1969’s# 1 UK ALBUM

En 1964, Motown había acumulado suficientes éxitos británicos para que EMI lanzara un álbum de grandes éxitos, A Collection of Tamla Motown Big Hits.En los siguientes años, se lanzaron varias compilaciones más, incluidas seis de la serie 16 Original Big Hits.

En 1967, el sello publicó el primero de la serie Motown Chartbusters. Aunque la serie comprendía principalmente sencillos de éxito de varios artistas de Motown, los álbumes también incluían otras grabaciones que no habían sido éxitos en Gran Bretaña y muchos éxitos individuales significativos fueron excluidos de la serie.

Los álbumes posteriores de la serie no incluyeron ninguno de los diez mejores sencillos logrados por Stevie Wonder, ni ninguno de sus lanzamientos. A veces se incluían éxitos menores en lugar de éxitos más grandes, sobre todo para los Jackson 5 y Michael Jackson.

Debido a la política de Motown de reejecuciones de pistas en singles de forma regular, hay algunas anomalías en la inclusión de pistas. "¿Qué se convierte en el corazón roto" de Jimmy Ruffin Está incluido tanto en el Volumen 1 como en el Volumen 9, ya que fue un éxito en el Reino Unido dos veces.

El éxito de Mary Wells "My Guy" aparece en el volumen 7, lanzado en 1972, después de que hubiera sido un éxito de reedición sustancial, a pesar de haber sido lanzado por primera vez en 1964 y de manera similar "Baby Love" está incluido en el volumen 9, ya que había sido reeditado en 1974, diez años después de que llegara por primera vez en el Reino Unido para The Supremes 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si no hubiera sido por dos hombres, la música reggae nunca habría salido de Jamaica. A Chris Blackwell, el propietario de Island Records, le encantaba el reggae, pero creía que esta música rebelde necesitaba un líder y que ese hombre era Bob Marley. Un joven jamaiquino cuyos primeros años en los Estados Unidos lo sintonizaron con la música soul, Marley era un rastafari en una misión por la justicia social y la santidad de la marihuana.

Los Wailers se referían originalmente al trío vocal de Marley, Peter Tosh y Bunny Livingston. A ellos se unieron el teclista Earl 'Wire' Lindo y los hermanos Barrett: el bajista Aston 'Family Man' y el baterista Carlton, una de las mejores secciones rítmicas de la historia. Mucho del reggae depende del bajo y Family Man escribió el manual. "The Wailers era el mejor grupo vocal y el grupo I era la mejor pequeña banda de acompañamiento en ese momento", recordó Family Man. "Así que decimos: "¿Por qué no nos unimos y destrozamos el mundo?" 

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1966’s # 1 USA ALBUM

Se han escrito muchas narrativas sobre la música de los años 60, y la mayoría de ellas no incluyen música lounge y fácil de escuchar. Herb Alpert & the Tijuana Brass hicieron mucha música lounge y fácil de escuchar, y terminaron siendo el segundo álbum más vendido de los años 60, solo superado después de los Beatles. Incluso lograron incluir tres álbumes en la lista de álbumes de todos los tiempos de Billboard, siendo este el último de ellos. El asombroso éxito de estos chicos a mediados de los 60 es realmente más interesante que la música en sí, porque, quiero decir, no hay mucho aquí.

Al igual que mucha música de Alpert, este álbum funciona como una aproximación de la música lounge y mexicana a través de la lente del pop de los años 60, y en ese sentido, hace su trabajo. Todos los músicos de aquí son profesionales, incluido Alpert en su trompeta, y mantienen las cosas vivas sin llamar demasiado la atención. Si estuvieras organizando una cena o algo así en los años 60, y necesitaras algo agradable y discreto, y supongo que vagamente exótico, para poner en segundo plano, este álbum valdría.

Sin embargo, aparte de eso, no estoy muy seguro de lo que haría con esto en cualquier otro contexto. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Twentysomething es una pepita bastante guay en el mundo del jazz moderno. Jamie Cullum es un excelente cantante de jazz británico que definitivamente tiene lo que se necesita para ser una leyenda.

