martes, 13 de diciembre de 2022

1970’s #1 UK ALBUM

10.10.1970-16.10.1970 


Ya está más que dicho que Paranoid fue la consolidación del sonido Sabbath al dejar de lado las influencias blues de su debut. Aquí el grupo se ve en su mejor forma, entregando muchas de las mejores canciones de su repertorio, y no sólo me refiero a las famosas “War Pigs” o “Iron Man”, sino a otras menos conocidas pero igualmente sólidas como la aletargada “Electric Funeral” y la furiosa “Fairies Wear Boots”, en las que están presentes todos los ingredientes que definieron el sonido del grupo, con los colosales y potentes riffs de Tommy Iommy, la insana voz de Ozzy y una contundecia instrumental inigualable. 


El éxito de “Paranoid” ayudó indudablemente a la enorme popularidad que tuvo el álbum, pero más allá de ser una muestra reducida de la propuesta del grupo, está lejos de ser uno de los momentos definitivos. La nota discordante la pone “Planet Caravan” con su perturbadora atmósfera y enfoque casi folk con sus percusiones, discretas guitarras y piano. La breve descarga instrumental en “Rat Salad” con el obligatorio solo de batería es el único desperdicio, pero no alcanza a empañar esta obra titánica, fundacional e inspiradora como pocas. 

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El primer álbum de Gualberto es realmente excelente. Las tres primeras canciones (“Canción de la primavera”, “Canción del agua” y “Canción de la nieve”) son muy bonitas (especialmente la tercera, que es hermosa) baladas de tendencia popular, que recuerdan un poco a Nick Drake o Harmonium.

Las cosas “serias” comienzan con la cuarta pieza (“Canción del arco iris”) y el uso muy inteligente que se hace del sitar y las tablas. Pero la pieza de elección de esta primera cara es la que la cierra, “Canción de las gaviotas”: es un puro placer y sin duda del nivel de los mejores álbumes de folk progresivo inglés de los años 70, especialmente en su segunda parte, donde la canción se vuelve completamente en espiral.

¡Magnífico! La segunda cara comienza con un muy buen “Terraplén” con acentos andaicos (mezcla de flamenco y música árabe, siempre con sitars y tablas) y le sigue una de las cumbres de esa cara, el muy pelada “Prisioneros” ,sin duda la pieza más “progresiva” del álbum y sin duda una de las referencias de lo que “Tarantos (para Jimi Hendrix)” continúa en esta vena de rock progresivo con acentos flamenco, con un magnífico violín y una guitarra acústica y luego eléctrica igualmente inspiradas. El álbum termina con un toque muy íntimo, con un “Diálogo interior” de gran belleza, donde de nuevo el violín responde a la guitarra acústica. Es un álbum que se aprecia de forma lenta pero segura, así que dale el tiempo que se merece. Muy recomendable 

Pulsa aquí



lunes, 12 de diciembre de 2022

1967’s #1 USA ALBUM

11.2.1967-16.6.1967 


Su álbum anterior, simplemente The Monkees, vendió cinco millones de copias. Sus giras fueron grandes éxitos. Cuando salieron con otro álbum, lo llamaron directamente More Of The Monkees. Sabían que le estaban dando a la gente lo que querían. Dicho esto, creo que 1967 fue cuando los Monkees comenzaron a recibir más críticas de la prensa rockera. Todo el mundo sabe ahora que los Monkees fueron fabricados en gran medida y no tocaron sus propios instrumentos en el registro, pero también hay un contexto más amplio. Otras grandes bandas, como su obvia inspiración. Los Beatles se estaban ramificando y haciendo música más grande y experimental, mientras que las canciones de los Monkees seguían siendo tan simples como podían ser. Tal vez nadie se dio cuenta de esto más que los propios Monkees. Todo esto es cierto, pero sigo pensando que las buenas canciones son buenas canciones independientemente de la innovación, y hay un montón de ellas aquí. 

Pulsa aquí



50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Hay mucho más piano en este disco de lo que podrías escuchar de los MG. Booker también canta, y bueno en eso, en las pistas de apertura y cierre del lado uno, y hay una voz invitada de Judy Clay en "Children, Don't Get Weary".


Destacan principalmente por la versión no individual del gran éxito de MG "Time is Tight", "Tank's Lament" y "We've Got Johnny Wells" también son pistas más Destacadas. También vale la pena señalar que la ingeniería y la grabación de esta banda sonora parecen estar bien, ya que la banda suena tan bien como nunca en esta compañia Stax. El Hammond B3 de Booker realmente grita y brilla aquí.


Recomendaría The Hip-Hug Her antes de este, pero esta es una buena salida de los Memphis Gentlemen.

Pulsa aquí




DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Summer Breeze de Seals & Crofts es un disco muy edulcorado .

Ya con un par de grandes canciones en "Hummingbird" y "Funny Little Man", el álbum se establece como uno bastante melodioso.

