Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Con su lado experimental mostrado, Ultravox va donde seguiría el synthpop ... una ola europea muy temperamental y fluida ... hacia el Edén.
Puro clásico y aún no ha sido igualado por ninguna banda desde entonces. The Voice es una obra maestra que mezcla destellos clásicos de brillantez. Death in the afternoon trae un lavado de sintetizadores y ritmo sincopado que hace latir el corazón y el alma y rogar por ser atravesado ... todo el mejor álbum de sintetizador 'conceptual' de todos los tiempos.
Durante más de 20 años, Victor Young compuso algunas de las músicas más queridas que Hollywood haya producido, con la música de más de 300 películas y una serie de éxitos del pop como compositor e intérprete.
La vuelta al mundo en 80 días fue su obra maestra: la banda sonora de una película ganadora de un premio de la Academia, incluida la "Mejor banda sonora" para su compositor y la "Mejor película" en general.
El LP de la banda sonora original pasó 10 semanas en la cima de las listas, convirtiéndose en el álbum número 1 de 1957.
Sin embargo, este álbum clásico se ha publicado en disco compacto solo una vez, muy brevemente.
A solo unos meses vista de su debut, el salto cualitativo es impresionante. Por un lado una E-Street Band aún sin bautizar deja claro desde el comienzo su apabullante maestría y talento. Conjuntada, eficaz y poderosa. Realmente insuperable.
Por otra parte el talento como compositor y cantante de Springsteen empieza a despuntar.
A falta de los clásicos que rebosan en "Born to Run" (1975) el de New Jersey se entretiene en largos desarrollos para contar sus historias que empiezan a ser auténticos relatos urbanos de calidad. Canciones largas y épicas que vuelan muy alto.
Ahora solo faltaba depurar el torrente, filtrarlo y refinarlo pero lo gordo ya estaba aquí, en un disco explosivo, en una pequeña gema a reivindicar por mucho tiempo que pase.
Nunca he sido un BB fan,más bien lo contrario.Pero este disco (como era "Sunflower") es mágico,comenzando por su elocuente portada.
Y es que contiene mis dos canciones favoritas de Brian ('Till I die,sentida y sublime,y "Surf's Up",una minisinfonia de cuatro minutos,destilado perfecto de todas las virtudes de este hombre.) Así mismo se encuentra el mejor tema de siempre de Carl,ese "Feel flows"con un interludio instrumental fascinante.O la balada nostálgica "Disney girls",tan quebradiza,tan frágil.
El resto no desentona,haciendo del disco un compendio variado al máximo,cubriendo todas las facetas de los chicos playeros,abarcando todo el crisol de sentimientos y de influencias del grupo.
Media hora maravillosa,desde lo bueno hasta lo sublime. Solo me sobra la fácil apropiación que Mike Love hace en "Student demostrativo time" del legado Leiber-Stoller.El resto,magnífico.
Muy subestimado, contiene las mejores composiciones en vinilo de The Sweet, tanto musicalmente como con las letras. 'She gimme lovin' es una de las canciones más difíciles jamás grabadas por The Sweet, la interpretación de Brian Connely es sobresaliente.
Este álbum se acerca más al género que usamos para designar como heavy metal.
Al mismo tiempo, el disco tiene muchos puntos tiernos, como el intermedio a la flauta en 'Windy City' y Laura Lee, que se acumula con mucha calma. Por otra parte, 'Funk it up' tiene un ritmo excelente que solo Sweet pudo crear. La variedad de canciones del álbum es desconcertante, incluso hoy, cuando lo escucho en CD.
Underworld tuvo su momento en que hizo brillar lo que tocaba, que no se repetía, que asimilaba lo que había ido oyendo para ordenarlo a su gusto en el timeline. Podía hacer durar sus canciones lo que quisiera sabiendo que la gente no se saltaría el corte. Cuadraba de lleno en la religión del after y del recinto cerrado. De la puesta de sol y de su salida. Supieron hacerlo, dar de lleno y vendernos un aire que podía respirarse. Eran otros tiempos. Y no nos dolían los huesos.
Kansas no está lleno de rock progresivo como Genesis. Siempre fueron una banda de hard rock progresivo. Ellos, junto con bandas como Jethro Tull y Rush, fueron pioneros en la fusión del progresivo y el hard rock, básicamente sentando las bases para el metal progresivo que se haría popular en años posteriores. No sé por qué bandas como esta son tan criticadas aquí.
Para aquellos a los que les gusta AOR / hard rock, este es un lanzamiento histórico. Disfrutar.
Una curiosa portada que involucra plátanos, perritos calientes y ... un pepinillo (?) Envuelve este maravilloso álbum de blues-rock lleno de soul. Siempre animado por las extrañas divagaciones y los gloriosos lamentos del difunto gran Charlie Allen, seguramente un contendiente para uno de los mejores vocalistas de la época. Los aspectos más destacados incluyen un tributo a la recolección de moras y el muy ingeniosamente titulado 'Love Love Love Love Love'.