El álbum está lleno de material original, así como de una gran cantidad de clásicos de jazz y rock, todo hecho en arreglos de jazz. Del material original, las pistas destacadas incluyen "Twentysomething" y "All at Sea". Las opciones de portada son interesantes, si no sobresalientes, y cuentan con muchas canciones que generalmente no esperarías ver en un álbum de jazz. Además de cosas más tradicionales como "Singin' in the Rain" o "I Get a Kick Out of You" de Cole Porter, también obtienes cosas como "Wind Cries Mary" de Jimi Hendrix, "Love, You Should've Come Over" de Jeff Buckley y "High and Dry" de Radiohead. Si bien puede sonar como una herejía tomar algunos de estos clásicos del rock y ponerlos en arreglos de jazz, en realidad funciona muy bien y es ayudado por la gran entrega de Cullum.

En general, si te gustan los cantantes de jazz y disfrutas de una buena musicalidad, este disco debería estar en tu discoteca. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La pieza central de la obra maestra de Kraftwerk, "Trans-Europe Express", fue la canción principal de un álbum cuya influencia es simplemente incalculable. Incluso antes de considerar que era el material de origen de una de las pistas de hip-hop más fundamentales de todos los tiempos, "Planet Rock" de Afrika Bambaataa, "Trans-Europe Express" es una grabación colosalmente importante.

Lanzado como sencillo avanzado, "Trans-Europe Express" fue la canción más concisa y orientada al pop en la carrera de Kraftwerk hasta la fecha. Sus ganchos musicales, ritmo contagioso y voces separadas, con referencias a Iggy Pop y David Bowie, establecerían instantáneamente una nueva plantilla para la música pop accesible y electrónica.

En el álbum, "T.E.E." se amplió a una duración de casi catorce minutos; una suite virtual que abarcaba dos pistas contiguas en "Metal on Metal" y "Abzug". Fue aquí donde el efecto hipnótico y rítmico de la canción alcanzó su pleno rendimiento; sus muchas repeticiones sugieren la fusión de lo humano y lo mecánico que no solo fue el foco de gran parte de las letras de Kraftwerk, sino también la esencia misma de su forma de arte.

Como una sola pieza de seis minutos, "Trans-Europe Express" era un punto de referencia dentro de un punto de referencia, dentro de otro punto de referencia. Junto con las otras canciones de Trans-Europe Express, sugirió un desafío audaz pero acogedor para el futuro de la música popular; un futuro que era difícil de imaginar sin la influencia de este grupo absolutamente pionero. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Hasta la edición de 3 + 3 en 1973, la gente veía a los Isley Brothers como una formación en la onda de The Drifters o The Moonglows, es decir, como un grupo de negros sonrientes embutidos en elegantes trajes de angora. El público adoraba sus hits. De hecho, consiguieron un éxito con «Shout», un trallazo de R&B influenciado por el gospel, y hasta los Beatles hicieron una versión de su «Twist And Shout». De todos modos, el material que los Isley grabaron para Motown fue de una inconsistencia frustrante.

3 + 3 fue el renacer del grupo, comenzando por la portada. La fotografía de Don Hustein mostraba a los cinco hermanos junto a su primo Chris Jasper. Todos parecían muy seguros de sr mismos y calzaban atuendos espectaculares. Los Isley eran originalmente un trío, de ahí el título del álbum, que se refiere la incorporación de las nuevas generaciones al grupo.

El disco era la prueba de que la banda podía tocar y cantar con tanta pasión y sonar tan pop como cualesquiera de los grandes.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Innervisions completó una trilogía que dio comienzo en 1972 con Music Of My Mind y en la que se aprecian los destellos finales de la explosión creativa que siguió a la renegociación del contrato de Wonder con la Motown. Editado apenas siete meses después de Talking Book, Innervisions no era ningún último cartucho. Tal y como sugiere la portada que pintó Efram Wolf, se trataba de su disco más ambicioso, inabarcable y profético.