Más adelante en el disco, de una manera formulada, Seals & Crofts intentan recrear lo que hizo que estas canciones se hinchan tan bien con un éxito variable. Mientras que el Americana-n "Fiddle in the Sky" y el influyante "The Euphrates" no son malas adiciones a la lista de canciones, siendo el primero particularmente bueno. Otras canciones como "East of Ginger Trees", "Advance Guards" y "Yellow Dirt", aunque buenas pistas cada una, terminan siendo bastante simplificadas. 

Pulsa aquí



domingo, 11 de diciembre de 2022

SALON DE LA FAMA 33 (2018)

Antonio Martínez y José Sánchez 


Durante la 33ª ceremonia anual de inducción al Rock and Roll Hall of Fame, celebrada el 14 de abril en el Auditorio Público de Cleveland, Graeme Edge, de The Moody Blues, expresó los pensamientos de muchos de los miembros de la clase 2018.

Reconociendo el tiempo que les demandó ser finalmente nominados, gracias en parte a una agresiva campaña de los fans de la banda, Edge, el miembro más viejo de la noche con 77 años, dijo: “Pasaron tantos años que se volvió (un sentimiento) algo amargo… Cuando finalmente se dio, me di cuenta de que significaba mucho para mí”.

Los Moodys, junto con sus compañeros Bon Jovi, The Cars y Dire Straits (y las fallecidas Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe) habían sido ignorados durante años para su ingreso al Rock Hall. La ceremonia de ese año puso las cosas en su lugar.


La ceremonia del sábado también introdujo una nueva categoría: The Rock and Roll Hall of Fame Singles honró seis canciones que Little Steven Van Zandt dijo “dieron forma al rock ‘n’ roll”. Los primeros en ser incluidos en la categoría fueron “Rocket 88” de Jackie Breston and His Delta Cats (1951), “Ray Rumble” de Ray Men (1958), “Louie Louie” de The Kingsmen (1963), “A Whiter Shade of Pale” de Procol Harum” (1967) y “Born to Be Wild” de Steppenwolf (1968). 

Pulsa aquí


DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

A comienzos de la década del ochenta tiene unos momentos dignos de recordar: Winning y Hold On, más roqueras que latinas.

En los años noventa, gracias en parte a que fue elegido por la revista Billboard —algo así como la Biblia de la industria musical— como el primer artista del milenio, resurge el interés por Santana. 


Su carrera se reactiva de inmediato: en 1999 produce el disco Supernatural, un éxito sorpresivo y el más grande de su carrera.

Colaboraciones musicales con artistas de varias tendencias y épocas le permiten vender millones de álbumes y tener éxitos en sencillo como Smooth, con Rob Thomas, el cantante de Matchbox 20.


Mantiene esta línea hasta comienzos del nuevo milenio, mientras la estatura del guitarrista nacido en México traspasa las fronteras. Santana, sin duda alguna, es una leyenda de enormes proporciones.

Pulsa aquí



sábado, 10 de diciembre de 2022

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“No Soltaré  el Timón" supone el cuarto álbum en solitario del hoy multiinstrumentista, Antonio Smash. Con el grupo que le da su apellido artístico, fue su jovencísimo batería,  en los primeros 70. Cuando Sevilla y Barcelona se conectaban por un hilo imaginario de ilusión,  esperanza, libertad y buen rollo. Y con los que volvió a rememorar buenos momentos en 2003. "Jardín Secreto" (2002), "Balas de Amor" (2012) e "Intronauta" (2016) son sus anteriores trabajos. Pero su carrera está plagada de nombres que ya forman parte de la música eterna de aquí. Goma, Granada, Pata Negra, Silvio y Luzbel, Kiko Veneno, Lole y Manuel, Alba Molina, Coz, Gas, Flamenco, Barra Libre o Luis Auseron han contado con sus servicios. Ahora se expresa a su modo y a su aire desde  El Tardon, su barrio sevillano de siempre.

Desde la psicodelia al flamenco, y todo lo que puede encontrarse por en medio, forman el núcleo creativo de Antonio Rodríguez Smash. No suena del 2019, éste disco 

Pulsa aquí



viernes, 9 de diciembre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Al igual que con otros álbumes de The Orb, hay pistas aquí que (para mí) parecen demasiado largas, demasiado complejas, demasiado extensas para referirse a "canciones". Towers of Dub y Blue Room son obras maestras, ambas duran al menos 15 minutos y nunca me canso de escuchar ninguna de ellas.


Blue Room se siente casi como si tuviera una historia, como si estuvieras escuchando la música de algún programa de televisión que alguien está viendo en la otra habitación, y Towers of Dub es melódica de principio a fin.


Todo el álbum fluye como un álbum conceptual, todas las pistas encajan y tienen transiciones perfectas de una a la siguiente; cada pista es un punto culminante. 


Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con Arthur los Kinks cierran los 60’s y completan una de las trilogías de álbumes más brillantes de la historia, con Jimi Hendrix, Beatles (66-67) y Dylan (65-66) como únicos competidores. Si Village Green fue la obra maestra pop del grupo, Arthur lo es en un estilo pop/rock, y es que desde mediados de la década que el grupo no usaba de manera tan recurrente las guitarras, con un Dave Davies particularmente activo en “Victoria” y en tres de las canciones más largas del álbum (“Australia”, “Mr. Churchill Says” y “Arthur”) y en las que por primera vez superan los 5 minutos de duración.


