50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En 1972 Crosby, Stills, Nash & Young habían puesto fin a su aventura y habían  dejado un hueco entre los aficionados que un nuevo trio, desconocido hasta entonces, consiguió llenar con un primer álbum modélico. El trío era America y se había formado en Londres. Sus componentes eran los norteamericanos Dan Peek y Gerry Beckley, que vivían en una base estadounidense en Gran Bretaña, y el inglés Dewey Bunnell, que los había conocido allí. Los tres cantaban eran guitarristas. En 1970 habian formado parte del grupo Daze y en 1972 decidieron ocupar el lugar que ha bia dejado CSN&Y. Su primer álbum, este America, fue número uno durante cinco semanas en Estados Unidos y les consagró de la noche a la mañana. El secreto fue una canción titulada A Horse with no Name, titulo que hacía alusión a la famosa película Un hombre llamado caballo. Se trataba de un perfecto ejercicio de voces y guitarras en la línea del nuevo country pop, a medio camino en tre Crosby y compañía y lo que luego serían los Eagles. Además de ese tema, que fue número uno, en el disco figuraba I need you, también top 10 en Norteamérica y Riverside. Posteriormente, el trío America, que en 1976, tras la marcha de Dan Peek se convertiría en dúo, tuvo éxitos del calibre de Ventura Highway, Tin Man o Sister Golden Hair. Aunque llegaron a clasificar 14 álbumes en las listas entre 1972 y 1984, ninguno superó este disco de presentación, una de las sorpresas musicales más jugosas de 1972.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Música pop madura de calidad superior, Lennox es una de las mejores vocalistas británicas de todos los tiempos, sin duda, y aquí libre de los Eurythmics, realmente demuestra que también es una gran escritora.

Un empaque de canciones brillantes ayudan a que este debut sea un éxito, pero parte del relleno en la parte posterior del disco lo socava un poco.

La otra cosa que realmente notas años después es la agonía genuina en algunas de las letras, así como una pronunciada influencia del evangelio debajo del brillo de la producción. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 61 (Quincenal)

It's You or No One es un álbum extraño en el catálogo de Bobby Darin. Por alguna razón, el disco se grabó en 1960, pero se mantuvo durante tres años antes de su lanzamiento en junio de 1963. Es otro disco conceptual para Darin, con un lado lleno de canciones optimistas arregladas por Torrie Zito y el otro con melodías más malhumoradas hechas por Bobby Scott.

Al igual que Love Swings, It's You or No One es optimista primero y melancólico "a la mañana siguiente". Este disco se grabó antes de Love Swings, pero se lanzó después de él, lo que lo convierte en una continuación de su propio seguimiento. De cualquier manera, los dos hacen un gran par de álbumes de amor conceptuales. Territorio familiar para Darin, pero lleno de interpretaciones conmovedoras y sólidas.

Sin duda, los Brass fueron la escena que ocurrió en los años sesenta, al menos para personas mayores de 30 años. Su música transmite tal sensación de celebración alegre. Fue un gran momento, Estados Unidos estaba rebosante de más tiempo libre y "duraderos" de consumo que nunca, y Vietnam seguía siendo algo que podrías poner en el fondo de tu mente, a menos que tu familia se viera directamente afectada. Todo el mundo estaba mirando hacia arriba al baremo establecido por The Beatles y George Martin.

La medida, comercialmente, fue un gran éxito. Cathy's Clown, el primer lanzamiento de Warner Single, fue un gran éxito. Vocalmente, el estilo y la entrega son indistinguibles de las grabaciones de Cadence, pero este primer álbum de Warner, lanzado rápidamente para coincidir con Cathy's Clown en lo más alto de las listas, marca el comienzo de un sonido Everly más nuevo y completo. Los cortes de la Cara 2 son  más pesadas con un sonido de batería mucho más fuerte, una línea de bajo más pronunciada y un riff de piano más pesado que respalda un solo de guitarra eléctrica de canción media. La última pista, I Want You Know, personifica la tendencia en evolución.

Empecé a escuchar a Congregation sin nociones preconcebidas, lo que creo que fue un beneficio; con demasiada frecuencia, ya estoy sesgado de una manera u otra por la reputación de un álbum o banda, así que siento que a menudo no soy capaz de ser totalmente objetivo. En este caso, todo lo que sabía sobre el álbum era que fue lanzado por Sub Pop, uno de mis sellos favoritos, así que decidí que valía la pena intentarlo. El sonido de la banda es interesante, ya que comparte características con el grunge al estilo Pearl Jam, pero también me suena como muchas de las primeras bandas independientes de los años 00 que comenzaron a inundar el mercado. Creo que la combinación funciona bastante bien.