La portada del álbum refleja sorprendentemente bien lo que se encuentra dentro de Jollification: pop azucarado con melodías pegadizas, arreglos de sintetizador y una voz encantadora que canta canciones inofensivas pero hermosas. Pero no pienses en el álbum como desechable. De lo contrario. Los arreglos son bastante inteligentes y el álbum es lo suficientemente emocionante y variado como para que cada vez que vuelvo a él descubro algo nuevo.
La magia en este álbum ocurriría sin embargo en el proceso de producción, para los fanaticos de Stooges es notorio que el estilo de la banda se mantiene en su esencia, pero la rejuvenecida voz de Iggy y las precisas mezclas que hizo David Bowie de 7 de los 8 temas, hacen de este LP uno de los conceptos más interesantes de los setenta, y la entrada en definitiva del sonido Punk que absorberían prontamente muchas bandas, sobretodo las ubicadas al otro lado del atlantico.
Albert Einstein dijo una vez que "sólo había dos cosas infinitas: el universo y la estupidez humana". A esta lista se suma un tercer elemento, cuyos subconjuntos es imposible memorizar de principio a fin y que mueve masas, no solo de dinero y reconocimiento, sino también de estados anímicos y emocionales. De entre los miles de millones de discos publicados en la Historia de la Música es muy difícil seleccionar unos cuantos afortunados, pero hay ocasiones en las que surgen cantantes y canciones que cambian la vida de una persona; o al menos sus perspectivas emocionales y sentimentales de esa fantástica burbuja que rodea a un maravilloso mundo que es la música.
Con estas líneas iniciales, sobra decir que "Songbird" de Eva Cassidy es uno de esos álbumes que han hecho historia en mi cabeza. Cómo descubrí a tan increíble solista es hoy pura incógnita, pero es tan arrolladora la fuerza musical de Eva Cassidy que uno no puede menos que dejarse trasladar por el fraseo limpio y la voz tan personal de Eva a un mundo tan maravilloso (del "Wonderful World" hablaré en su respectiva crítica).
Ya desde el inicio del disco nos encontramos con el que es, sin duda alguna, el álbum más personal e interesante de Eva Cassidy, un recopilatorio publicado poco después de la inesperada muerte de la cantante como causa del cáncer. El talento suele identificarse siempre con la composición propia, y es muy cierto, pero una buena versión también es fundamental a la hora de reconocer el talento. Con tan solo un par de temas originales, publicados en su disco "Somewhere", la carrera de Eva Cassidy se dedicó íntegramente a las versiones de temas muy intimistas y que se adecuaban perfectamente a su timbre y su personalidad musicalmente enigmática. El que podría ser considerado su "single" de "Songbird" (que no lo es) es quizá el tema más sobrevalorado del disco ("Over the rainbow"), pese a que es una inolvidable versión, a fin de cuentas. Aquellos que esperen reconstrucciones idénticas de temas rock, folk y jazz que se alejen lo más posible de este álbum, ya que las diez canciones de "Songbird" son versiones muy personales. Diría que incluso prefiero la versión de Cassidy en "Fields of gold" que la del propio Sting (el plato fuerte del disco), y sus interpretaciones en "Autumn leaves", "Songbird" y "Wayfaring stranger" son más que sobresalientes.
El disco son cuarenta minutos de pura delicia auditiva, un paseo impecable por el folk y el jazz más personal de la mano de una de las divas con carrera póstuma más importante, Eva Cassidy.
Sencillamente, impresionante.
Que bien sonaba cuando tu lo decías porque se decía con sinceridad.
Así eras amigo,lo demostraba cuando teníamos ese ratito de charla que a veces se alargaba en las salidas y entradas de nuestro garaje porque además eras hasta buen vecino,servicial y buena gente.
Es de esta amistad que se ha quedado en menos días de convivencia debido a la vida ajetreada de trabajos distintos y ahora llegada la hora cercana al reposo de la jubilación te fuiste dando ejemplo de buena persona.
Sin hacer ruido y sin molestar te marchaste hace ya un año.
Ángel siempre te llevaré en el corazón.
Álbum tremendamente importante, no sólo por la influencia que ejerció en innumerables bandas de heavy metal, punk y muchos de sus derivados, sino además por lograr ser revolucionario en una época en que costaba serlo. ‘Raw Power’ no tiene muchos precedentes, ni siquiera en los mismos álbumes anteriores de los Stooges se puede adivinar a lo que llegarían.
Lo que hizo Iggy Pop y su banda fue retomar la fuerza y crudeza del rock and roll y el garaje y llevarlo a límites imposibles, con muchísima distorsión y volumen al máximo, dejando a un lado el virtuosismo y los clichés que estaban estancando a buena parte del heavy metal.
“Search and Destroy”, “Your Pretty Face is Going to Hell”, “Shake Appeal” y “Death Trip” son pura potencia decibélica, con un Iggy Pop escupiendo toda su rabia y la atronadora guitarra de James Williamson, la otra pieza clave para lograr ese sonido subversivo que no va ser igualado.
