viernes, 21 de enero de 2022

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Hold on es un compendio de canciones tradicionales sacadas de la tradición oral a las cuales basicamente las dota de un enriquecido fondo de música gospel para una mejor asimilación por el publico en general , eso si respetando el espíritu original.

El tradicional Another Man Gone  abre el disco en una de las interpretaciones más simples a nivél instrumental sólo la armónica y la percusión s acompañan a la voz emocionante de Chanda para comenzar.

La segunda, es todo un clásico del folk americano I'll Fly Away, popularizado en la música country por Alan Jackson o Alison Krauss si bien en esta ocasión se ha dejado atrás los aspectos folk para llevarnos por los colores del soul.

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jueves, 20 de enero de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

¿Cómo suena el álbum? Bueno, ya no hay mucha guitarra; ya están más o menos directamente con los sintetizadores, no es ninguna sorpresa para principios de los 80, por supuesto.

La producción sigue llena y exuberante.

Pero la composición a menudo es quisquillosa, si no impotente, y todas suenan cansadas.

Y cuando consideras que Visitors vino después del ambiente deslumbrante y festivo del fabuloso Super Trouper, esto se siente como un fastidio particularmente obvio de un álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Big Head Todd & The Monsters" son quizás uno de los secretos mejor guardados de los 90. Solo los escuché en Spotify unos 27 años después del lanzamiento de este álbum. "Broken Hearted Savior" fue la canción que escuché, y sigue siendo una que escucho constantemente.

Este álbum fusiona elementos de rock, blues y country en un solo disco. "Soul For Every Cowboy" es el papá del rock sureño, sacado del libro de texto de Bob Segar. "Groove Thing" tiene un riff blues que hace que tus pies se mueva. "Sister Sweetly" es una buena canción de rock . 

Es consistente y refrescante. Desde que esto fue lanzado en los años 90, tienes la guitarra relajante, ese sonido que recuerda a "King's X". Con una línea de trabajo tan sólida, me sorprende que este álbum y artista no llamaran más la atención de los medios. Independientemente de su alienación de otros álbumes de la década de 1990, es un buen CD que deberías tener. 

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miércoles, 19 de enero de 2022

DIRECTISIMO 19

Es algo extraño que Clapton, que ha mantenido una carrera con una gran destreza en vivo durante décadas, nunca haya podido armar un álbum en vivo totalmente satisfactorio. Este es para darle el OK, que se debe en cierta medida a la nueva banda de EC, y en particular al segundo guitarrista Albert Lee. Clapton siempre suena mejor tocando a otro guitarrista en mis oídos, y aquí parece considerablemente más animado. El segundo LP en particular se concentra en el blues extendido y si la interpretación no está exactamente inspirada, tampoco suena exactamente sin inspiración. El sonido es un poco anticuado, todo de rango medio, pero aceptable. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 79

Una obra maestra estética. Sin embargo, aquí no fue donde se reinventó. El gran cambio llegó con varias posiciones. Es donde las extrañas peculiaridades de la transición realmente suenan frescas (las canciones también son mejores allí). Este es solo un tipo más de respuesta compositiva a su estilo de producción recién ganada. La inesperada combinación de su estilo pastoral y música callejera realmente hace que esto sea otra cosa. Tiene una calidad muy europea amigable con el automóvil, lo que probablemente ayudó a su éxito estético.

Leornard Cohen lo consiguió .


Composición increíblemente fuerte. Buenas letras. Además de mi canción favorita suya, "Lucy". Esto establece a The Good Son como uno de los primeros favoritos para el álbum favorito de Nick Cave. Aquí hay menos aumento del infierno que From Her To Eternity (el otro álbum de Bad Seeds que he escuchado) y más melodías impulsadas por piano unidas por la voz dominante de Cave y las letras sobresalientes. De todos los álbumes de 1990 que he escuchado, este tiene el mayor potencial para convertirse en un gran favorito.


Álbum bastante sonoro, pero desafortunadamente, hay más sonidos buenos que canciones realmente buenas. Las portadas a menudo no tienen sentido y la composición de Hazlewood no siempre está a punto. "Some Velvet Morning" es increíble. La química entre los dos es genial y creo que sacan lo mejor el uno del otro, pero eso por sí solo no hace un gran álbum.