“I Robot" fue el primer álbum que compré a este artista. Cuando escuché este álbum por primera vez, me confundí. ¿Cómo se podría hacer esta música poco común en 1977 ? No me lo podía creer. Mientras surgía la música punk, un excelente productor musical (que trabajó anteriormente con Pink Floyd) estaba creando, experimentando, dando forma y componiendo un tipo alternativo de música. Algo completamente nuevo pero comercial al mismo tiempo. Fue realmente una buena idea tener diferentes vocalistas dependiendo del tipo de canción.

Dire Straits debutan a contracorriente. En plenos coletazos sanguinolentos de eso que alguien llamó punk rock, ellos se tiran por el lado contrario y empiezan a acariciar sus instrumentos para sacar sonidos celestiales con el blues como faro y Bob Dylan en el altar. Decir que el estilo vocal e incluso la imaginería lírica de Mark Knopfler es de inspiración totalmente dylaniana es dar en el clavo. Eso les valió una cierta indiferencia por parte de una prensa y un público que tenían la vista puesta en otras cosas más cruentas y viscerales. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los TLC no son de ninguna manera excelentes cantantes; solo porque tengan rangos vocales altos, no significa que los usen particularmente bien. Dicho esto, tienen algunas de las mejores canciones pop de la década de 1990 en el bolsillo trasero, y "Creep" es una de ellas. La producción de la canción refleja perfectamente el sentimiento lírico: es una canción sobre la infidelidad y el secreto, por lo que las trompetas son a la vez desafiantes en tono pero tenues en dinámica. La canción llega a su amargo núcleo emocional con una precisión impresionante, pero la estética general de la canción es peligrosa. TLC sabe que todo el infierno podría desatarse si su hombre se diera cuenta de su acto de venganza y, por lo tanto, deben mantener sus experiencias y la canción en un nivel bajo. También soy un gran fan de cómo las voces se funden en la textura general de la canción: la melodía vocal inferior hace un buen trabajo al permitir que la guitarra y otros elementos de la instrumentación se canten. "Creep" es una canción pop creada deliberadamente, una excelente pieza de principio a fin. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Shuggie Otis es una leyenda de la música negra estadounidense, habiéndose criado en círculos de blues y jazz, siendo hijo de otro nombre de peso Johnny Otis, aunque al llegar a su adolescencia se toparía con la música de la contracultura desde el rock funky y el soul, esto lo completó como artista y le ofreció la oportunidad de crecer en una escena en la que encajó muy bien por sus habilidades como guitarrista, compositor, cantante y multiinstrumentista, hasta llamar la atención del mismísimo BB King, quien lo citó diciendo que Shuggie era ‘’su nuevo guitarrista favorito’’.

Su primer trabajo solista es un álbum increíblemente variado, prácticamente contiene casi todos los sonidos que su época puede ofrecer, algo de rock, balada, boogie, blues, funky, góspel y soul, mucha música negra por un artista negro que respiró y nació en medio de esta música y que denota la practicidad que tenía (y sigue teniendo ya que el músico aún hoy sigue tocando) para manejarse por estos terrenos, las raíces de estos géneros que corren por sus venas y fluyen por los dedos en su guitarra

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 2 NINA SIMONE

Mirando las estrellas que se apagaron en un mes de abril, hay una que sobrecoge. No sé si me impresiona más la imponente fuerza de su voz o su poderosa figura humana. Será  que son la misma cosa. 

Una de las grandes artistas de la música de siempre y una mujer con antorcha. Su arte, aunque sublime, no estaba precisamente fuera de este mundo. Su enérgica voz carnal, poderosa y convencida nos arrasa como un torrente lleno de verdad.

Se acaban de cumplir 19 años sin la 'Alta Sacerdotisa del Soul'.

No se limitó al Soul y el Jazz, abrazó diferentes géneros: clásica, blues, pop, gospel, chanson....

De familia humilde y numerosa, su madre, limpiadora, y su padre, barbero, tenían que sacar adelante a sus ocho hijos con mucho esfuerzo.

Pero la pobreza no está reñida con el amor por la música, y esa pasión la contagiaron en casa de tal manera que a los tres años ya estaba Nina sentada al piano. 

Ante semejante precocidad, y a pesar de las apreturas económicas, toda la familia se afanó por ayudar a desarrollar el talento de la pequeña, pagándole lecciones de música clásica.

Con doce años daba conciertos en la biblioteca de su pueblo. Los padres escuchaban emocionados en primera fila. Pero enseguida tuvieron que cederles el asiento a los blancos e irse hasta la última. Aquí se puso de manifiesto la rebeldía de la joven artista negándose a tocar hasta que sus padres volvieran a su sitio.

La segregación racial hizo que tuviera dificultades para cursar sus estudios de música clásica, lo que la condujo al blues y al jazz.