Aunque los dos álbumes de estudio anteriores de Hawkwind fueron excelentes, ninguno logró capturar el poder y la fuerza de su set en vivo; Hall of the Mountain Grill, sin embargo, logró esto de manera magistral.
El álbum yuxtapone algunos de los materiales más complejos e intrincados que se han cocinado hasta la fecha, como la canción principal, condimentada hasta el infinito con las contribuciones de violín y melotrón delicadamente manejadas de Simon House, con algunos de sus rockeros más pesados, como Lost, escrito por Lemmy.
Johnny, que añade un toque psicodélico de rock espacial a la oscura historia de un adicto a las drogas fuera de control.
Este y el posterior Warrior On the Edge of Time representan el pico absoluto del trabajo de estudio de Hawkwind.
“Southern Rock” fue una respuesta en toda regla a “Easy Rider” (1969), la película de Dennis Hopper, que fue un verdadero hito de la contracultura norteamericana (y por tanto mundial), y que pintaba un retrato -tan previsible como fácil- de los habitantes de los estados sureños como un puñado de palurdos granjeros, blancos y racistas, amantes del country más tradicional, y opuestos a las melenas, el rock y los aires de libertad de los moteros protagonistas (el propio Hopper y Peter Fonda), contra quienes atentan físicamente, asesinando al personaje del abogado alcohólico (interpretado por Jack Nicholson).
Este retrato de inmovilismo cerril, enfureció lo suyo a los rockeros sureños, que también existían, como se demostró abundantemente. Y es que a pelos largos, pocos ganaban a los Allman, y en cuanto a formas de vivir contraculturales y, más o menos, de aires hippies
Un comienzo sorprendentemente bueno desde una versión temprana de la banda.
Antes de que The Manhattan Transfer se convirtiera en la potencia vocal que todos conocemos y amamos, Tim Hauser intentó algo un poco diferente. La mayoría de los números de esta versión no presentan una interacción compleja de voz / instrumentación, con la excepción de la versión anterior de Java Jive, sino que son mucho más simples de pop / rock.
Lo mejor de este álbum es que está tan cerca de la perfección como se pone la música pop: melodías pegadizas y para cantar con líneas de gancho memorables al instante.
Lo peor de este álbum es que está tan cerca de la perfección como se vuelve la música pop: esponjoso, instantáneamente desechable con melodías que rechinan después de repetidas reproducciones.
Entonces, ¿dónde estoy parado? Bueno, en lo que respecta a la credibilidad, no estoy seguro de la música que se presta tan fácilmente a los jingles de los anunciantes ("Lucky You" - "Marvelous"), pero luego empiezas a cantar y te das cuenta de que la música tiene una potencia que no se puede ignorar. Jollification es el álbum más comercial de Seeds hasta la fecha, pero los lanzamientos anteriores tienen una mayor inmediatez y una calidad más entrañable: este álbum es más premeditativo y deliberado. Este es un muy buen álbum de pop, pero solo escúchalo un par de veces al año para que no te dejes engañar por el contenido de azúcar.
En 1971, Crosby lanzó su primer álbum en solitario, If I Could Only Remember My Name, desechado en ese momento por muchos críticos, pero posteriormente reevaluado - fue nombrado gnómicamente en 2010 por el periódico del Estado de la Ciudad del Vaticano, L'Osservatore Romano, como el segundo mejor álbum de la historia (después del Revólver de los Beatles).
Durante los siguientes 22 años lanzó dos álbumes en solitario, luego nada durante otros 21 años. Ahora ha hecho cinco álbumes en los últimos siete años. Además, son extremadamente buenos.
Y aún así no hemos terminado con los milagros.
Los titulares de la prensa anuncian con frecuencia listas de versiones de canciones afirmando que suenan mejor que la original. Y ciertamente en muchas ocasiones ocurre así. Pero más que tratar de dar medallas a la triunfante en esa supuesta competición, pretendemos con esta nueva serie, escuchar dos versiones, para disfrutarlas igualmente, sean original y versión o copias las dos.
Compararlas será inevitable, así que se admiten preferencias...
Iniciamos con estas parejas:
- Billie Holiday - Françoise Hardy, Iggy Pop.
- Natacha Atlas - James Brown.
- Koichi Shakai, Afla Sackey - Santana
- Joey Ramone - Louis Armstrong.
La pandemia ha afectado a nuestras vidas, y unas de las cosas que más se ha visto modificada es nuestro ocio: el cine, el deporte, y por supuesto la música en directo.
Quizás ahora sea un buen momento para escuchar esos conciertos míticos que dejaron huella en la historia de la música…
Los mejores conciertos rock. Verdaderas misas laicas o festines paganos, delirios monumentales o descargas rápidas, actuaciones estelares que marcaron un antes y un después…, Todas ellas engrandecen todo lo que el rock and roll tiene de lúdico, liberador, transformador y de trascendente.
Conciertos hay muchos que podríamos destacar, pero aquí os dejamos algunos de los mejores conciertos rock que marcaron, de una forma u otra, la historia del rock….
Os presentamos algunos de los mejores conciertos rock de la historia de la música.