Bob Welch fue una vez parte de los primeros álbumes de Fleetwood Mac, cinco de ellos, desde Future Games hasta Hero's Are Hard To Find y para eso consigue que Mick Fleetwood, Lindsey Buckingham y Christine McVie lo ayuden un poco en este álbum en solitario, comenzando con el bien escrito "Sentimental Lady" que estaba en el álbum Bare Trees de Fleetwood Mac. El resto de las canciones de French Kiss son todas decentes, al igual que este álbum. Lanzado en 1977, una época en la que el rock de los años setenta y la nueva discoteca eran las 2 grandes corrientes , y el productor de French Kiss debió haber dando cuenta de eso y roció el rock de Welch con algo de polvo de discoteca, que no estaba fuera de lugar y ni siquiera te darías cuenta a menos que estuvieras pendiente de esas cosas. Welch es guitarrista y cantante de rock, por lo que la guitarra encaja muy bien, la escritura es buena y Bob Welch tiene una buena voz.


Las diferencias estilísticas entre Radio City y #1 Record son pocas, pero son estos matices los que dictan una pequeña pero notable discrepancia en la calidad. Como álbum, #1 Record es mejor, es más cohesivo; todo se mantiene unido bastante bien; mientras que Radio City es menos cohesivo, pero tiene algunas canciones realmente buenas y memorables: "Life is White", "You Get What You Deserve" y "September Girls". #1 Record también tiene algunas buenas canciones, pero son menos pronunciadas debido a la calidad general del álbum en su conjunto.


A los discos de Cohen siempre ha sido inherente la dualidad entre músico y escritor de su autor, cuando una de las dos ha tenido más poder que la otra el balance mágico se ha roto. Si en “New Skin For...” el músico se anteponía al poeta; en “Im Your Man” pasa al contrario. Musicalmente hay muy poco que decir –de hecho la mayoría de críticas positivas nunca dicen nada de ese aspecto, más allá de una alusión a genérica a sus texturas-. Consciente de su erudición y de su estatus, Cohen canta en un tono monótono y confiado, creando una atmósfera sofisticada que tiene demasiado de pose y demasiado poco de la humilde filosofía de antaño. 

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martes, 18 de enero de 2022

1962’s # 1 UK ALBUM

The Black and White Minstrel Show fue un programa de entretenimiento ligero británico que se emitió durante veinte años en la televisión en horario estelar de la BBC. A partir de 1958, fue un espectáculo semanal de variedades que presentaba canciones tradicionales estadounidenses de juglares y country, así como melodías de espectáculos y números de music hall, lujosamente disfrazados. También fue un exitoso espectáculo teatral que duró diez años de 1962 a 1972 en el Victoria Palace Theatre de Londres. Esto fue seguido por recorridos por los balnearios del Reino Unido, junto con Australia y Nueva Zelanda. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En esta época Leonard Cohen estaba luchando por salir de la irrelevancia en la que le habían sumido sus últimos movimientos discográficos. Su ritmo se había ralentizado desde hacía lustros y entregaba un disco cada cinco años. Eso siempre ha ido a favor de la calidad de una discografía intachable, pero también suponía una amenaza a la hora de mantener el interés del público. Así, si con Various Positions (1984) había logrado conquistar a un público maduro deseoso de rememorar las glorias del pasado, con este I'm Your Man se confirma como el artista imprescindible que siempre ha sido y asalta las listas con una fuerza renovada e implacable. 


Al grito de "First We Take Manhattan" el álbum de la esplendorosa madurez de Cohen va imponiendo sus detalles, su exotismo y las verdades de una poesía que suena más libre que nunca para cantarle al inconformismo, al anhelo, a la arrogancia y a las simas insondables del amor. Para ello invoca a Lorca y a Hank Williams y rodea sus canciones de orquestaciones electrónicas donde la amenaza y lo exótico conviven en una armonía tan imposible como real. 

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lunes, 17 de enero de 2022

1959’s # 1 USA ALBUM

Heavenly es el lanzamiento regular de Johnny Mathis, superado en su catálogo solo por la compilación Johnny's Greatest Hits y la colección de temporada Merry Christmas. No es difícil entender por qué; este disco es el epítome del enfoque de Mathis hacia la música.