La música siempre fue su manera de luchar contra la desigualdad. Sus canciones relatan con frecuencia episodios de estas injusticias lo que hizo que fuesen a veces censuradas.

Abandona Estados Unidos harta de soportar la segregación racial y de pagar impuestos a un gobierno que los gasta para la Guerra de Vietnam.

Vivió en diferentes países, pero ya no volvió a pisar su tierra. Murió en París el 21 de abril de 2003

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Grupo de rock tradicional, nada innovadores: eso es lo que reclamaba el público a finales de los 70, exhaustos tras el caos provocado por el Punk. Dire Straits banda formada en el sur de Londres, practicaba un rock intimista, alejado de la estridencias y, en consecuencia, apto para el consumo masivo.

Además el grupo estaba liderado por un guitarrista a las antigua usanza, Mark Knopfler, un virtuoso que poner las cosas en su sitio tras la insultante ineptitud de los grupos Punk. Más noble, además del guitarrista y motor del grupo era el cantante su estilo vocal lacónico, en la línea de Bob Dylan y JJ cale que ,se convirtió en la otra seña de identidad de Dire Straits desde el primer disco.

Dire Straits se grabó en los estudios  Basing Street de Londres, con la producción de Muff Winwood y un nada elevado presupuesto de 12.500 libras. Y aparte llegó al número cuatro de los Estados Unidos y ocho en Inglaterra. Su mejor canción la inolvidable Sultans Of Swing, con un laborioso trabajo de guitarra y un solo impagable que marcado época y creado escuela

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Incapaces de encuadrarlos en un género. Ellos lo tienen mucho más claro: son, simplemente, Alice in Chains. Pero si tienen que definirse, declaran sentirse mucho más cerca de Iron Maiden que de Nirvana. Es otro de los grupos considerados grunge que está más cerca del heavy y del rock duro, aunque de una forma menos obvia que Soundgarden, que de la etiqueta que les ha hecho famosos. A pesar de que toman elementos del metal, tanto sus letras como su música investigan la muerte, la desesperación y las drogas, aspecto que les mantiene alejados de los grupos de heavy tradicionales. En Dirt los temas son oscuros y opresivos, dando lugar a un disco denso, amargo y claustrofóbico en el que todos los cortes crean una atmósfera pesada, acentuada por la forma de cantar plana y sin emoción de su cantante Layne Staley y por unas letras llenas de dolor y frustración.

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DIRECTISIMO 32

En su segundo LP en vivo, Rush ofrece una fantástica selección de sus mejores canciones con una ejecución perfecta y algunas divertidas bonificaciones adicionales, como un solo de batería en YYZ y Alex's Broon's Bane. Incluso si has escuchado sus grabaciones de estudio cientos de veces, como yo, te instaría a que le des una vuelta a esto. Suena increíble en todo momento con su equilibrio perfecto de bajo, guitarra y sintetizadores.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Galadriel, una banda de España, se formó en 1985, posiblemente en Madrid y a través de varios ensayos duros grabaron su debut ''Muttered promises from an ageless pond'' en cuatro estudios diferentes (!!) En 1988. La formación original fue el baterista Cidon Trindade, el guitarrista Manolo Macia, el bajista Manolo Pancorbo, el teclista David Aladro y el cantante Jesús Filardi. En este álbum se puede detectar una gran cantidad de influencias y numerosos momentos nostálgicos. Suenan principalmente como Sí con fantásticas líneas de bajo pesadas similares a las de Chris Squire, muchos cambios de tempo, partes de piano clásico teñidas de Rick Wakeman, líneas vocales similares a las de Jon Anderson (Fish también me viene a la mente) y un guitarrista que debe ser un gran admirador de Steve Howe. También hay muchas guitarras acústicas románticas Hackett y bonitos pasajes de sintetizador en la línea de Genesis o incluso Marillion. Te advierto, el debut de Galadriel es un gran disco, pero Requiere bastantes giros para ser realmente apreciado. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En comparación con el primer álbum, la fórmula de I robot son pistas más cortas y sencillas, menos progresivas ha. Es bien sabido que Alan Parson es capaz de producir pistas cortas accesibles y pegadizas. De hecho, tenemos parejas de interesantes aquí: "The Voice", que suena casi disco; el esque de Floyd "Day after day"; "I wouldn't want to be like you"; el conmovedor y nostálgico "Some other time", que es mi favorito; desafortunadamente, el resto no está mal pero poco emocionante: creo que Alan Parson tiene que ser más complejo, y si no, al menos más pegadizo si intenta la manera pop: ¡Tuvimos que esperar al álbum "Pyramid", uno de sus álbumes más pegadizos jamás realizados! 

