmente "Mother & Child Reunion").

Canciones como "Duncan", "Congratulations" y "Run That Body Down" son cosas de absoluta belleza, como caminar por una hermosa calle cubierta de nieve solo y sentirse en paz, tal vez incluso usando un abrigo como el que Paul lleva en la portada. "Día del Armisticio" y "Peace Like A River" deberían ser clásicos, además de los 2 sencillos de éxito que también son fantásticos. "Hobo Blues" es una pieza de relleno corta, pero además de eso, cada canción es de oro, y para un álbum de este tipo dominado principalmente por guitarras acústicas, hay una cantidad bastante sorprendente de variedad para un álbum de "cantante/compositor", ya que ninguna canción suena como ninguna de las otras.

Paul fue realmente uno de los mejores compositores de esta época.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

La obra maestra conceptual de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" comienza con la suntuosa, pero lúgubre, canción del título con arreglos de metal, una invitación perfecta para este inquietante y glamoroso viaje a través de la noche.

"Devil's Food / The Black Widow" sigue, una magnífica secuencia comisariada por el propio Sr. Campy Horror: Vincent Price, que se ha escuchado que representa las características letales de la araña viuda negra con deleite morboso.

La siguiente parada es el estilo vaudeville "Some Folks", que se convirtió en "Only Women Bleed", una balada de Neil Diamond con letras interesantes que resultó ser uno de los mayores éxitos de Alice.

El segundo lado comienza con los brillantes rockeros "Department of Youth" y "Cold Ethyl", marcando un profundo contraste con el segmento "Years Ago / Steven", con una orquestación épica, cortesía del productor Bob Ezrin y el arreglista A. Macmillan.

A medida que "The Awakening" fluye hacia "Escape", el oyente llega para presenciar el desenlace de esta horrible ópera de rock convertida en un sueño, o viceversa...

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1969’s # 1 USA ALBUM

23.8.1969-19.9.1969 

No creo que nadie en la historia de la música haya ofrecido dos álbumes en vivo con solo un año de diferencia que fueran esenciales para la colección de discos de nadie. Pero el Hombre de Negro lanzó "Live in Folsom Prison" en 1968 y se dio la vuelta y lanzó "Live in San Quentin" en 1969. ¡Extraordinario! Las canciones "I Walk the Line", "A Boy Named Sue" y una repetición de "Folsom Prison Blues" valen solo el precio de la entrada. Johnny Cash fue un icono único en la música y la cultura estadounidenses, un rebelde rockabilly, una superestrella del country y un hombre perseguido por demonios la mayor parte de su vida. Si solo deseas tener dos álbumes de Cash en tu colección, entonces "Live at Folsom Prison" y "Live at San Quentin" son todo lo que realmente necesitas. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar el extraordinario ingenio de Cash, y su fácil respuesta con los reclusos muy agradecidos solo podría ser obtenida por un hombre que ha estado allí y ha hecho eso.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Grabado durante el verano de 1973 en el Château d'Hérouville en Francia para evitar impuestos considerados demasiado altos en UK.

Uriah Heep, en la cima de su arte, vuelve a entregar un álbum impresionante.

Con composiciones más concisas y más “rock” por regla general, la banda continúa su evolución musical fusionando esta vez el lirismo desarrollado en Demons & Wizards y Magician's Birthday con una cierta idea de un hard rock “inteligente”, digamos.

Todos los ingredientes están reunidos:  Hammond omnipresente, guitarra incisiva, a veces saturada pero siempre perfectamente dominada, rítmica apoyada en una línea de bajo hiper-melodica.

Más que estos 2 predecesores de 1972, este álbum se escucha a gran volumen. Energía a tope.

No es realmente una balada aquí, sino más bien una espléndida pieza acústica “Circo”, guitarra acústica, percusión, voz flexible y relajada de Byron... una delicia sin límites.

El título que cierra el álbum original, “Peri Pilgrim” es un vértice de lirismo psicodélico casi barroco: la quintaesencia del estilo de Uriah Heep empujado a su último atrincheramiento.

Casi íbamos a olvidar que este álbum contiene quizás el mejor título de la banda, a saber, “Stealin”. ¿Y si este álbum fuera simplemente el mejor? 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Pop Después del mediocre Indelibly Stamped, la alineación de Supertramp se desintegró por segunda vez, dejando a Davies y Hodgson con la poco envidiable tarea de reconstruir la banda desde cero por segunda vez en tantos años. Al hacerlo, la pareja claramente parece haber pensado un poco en la dirección musical de la banda, y después de unos años perfeccionando su oficio y cocinando no menos de 42 canciones, cuya crema fue seleccionada para el álbum, salieron con el brillante Crimen del Siglo.