Los tempos son lentos, las cuerdas se hinchan y el tenor vulnerable de Mathis, goteando de tierna emoción pero sin perder el ritmo, se eleva y se lanza sobre todo. La mejor canción, una revelación cuando apareció en este álbum, es "Misty", un tratamiento del clásico de piano de jazz de Erroll Garner con una letra recién agregada de Johnny Burke.

Pocos podrían haberse llevado esa letra, pero fue perfecta para Mathis, y la canción se separó para un sencillo que se convirtió en su mayor éxito en dos años y sigue siendo una de sus canciones distintivas. Aunque todavía era bastante temprano en su carrera, Mathis había hecho muchas grabaciones; Heavenly fue en realidad su décimo lanzamiento de álbum en menos de tres años (contando dos colecciones de éxitos y el álbum de Navidad).

Todo se unió en Heavenly, el álbum número uno más antiguo de Mathis que pasó más de cinco años y medio en las listas. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Bueno, ¿qué es peor que los rockeros blandos envejezcan? "Home on a Monday" y "Happy Anniversary" son algo fuertes, empapados de cuerdas y armonías, pero se están hundiendo en sensibilidades en el mejor de los casos, desgarradores en el peor. Si te gusta la música más suave de los años setenta, como tal vez más tarde Eagles o Chicago, probablemente tendrá conexión con Little River Band. Sin embargo, la mayoría de nosotros los boomers no somos así. ¿Por qué son los chicos más felices y agradables lo que hacen el rock más aburrido? Sin embargo, si simplemente te gusta el pop clásico de los años setenta, podrías probar con los primeros cinco antes mencionados. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Big Star regresó al estudio en 1973 sin Chris Bell, que se había sentido amenazado por el dominio de Chilton sobre el grupo. Mientras que #1 Record exhibió mucho potencial, Radio City muestra a Big Star subvirtiendo sus influencias en música rock convincente y única. Todavía hay momentos de belleza y armonías encantadoras, pero se ven aumentados por un sonido más duro y desordenado.


Incluso las canciones más lentas como 'Daisy Glaze' se construyen en un crescendo, mientras que 'Mod Lang' y 'O My Soul' rockean todo el camino. Chilton utiliza algunos tonos de guitarra vintage de primera clase, mientras que la batería de Jody Stephens es dinámica e idiosincrásica. El bajista Andy Hummel coescribió casi la mitad de las canciones, y canta el destacado "Way Out West", "September Gurls" y "Back of a Car" deberían haber sido sencillos exitosos, mientras que el desagradable "Life is White", una respuesta a "My Life is Right" de #1 Record, es un rockero maravillosamente melódico.


Radio City es un poco desordenada y fuera de lugar, lo que le da una ventaja adicional; las dos últimas canciones ganan impacto a través de sus presentaciones como demos difíciles. Si tienes algún interés en la música rock, necesitas cazar esto; asegúrate de agarrar el twofer con #1 Record también. 

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domingo, 16 de enero de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 54 ( Quincenal)

Aunque se publicó originalmente en CD en 2004, es en 2020 y con motivo del Record Store Day que vio la luz la versión en vinilo de este LP, de color rojo, que incluye rarezas, como versiones demo de algunas de sus canciones como “Lazy”, “She’s in fashion”, “Untitled”, “Simon”, “Beautiful loser”, etc…; hay remezclas como la de “Attitude” por Mick Jones; «Elaine Paige» es una versión alternativa de «Another no one»; «La puissance» es una toma en directo de “The power”, pero cantada en francés; también hay una versión acústica de “By the sea”,… El disco cuenta con las versiones de dos temas en los que sólo se escuchan las cuerdas: “She” para empezar, y “Still life” para terminar esta rareza de álbum que encantará a cualquier fan de la banda liderada por Brett Anderson.