Otra de las novedades del álbum en la presencia de vientos en varias canciones que se suman al siempre presente y ya característico clavecín. Ray Davies continúa entregando maravillas pop como “Some Mother’s Son”, “Shangri-La” y “Young And Innocent Days”. Tal como en sus trabajos anteriores no hay puntos bajos en Arthur y si bien ninguna canción logra la perfección de joyas como “Village Green” o “Waterloo Sunset”, el nivel de consistencia es tan alto que los 48 minutos se van muy rápido. 

Pulsa aquí



jueves, 8 de diciembre de 2022

DIRECTISIMO 65

¡Excelente álbum en directo! Me recomendaron que creyera en Phish, jaja, pero lamentablemente después de que se disolvieran. No importa, todo lo que he oído es genial, y este es un gran álbum en vivo. Más de 2 horas de interferencia de alta energía y el sonido es muy claro.


Siempre había oído que Phish eran los sucesores de los Grateful Dead... Soy un incrédulo desde hace mucho tiempo, y puedo ver de dónde vienen, pero tengo que decir que Phish es mucho más amplio musicalmente. Si son los sucesores, también son los superados en muchos sentidos. No, siempre me encantará GD, pero estos tipos me dejarán boquiabierto. Mis favoritos personales aquí son "Stash", "Chalkdust Torture", "Tweezer" y "Simple", pero oye, todo está bien.

Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El monumento que Wilson tenía en su mente a mitad de los sesenta ha ido alimentándose de su propia leyenda. Gestado en 1966 y no llevado a la realidad hasta 2004, esta es la historia de un disco maldito y totémico 

Son numerosas las ediciones pirata del disco perdido de los Beach Boys. Por eso se hacía necesaria una versión canónica aprobada por el propio Brian. La versión definitiva de una obra que no ha hecho más que caldear los sueños húmedos de los fanáticos de la banda californiana. Y esta versión definitiva, como mínimo, hace honor a su leyenda. A pesar de los pesares, de lo marciano de sus armonías, el disco triunfa en la creación de un todo coherente que da prestigio a eso que llamamos música popular. Por sus infinitas capas de sonido, sus arreglos prístinos obra y gracia del enorme Van Dyke Parks, sus coros celestiales. Un disco con el que Wilson no se ha limitado a vivir de las rentas y que cobra vida con cada escucha para llevarnos a un tiempo más brillante, más colorido y más feliz. Y sabemos que es mentira, pero a todos nos gustan estas mentiras. Una y otra vez. 

Pulsa aquí



miércoles, 7 de diciembre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tratan de repetir la jugada con el segundo disco y casi lo consiguen. Formalmente hay poca variación. Ya nos lo anuncia la introducción, que imita la de MCMXC a.D. (90), y es igual de innecesaria. En apariencia se limitan a cambiar los monjes por cantos tradicionales mongoles y mantienen ese ambient de corte doméstico y facilón. 


No obstante, sí que hay diferencias, y es precisamente en las innovaciones donde se le ven las costuras a este disco. Para empezar, un misticismo ingenuo y simplonamente positivo, no solo en la música, sino también en las letras. También se percibe un uso más generalizado de las guitarras eléctricas que incluso llegan a crear pequeñas tormentas AOR en algún solo. Y por último, hay un acercamiento al pop que en algunas melodías vocales ("Out from the Deep", "Silent Warrior") puede recordar a los últimos Pink Floyd. 

Pulsa aquí



AYER VÍ 8



Sylvie’s love, dentro de las limitaciones presupuestarias que posee, trata de parecer estilosa y elegante desde el mismo principio.


Todo ello aderezado con un regusto de bohemia urbana. Y ciertamente esa atmósfera tiene encanto


Estamos en Harlem en los años 50. Clubs de jazz donde excelentes y prometedores cuartetos tratan de ganarse la vida con la música.


Tiendas de discos donde se habla sobre Thelonius Monk, John Contrane o Sonny Rollins. Y amores imposibles difíciles de controlar.


Es encantador que Sylvie se dé cuenta de que realmente está enamorada de Robert viéndole tocar el saxo. Como si la música fuera una celestina.

Pulsa aquí 

martes, 6 de diciembre de 2022

1970’s # 1 UK ALBUM

19.9.1970-2.10.1970 


Es uno de los mejores álbumes en vivo jamás grabados y, además, es uno de los mejores álbumes de dos guitarristas jamás grabados. La asombrosa interacción de la guitarra entre Keith Richards y Mick Taylor eleva totalmente cada canción de este álbum mucho más allá de las versiones de estudio anteriores grabadas. Esta es una captura perfecta de los Rolling Stones en la cima de sus poderes. Mi única queja contra el álbum es la versión en vivo de Under My Thumb, que fue, con mucho, la mejor versión de la canción que los Stones hicieron, específicamente para su gira, que no se incluyó en el álbum. Pero la demoníacomente poderosa versión apocalíptica de la tormenta de fuego de Sympathy For The Devil compensa con creces ese flagrante error. 

Pulsa aquí