Lo más importante para el éxito del álbum es el valiente paso dado por el dúo al decidir no ir por un enfoque total de rock progresivo ; tomarían lecciones de progresivo , pero en lugar de tratar de imitar a sus héroes, crearían su propio sonido amigable con la corriente principal y traían instrumentación y complejidad similar al progresivo solo cuando sentían que el material realmente lo exigía como resultado, cada una de las canciones de Crime es una joya pop-progresivo reperfectamente elaborada, innegablemente pegadablemente pegadiza pero al mismo tiempo con suficientes giros de art rock para ser de interés para los fanáticos del progresivo. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2014)

La banda sonora ganadora del Óscar en 2014  la película "The Grand Budapest Hotel" es una comedia dramática, dirigida por Wes Anderson y protagonizada por Ralph Fiennes, que sigue las aventuras de Gustave H, un conserje legendario de un famoso hotel europeo, y su joven amigo y protegido, Zero Moustafa, mientras intentan recuperar un valioso cuadro robado y limpiar el nombre de Gustave.

La banda sonora de la película fue compuesta por Alexandre Desplat, quien también ha trabajado en otras películas como "La forma del agua" y "El discurso del rey", y recibió el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original en la ceremonia de premiación de 2014. La música es una mezcla de estilos, con elementos de música clásica, jazz y folk, y ayuda a crear la atmósfera mágica y peculiar de la película. 

En resumen, la banda sonora de "The Grand Budapest Hotel" es una parte fundamental de la experiencia cinematográfica, y su victoria en los Óscar es un reconocimiento a la habilidad de Desplat para crear música que se integra perfectamente en la trama y el estilo visual de la película.

The Grand Budapest Hotel" fue muy aclamada por la crítica y el público. La película cuenta con un reparto de estrellas, que incluye a Ralph Fiennes, Edward Norton, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, entre otros. La banda sonora fue compuesta por Alexandre Desplat y fue muy bien recibida por la crítica, ganando varios premios y nominaciones. Además de ganar el Óscar a la Mejor Banda Sonora Original, también ganó el BAFTA a la Mejor Música Original, y el Grammy a la Mejor Banda Sonora. La música de Desplat se destaca por su mezcla de elementos melancólicos y alegres, con instrumentación de viento y cuerdas que transmiten una sensación de viaje y aventura que combina perfectamente con la película. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Ham" de 1973 de Shocking Blues fue la continuación del excelente álbum "Attila" de diciembre de 1972. Después de un largo curso de enfermedad que había golpeado al guitarrista y compositor Robbie Van Leeuwen, estaba de nuevo listo con una caja de nuevas canciones y tuvo la idea de lanzar un álbum inspirado en JJ Cale. Cuando "Ham" estaba terminado y listo para su lanzamiento, Van Leeuwen no estaba completamente satisfecho con el resultado, y podría haber sentido que su composición no estaba totalmente a la par con los álbumes anteriores. Sin embargo, la compañía Dureco decidió lanzar el álbum en varios países europeos en mayo del 73. Una semana después, el álbum fue retirado por razones poco claras.

Esto le dio al grupo la oportunidad de añadir y remezclar las canciones, que en algunos casos pueden sonar un poco aburridas sin el sonido claro y distintivo de la mayoría de los lanzamientos anteriores del grupo. Se añadió reverberación adicional (un poco demasiado para algunos) y estas nuevas mezclas estaban destinadas a una nueva versión de "Ham". Sin embargo, aparte de los lanzamientos en Japón y Francia (todavía las mezclas originales) en octubre, "Ham" no se volvió a lanzar. Las grabaciones remezcladas se convirtieron en la mayor parte del álbum de 1974 "Dream on Dreamer". Solo tres títulos distinguen "Ham" y "Dream on Dreamer", que, sin embargo, tiene un sonido significativamente más claro y, por lo tanto, suena más como un álbum clásico de Shocking Blue. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lanzado en 1974, War Child encontró a Jethro Tull en una encrucijada en su carrera. Después de haber tenido su álbum anterior, el denso y generalmente gruñón A Passion Play, golpeado críticamente y un posterior paso en falso por parte de la gerencia que vio a la banda aparentemente anunciando su jubilación sin su conocimiento, War Child fue la oportunidad para que la banda eliminara sus pretensiones.

Sin embargo, las señales iniciales para War Child no eran prometedoras, ya que el álbum se concibió inicialmente como una banda sonora de una película de comedia demasiado complicada, que inicialmente tenía luminarias como Leonard Rossiter y John Cleese para la participación, así como coreógrafos de renombre. Tal vez, afortunadamente, la película en sí no progresó más allá de las etapas iniciales de planificación, por lo que los planes para War Child se redimensionaron con buen gusto a un álbum estándar de diez pistas.