Antes de editar el álbum, Wonder metió en un autobús a varios periodistas con los ojos vendados y se los llevó de paseo por Nueva York, para que experimentaran la vida urbana tal y como él lo hacía. Después, les hizo escuchar el disco también a ciegas. Cabe preguntarse qué debieron sentir al oír «Living For The City», un thriller épico, sazonado con diálogos y efectos, que hablaba del descenso de un ingenuo chico de pueblo al mundo del crimen en una Gran Manzana podrida. La denuncia fue el combustible del disco: la melancolía de «Visions», las descargas funkies de «Higher Ground» (maltratada años después[…]” 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El extenso álbum doble de Elton John es típico de la época. Se consideró genial tener un álbum doble, porque te convirtió en un artista "serio". La mayoría de los intentos fueron ejercicios en exceso y GYBR no es una excepción. Como "The White Album", "Exile On Main Street", "Physical Graffiti", "Tusk", etc., habría sido un gran álbum y medio. Hay suficiente relleno para que sea una tarea escuchar hasta el final de una sola vez. Dicho esto, las primeras cuatro pistas son clásicas certificadas y las buenas pistas están muy bien hechas. El instrumental de apertura, "Funeral for a Friend" muestra que EJ podría escribir rock progresivo, así como lo mejor de ellos, y simplemente se llena de una energía y convicción que deberían silenciar a aquellos que lo descartan como un cantante de pop ligero. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¡CUIDADO! Para un oyente que está acostumbrado a escuchar rock/pop, esto suena como música country estándar de Nashville de los años 70, bueno, sí, sin el pulido cursi, pero no incorpora rock, folk o blues como Gram Parsons, por ejemplo.

Teniendo en cuenta eso y la aceptación del oyente, este es un álbum country agradable. Sin embargo, es obvio que el country alternativo no lo adoptó demasiado, porque esto es rebelde solo desde un punto de vista muy conservador. El estilo vocal de Waylon, que es un canto presionado, solo se suma a la impresión general de que estamos tratando con alguien que no rompe ninguna barrera del género country. En pocas palabras: si no te gusta el country, esto no te gustará. 

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DIRECTISIMO 58

Momentos mágicos en la historia: Jean-Michel Jarre había sido emitido en la radio china como el primer artista occidental o incluso extranjero al menos desde la Revolución Cultural y pasó valientemente a actuar en vivo en China. Esto ocurrió a finales de octubre de 1981, primero en Pekín y luego en Shanghái. Hubo algunos problemas inesperados, por supuesto (por ejemplo, la mayoría de la audiencia en el primer concierto de Beijing se fue antes del final porque el transporte público iba a parar a las 10 pm), pero en general la operación fue un éxito y escuchando el final del magnífico "Magnetic Fields II" (definitivamente una versión mejor que en el álbum de estudio) se puede escuchar que el

The Concerts in China es un impresionante paquete de música electrónica. Contiene algunos momentos aburridos ("Equinoxe VII", "Noche en Shanghai"), pero también mucho material genial ("Orient Express", "Magnetic Fields IV", "The Last Rumba", el mencionado "Magnetic Fields II") y de otro modo interesante ("Fishing Junks at Sunset"). De una manera sorprendente, The Concerts in China es uno de los álbumes que cambiaron el mundo, aunque no fue este álbum real, sino los acontecimientos que está documentando 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mott the Hoople fueron una de las bandas más infravaloradas de los 70. Las obsesiones de su líder, Ian Hunter, se filtraron en canciones emparedadas entre Bob Dylan y un glam rock barato que las hacía deliciosamente guarras. Como ejemplo imperecedero tenemos este clásico, el sexto trabajo del grupo, obra capital y lustrosa en cualquier discoteca exquisita.

"Mott" se alimenta de lo comentado arriba. Guitarras sucias espolvoreadas de brillantina y un estilo vocal emparentado a ratos con el Dylan más desagradable dan como resultado un rock melódico pero feísta, atmosférico pero directo y crudo. Este disco es espectacular de cabo a rabo. Tiene tanto a lo que engancharse que es un auténtico festín. Es proto-punk y proto-heavy, el germen de tantas cosas... Marc Bolan debió quedarse henchido de orgullo y verde de envidia. Seguro. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Como George Benson, Ramsey Lewis tenía un indudable talento para el jazz que fue al menos parcialmente eclipsado por el enorme éxito comercial que conquistó a lo largo de su larga carrera. A menudo subestimado por los críticos, el hábil piano de Lewis se caracterizó por un toque suave y a menudo repetitivo, que recuerda sus raíces gospel.