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CLÁSICOS DEL ROCK 92

Un año después de debutar en 1975 con su autotitulado LP Arista Records, The Outlaws celebró el gran Bicentenario de Estados Unidos con el lanzamiento de “Lady in Waiting”. Después de otro año de gira juntos, el orgulloso grupo de la tierra o' Dixie apretó aún más su sonido, como es evidente a lo largo de la grabación de nueve canciones. Varias de las canciones de Lady in Waiting se basan en un ambiente campestre relajado, como la ventosa "Carolina del Sur". Como resultado, The Outlaws se parecían más a la Marshall Tucker Band que a sus buenos amigos, el legendario Lynyrd Skynyrd.

Este álbum de Free alterna entre relajado y triste, ocasionalmente melancólico, el ritmo general es lento y constante, pero expulsa varias pistas significativas, el clásico gratuito al más cercano que llegamos a un rockero en este álbum, The Stealer, The mournful piano ballad Be My Friend, y el francamente deprimente pero en el buen sentido, Soon I will be Gone También se incluye Highway que escuché por primera vez en mi a menudo mencionado Island Sampler El Pea.

Todas las pistas clásicas, como Blues Project, BS&T, etc., ya están fácilmente disponibles en otros lugares. Las rarezas son muchas viejas canciones regrabadas que Al Kooper fingió "actualizar". Si la actualización significa añadir algunos sonidos digitales solo para obtener un sonido "moderno", por lo tanto, prefiero escuchar la versión antigua a pesar de sonar un poco anticuado.

Uno de los ejemplos más obvios es "A Drive Through the Old Neighborhood", cerrando el primer CD que se canta con una voz lounge y un fondo digital cuando la canción se grabó en 1970.

Para una primera incursión en un álbum de Buffett, Latitudes es una buena escucha. 42 minutos de despreocupados country soft rock. Si bien el gran éxito "Margaritaville" es, de lejos, el más destacado del álbum, no es un mal momento. Me sorprendió cuántas canciones más lentas tiene Jimmy aquí. Disfruté bastante de "Miss You So Badly". Cada vez que la banda sube de nivel, las cosas se sienten más emocionantes y divertidas.

Pentangle intentó parte de esta extraña fusión en Basket of Light, aunque es cierto que la música sigue siendo en gran medida folclórica con influencias de jazz. En cualquier caso, mezclar los dos estilos es difícil de hacer bien y los resultados aquí son en su mayoría buenos pero mixtos. Los elementos del jazz parecen forzados a veces y, aunque la música siempre es interesante y la interpretación inspirada, no disfruto de la mayor parte de este álbum tanto como los del grupo que se acercan a la forma folclórica tradicional como Cruel Sister.

Uno de los discos menos "folk" de Jethro Tull, y uno de los mejores, aunque no precisamente por ser "poco folk". Más bien es una coincidencia, diría. El disco está, en realidad, constituido de dos EP (o algo parecido), cada uno ocupando un lado del disco original. Particularmente me gustan ambos por igual, siendo "My God" el punto más alto del LP, con una crítica finísima a la religión, con énfasis en su origen mucho más humano que divino. 

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1966’s # 1 UK ALBUM

Sin duda alguna, uno de los mejores regalos de los Stones de toda su carrera. Incitante, vibrante, macarra y, especialmente, sincero, Jagger y Richard y Jones hilvanan una de las mejores colecciones de pop de consumo, capaz de poner nervioso a Lennon y McCartney. Sentando cátedra y presentando candidatura a reyes del pop. Luego se las dieron de diablos y se pasaron al rock y al blues y a lo que conveniera para mantener la carrera en lo alto del estante. Pero la frescura y desenvoltura con la que se suelten en este disco, no volverían a repetirla. Gajes del oficio y del star system. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Nada sonaba ni suena parecido a Jethro Tull.Un mundo sonoro sin discípulos,música original e inimitable.

Y aquí dando el do de pecho.Mezcla mágica de mil influencias aparentemente irreconciliables,pero que consiguen adaptarse para crear algo único.Hard rock,folk,interludios clásicos (esa entrada de "Locomotive breath",ciertos pasajes de "My God"),pepitas de oro acústicas en su simplicidad,coros pseudogregorianos,blues...Una mezcla mágica.

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1961’s # 1 USA ALBUM

Cuando me intereso por un género, a veces quiero sumergirme en la versión más extrema de dicho género, con la idea de que si disfruto del género en su epítome, sabré que es realmente para mí. Eso no siempre funciona, y creo que Camelot es un ejemplo de ello. Me he interesado cada vez más por el teatro musical en los últimos años, pero esto es un poco demasiado expenso para mí.

Julie Andrews esta genial y Robert Goulet es perfectamente elegante, y definitivamente me gusta la alegría lírica de canciones como "The Simple Joys of Maidenhood" y "C'est Moi", pero mucho de esto me engatusa de la manera equivocada. 

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