Los dos álbumes anteriores de Jethro Tull habían sido un par de epopeyas de rock progresivo, ambos álbumes consistían en una sola pista que tomaba ambos lados del vinilo original. Thick as a Brick había sido elogiado por la crítica y se destaca hoy como un punto culminante en la carrera de Jethro Tull y en el rock en general, ya que era una síntesis perfecta de la musicalidad, la alegría lírica, el humor y los motivos musicales repetidos de Tull. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El álbum "The New Age" de Canned Heat fue lanzado en 1973 por el sello discográfico United Artists Records. Es el segundo álbum de la banda en presentar al cantante y guitarrista Bob "The Bear" Hite como líder de la banda, después de la muerte del guitarrista Alan Wilson en 1970. 

El álbum presenta una mezcla de blues, rock y country, con algunas canciones que tienen un enfoque más experimental.

Aunque no fue un gran éxito comercial, "New Age" recibió críticas favorables y es considerado por algunos fanáticos como uno de los álbumes más subestimados de Canned Heat. El álbum también marcó la última grabación de Harvey Mandel con la banda, quien dejó Canned Heat poco después de su lanzamiento. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una digna continuación del anterior disco que había publicado Traffic ,incluso en la portada troquelada,portada que en este caso no tiene ningún sentido.

Cada vez sonido más progresivo,y de nuevo preponderancia de teclados y percusión.Lo mejor el primer y último tema.En "Shoot out at the fantasy factory" hay un imparable "groove" dirigido por una tremenda base rítmica,y en "Uninspired" Winwood está más delicado y frágil que nunca,guiando una de las mejores canciones en la historia del grupo. 

No es una opinión popular, todo el mundo parece preferir los dos anteriores, pero este es mi álbum favorito de Traffic, el mejor. Una piscina profunda de ritmo tranquilo con la cantidad justa de tensión, SATFF es una escucha fascinante y gratificante. Con el percusionista ghanés Rebop Baah y la sección de rima de Muscle Shoals de David Hood en el bajo y Roger Hawkins en la batería, el sonido es desarrollado y rítmicamente interesante, pero nunca de una manera llamativa, siempre sofisticado. 

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DIRECTISIMO 87

"I'm a Woman" es un álbum en vivo de la cantante de blues Koko Taylor, lanzado en 1995 por Alligator Records. El álbum fue grabado en varios conciertos en vivo de Koko Taylor en diferentes lugares, incluyendo el Chicago Blues Festival y el Queen Mary Blues Festival.

El álbum cuenta con algunas de las canciones más conocidas de Koko Taylor, como "Wang Dang Doodle" y "I'm a Woman", así como otras canciones de blues tradicionales. También incluye apariciones especiales de otros artistas de blues, como Kenny Wayne Shepherd, Keb' Mo' y Carey Bell.

La crítica recibió el álbum con muy buenas críticas, elogiando la poderosa voz y la energía de Koko Taylor en vivo, así como la calidad de las canciones y la producción del álbum. "I'm a Woman" se convirtió en uno de los álbumes en vivo más populares de Koko Taylor y es considerado por muchos como uno de los mejores discos de blues en vivo de todos los tiempos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum no era una gran cosa de jazz-rock, es el concepto de "tres hombres rockeando en  un bar en el estilo inusual" que hace que Back Door sea tan especial. No es una banda de jazz libre (afortunadamente), ¡es una cosa de rockin´jazz!.

Este álbum es diferente al primer LP de Back Doors, es realmente mucho más crudo de blues-rock, y un buen intento de llevar las viejas cosas de blues a una forma un poco de jazz sin olvidar las raíces del blues. Así que ese es el objetivo. Crudo, sin pulir, directo y profundo desde los adentros Escucha esta interpretación perfecta de "32-20 Blues" de Johnson,

El álbum ofrece un sonido de jazz rock progresivo y fusionado con elementos funk y blues. Los miembros de la banda son virtuosos en sus respectivos instrumentos, lo que se escucha en las complejas armonías y solos que se encuentran en todas las pistas

No puedes comparar este álbum con el primero, ¡pero sigue siendo brillante y precioso! 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

"Nutbush City Limits" es el decimoquinto álbum de estudio de la pareja de artistas de soul Ike & Tina Turner, lanzado en 1973 por United Artists Records. El álbum lleva el nombre de la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee.