"Everyone Is Here" es un bonito disco de The Finn Brothers publicado en 2004, el segundo del dúo formado por Neil (líder de Crowded House) y Tim Finn (Split Enz en sus inicios y después en solitario), que a diferencia de otros hermanos mantienen buena relación. Los de Nueva Zelanda sorprenden con canciones de folk-pop, con bonitas melodías y armonías, siendo buenos ejemplos los singles Won't Give In, Nothing Wrong with You y Edible Flowers, más Luckiest Man Alive o el cierre gentle Hum. Contó con dos productores, Mitchell Froom y Tony Visconti. El único punto débil es que me faltan canciones verdaderamente míticas, sin dejar de ser el conjunto satisfactorio. 


El reinado de los grandes éxitos de Ruth Brown de 1949 a finales de los 50 ayudó tremendamente a la discográfica de Nueva York a establecer su predominancia en el campo del Rhythm & Blues. Posteriormente, fue olvidada por la industria -tuvo que trabajar durante un tiempo como asistenta del hogar- aunque volvió a la cima, dado su estatus de pionera del R&B durante la posguerra y reconocida a nivel mundial.

Ruth Weston se inspiró inicialmente en las cantantes de jazz Sarah Vaughan, Billie Holiday y Dinah Washington.

Con dieciseis discos en el Top 10 (cinco de los cuales llegaron al nº1) se convirtió en la artista más popular de Atlantic, ganándose la discográfica el merecido nombre de 'La Casa que Levantó Ruth'.

Ruth Brown murió el 17 de noviembre de 2006, en el hospital St. Rose Dominican, en Henderson, Nevada, a causa de complicaciones causadas por un ataque al corazón.


En cuanto a la secuenciacion de temas y la intencion general es casi un calco de su disco debut,aunque aqui haya un poco mas de riesgo (y menos de sinfonismo) debido a los nuevos fichajes,que provenian de ambientes mas experimentales,y eso al final se nota en el balance general.

"In the wake of Poseidon" (tema) es un calco de "In the court of the Crimson King",un autoplagio descarado,las miniaturas de apertura y cierre son una soseria,y "Cat food" es extraña y sin nervio.Pero la jazzy y potente "Pictures of a city" abre nuevas vias al sonido,"Cadence and cascade" es preciosa ( y la voz de Lake es para derretirse) y el experimento de "The devil's triangle" se alza como lo mejor del disco.

Irregular e interesante.


"Repeater" es el debut en largo de Fugazi propiamente dicho. Antes de este se habían limitado a tres EPs que, eso sí, ya daban buena cuenta de la furia contenida de los de Washington D.C.

Al menos eso se deduce tras la escucha de este disco fundacional, una auténtica piedra de toque a la hora de tasar la intensidad, la barbarie contenida y todo lo intrincado que tiene esta evolución del hardcore. Una bestia polirrítmica, angulosa y cortante que tiene más de exploratoria y rompedora que de esputos al aire. Justo todo lo que encontramos en un tema de la complejidad y el influjo de la canción titular, uno de los puntos más fuertes del disco y casi de la discografía de Fugazi.


Álbum bastante sonoro, pero desafortunadamente, hay más sonidos buenos que canciones realmente buenas. Las portadas a menudo no tienen sentido y la composición de Hazlewood no siempre está a punto. "Some Velvet Morning" es increíble. La química entre los dos es genial y creo que sacan lo mejor el uno del otro, pero eso por sí solo no hace un gran álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

A finales del 77, Bob Welch, ex miembro de Fleetwood Mac, lanzó el álbum French Kiss. En retrospectiva, el mejor álbum en solitario que haya hecho. Así que no hubo ninguna sorpresa real cuando se convirtió en platino a principios del 78.


Debido al hecho de que hubo algo de ayuda de los miembros de Fleetwood Mac Christine McVie, Mick Fleetwood y Lindsey Buckingham, el álbum obtuvo una audiencia mayor de lo que probablemente habría generado por sus propios méritos.


Sin embargo, el álbum contiene algunas buenas canciones. Los mejores logros son "Easy to fall", "Sentimental lady" y "Ebony eyes" (este último éxito en ambos sencillos estadounidenses).

Bob Welch tuvo su 'moment de gloire' con French kiss. Otros álbumes nunca pudieron cruzar el Atlántico de nuevo. Su música era demasiado cursi o demasiado romántica.

Su fama como solista se desvaneció tan rápido como había aumentado. 