Wade in the Water (1965), el disco que contenía The in Crowd fue un clamoroso éxito de público y de ventas, y desde entonces la mayoría de su producción no estaría dirigida a una audiencia de jazz, sino de funk y de pop.

De todas maneras  aquí tiene un puente para que te sumes a la larga lista de fans.

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AYER VÍ 2

La voz de Jeff me sorprendió, trabaja las canciones como si le pertenecieran, y la interpretación de Townes de "If I Needed You", me trajo lágrimas a los ojos, sonando tan fresca y limpia, dejándome preguntarme por qué necesitaba salir del planeta; nunca lo hemos necesitado más de lo que lo hacemos ahora. Ryan Bingham nunca ha sonado más anhelante y lleno de deseos solitarios, mientras que Colin Farrell te hará buscar su música si aún no la conoces. Hay un par de sorpresas ingeniosas que hicieron que algunos pliegues conocedores se levantaran de mi frente, pero te las dejaré para que las descubras. Todo ha sido elegido con extremo cuidado por su efecto y su capacidad para mover la música a través de la película... de todos modos, esto es algo para que te lo lleves a casa y lo recuerdes después de que todas las imágenes se hayan desvanecido, y la historia es solo un recuerdo perdido en el tiempo. 

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1969’s # 1 UK ALBUM

Podrán decir que en el disco Truth, Jeff Beck forjó el sonido que Led Zeppelin asumió como propio un año después. 

Tampoco podemos olvidarnos de la obra maestra de Jimi Hendrix; su impresionante Are You Experienced que movió todas las bases y las estructuras con un sismo musical de magnitudes Richterianas. 

Podemos recordar todas las influencias bluseras, el uso de covers de artistas lejanos, la posibilidad de alguna que otra discusión acerca de que tan parecidos suenen sus temas a otros previos.

Podemos poner todos los peros que queramos, pero lo que no me cabe ninguna duda es que estamos ante la presencia de una obra maestra. 

La potencia musical, la fuerza, la densidad y el ritmo de estos 4 muchachos es impresionante, logrando por primera vez para esa época un disco tremendamente pesado y a la vez totalmente disfrutable.

El disco no decae nunca, ni siquiera en una canción que puede ser tan amada como criticada como Moby Dick, ya que el solo de batería que realiza Bonham combina perfectamente con el resto del disco.

Y ni hablar del bajo de Jones que en canciones como The Lemon Song o Ramble On es tremendo.

Fantástica por otra parte la mezcla de momentos intimistas con explosiones en donde la banda te puede hacer pasar por ambos estados dentro de un mismo tema como en What Is And What Should Never Be o Ramble On. 

Ni hablemos de Heartbreaker, Whole Lotta Love o Living Loving Maid... son clásicos eternos.

Un disco esencial a partir del cual todo cambió en el sentido de lo que entendemos como Hard Rock. Una aplanadora que cautivó a millones de oyentes y lo sigue haciendo 50 años después. No es poca cosa. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Comenzando su carrera a finales de los años cincuenta como escritor/pianista de jazz y, finalmente, ganando múltiples premios y elogios por su trabajo, Ramsey Lewis se convirtió en un pianista icónico y compositor innovador. Un trabajador tan prolífico, Lewis lanzó alrededor de 2 álbumes al año a lo largo de los años sesenta y hasta principios de los setenta, donde la música de jazz y sus tradiciones estaban siendo probadas y sus límites fueron empujados por artistas como Miles Davis y Herbie Hancock al reino de Jazz/Funk Fusion. Además, vemos aquí en este disco un ejemplo temprano de sonidos disco que se convertirían en un fenómeno mundial a finales de los años setenta. 

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