El álbum contiene diez canciones, incluyendo el éxito del mismo nombre "Nutbush City Limits", que se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de R&B y pop. También se destacan las canciones "Get It Out of Your Mind" y "The Way You Love Me".

El estilo musical del álbum es una mezcla de rock, soul y funk, con la característica voz potente de Tina Turner y los arreglos musicales de Ike Turner. Muchas de las canciones del álbum fueron escritas por la pareja, incluyendo "Nutbush City Limits".

A lo largo de su carrera, Ike & Tina Turner fueron conocidos por su energética presentación en vivo y su estilo de soul y rock. "Nutbush City Limits" es un ejemplo de su estilo y su capacidad para crear canciones pegajosas y llenas de energía.

 

Este álbum vale la pena solo por la canción principal, que es una de las mejores canciones de TINA. Además de esas canciónes , está Make Me Over, Drift Away,

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AYER VÍ 30

Otra película con una gran banda sonora es "Baby Driver" (2017), dirigida por Edgar Wright. La película cuenta la historia de un joven conductor de robos que escucha música para ahogar el zumbido en sus oídos y conducir con precisión durante los robos. La música en la película es una parte importante de la trama, con la mayoría de las escenas coreografiadas para sincronizarse con la música. La banda sonora incluye una mezcla de canciones populares de diferentes géneros y épocas, desde "Bellbottoms" de Jon Spencer Blues Explosion hasta "Hocus Pocus" de Focus. La música en "Baby Driver" es emocionante y energética, y agrega una dimensión adicional a la película que la hace aún más emocionante y divertida de ver.

Ladrones de bancos; tiros; persecuciones a todo gas; clásicos del rock, del funky o del pop... Y sí, un reparto en estado de gracia

Así pues, con este calor asfixiante y casi en pleno verano, qué más se le puede pedir a una película que entretiene y te hace olvidar el infernal fuego que te atrapa entre el cielo plomizo y el agrietado asfalto. Pues nada más que lo que 'Baby Driver' ofrece: dos horas de puro espectáculo cinematográfico.

El guión, repleto de diálogos sólidos y escenas vertiginosas, desborda dinamismo hasta completar dos horas de metraje sin perder frescura. Mezcla acción, comedia negra e, incluso, ciertas gotas de drama, en un abrir y cerrar de ojos. Casi sin enterarte, como Baby al volante, te mueve de un lado a otro de la pantalla. Y utiliza algo tan trillado como la nostalgia por los clásicos del rock, del funky o del pop, de una forma muy sutil y a la vez tan evidente como un golpe en la cara, para agrandar más su estela de entretenimiento y espectáculo. Dos cometidos que cumple y para los que está hecha. 

Y ello porque esa banda sonora, que llena cada fotograma y se funde con las balas de los tiroteos o las ruedas quemadas en el asfalto, es gloria para los oídos. El oído y la vista convergen en uno solo gracias al pulso de Wright -la música es vital en su filmografía-, que sabe llevar en todo momento y por buen camino el ritmo de la película.

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1972’s # 1 UK ALBUM

La década de los 70 fue para Neil Young una cima creativa que nadie ha podido igualar. Por la altura que alcanzó y por lo mucho que le duró esa fiebre. Harvest nacía con el difícil sambenito de ser secuela de ese maravilloso After the Gold Rush (1970). Esa dificultad había que unirla a la tragedia que se iba a cebar con el entorno del canadiense. Su guitarrista Danny Whitten moriría meses después de la grabación del disco que nos ocupa, un disco en el que no había participado por sus adicciones. 

  

Este suceso convirtió a la canción "The Needle and the Damage Done" en premonitoria y su ominosa presencia ha acabado aumentando la leyenda del álbum. Máxime cuando Young llamó a Whitten para que participara en la gira y tuvo que despedirlo porque no daba una a derechas. Horas después de esto moriría de una combinación fatal de medicamentos y alcohol. 

  

No obstante esta grabación tiene muchas otras virtudes para alzarse por encima del desastre. No es un disco de mal agüero, muy al contrario es una obra de country-rock profunda y emocionante construida alrededor de la exitosa y eterna "Heart of Gold", uno de los temas más famosos del canadiense y el estandarte de un trabajo lleno de gemas acústicas como "Harvest" (mi favorita), "Out on the Weekend", "A Man Needs a Maid" o "Old Man". También se atreve con los arreglos orquestales, aunque con resultados muy dudosos ("There's a World"). Y por supuesto, también se remanga para un par de cabalgadas eléctricas de enjundia. "Alabama" y "Words (Between the Lines of Age)" cumplen sobradamente aun no teniendo el empaque ni la fuerza de un "Southern Man" o de alguna de las barbaridades que grabara en Everybody Knows This Is Nowhere (1969). 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum de los Rolling Stones que nadie haya hablado de él 

Todavía no he entendido por qué este álbum no está en las filas de Sticky Fingers and Co, es realmente una pena que nunca se haya hablado 

El álbum comienza muy fuerte con "If You Can't Rock Me" y no empeora a partir de entonces, ¡no, está en el mismo nivel todo el tiempo y lo digo completamente en serio! Cada canción es un éxito potencial, todas tienen melodías y letras pegadizas. ¡Cada canción es increíble!