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sábado, 15 de enero de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Un despiporre de disco, directamente. Lejos del concepto actual del multipistas, del copy-paste, incluso de las sesiones de otros coetanos del momento, del estirarse en el estudio hasta perfilar sus composiciones, los Soft Machine se lo hacían de duros y grababan en directo. Rizando el rizo y el más dificil todavia. Eso es lo que trasluce de los cuatro cortes, a canción por cara en la via del vinilo. Ensamble, dirección, cierta improvisación una vez consumida la partitura, reempalme y ya veremos como acabamos esto. Cual partido de futbol, el resultado es irrepetible. Como un concierto. Pero aquí el sentido lo marca la perdurabilidad del proyecto, el planchado y secado, y la venta. La carencia de arneses y bridas amplia la belleza, la libertad se huele, se palpa y se masca. Si disfruta hasta penetrar nuestra epidermis. Se comparte, principio fundamental de la música entendida como tal. A partir de ese momento, hay que cogerse a su grupa y soportar los zig zags, los quiebros, las subidas y bajadas y los cambios de colores. Hasta la simbiosis. Sólo nos queda repetir el conjuro. Poner el disco de nuevo y cambiar de sintonia. Al igual que en uno de sus conciertos, el resultado siempre será diferente. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum Nancy & Lee era tan tranquilo y delicado que era perfecto mientras esperaba a que llegara los Reyes Magos este año.

Aunque hoy nos centramos en este encantador álbum, no importa decir que Nancy & Lee no es solo la historia de una colaboración, es la magia de una alquimia que se extiende más allá de este famoso proyecto. También se podría pensar que Nancy es la chica de un papá, ya que su padre no es otro que Frank Sinatra, el legendario cantante, pero eso no es del todo cierto. Nancy Sinatra es más que eso, probablemente sea uno de los primeros iconos del Pop como los conocemos hoy en día. Ella es la madre ancestral de Ma-donna, Britney Spears y muchos más. En una carrera excepcional que abarca más de 40 años, Nancy ha creado su leyenda en la pantalla, pero también en música con el clásico de culto "These Boots Are Made for Walkin" (1966), un estándar absolutamente irresistible. Era necesario tener agallas y coraje para tener éxito en demostrar que no estaba a la sombra de su padre y es cruzando el camino de Lee Hazlewood, cantante/productor/compositor que se convertirá en su estrecho colaborador que Nancy confirmará todas las promesas de su éxito. Al mismo tiempo, Lee Hazlewood también aprovechará esta colaboración dejando la sombra para seguir una carrera muy notable a partir de entonces. Céntrate en uno de los dúos más improbables de la historia de la música, por un lado un joven cantante que tenía todo para ella y por el otro el apodado el "psicodelico vaquero". 

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viernes, 14 de enero de 2022

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 85

El Rock and Roll emana del Sur. Un excitante y primitivo sonido que hunde sus raíces en el Blues, el Country y el R&B, tres paradigmas de música auténtica y sincera que surgen desde las llanuras de Texas hasta las montañas de Virginia, pasando por los pantanos de Louisiana y las aguas del Mississippi.

Es en este lugar donde a finales de la década de 1960 un grupo de jóvenes músicos que comparten un mismo ideario sonoro y vital, orgullosos de su herencia e identidad, pero decididos a desencadenar un cambio tanto a nivel musical como social, concebirán un nuevo género que extenderá su influencia hasta nuestros días: el Southern Rock.


A pesar de que algunos de sus protagonistas no comulgan con este término por parecerles comercial o redundante (ya que afirman que simplemente “hacen Rock en el Sur”), no podemos negar la existencia de varios factores que ayudan a definir y enmarcar esta nueva variante del Rock and Roll: es producto de un sitio concreto en un momento determinado, todas las bandas implicadas comparten idénticas influencias y raíces, e interaccionan usualmente formando una comunidad artística con un alto sentido de camaradería y hermandad.

La mezcla de estas tres características dará como resultado la concepción de unos nuevos patrones sonoros que incorporarán con total naturalidad innovadores esquemas rítmicos y solistas totalmente reconocibles para los aficionados y seguidores del Southern Rock 

De todas maneras estos son los mejores del Rock Sureño del año pasado 2021.

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