Este álbum debería ser propiedad de todos los fanáticos de los Stones, pero también de los fanáticos del hard rock, el glam rock y el blues rock. La increíble portada también habla por sí sola.

Y le pido a cualquiera que haya llamado a este álbum normal o incluso basura que lo escuche de nuevo y le dé una oportunidad, es realmente bueno o simplemente tengo un gusto tonto por la música. 

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1969’s # 1 USA ALBUM

26.4.1969-25.7.1969 

La era hippie era rara.

Entré en este proyecto pensando que solo estaría escribiendo sobre Rock Soul ,Blues o lo que sea, pero ahora estoy escribiendo sobre este musical de flores que logró tomar a Estados Unidos por asalto a finales de los años 60. Siempre es un poco interesante considerar por qué ciertos musicales se vuelven tan populares, ya sea sobre gatos antropomórficos o sobre otro tipo de cosas, pero Hair parece especialmente interesante. Es un musical escrito por Gerome Ragni y James Rado, hippies genuinos y teñidos de lana, sobre todo el movimiento hippie, mientras ese movimiento todavía estaba en marcha. Ragni y Rado basaron vagamente la obra en sus propias vidas y experiencias, y toca un montón de temas candentes, como el racismo, el reclutamiento de Vietnam, la libertad y la expresión sexual y el uso de drogas psicodélicas.

Según todos los informes, la obra fue genuinamente subversiva para su época, teniendo el uso de música rock, un formato poco convencional, blasfemia e incluso desnudez. Sobre el papel, todo esto suena genial. Cuando realmente lo estoy escuchando, por razones que probablemente tengan más que ver las circunstancias que lo rodearon véase la influencia de la política,sexo etc.. más que el musical, no lo es. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Una mejora considerable con respecto a su último álbum. George Wadenius, Larry Wallis y "Blue" Lou Marini (sí, el mismo de la película de Blues Brothers) realmente brillan en este álbum y devuelven a B, S&T al nivel de ser al menos algo respetable. "Inner Crisis" y su interpretación del "Django" son números respetables de fusión de jazz, mientras que "Roller Coaster", "Save Our Ship" y "My Old Lady" son números de rock decentes. Desafortunadamente, al ser un álbum de B, S&T, tiene que contener algunas portadas horribles. "Empty Pages" es la tercera canción de Traffic que esta banda ha arruinado ("Smiling Phases" y "40,000 Headmen" de su segundo y tercer álbum fueron los otros dos) y Jerry Fisher muestra a su banda de bar "charm" en canciones como "Back Up Against The Wall", "Rosemary" y "Almost Sorry". Está bien, solo un álbum más con Fisher antes de que Clayton-Thomas los lleve de vuelta a Las Vegas y los convierta de nuevo en Murph and the Magic Tones. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El primer álbum precoz de los New York Dolls recibe justificadamente todo el crédito como pionero, pero su segundo (y último) álbum “Too Much Too Soon”, podría ser una imagen más verdadera de una banda a menudo mal entendida.

Por un lado, las profundas raíces de rhythm'n'blues de los Dolls se desnudan aquí en las portadas de "Don't Start Me Talkin'", "(There's Gonna Be a) Showdown" y "Stranded in the Jungle".

Ese amor por el viejo Stax/Volt r'n'b sugiere que tal vez los Dolls no eran tanto una amenaza de segunda generación para el status quo de la industria del rock, sino que eran simplemente una versión de niño blanco alimentada por hormonas y drogas de Wilson Pickett (o Otis Redding).

Las raíces de r'n'b también muestran la gran banda que eran.

Sus portadas no parecían sosas como una banda de bar, ni sonaban como estudios demasiado reverentes en teoría musical.

Los Dolls los hicieron suyos, los reconstruyeron desde cero, comenzando con la perfección de la batería de Jerry Nolan y la sección rítmica de guitarra y bajo de Sylvain Sylvain y Arther Kane, respectivamente.

La guinda del pastel fue la locura de la guitarra principal de Johnny Thunders, cuyo tono de guitarra por sí solo lanzó mil bandas de punk.

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